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Francisco Mela: Mpt Trío

Francisco Mela: Mpt Trío

Francisco Mela:
MPT Trío

13

FEBRERO, 2021

Francisco Mela, batería/: Hery Paz, saxo/ Juanma Trujillo, guitarra (577 Records). Jazz de Vanguardia

 

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Cedidas por Francisco Mela

Después de grabar con Half Note Records

y encabezar varias formaciones como líder, es visible que el baterista y compositor Francisco Mela, es un peso pesado del jazz de vanguardia con una trayectoria más que ascendente y una capacidad creativa desbordante. Acaba de publicar un nuevo álbum a trío compuesto por Hery Paz, y por Juanma Trujillo, dando nombre al trío, MPT, (2021, 577Records).

Francisco Mela ‘Calipso’ from album ‘MPT Trio Volume 1’ due Jan 15, 2021 via 577 Records

Hace unos años dirigí una jam session en el Why Not Jazz Club (Manhattan, NYC), allí conocí a Hery Paz. Hery me llamó mucho la atención, ya que en su toque demostró que estaba escuchando una tendencia saxofonística que viene del free. Hery Paz es un saxofonista con madurez, ideología y visión. Empezamos a tocar a dúo en mi casa. Más tarde, escuché a Hery Paz con Juanma Trujillo y el proyecto a trío (MPT) empieza a tomar forma (Francisco Mela).

El line-up que compone MPT Trío (Mela, Paz y Trujillo) está formado por el saxo tenor y artista plástico, compatriota de Mela, Hery Paz, una de las figuras sobresalientes en la escena jazzística de NY y por el guitarrista venezolano Juanma Trujillo, que encarnan, con un sello personal tanto a nivel compositivo como interpretativo, el espíritu del jazz de vanguardia. La banda está inspirada en el trío de Joe Lovano, Bill Frisell y Paul Motian.

MPT Trío Volumen1 es un baile sonoro de libertad jazzística con influencias de Free jazz y Avant- Garde; esa es la línea, el estilo por el que nuestro protagonista se ha sentido atraído y cómodo desde el principio, sin olvidar sus raíces afrocubanas que también están presentes en forma de elementos sonoros como campanas y tambores cubanos, evolucionados hacia una música contemporánea creativa.

Hace más de una década Francisco Mela se traslada desde Cuba a Boston para estudiar en Berklee College of Music, fijando su residencia en Nueva York. Como el talento no se esconde fácilmente, en poco tiempo se une al cuarteto de Joe Lovano (2005), al quinteto Us Five y en 2009 forma parte del trío del legendario pianista McCoy Tyner 

Fui muy riguroso respecto a lo que yo quería tocar: jazz. Lo he tomado con seriedad. Me gusta tocar en forma, con tiempos, con compases, con estructuras armónicas-melódicas pero también me gusta tocar libre, tocar sonidos. Después de un concierto en Blue Note, McCoy se despidió de Cecil Taylor y me dijo -yo hubiera querido ser tan free como este señor-. McCoy se sentía free en su interior, su expresión es libre. Después de tocar con él diez años, cuando muere se quedó en mi mente y en mi corazón. Por eso mi siguiente proyecto es un homenaje a McCoy Tyner llamado – Music Frees Our Souls (volumen 1, 2 y 3)-. Es un proyecto de tres LPs con tres pianistas Avant Garde (Matthew Shipp, Cooper-Moore, Leo Genovese) y con el bajista de Cecill Taylor, William Parker Los álbumes los sacaremos a final de 2021 con 577 Records ¿Qué mejor homenaje puedo hacer a McCoy Tyner como agradecimiento al regalo que viví con él? (Francisco Mela).

We play music to free our souls- (McCoyTyner).

Una de mis referencias ha sido y es hasta el día de hoy Roy Haynes, incluso quería ponerme su sombrero. Tengo otros referentes como Andrew Cyrille, Milford Graves, Paul Motian. Roy Haynes me impresionó pero Paul Motian, con su sutileza, me inspiró. Para llegar a un estado mental artístico hay que caminar muchas millas a pie. No sigo clichés, sigo el sonido, es lo que me inspira (Francisco Mela).

