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In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

05

NOVIEMBRE, 2019

Ficha:

BROKEN CIRCLES Whirlwind Records, 2019
JURE PUKL / saxofón tenor, clarinete bajo
CHARLES ALTURA / guitarra
MATT BREWER / contrabajo
JOEL ROSS / vibráfono
KWEKU SUMBRY / batería

Escrito por Begoña Villalobos
 

Broken Circles es el nuevo álbum del innovador saxofonista residente en Nueva York, editado en 2019 por Whirlwind Records   que estará en el mercado a mediados de noviembre. 

Sin renunciar a su faceta acústica, con este nuevo título, Jure Pukl ha querido experimentar con una combinación de sonido eléctrico y acústico muy diferente de su disco anterior. El álbum grabado a quinteto reafirma una vez más la posición como líder y sobresaliente compositor de Jure Pukl (Slovenj Gradec, Eslovenia, 1977) junto al ensamble compuesto por el californiano Charles Altura a la guitarra, que aunque es una de las voces emergentes, ya posee una potente trayectoria que incluye nominación Grammy, un cotizado Joel Ross al vibráfono que aporta una atmósfera espacial y flotante a las composiciones del esloveno, y una soberbia sección rítmica compuesta por uno de los principales bajistas del mundo, Matt Brewer. Cerrando la sección, el baterista, percusionista y compositor de Washington Kweku Sumbry con una arraigada tradición de raíces africanas.

Jure Pukl abre un nuevo capítulo en el desarrollo compositivo de su carrera con el nuevo lanzamiento, diferente del anterior álbum, Doubtless, un proyecto a cuarteto de doble tenor junto a Melissa Aldana, Gregory Hutchinson y Joe Sanders, más abierto y acústico que Broken Circles que mantiene un sonido más eléctrico. 

 Con una base tradicional y elementos de la vanguardia más creativa, el álbum con Juré Pukl a la cabeza actualiza el concepto establecido y presenta una conversación colectiva de gran calidad expresiva con composiciones, ritmos, estructuras definidas y capacidad para la  improvisación.

‘Doubtless’ from ‘Doubtless’ by Jure Pukl

“Los músicos con los que tocas te ayudan a transformarte en el músico que vas a ser”, comenta Jure Pukl

Con estudios de saxo clásico y de jazz en Viena, Boston y Nueva York, la discografía de Juré Pukl como líder incluye álbumes anteriores como EARchitecture (Sessionwork Records, 2010), Abstract Society (Storyville,2012), The Life Sound Pictures of Jure Pukl (Fresh Sound New Talent, 2014), Hybrid (Whirlwind Recordings, 2017) y Doubtless (Whirlwind Recordings, 2018).

Improvisar es una decisión colectiva, proyectar qué es lo que necesita la música en ese momento”, comenta Melissa Aldana (saxo tenor, Santiago de Chile,1988)

 

 

 

Daniel Nösig /Jure Pukl Q. feat. Tzumo Arpad / Josh Ginsburg / Greg Hutchinson

In&OutJazz. El álbum anterior Doubtless fue un éxito rotundo, Broken Circles es totalmente diferente, con otra formación instrumentista y un cambio radical en la sección de ritmo, ¿cuál ha sido el concepto musical qué has manejado en el nuevo álbum? 

Juré Pukl. El nuevo álbum es una formación e instrumentación diferente que Doubtless, pero no tan diferente de mis álbumes anteriores. Grabé The life Sound Pictures en 2014 (FSNT 458) y también tengo un quinteto con la misma formación, excepto que en este álbum el piano es reemplazado por el vibráfono. El concepto musical del nuevo álbum es combinar este sonido electrificado con acústico; La guitarra eléctrica y el vibráfono dan esta sensación flotante, sensación de agua y aire. Los tambores y los contrabajos dan esta idea de tierra, sonido más oscuro y los saxofones son altos o bajos (soprano versus saxofón tenor). También hay dos pistas son con clarinete bajo y esto consigue un sonido aún más suave y oscuro.

En el álbum anterior hubo una fuerte conexión con la banda, colegas y amigos durante mucho tiempo. ¿Qué podemos esperar en Broken Circles? ¿Qué aportan los componentes de la banda como grupo?

Con esta banda desarrollamos un sonido fuerte juntos. Esto sucede en la actuación y los ensayos, pero también nos conectamos a un nivel muy personal, como seres humanos. Pasamos el rato, somos amigos, hablamos de la vida y las cosas, comemos juntos … todo esto para mí es importante para hacer música. Cada jugador agrega su propia voz, su propia visión del mundo a la mesa y cada componente es igual de importante.

