Otro rasgo definitorio de A Million Dreams y de la ya larga trayectoria de Raynald Colom es la constante vista atrás en un ejercicio casi reverencial de revisión y actualización de la tradición del jazz: el título del disco, para dejar las cosas claras desde un principio, es un guiño a Duke Ellington (en una entrevista, a la pregunta de qué pasaba por su cabeza cuando tocaba, Ellington contestó un sucinto “un millón de sueños”). Colom hace suya esa bella imagen y resume el espíritu de su nuevo disco de forma igualmente elegante y concisa: “No estamos pensando en notas, estamos pensando en sueños”.

Esa querencia de Raynald Colom por la tradición y el clasicismo se manifiesta a lo largo de A Million Dreams con un despliegue de clase y buen gusto, en el que destaca la majestuosidad del estándar “The Peacocks”, de Jimmy Rowles; una preciosidad que Colom rememora haber escuchado por primera vez en la banda sonora de la mítica Round Midnight (Bertrand Tavernier, 1986) y que sobresale aquí como uno de los momentos más emocionantes del disco. La dupla Colom-Tixier profundiza en los aspectos más melancólicos y bellos de “The Peacocks” y explota la sensibilidad de una composición preciosa, en la línea de la versión que nos regaló Bill Evans en You must believe in spring (Warner Records, 1981). Igualmente elegantes son las revisiones de “Powder Keg”, de Wayne Shorter, o “Sketches Set Seven”, de Eduard Bland; y brilla por derecho propio “September In The Rain”, el estándar de Roy Hargrove elegido por Colom para cerrar A Million Dreams con la seguridad de haber firmado un trabajo excelente.

Todo funciona a la perfección en cada una de estas relecturas; la solidez de François Moutin permite un anclaje a tierra gracias al cual los desarrollos de Vistel al saxofón y el despliegue de recursos y sonidos de Arbenz a la batería no suenan en ningún momento excesivamente abstractos ni innecesariamente virtuosos; Conversations #4 suena en todo momento a tres músicos respetándose mutuamente, escuchándose los unos a los otros y, sobre todo, divirtiéndose al tocar juntos. A pesar de la calidad de las versiones mencionadas, los momentos más interesantes del disco llegan con las composiciones propias, especialmente las enrevesadas estructuras melódicas y las métricas caprichosas de “Pandemia”; y “A Shooting Thrill”, una preciosa balada intimista y frágil que supone el momento más calmado del disco y uno de sus mayores aciertos.  Para despedir un trabajo más que notable, Arbenz y compañía nos sumergen en la belleza cinemática y sentimental que nos transporta a otra época de la indiscutible “Waltz for Debby” de Bill Evans. Visto el nivel alcanzado con las primeras cuatro entregas, no cabe esperar más que cosas buenas de los próximos volúmenes de esta maravillosa serie de grabaciones.

Pero no sólo las composiciones y la producción funcionan a la perfección en Pacemaker; en este disco todo el mundo toca MUY bien. Podría sonar innecesario destacar algo así, pero en los tiempos que corren no es baladí remarcarlo; el personal que rodea a Marta Mansilla funciona como un mecanismo de relojería en el que todo suma, dando como resultado una banda sólida, creativa y brillante. Brilla por derecho propio un David Sancho transmutado en Robert Glasper por momentos; brilla (como siempre) un Alberto Brenes expansivo en la batería; y brillan los bajos negroides de Jesús Caparrós. El trabajo vocal de Virginia Alves y At One es simplemente impecable, y ejerciendo de catalizador que unifica al resto de elementos está una Marta Mansilla capaz de transitar del clasicismo a la modernidad con inteligencia, buen gusto y solvencia instrumental de sobras. Resumiendo: este disco está muy bien hecho, y en mi humilde opinión no deberían ustedes dejarlo pasar, créanme que lo van a disfrutar si le prestan la atención debida.

También están los homenajes: Laura y Every Time We Say Goodbye, dos momentos en los que quizá la identidad del trabajo queda suspendida, o salvada por los solos cuya ruptura se muestra más innovadora, ya que son contenidos a veces por melodías repetitivas, minimalistas, que los fraseos llevan al Hard Bop o al Free Jazz (ocurre en la versión de Laura, pero también en The Landing, en Hidden Light…).

Reminiscing the Unknown Masters es jazz de alto nivel fabricado por especialistas de una larga trayectoria. En las diez composiciones -cinco de Chames, una de Steve Nelson, una de Greg Tardy y otra de Curtis Lundy, más los dos standars arreglados- hay una conexión creativa y virtuosa, un diálogo compacto que, lejos de ser más de lo mismo, es puro deslumbramiento.