McCoy Tyner, Joshua Redman, y Francisco Mela

Joshua Redman, Gerald Cannon, y F. Mela

Joe Lovano, Gerald Cannon, y F. Mela

Hery Paz, Cooper Moore, Francisco Mela, y Juanma Trujillo

Francisco Mela, Chucho-Valdés, y Arúan Ortiz

Craig Taborn, Gerald Cannon, y Francisco Mela

McCoy Tyner, y Francisco Mela

McCoy Tyner, Jeff Levison, y Francisco Mela

Joe Lovano, Esperanza Spalding, y Francisco Mela

Después Mela ha ido consolidándose como compositor con varios álbumes de notoria importancia, todos ellos aclamados por la crítica y por el público; debuta en 2006 con Melao junto a George Garzone Joe Lovano, Leo Genovese, Peter Slavov entre otros. Durante una residencia en el club Blue Note de Nueva York publica su segundo álbum, Cirio (2008, Half Note Records) un directo junto a Mark Turner Jason Moran, entre otros. Tree Of Life (2011, Half Note Records). En 2016 lidera el Trio Crash (Gerald Cannon y Leo Genovese) con el álbum FE, junto al guitarrista John Scofield como invitado especial. Ha tocado y grabado con Kenny Barron, Esperanza Spalding, Aruán Ortiz, Chucho valdes, John Patttucci, Gary Bartz, Paquito D’Rivera, etc. 

Por todo ello Francisco Mela se ha ido configurando como una de las personalidades más atrayentes en la escena del jazz de vanguardia de Nueva York, por su lenguaje particular de libertad creativa y la calidad rítmica que le caracteriza.

La primera entrega (Vol.1) de MPT Trío la conforman ocho composiciones originales de jazz de vanguardia. Abre el álbum Calypso, una composición fantástica de Juanma Trujillo, que comienza con un largo solo de percusión preludio de una fluida conversación con el saxo. Vino, excelente composición en 5/8 de Mela, sin fraseo establecido, entre batería, saxo y guitarra. Suite For Leo Brouwer, es un homenaje de Mela al compositor cubano de orquesta sinfónica Leo Brouwer, música con la que Mela creció. Naima, tema inspirado en su hija. Los temas, Sustain y Whisper, están compuestos por Hery Paz.

 

He tocado con grandes maestros que me han inspirado no solo musicalmente sino también en cuanto a conceptos vitales. Cuando pregunté a Larry Grenadier qué estaba trabajando en ese momento, me dijo: – Estoy estudiando cómo no tocar lo que no me gusta escuchar de mi-. Mark Turner dijo algo parecido (Francisco Mela).

Hoy, todo lo que escucho de lo que toco me hace estar cómodo. Ese es el estado mental que andaba buscando desde hace años. Estoy en el camino para seguir mi proceso (Francisco Mela).

Francisco Mela – «Vino» (Ancestros)

Escrito por Begoña Villalobos

13 de Febrero de 2021

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso
Quartet: Out (2020)

04

FEBRERO, 2021

Alexis Alonso, piano/ Ciro Hernández, cello/ Roberto Amor, batería/ Moisés García, contrabajo/ 

Invitados: Ralph Alessi, trompeta/ Seamus Blake, saxo tenor/ Pedrito Martínez, percusión/ Paula Toral, violín/ Fran Rodríguez, saxo tenor/ Oscar Hernández, trompeta

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Aarón S. Ramos / Sergio Méndez 
©Auditorio de Tenerife / Miguel Barreto

Habitual en las nominaciones a mejores artistas/discos de Jazz en diferentes y prestigiosos premios desde hace ya unos cuantos años (Premios MIN, Premios Canarios de la Música, Festival Fimucité), el tinerfeño Alexis Alonso ha ido poco a poco labrando una carrera asentada en la huida constante del inmovilismo con el pulso firme de un corredor de fondo, aunando el reconocimiento de crítica y público con cada nuevo paso dado.

©Auditorio de Tenerife / Miguel Barreto

Alexis Alonso Quartet – Videopromo «OUT» (new album 2020)

Con unos orígenes anclados en el Rock y en el Jazz como multi-instrumentista en May Day, Siglo XXI o Nine Seconds Quartet y una destacada trayectoria como compositor de bandas sonoras, Alexis Alonso ha ido afianzándose como una de las figuras más interesantes en el panorama del Jazz contemporáneo a base de una labor incansable en la búsqueda de nuevos caminos por los que dar rienda suelta a la fuerza expresiva del piano, envolviéndose en diferentes formatos y enfoques de la composición con cada nueva entrega de su discografía y apostando por lo multidisciplinar y lo audiovisual en su concepto del directo.

Si tuviéramos que establecer una línea de unión para definir los rasgos generales presentes en los diferentes trabajos que Alexis Alonso ha ido presentando en estos últimos años, la búsqueda de la belleza y la emoción sería seguramente una de las pocas características constantes. Alonso siempre aboga por el lirismo y la emotividad a la hora de encarar sus composiciones: la experimentación y la búsqueda de nuevas formas expresivas nunca se manifiestan desde la tensión, la incomodidad o el rupturismo, ya sea desde el intimismo melancólico de sus dos excepcionales discos de piano solo (El Paisaje y The Birth of Time, de 2014 y 2016 respectivamente) o desde el caleidoscopio creativo de su actual cuarteto. 