¿Son todas composiciones originales tuyas? ¿Utilizas el piano para componer?

Este álbum contiene todas mis composiciones excepto Kathelin Gray, escrita por Ornette Coleman y Gloomy Sunday, que es una canción suicida húngara escrita por el pianista y compositor húngaro Rezso Seress en 1933.  Toda la composición que hago es principalmente con piano, a veces con saxofón y algunas ideas salen de la batería. Cuando compongo no pienso, o al menos trato de no pensar demasiado. Voy a donde me llevan la música y las ideas. A veces me quedo estancado con una idea y no puedo continuar, otras veces escribo una melodía en una sola pieza.

¿Hay influencias de Ornette Coleman en tus composiciones?

Ornette Coleman es una de mis influencias, pero no es la única. Con este ensamble la música puede ser improvisada pero con una estructura definida que recoge la historia de la música en sí. No solo es tocar música de una cierta manera, también poder salirse de la caja y crear.  Es la magia de la banda, estar abierto a todas las posibilidades que pueden pasar musicalmente.

¿Cuánta improvisación podemos escuchar en Broken Circles?

Hay un 70% de improvisación en un material dado. Las canciones están escritas, pero después de eso, todo es improvisación.

 

 

 

Jure Pukl Quintet feat Charles Altura, Joel Ross, Matt Brewer, Kweku Sumbry II

Tanto en el anterior disco como en Broken Circles has prescindido del piano, ¿no te gustan las teclas? 

Estos 2 últimos álbumes no tienen piano, pero los 6 álbumes anteriores tienen piano, así que me encanta el piano (risas). Con Doubtless no teníamos un instrumento armónico en absoluto y con Broken Circles simplemente lo reemplacé con vibráfono, es solo una imagen de sonido que tengo en mi cabeza / oídos y no tiene nada que ver con mi preferencia de instrumentos.

En todas las reseñas de álbumes anteriores la valoración es excepcional. ¿Esperas esta valoración?

La expectativa es crecer como músico. Soy muy privilegiado porque viajo a cualquier parte del mundo. El público siente la energía que nosotros damos, la audiencia lo percibe, de ahí viene el reconocimiento y el feedback positivo. 

Hay una gran conexión musical y una energía palpable en tus directo. ¿Qué código manejas para qué esto sea así con la banda? 

Cuando hay confianza, estamos relajados y disfrutamos del momento es cuando la energía fluye. La amistad es muy importante para que haya una buena energía a la hora de tocar, eso se trasmite en el escenario.

¿Cómo ha sido el criterio de elección en relación al sello discográfico del contrabajista Michael Janisch (Whirlwind Records)?

WR (Whirlwind Records) es un gran sello, uno de los más jóvenes del Reino Unido, hasta ahora he hecho 3 álbumes para ellos y seguramente haya más. Son profesionales, responsables y no quitan la libertad artística, ni siquiera el 1% … Están abiertos a ideas y nuevos conceptos, por lo que puedo decir que son una gran etiqueta.

 

 

 

Jure Pukl’ Doubtless with Melissa Aldana Joe Sanders Greg Hutchinson

Jure Pukl – ‘Bad Year – Good Year’ – Whirlwind Sessions

Jure Pukl Quintet feat. Charles Altura, Joel Ross, Matt Brewer, Kweku Sumbry

Tzumo Arpad feat: Melissa Aldana, Jure Pukl, Josh Ginsburg, Kyle Poole

Jure Pukl Quintet with Joel Ross, Charles Altura, Matt Brewer, Damion Reid #1

¿Qué aporta Broken Circles al jazz? 

Nosotros damos espontaneidad, un nivel alto de musicalidad. Conocemos la tradición de esta música, pero no estamos atrapados en ese momento, no lo seguimos religiosamente, venimos de ahí e intentamos innovar y transformar. Entregamos toda nuestra experiencia personal como músicos.

Jure Pukl

¿Cuáles son los planes de presentación del nuevo álbum en Europa? 

El nuevo álbum se presentará en 2020 durante todo el año en Europa y EE. UU. Estamos haciendo una gira en marzo de 2020 por Europa (Eslovenia, Italia, Kosova, España).

Me han contado que Melissa y tú estáis pensando venir a vivir a Europa. ¿Es eso verdad?

Como músico de jazz la vida en Nueva York es difícil. Europa es calidad de vida. Nos gusta Europa. Tenemos la opción abierta.