Alexis Alonso Quartet – Last Minute (Live / Festival Canarias Jazz & Más Heineken 2018)

La inclusión del violonchelo a manos de Ciro Hernández como inusual cuarto elemento en el cuarteto de Alexis Alonso ya supuso una nota de color distintiva y extremadamente efectiva en el anterior disco de Alonso, IN (2018). Dos años después, a modo de continuación lógica o como complemento perfecto a aquel disco, nos encontramos en OUT con una formación (completada por la batería de Roberto Amor y el contrabajo de Moisés García) sólida y eficaz que funciona con precisión de relojero y que consigue llevar las composiciones del pianista canario a diferentes planos de brillantez y emotividad en un verdadero cóctel de influencias, sensibilidades y texturas que funciona a la perfección. 

OUT suena expansivo, ambicioso, brillante y luminoso. Música grande. Hay clasicismo, como en la romántica y emocionante apertura del disco con Walking on the Water o en su no menos romántico cierre con Resurrection; hay espacio para el juego (el pulso casi drum’n’bass de Roberto Amor en Grooving Dance, los aires arabescos de la impecable Mudejar Place o el colorido latin de las percusiones de Pedrito Martínez en Blue Trip, por ejemplo), hay hueco para colaboraciones de lujo (presten atención a la trompeta de Ralph Alessi en 60 Seconds of Beauty y, sobretodo, al saxo de Seamus Blake en Serengueti, uno de los mejores temas de OUT) y hay, sobretodo, el talento desbocado de un pianista en estado de gracia.

OUT supone un viaje de algo más de una hora a través de un montón de ambientes, paisajes y estados emocionales que hay que disfrutar con calma y atención, huyendo de intelectualizaciones y con la mente y el corazón bien abiertos.

 Permítanse el placer de bucear en este disco, créanme cuando les digo que es una experiencia que vale la pena.

Escrito por Ricky Lavado

04 de Febrero de 2021

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Hermon
Mehari, Entrevista Y Reseña:
A Change For The Dreamlike

28

ENERO, 2021

Hermon Mehari, trompeta/ Tony Tixier, piano/ Peter Schlamb, piano, vibráfono/ Ryan J. Lee, batería/ Kae Dilla, Rhodes, sintetizador/ DeAndre Manning, bajo/ Hugo LX, batería, producción/ Tesfal Tsehaie, voz/ Karl McComas-Reichl, bajo/ Jeff Hill, batería/ Zach Morrow, producción de batería

 

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Nancy Pappas, James O´Mara

A Change for the Dreamlike, distribuído por MiRR/ L´autre es el nuevo álbum que el compositor y trompetista, Hermon Mehari realizó durante el confinamiento por la pandemia en Francia, donde reside. El disco se grabó en un granero de la campiña francesa de una forma peculiar, junto a colaboradores cercanos al autor, como Tony Tixier al piano, Peter Schlamb al vibráfono y Ryan J. Lee a la batería. 

El nuevo álbum es una excusa para hacer un repaso del trompetista. Haciendo una retrospectiva de su trayectoria, este músico emergente maestro de la trompeta, crece en la comunidad tradicionalmente musical de Kansas City. Es un prolífico colaborador de la escena internacional de jazz actual, tanto en EEUU como en Europa, y participante activo en el colectivo de música parisina MiRR.

 

 

Hermon Mehari – Dreamscapes ft. Hugo LX

Kansas City es un lugar especial porque es uno de los pilares de esta música. Ha habido varias generaciones de músicos que han aprendido unos de otros y han mantenido viva la tradición. Bobby Watson  fue y es una de las mayores influencias musicales para mí. Me tomó bajo su protección y realmente creyó en mí. Poder interactuar con alguien que es parte del «árbol» es muy importante para comprender. Las personas de una generación antes que la mía, también han moldeado mi voz, como Logan Richardson. También mis compañeros como el baterista Ryan J. Lee, el vibrafonista / pianista, Peter Schlamb y el bajista Ben Leifer me han enseñado mucho. Los músicos de Kansas City son con los que me siento más conectado, así que trabajo con ellos tanto como puedo hasta el día de hoy, a pesar de que estoy basado en París. El Medio Oeste ha contribuido al corazón y el alma de esta música, y eso se puede ver en la música de Pat Metheny, Logan Richardson, Bobby Watson, Charlie Parker y muchos otros (Hermon Mehari).