Escrito por Begoña Villalobos

05 de Noviembre de 2019

In & Out Jazz Kirk MacDonald Interview

In & Out Jazz Kirk MacDonald Interview

In & Out Jazz Kirk MacDonald Interview

14

OCTUBRE, 2019

Ficha:

KIRK MACDONALD, Saxofonista, compositor
(Canada)

Escrito por Begoña Villalobos

 

 

 

 

As one of Canada’s most respected leading saxophonists and composers, Kirk MacDonald (Sidney, Canadá. 1959), has had a huge and lasting influence on many of Canada’s younger generation of musicians. He plays with many leading International jazz musicians including Peter Bernstein, Rich Perry, Kurt Elling, David Virelles, Ralph Bowen, Dick Oatts, Ben Monder, Seamus Blake, Jonathan Blake, Lorne Lofsky, Bob Mover, Pat LaBarbera, John Taylor, Ron McClure, Adam Nussbaum, Jack DeJohnette, Mike Stern, Jim McNeely, Vince Mendoza, John Clayton, Bob Mintzer, Chris Potter, Glenn Ferris, Maria Schneider, Chris Mitchell, Danilo Pérez, Bobby Martínez, Bob Sands.

 

Awesome Kirk MacDonald Quartet: Music on Jazz at Lincoln Center

He has been nominated for four Juno Awards, with his album The Atlantic Sessions winning the 1999 Juno Award for Best Mainstream Jazz Album. Kirk MacDonald is presently a professor at Humber College in Toronto.

Kirk MacDonald Quartet ~ Bop Zone

InandOutJazz: What do you offer that is different [to other musicians]?

Kirk MacDonald: All musicians that I’ve admired sound like themselves. Their playing and writing are connected, it’s very personal. I don’t try to sound like anyone else. I have influences like anyone, but I’ve always tried to develop myself as a player. I started writing music at a very early age and over time those two things(performance,composition) came together. I had certain interests musically that were able to help the process along. I have done a lot of composing over the years, I compose with myself in mind and try to compose music that I would enjoy playing. Other people play my songs as well but essentially I write for myself as a musician and as a player. I think that having figured out how to connect those things over the years could be something that attracts people to my music.

 The model has been there all along, you know, you can trace the history of jazz and you’ll see that many of the iconic players of jazz music were also composers. In my music the compositional influence was not so much the old school players but stemmed more from the be-bop era on. The idea of performance, composition and playing were tied to the compositions the musicians were playing. And for me the great examples are people at the top who can be recognised as great innovators, like Charlie Parker who wrote their own lines on standards and were then able to connect that music more closely to the style they were playing. Lenny Tristano was also from that be bop period, he did a similar kind of thing. From there things started to branch out, not only in a linear sense but also in a harmonic sense. People like John Coltrane, whose music tended to explore harmony along with others like Wayne Shorter and later Woody Shaw, Joe Henderson, Bob Brookmeyer and a host of others.

Godwin Louis, Etienne Charles, Or Bareket, Harvel Nakundi y Jeremy Dumont (Madrid. Bogui Jazz Club, Julio 2019)

In your harmonies, are you challenging yourself when you are writing?

When I write it is a process of finding. I can take conceptual ideas and write tunes, I have done a lot of that, and that is a starting point, but if the music doesn’t feel natural to me I won’t perform it so you’ll never hear the tune. What I really try to do is to try to write songs that I would enjoy playing over a long period of time. And even though my tunes are more jazz compositions than standards, a lot of my tunes have a balance of a jazz sensibility similar to people like Coltrane, Horace Silver, Woody Shaw, Wayne Shorter, etc, with a melodic content influenced by the American Songbook composers like Irving Berlin, Cole Porter and many others. So for me it is a matter of balancing the three elements – rhythm, melody and harmony – and every song has a different kind of balance of that. I try to write with variety so as I am not always writing the same song or type of song over again. Sometimes the songs will be more rhythmic, melodic or harmonic in nature, but it’s usually a combination of all three, some kind of balance within that.

 

Do you use the piano to compose?

I mostly use the piano but not exclusively. Sometimes I will play progressions and I sing melodies, sometimes I’ll play the melodies on the piano. I’ve never been very successful at writing on the saxophone. I’ve tried it but it doesn’t really work for me. I think part of the reason is that once I’ve picked up the saxophone then I just feel like playing the horn.

 

I use my voice quite a bit. I have limited ability on the piano but I use it to write. I have developed a certain harmonic sense over the years, and I try to write strong melodies.That is a big part of what I do, and sometimes using the voice or the piano helps me stay in touch with that. Over time, your sensibility develops and it becomes a very natural process.

 

I think you are really humble because your tunes and harmonics are really advanced…

Oh, well they are challenging, people say that, but you know it is still balancing the elements. One of the models for me when composing is trying to put myself in a different mindset, thinking more like a classical composer, except that I am more of a songwriter. You know, when we are dealing with jazz music, we are dealing with shorter forms.A Classical composer may create a symphony or something that is maybe 45 minutes long, whereas if you play a standard tune, the melody may be like 30 or 45 seconds. So there is not a lot of time to develop the material in the same way, so often the song is more about pure melody rather than developing the composition and thematic material. Most of the time I work with shorter forms. Over the years I have learned how to do that, but I use compositional elements to connect the ideas. I think I wrote my first jazz tune when I was 15 and I would say there is very little that I have written between the age of 15 and my early 30s that I would ever consider playing, the tunes sound ok, but there is too much extra stuff in there. So in 15 or 20 years of writing I have learned how to edit and to put these things together.

 

The other thing you need to develop both as a composer and player, is taste. You need to know what to leave out. There is a quote I think from Aaron Copeland regarding composition ‘no more than is absolutely necessary’. There are certain little things like that that I try to remind myself of when I am writing, -‘does that chord need to be there?’ – no -, ‘does that melody need to be there?’ – no – then get rid of it. So for me when I am composing, it is very slow process, I take my time. I could write faster if I wanted, but I enjoy the process of exploring ideas and finding melodies. If you hang in there long enough and you are patient, then ideas and solutions will present themselves.

 

Now that you are in Spain and you are playing with big bands (Bob Sands Big Band) for example, is it a different repertoire?

Often times it will be finances that may be the determining factor in the format, small band, big band etc. Bob Sands had asked me to come in and do the gigs in Madrid, and I was really excited about doing it with a Big Band and also a quintet, I thought that would be great. I had performed with Daniel Garcia before, at least three or four times with Bobby Martinez, and I performed with Pablo Gutiérrez a few times before as well. They are really wonderful musicians, so I knew there would be no problem with that. For the big band I sent some music over, and Dani and Pablo have played some of this stuff, and when Bob talked about the Big Band thing I thought about two things; I thought with my Big Band I basically I have got two arrangers and they are very different, one is more of an orchestrator and one is more of a natural composer. One of the writers would stay closer to orchestrating what I wrote, you know, if it was a septet thing, he would be using some of my voicings, – that would be Terry Promane, like Family Suite – so that would be very close to the original recordings of that, which were small band recordings. Joe Sullivan [on the other hand] does a lot of recording and has his own Big Band, and he goes the other way, he rewrites my tunes, sometimes they are even unrecognisable, because for him if he can’t do something personal with it, he’s not interested, because he writes his own music. Joe and I have this real musical connection, he finds different things in his writing of my music, and I hear a lot of different things; he goes a lot of different places with my music. He really makes it very much his own. So I wanted music from both those guys.

 

I did three Big Band CDs, the first one was about half and half- with both Terry and Joe splitting the writing of the arrangements,  the second one was Family Suite which is an 11 movement suite, which is the whole CD, and basically that was Terry’s orchestration. Then the last was a double CD where I wanted to feature all Joe’s writing because he had done a number of my compositions that I hadn’t recorded yet, I also commissioned him to arrange five more for the last CD ‘Common Ground’

 

 

Recorda Me – Senensky, LaBarbera, MacDonald, Riley at The Orbit Room

KIRK MACDONALD & BOBBY MARTINEZ QUINTET / Bogui Jazz
«You See but You Don’t Hear»

I sent this stuff over to Bob Sands and to be honest with you I don’t even remember what I sent [Laughs], but I think the repertoire is totally different to what we were playing in the Quintet. With the Quintet I was thinking about compositions that I have that work well with two saxophones, and also the fact that Pablo and Daniel have played some of my music before, things that maybe they were a bit familiar with, because, you know, we were in Valencia on Tuesday and we had 45 minutes to rehearse and soundcheck before the gig, so oftentimes it is just practicality, you don’t have time to do much, so you put things together pretty quickly. So this time the repertoire with this band is different than with Fabio Miano who I will be working with in quartet. The first time I came to Spain was with Fabio was in 1997, and I have come to Spain many times and worked with Fabio and over the years I have met a lot of different musicians, and so now I have established many relationships with musicians in different places. I love working with different musicians, it keeps it fresh, everybody is into it, and it raises the level. It is a wonderful exchange, it is really uplifting for me to hear different people in different cities and countries and the musicians are so dedicated; if they believe the music is good, they are very supportive, they do their homework and they do the best they can with your music, and that is no different to anywhere else in the world. Over the years I have made contact with musicians in a number of different places so I can come out and play music at a level that feels really good to me.