A diferencia de su álbum debut (Bleu), A Change for the Dreamlike es un disco muy personal, como dice el autor, es una especie de diario centrado en el presente, en las visiones, los deseos, fantasías y recuerdos que conforman una mixtape de sueños y conexiones personales. Se nota la raíz africana en su música, sobre todo en su segundo trabajo, el álbum del que nos estamos ocupando, que es más introspectivo que el primero ya que ésta pensado desde otro enfoque y en un momento de reflexión vivido por el músico en el confinamiento.

El sonido de la trompeta, conectado con los ritmos de raíz africana, es el hilo conductor de todos los temas. Shenandoah es el tema que abre el disco, una referencia a la canción popular del S. XIX, un tema que siempre quiso grabar. Let´s Try this Again, tema de ágil conversación entre trompeta y piano con Tony Tixier. En A Conversation with My Uncle, Mehari acompaña la narración de voz de su tío con la trompeta. Eritrea, tema grabado junto con el D.J parisino Hugo LX en la producción de la batería y Peter Schlamb al vibráfono, que colabora en los dos discos de Mehari. El estilo compositivo de Eritrea ésta basado en la música eritrea, siendo un registro a la memoria de su padre, de la historia sobre el camino que su padre hizo como refugiado, durante la guerra entre Eritrea y Etiopía. La balada, All Alone, de trompeta, Rhodes y sintetizador con Kae Dilla. I Cry for Our People registrada con Ryan J. Lee, tiene que ver con el dolor en relación a la diáspora africana. 

La integración de mis raíces africanas, inherentemente ligadas a la cultura afroamericana, es algo inconsciente para mí. La forma en que escucho la música se desarrolló a través de mi educación cultural. Además, he pasado la mayor parte de mi vida estudiando música afroamericana. Yo diría que la única forma en que he incorporado consciente y decisivamente mis raíces ha sido recientemente en mi último disco con las canciones «A Conversation With My Uncle» y «Eritrea». (Hermon Mehari)

Hermon Mehari – All Alone ft. Kae Dilla

El estilo de Hermon Mehari es contemporáneo, de técnica brillante y una fuerte presencia melódica. Un sonido suave, elegante y profundo. Una delicia para el oído. Destacado recientemente en álbumes como el de Alexis Valet Library of Babel, Electric Tinks de Peter Schlamb, High Skies de Matt Villinger, The Escape de Benjamín Sanz, Power de Hugo KL, por citar algunos. Fue miembro fundador del grupo de jazz Diverse, junto al batería de Ryan Lee y el bajo de Ben Leifer. 

En términos de trompeta, la mayoría de mis influencias más fuertes no son trompetistas. Siempre he gravitado más hacia el saxofón y la voz. En términos de sonido, tengo un tono menos metálico, un poco más dulce y redondo. También refiné (sigo refinando) mi sonido a través de lo que se considera «pedagogía clásica» (un término engañoso), al haber estudiado en el conservatorio y seguir buscando el consejo de los más grandes productores de sonido de trompeta. Dicho esto, por supuesto que me han influido los trompetistas fuera del ámbito clásico, en particular Clifford Brown, Miles Davis, Louis Armstrong, Nicholas Payton y Ambrose Akinmusire. Escuché a Ambrose, hace más de doce años por primera vez, me abrió los oídos a muchas posibilidades diferentes con la trompeta. (Hermon Mehari)

El álbum presentación como líder de Hermon Mehari, titulado Bleu (2017), es un trabajo compositivo sobresaliente. La banda que selecciona para el primer álbum a su nombre, grabado en sexteto, es un desfile de figuras de primera línea, como Aaron Parks (piano, teclados), Logan Richardson (saxofón alto), Peter Schlamb (vibráfono), Ryan J. Lee (batería), Rick Rosato (bajo)

En la actualidad tengo algunos proyectos en los que se estoy trabajando al mismo tiempo: un dúo con el pianista de Florencia Alessandro Lanzoni, un dúo con Peter Schlamb, un proyecto de cuarteto analógico inédito con Peter, Ryan Lee y Ben Leifer, y mi seguimiento de » Bleu «. (Herman Mehari).

Hermon Mehari Plays «I’ve Grown Accustomed To Her Face» (feat. Aaron Parks)

Escrito por Begoña Villalobos

28 de Enero de 2021

Daniel Torres First Statement

Daniel Torres First Statement

Daniel Torres. 
First Statement

05

ENERO, 2021

Daniel Torres, saxo tenor/ Perico Sambeat, saxo alto/ Peter Bernstein, guitarra/Sri Hanuraga, piano/ Joao Lopes Pereira, batería/ y Romeu Tristao, contrabajo. Outside In Music 2020.

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Tomoyuki HottaPepe Ainsua, Dan Burcea

First Statement es el primer disco como líder del saxofonista tenor malagueño Daniel Torres 

Pude asistir como invitada a la grabación del álbum y esos momentos únicos e irrepetibles de creación son más que fascinantes. La magia de presenciar una grabación en directo de un discazo de jazz no tiene parangón.  La grabación fue en PKO, los estudios de Boadilla del Monte en Madrid.

«First Statement» Daniel Torres (feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat)

Torres se ha formado en diferentes ciudades de importante nivel jazzístico, como Ámsterdam, Toronto, Nueva York, Barcelona. Para su álbum debut se ha rodeado de una banda de alta calidad. 

Perico Sambeat, es uno de los músicos que más admiro en el mundo. No hay otro saxofonista alto como él, lo considero más como un poeta musical que convierte en arte cada nota que toca. Es lírico, honesto, creativo y rítmico. Su voz ha sido un añadido perfecto en mis composiciones, que en parte escribí pensando en cómo sonarían siendo interpretadas por él. Tenerlo en este disco ha sido un sueño.

Como invitados en el álbum debut, en primera línea dos grandes referentes del jazz internacional, el valenciano Perico Sambeat  al saxo alto y el neoyorquino Peter Bernstein a la guitarra. Completando el sexteto, el brillante pianista indonesio, Sri Hanuraga y dos talentosos músicos portugueses, Joao Lopes Pereira y Romeu Tristao, a la batería y al contrabajo respectivamente, integrantes de Ricardo Toscano Quartet El formato del grupo varía a lo largo de los temas, desde el clásico cuarteto hasta el sexteto, una formación más grande es cada vez más inusual en la actualidad, y ofrece numerosas posibilidades a la hora de explorar diferentes posibilidades sonoras y tímbricas.

Hay ciertas características musicales concretas inherentes a estas composiciones que encajan con el estilo personal de estos músicos, especialmente en la faceta de la improvisación. Sri Hanuraga (Aga), es virtuoso, creativo, enérgico, rítmico, melódico. Tiene todas las cualidades que me gustan en un pianista. Su compromiso con la música, su maestría musical y la gran complicidad que desarrollamos tanto dentro como fuera del escenario es algo que lo convierten en un pilar fundamental de este proyecto. João Lopes Pereira y Romeu Tristão, además de ser músicos excepcionales, como sección rítmica se compenetran y entienden a la perfección. Poseen un sonido personal y moderno, fuertemente arraigado en el swing y en la tradición del jazz, y eso es exactamente lo que buscaba para este grupo.

Los diez temas que conforman el álbum, ubicados en una estética Straight Ahead, son un compendio de composiciones originales del multipremiado tenor y un standard, que se lanzó en 2020 por la compañía discográfica con sede en Nueva York,  Outside In Musicun sello que se está convirtiendo en referencia para músicos de jazz americanos y europeos.

En la guitarra cuento con otro titán de la música, Peter Bernstein, que simboliza el jazz. Lo tiene todo, un sentido del swing inconmensurable, una creatividad rítmica desbordante, un sentido del blues que se hace notar en cada nota y una capacidad incesante de crear melodías bellas. Es un improvisador nato que ha colaborado con muchas figuras históricas. Su sonido, su fraseo… todo encaja perfectamente con mí música. Su aportación a mis temas ha sido increíble y es un honor tenerlo en este proyecto.

«Falling Up» (Daniel Torres) feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat

April in August (Daniel Torres) feat. Perico Sambeat

«The Wanderer» (Daniel Torres) feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat

El tema que abre el álbum se titula The Wanderer, y está inspirado parcialmente en las sonoridades de Coltrane y Hancock. Los demás temas que conforman el disco son: First Statement, tema que da título al álbum con una estética hard bop, el blues bogaloo Falling Up, April in August (contrafact basado en I´ll Remember April, de intenso y rápido diálogo entre el saxo alto y tenor), Dance of the Forest (tema a cuarteto en tres por cuatro) los temas modales Ave Fenix, Minor Explosion, Roxi’s Garden y el standard My Ideal.