 

 

 

Kirk MacDonald Quintet with Harold Mabern & Pat LaBarbera at The Rex

Fabio is coming out to do some things in France with me, after Spain, we will be in Aix-en-Provence and Paris before I move on to Nice, Lyon and Annecy to guest with pianist Phillip Martell.I am using musicians from Paris that I have worked with in the past and they play great too. The great thing about this music is it embraces different personalities; it is open enough that you can include influences from a lot of different places, that is why I enjoy playing with different people because you get different perspectives on the music. Of course we are talking about the music being taken care of first [he raises his hand up to indicate quality] but once you are there you get all these different influences.

That is the other thing about simplicity, is that there is room in the music – that is something else I consider as I am writing. So that is the difference between a classical and a jazz composer – it is that I am going to be playing this music, and I am not wanting the music to sound the same every night, I want to create something where the foundation is strong enough to be treated in different ways. And also the concept of the Big Band is the same thing. If I’ve written a good tune and you were the arranger you should be able to do something with that, that would bring out something unique in that tune. Look at some tunes that have been recorded many times; how many different versions do you have of My Funny Valentine, or But Not For Me or Body and Soul –Dexter Gordon, John Coltrane, Sonny Rollins, those are just some of the tenor players that recorded Body and Soul for example, and they all do something different with it, so tunes/compositions can be like a palette for musicians to bring their own perspective to it.

Escrito por Begoña Villalobos

14 de Octubre de 2019

In & Out Jazz entrevista a David Sancho

In & Out Jazz entrevista a David Sancho

In & Out Jazz entrevista a David Sancho

26

SEPTIEMBRE, 2019

Ficha:

DAVID SANCHO MANGAS, compositor, pianista. 

Escrito por Begoña Villalobos

Fotógrafo: Pepe Sanz

Más conocido en la escena musical madrileña como multi- teclista, David Sancho Mangas (Madrid,1987), compositor y pianista destacado en su generación, vuelve a sus orígenes como pianista clásico con su nuevo trabajo discográfico y primer álbum a su nombre, Piano Solo (grabado con el sello discográfico Lo Otro y masterizado en los Estudios Cezanne).

“Mi discurso no es de artista, ni de genio”

El álbum Piano Solo nace de la experiencia en el Hospital 12 de octubre, dentro de la asociación: Música en Vena, un estudio sobre la repercusión de la música en varias enfermedades. A partir de su estancia como MIR (Músico Interno Residente), David Sancho rescató partituras de música clásica y empezó a desarrollar improvisaciones a piano acústico con claras influencias de jazz, pop y pianismo clásico. Piano Solo, interpretado de manera sobria y con tendencia al lirismo, cuenta con un fraseo cuidado y elegante de prolongadas líneas expresivas, In&OutJazz. 

Sin olvidar el sentido jazzístico, algunos temas tienen un carácter más clásico, algún otro, sobre una capa de sintetizador es más electrónico. La elección del repertorio es importante, así mismo David Sancho lleva a su terreno con autoridad el estándar de jazz de Jerome Kern, All the Things You Are, y lo interpreta con una densidad importante, como si fuera un estudio de György Ligeti.

Piano Solo, es una de las múltiples facetas. David Sancho toca música electrónica de manera solvente y es un incansable experimentador de teclados, In&OutJazz.  Especialista en el control de la estética sonora de diferentes sintetizadores, domina sonidos como el rock sinfónico de los 70 y la estética ochentera. Es un músico ecléctico que no se resiste a la experimentación y mezcla tanto música clásica, como jazz, electrónica, hip hop y pop; tiene numerosos trabajos como teclista acompañante, multi- teclista y set híbridos de teclado/ piano.