Torres está actualmente inmerso en el proceso de creación de su segundo álbum como líder, grabado en directo y en estudio a cuarteto, de título Stepping Out of Reality, junto a una sección rítmica formada por el contrabajista holandés, Joris Teepe, el baterista de Florida Owen Hart Jr., y el sevillano Juan Galiardo al piano. Todos comparten la pasión por el straight ahead jazz y por los sonidos modales de McCoy, Coltrane o Miles. Teepe, Hart Jr. y Galiardo han girado y grabado con innumerables figuras del jazz, como Barry Harris, Branford Marsalis, Steve Grossman, David Kikoski, Benny Golson, Tom Harrell, Marc Copland, Harold Mabern, Rashied Ali o Slide Hampton. El nuevo álbum mantendrá una estética dentro del hard bop y el straight ahead jazz, con algunos tintes de free jazz e influencias de música brasileña.

 El cuarteto clásico de jazz, piano, batería, contrabajo y saxofón, representa para mí un laboratorio musical donde todos los experimentos son posibles. Una de mis máximas referencias de cuartetos en el jazz es el de John Coltrane con Elvin Jones, McCoy Tyner y Jimmy Garrison. El sonido de este grupo y la intensidad de su música es sin duda, una gran fuente de inspiración. 

Torres también está preparando en la actualidad otro álbum que co-liderará con su amigo e influencia musical, Enrique Oliver Será un álbum a quinteto con dos saxos tenores, contrabajo, piano y batería, donde tocaran temas originales, algunos inéditos y otros escritos con anterioridad adaptados para esta formación. Este disco será grabado en estudio y en directo en febrero de 2021. Este nuevo proyecto quiere dar prioridad a las posibilidades armónicas y rítmicas que ofrece el hecho de usar dos saxos tenores en las composiciones e improvisaciones.

Escrito por Begoña Villalobos

05 de Enero de 2021

ENTREVISTA: JORGE PARDO & GIL GOLDSTEIN: BROOKLYN SESSIONS

ENTREVISTA: JORGE PARDO & GIL GOLDSTEIN: BROOKLYN SESSIONS

Entrevista a Jorge Pardo & Gil Goldstein,  Brooklyn Sessions

12

DICIEMBRE, 2020

Jorge Pardo, flauta / Gil Goldstein, piano

Texto: Begoña Villalobos

Fotografía: (Créditos) Retroviseur Productions

Fotografía: Pepe Ainsua

Diseño gráfico y web de inandout-jazz.es: Nuño Conde

Este artículo recoge la entrevista realizada a Jorge Pardo y a Gil Goldstein sobre las sesiones de grabación en Brooklyn.

Brooklyn Sessions es el título del álbum que reúne una de las sesiones grabadas en Nueva York. Este registro de grabación de formación a dúo (flauta y piano) con Jorge Pardo y Gil Goldstein constituye el álbum. La sesión forma parte del documental sobre la vida de Jorge Pardo titulado Trance, producido por Retroviseur Productions, que muy pronto verá la luz. 

Es un álbum histórico por varias razones. Aunque parezca increíble es la primera grabación de música de jazz americana que Jorge Pardo edita públicamente bajo su nombre y también por primera vez graba un disco íntegro con flauta.

Jamboree Jazz Club – Jorge Pardo

Jorge Pardo, toda una eminencia dentro del panorama musical nacional e internacional, es el responsable de vincular la flauta y el saxo con el flamenco. Ha trabajado con Paco de Lucía, Camarón, Chick Corea entre otros. Es Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2015, y Premio a Mejor Músico Europeo de Jazz en 2013. 

Gil Goldstein es un reconocido pianista y compositor ganador de tres premios Grammy. Comenzó con Gil Evans Orchestra en 1980. Ha trabajado con Wayne Shorter, Billy Cobham, Jim Hall entre otros.

Brooklyn Sessions evidencia la fluida sinergia que existe entre ambos.

Gil Goldstein featuring Encuentro acoustic trio playing All of me

InandoutJazz: Habéis colaborado juntos durante mucho tiempo. ¿Por qué decidís grabar un álbum en este momento?

Gil Goldstein: El mundo de la música presenta oportunidades para aquellos que están preparados para conocerlas y esperamos estar a la altura de las ocasiones cuando surgen. Esta fue una de esas oportunidades. Espero que los oyentes aprecien el trabajo que hicimos en nuestro corto tiempo juntos en Brooklyn.

¿En qué momento conoces a Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Conocí a Gil cuando yo tenía dieciocho años. Gil vino a Europa como pianista de Astrud Gilberto y no tenía saxofonista, me llamarón y le conocí. Toqué con él y con la banda de Astrud Gilberto en los festivales de verano. En ese momento Gil y yo empezamos una relación que se ha dilatado hasta nuestros días. Una relación que, aunque no ha sido muy intensa, ha sido perseverante. A lo largo de estos treinta años él ha venido a España recurrentemente y también hemos tocado juntos en el Village Vanguard de Nueva York y otros clubes importantes. 

¿Cómo fue el encuentro con Gil Goldstein para la grabación de Brooklyn Sessions?

Jorge Pardo: El encuentro fue muy emocionante. Nuestro encuentro no tenía previsto ser un disco. Estas sesiones en Brooklyn forma parte del documental titulado Trance. La productora francesa propuso filmarme en Nueva York con algunos de mis colegas y Brooklyn Sessions es el álbum a dúo con Gil Goldstein que recoge una de estas sesiones.

¿Cómo fue la grabación?

Jorge Pardo: Fue un disco hecho a la antigua, grabado en dos horas. Se grabó en un estudio pequeño pero muy coqueto que Gil contrató, con un piano que sonaba de maravilla. Flipo con el sonido del piano de Gil, el tacto y la delicadeza con que lo toca, le saca unos timbres increíbles.

La mañana siguiente fuimos a otro estudio más grande para grabar otra sesión con Mark Guiliana, Edman CastañedaMatt Garrison y el mismo Gil. Hicimos otras dos sesiones, que muy probablemente están destinadas a ser publicadas próximamente en otro nuevo álbum.

Gil Goldstein: Jorge es una fuerza de la naturaleza, en cada situación musical siempre aporta luz real y respondemos a eso. La luz dentro de él es lo que escuchamos y es lo que atrae a la gente hacia él y hacia su música. 

¿Por qué piensas en Gil para la sesión de grabación? 

Jorge Pardo: De todos los amigos que tengo en Nueva York, Gil es mi colega de hace mucho tiempo y quería tener un encuentro con él. Cuando estuvimos de gira con Astrud Gilberto hicimos una muy buena sesión de estándares y pensé que sería bonito rememorar ese encuentro y hacerlo a dúo.

¿Cuáles son las ventajas y dificultades de tocar a dúo?

Jorge Pardo: Dice el dicho que menos es más. Entre dos instrumentos se crean una amplitud de sonido, unos vacíos, unos silencios y unas insinuaciones, que cuando la banda es más grande, van desapareciendo. La dificultad es precisamente creer y aprender a manejar los silencios y los matices suaves porque son parte de la música, es una de las grandes empresas que todo músico tiene acometer.

Gil Goldstein: Yo siempre prefiero el dúo porque es la forma más directa de comunicarse entre músicos. Es más fácil que dos músicos se conviertan en uno, a que tres, cuatro o cinco músicos logren una unidad. Por supuesto que no es fácil, pero tienes mayores probabilidades.

¿Por qué la elección de estos estándares y no otros?

Jorge Pardo: Cuando me encuentro la primera vez con Gil tocamos estándares. Ahora hacemos una especie de recreación, e insisto, no había nada planeado. En previsión, unos días antes, le envié una lista de veinte o treinta temas para tocar a dúo. Grabamos todo en una toma y el resultado fue los nueve temas que componen el disco.

Gil Goldstein: Los estándares son un lenguaje común entre los músicos del mundo y un gran trampolín para lograr la personalidad dentro de un marco con el que todo el mundo está familiarizado. 

¿Qué destacas de este álbum en el contexto de tu larga carrera como pianista?

Gil Goldstein: Honestamente, mi carrera como pianista se ha diluido un poco por mi carrera como arreglista, acordeonista y también por mi forma de tocar el Fender Rhodes. Uno de los primeros discos que hice fue un dueto con Pat Martino y era solo guitarra y Fender Rhodes. Pensé que tal vez ese instrumento hubiera sido una buena opción para este álbum, pero Jorge sintió que el piano era una mejor opción y acepté. Me siento afortunado de tener más de un instrumento en el que expresarme, al igual que Jorge con la flauta y con el saxo tenor y soprano. Es una suma de posibilidades y de texturas.

I Loves You Porgy · Jorge Pardo · Gil Goldstein · George Gershwin

Existe una notable complementariedad en un disco a dúo y en concreto en este, entre piano y flauta. En tu opinión ¿cuál es la magia que hace que ese tipo de interpretación sea un éxito?

Gil Goldstein: No sé si son particularmente esos dos instrumentos o el hecho de que yo respeto el sonido de la flauta y él respeta el sonido del piano y presentamos los instrumentos de la manera más clara para que se convierta en parte de la textura. En realidad, podrían ser dos instrumentos diferentes. Depende de los jugadores, encontrar los registros correctos y organizarlos en consecuencia. 