Me considero músico de jazz, es lo que más me identifica

David Sancho

David Sancho Piano Solo «Glucosas y Metamorfosis»

Desde 2015, David Sancho combina su producción individual con otros proyectos paralelos como Monodrama, trío junto a Mauricio Gómez al saxofón, y Alberto Brenes a la batería. Una banda estable de post jazz, con dos álbumes editados: Modern Post Mortem en 2015 y el último Anathema en 2018, donde combina lo analógico con lo digital, lo electrónico con lo acústico. El trío es un laboratorio de creatividad con momentos muy libres, en los que mezcla influencias que van desde el rock progresivo, jazz de vanguardia pasando por una estética avanzada contemporánea de los años 50, junto a estructuras elaboradas, largas y complejas de música electrónica. 

La versatilidad de este músico queda patente en todos los diferentes trabajos. También es miembro de SanChema, un proyecto a dúo con el guitarrista Chema Saiz, donde combina el jazz de vanguardia con la música electrónica y música post rock. Es productor y compositor de los discos The Breitners y La vida Sostenible de la banda de hip hop-jazz The Breitners, junto con el rapero Artes como Maestro de Ceremonias.

Multipremiado desde muy joven, comienza el conservatorio con 7 años, se gradúa en Piano y Pedagogía del Piano, en Música Contemporánea en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, y posteriormente consigue el título en Piano Jazz en el Conservatorio Superior de Rotterdam Codarts Hogeschool voor de Kunsten, siendo galardonado con la beca Nuffic Scholarship, la más prestigiosa de los Países Bajos. También cursa dos años de Dirección de Orquesta.

En 2012 en Holanda grabó su primer disco con una banda multinacional llamada Hipmotik Orchestra, en el que mezcla hip hop y funk.

In&OutJazz: De 2008 a 2012 estudias jazz en Rotterdam. ¿Cómo te insertas en el mercado profesional cuando llegas a España?

David Sancho: Dos meses después de llegar a Madrid, contactó conmigo el saxofonista de Fatbeat, Andrés Miranda, que estaba montando una banda de hip- hop con Artes, José Vera, Federico Marine (The Breitners), necesitaban un teclista y empecé a trabajar.  

Como sideman he acompañado a Jorge Pardo (en su proyecto he tocado teclados, otro proyecto con piano acústico de estándares de jazz); en el Café Central (Madrid) he colaborado haciendo un set híbrido piano/teclado a trío con Munir Hoss.  He tocado junto a Henry Cole, a Noa Lur, Antonio Lizana en Oriente, junto a Reinier Elizaldre en Condado Sound System, con Raquel Molina en Dance the Life. También he tocado como teclista en Unbalanced, composiciones originales de Moisés P. Sánchez en un álbum homenaje a Leonard Bernstein.

Ahora compagino mi labor como profesor de piano clásico y piano moderno en la Escuela Municipal de Boadilla del Monte con mi labor concertística y compositiva.

¿Cuáles son tus influencias más tempranas?

¡Me gusta tanto la música! No soy muy elitista; en el coche escuchaba a Vetusta Morla. Escucho muchos tipos de música Pearl Jam, Pink Floyd, The Beatles, entre otros. Me encanta Robert Glasper, Brad Mehldau, Bill Evans…

¡Sonríes más con el teclado! Te consideras ¿teclista o pianista?

El piano es que ¡es más grande! (risas), cuesta más sacar sonido; ahora me voy a comprar un teclado con un contrapeso más cercano al piano, donde puedo probar otros tipos de sonido. Siempre me he sentido pianista. Sin dejar de experimentar con el teclado yo soy pianista clásico. 

A partir de Música en Vena has podido desarrollar el nuevo proyecto, ¿de dónde parte la idea de un disco a piano solo?

A partir de Música en Vena, he vuelto a escuchar a Ludwig Van Beethoven, a Johann Sebastian Bach, todos los clásicos. Mi álbum a piano es un espacio de creatividad y de responsabilidad muy grande que me apetecía asumir.

Hay álbumes a piano solo muy buenos, como After Bach, un disco de locos, de Brad Mehldau, también tiene un disco recopilatorio de diez años girando a piano solo. El disco a piano solo de Tigram Hamasyan es una maravilla. Moisés Sánchez, un referente para mí, tiene un disco a piano solo brutal, Soliloquio

¿Hay que sentirse muy seguro como pianista para acometer un disco a piano solo?, ¿Sientes que tienes dominado el piano?

Después de 25 años ya puedo empezar a dominarlo (risas), tengo 32 años, empecé a tocar a los siete. El piano es un monstruo. Nunca lo dominas. Cualquier instrumento llevado al extremo del virtuosismo o conocimiento técnico, es inabarcable. Sacar contrapunto a dos manos, cosas que hace Brad Mehldau, Bill Evans, Tigran Hamasyan, me gustaría poder hacerlo fluidamente. Ahora he vuelto a ver mis defectos de rapidez y velocidad con la mano izquierda.

THE BREITNERS – AVIONES DE PAPEL | Live in Los Carmenes

THE BREITNERS – La vida sostenible (VIDEOCLIP OFICIAL)

¿Cómo juegas con esa frustración?

Con esfuerzo y sacrificio; cada vez la llevo mejor, no soy competitivo pero soy autoexigente, mi intención es acercarme a los músicos que me gustan y que escucho. Los años de formación son años finitos. En mi caso fue desde los 18 hasta los 24. Luego, una vez que acabas la formación, el desarrollo profesional impide que en las horas centrales del día puedas estudiar. Lo que hago es levantarme muy pronto y aprovechar cada hueco libre de mi tiempo. De repente te plantas con muchos proyectos a la vez: el próximo proyecto con Michael Olivera con un repertorio, otro repertorio con The Breitners, diferente con Antonio Lizana, luego con Noa Lur, etc. Presento mi disco, Piano Solo, toco con Marta Mansilla que acaba de publicar su álbum debut, Acuarela de Paso, después viajo con Luis Verde a México para presentar su disco.

¿Cuál dirías que es tú punto fuerte?

Para mí, es importante la tenacidad; soy organizado, constante, considero que cada proyecto merece el 100 % de mí, dar lo máximo, con cierta salud mental, sin autoflagelarme, con cierta capacidad de sacrificio y de profesionalidad. No estoy tocado por una varita mágica, tengo cierta facilidad porque no he hecho otra cosa, soy una persona eficiente y responsable. He tenido muy buenos profesores de piano de clásico, una profesora de lenguaje musical excelente, Pilar Ariño, que ha sido mi mentora. 

¿Cómo das forma a tus conceptos musicales en Piano Solo?

El concepto depende de la banda en la que esté, Piano Solo no es un disco conceptual. He conseguido hacer un disco con cierto arco, con coherencia y unidad en la selección de los temas; para mi es importante colocar el orden de las pistas. Yo inicio los conciertos de una manera y los acabo de otra y quiero que esté plasmado en el disco. El disco ésta grabado en una toma. La mezcla del disco, da sensación de aire con cierta reverberación porque ésta hecho para ser escuchado de principio a fin. Varios temas van unidos como una pieza, entre los 3 primeros, no hay silencio, hay un cambio de tema pero es la misma pista. 

¿No te gusta el aplauso?

Me gusta el aplauso, claro que me gusta. Piano Solo intento que sea una obra artística. Estoy más interesado en una escucha pausada y sosegada. También en Monodrama presentamos un bloque de dos o tres temas seguidos, para que haya una unidad. 

¿Cómo te has enfrentado a la composición en Piano Solo?

Me he enfrentado de una manera más seria, más sosegada. Hasta este disco, las composiciones han sido temas con estructura pero no temas largos, ahora quería componer piezas más clásicas, más orquestales. El disco Metamorfosis de Moisés Sánchez me ha inspirado, por ello un tema está dedicado a él.

¿Qué discos de jazz contemporáneos del panorama español destacas?

Daniel Juarez, Neuronal.  Luis verde, Vientos Cruzados. Samsara de Daniel García Diego. Dentro de una estética de jazz más clásico, el último disco de Miguel Rodríguez, keepsake.

¿Qué te diferencia de otros pianistas?

Todos tienen una sensibilidad asombrosa. Mi lado fuerte es la versatilidad, me considero creativo, responsable y eficiente. Para mí es tan importante ser buena persona, como ser buen músico. Tener empatía con los compañeros, poder ser amigo es fundamental. Todos tenemos egos y zonas oscuras en nuestra psicología que hay dejar a un lado.

Lo tienes todo.

No sé si soy así, pero intento ser antes que nada persona.

MONODRAMA / Bogui Jazz, 29 de junio de 2018 / «Horribile Dictu»

«PORTRAIT OF RONAL» (MNDRMOOAA)

Voorronde Erasmus Jazz Prijs 2012 – David Sancho Mangas

¿Cuáles son los criterios que utilizas en cuanto a composición e interpretación?

No es lo mismo la composición a piano solo que si quiero componer para una banda más grande. En este caso tengo que ver cómo suena; ahora estoy empezando a componer mi primer disco a trio (piano, contrabajo y batería) con Alberto Bremes y Pablo Martín Caminero al contrabajo. Va a ser un homenaje al rock sinfónico, voy a tocar temas de King Crimson y Pink Floyd. El tema A Day in the Life de los Beatles para mí es el inicio del rock sinfónico. 