Jorge Pardo: Pues sí, porque no hay arreglos escritos. Es un encuentro a bote pronto. A pesar de que nos conocemos, llevábamos cinco años sin tocar juntos y mucho más sin haber tocado estos temas. Esta complementariedad que dices es instantánea porque surge en un momento concreto, aunque existe una predisposición que viene de mucho tiempo atrás, que en definitiva tiene que ver con conocer el sonido del otro.

El sonido es brutal, se percibe la complicidad.

Jorge Pardo: Sí, sí. El sonido te atrapa y es cuando se nota que está grabado de forma natural, no está regrabado, ni prácticamente editado. Está tal cual. Esa sensación ésta presente.

¿Cómo es Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Es un tipo extraordinario, a parte es amigo mío. Tiene una gran personalidad y ha sabido potenciar a otros artistas. Un sideman muy cotizado porque va desde Miles Davis pasando por la orquesta de Gil Evans, Pat Martino, Pat Metheny, Sting, por nombrar a algunos.

Todo el disco ésta grabado con flauta, ¿cómo decides esto?

Jorge Pardo: Cuando la sesión empezó a planearse fue uno de mis pensamientos. Decidí grabar solo con flauta porque pensé que hay miles de sesiones con saxo pero no tantas con flauta. Lo viví como un reto bonito, además nunca había hecho un disco entero de flauta. 

¿Qué es lo que pactáis antes de empezar a grabar?

Jorge Pardo: Una de las pocas cosas que hablamos antes de sentarnos cada uno con su instrumento fue hacer un disco de estándares de jazz clásico, pero no con un enfoque de temas largos, sino con un par de coros. Nos repartimos cada introducción y cada solo. La idea era conservar la estética de la época, en la que la técnica de grabación obligaba a hacer temas de cuatro o cinco minutos, no más largos.

No os alejáis mucho de la melodía real de los estándares.

Jorge Pardo: Para mí la idea no era afrontar los temas haciendo grandes solos virtuosos. Era más bien decir los temas, incluir en la interpretación tu propia visión. Todo es improvisación, pero la forma no son solos al uso de lenguaje de jazz.

Gil Goldstein: Creo, al igual que Jorge, que la melodía original es sagrada y también la naturaleza básica de la armonía. No me gusta cuando los músicos manipulan las intenciones del compositor y cambian la naturaleza de la melodía y de la armonía. Entonces deberían escribir sus propias composiciones. Cuando tocas las composiciones de otro, debes retener la esencia de esa canción, pero puedes darle una nueva luz. 

¿A qué te refieres cuando hablas de dar una nueva visión o cómo dice Gil de aportar una luz nueva?

Jorge Pardo: Gil y yo, a pesar de que coincidimos en lo esencial, nos dejarnos llevar por el sonido, eso es común a todos los músicos del mundo. Gil tiene su bagaje y yo tengo el mío, muchas veces son estéticas aparentemente diferentes, pero a mi juicio están tan bien conectadas y tan bien dichas que no escuchas dos estilos diferentes, sino que escuchas un estilo, que cada uno hace a su manera y eso no es solo una suma, es una multiplicación.

Brooklyn Sessions es la primera grabación que edito públicamente con música de jazz americana. Puntualmente había hecho a mi manera (por bulerías) alguna versión de varios temas de jazz pero nunca lo había hecho en sus versiones más originales. Publicar estándares de jazz era una obligación que tenía con mi gente y conmigo mismo, es curioso después de tantos años. 

Estas sesiones ¿son parte de la banda sonora del documental Trance?

Jorge Pardo: No se puede decir que es la banda sonora, pero sí es parte de ella. En la segunda sesión en Nueva York los temas que he manejado en toda la película son propios. 

¿Cuándo vamos a poder ver el documental?

Jorge Pardo: El documental tenía que haberse estrenado ya, pero con la pandemia han tenido dificultades para rematar. Espero que esté para el invierno o la primavera próxima. Las cosas dentro de lo mal, van bien. El documental es sobre mi vida y la de todos los músicos que aparecemos, pero tiene un trasfondo argumental y una historia que a veces está ficcionada, no sé si el director estará de acuerdo conmigo, pero tiene ese carácter.

¿Por qué elijes la discográfica Karonte para la publicación del álbum?

Jorge Pardo: Bueno, cuando escuchamos el audio se lo envié a Fernando y le gustó, nos pusimos de acuerdo fácilmente, me dijo, esto vamos a publicarlo. Desde hace tiempo Fernando sigue apostando por la producción de la música local y mantiene milagrosamente una importante estructura como para ser una buena plataforma para difundir la música. A Fernando lo conozco desde hace tiempo y ya tengo varios discos publicados en su compañía. Es un personaje que te encuentras en ese camino donde las alianzas son necesarias.

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Diciembre de 2020

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