Begoña Villalobos y David Sancho

Yo imagino cómo va a ser pero hasta que no haga un ensayo no sé cómo suena. Voy a hacer pequeñas suites. El trabajo es complejo porque tengo que re-armonizar e intentar describir varios temas de estas bandas, luego dar un empaque para que sea un homenaje sin que sea algo literal del todo. La interpretación es más compleja en cuanto a la escritura que tocando a piano solo. En Piano Solo, yo me peleo conmigo mismo, realmente el 70 % ya está hecho. Hay una dificultad técnica, tengo que estudiar cada tema pero no puedo cerrarlo del todo porque si lo hago, no tiene frescura cuando improviso en cada concierto.  Te puedo decir que he escuchado el disco un millón de veces, ahora, tengo que alejarme del repertorio para tener otra perspectiva. Es una lucha, una búsqueda de equilibrio entre lo que es una concepción más de pianista clásico y una concepción de jazzista a por todas.

Escrito por Begoña Villalobos

26 de Septiembre de 2019

In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz entrevista a Godwin Louis

12

SEPTIEMBRE, 2019

Ficha:

GODWIN LOUIS, saxo alto

(Harlem, New York, Estados Unidos)

Traducción por Camila Jessel

Escrito por Begoña Villalobos

Fotográfias: 

Chiara Pezzani

Emilio Ramón Mendez

Miguel Martínez

La visita del saxofonista Godwin Louis (Harlem, Nueva York. 1990) al madrileño club de jazz, Bogui, representa un acontecimiento dentro del panorama jazzístico internacional, pues es sin duda uno de los titanes del saxo alto. Muy interesado en el cruce de culturas, Godwin Louis es un hombre poco corriente, a sus 29 años ha recorrido 101 países con el interés de investigar y profundizar en las raíces del jazz.

En sus composiciones, Godwin Louis, une tradición y vanguardia, desde el sonido más ancestral de África hasta el jazz más vanguardista de EE.UU. In&OutJazz

Además de tocar, componer e investigar, está dedicado junto con parte de su familia a la ONG eXperience Ayiti, en Haití, de la cual es miembro fundador.

Él mismo se define como musicólogo étnico.  La composición de su doble álbum debut, Global (Blue Room Music. 2019) nace tras la experiencia en la investigación que realizó en África y América Latina, gracias a la Comisión de Residencia de la Jazz Gallery de Nueva York, sobre la conexión musical y cultural entre Haití y Nueva Orleans y la música exportada de África a través del comercio transatlántico de esclavos.

Este proceso de investigación y profundización en los orígenes del jazz hace que su música sea multicultural, o como dice el título de su álbum: Global. In&OutJazz

Su padre, de origen haitiano, era un hombre intelectualmente brillante, pastor de la iglesia protestante, motivo por el cual Godwin estuvo en contacto con la música desde muy pequeño. Segundo de cinco hermanos, creció en un ambiente musical. Su primer instrumento fue el piano que su padre le regalo en su quinto cumpleaños, aunque fue su tío Robert, guitarrista de jazz, quien le introdujo en el mundo del jazz y la música afro-cubana.

The Godwin Louis Sextet – Siwel / The Checkout–Live at Berklee

“Recuerdo a mi tío Robert regalándonos cds de jazz: Charlie Parker, Cannonball Adderley, Sony Rollins, Herbie Hancock, Mc Coy Turner, música afro-cubana, música muy variada, por eso mi gusto es ecléctico. Crecí con todas las influencias culturales de EE.UU que reúne las culturas más antiguas que han existido”, comenta Godwin Louis. 

 Godwin Louis empieza a tocar el saxofón a los nueve años cuando se muda con su familia a Haití. Esta experiencia le forma culturalmente y le ayuda a conocer sus raíces. En Haití colabora con Ludovic Lamothe conocido como el Negro Chopin, pianista, compositor haitiano, representante del movimiento nacionalista en la música clásica haitiana y figura emblemática por sus composiciones propias e interpretaciones de la obra de Frédéric Chopin.

La faceta de Godwin Louis como sideman no es menos importante, ha realizado giras con grandes como: Clark Terry, Ron Carter, Madonna, Herbie Hancock, Wynton Marsalis, Al Foster, Jack DeJohnette, David Baker, entre otros

InandOutJazz: Has nacido en Harlem pero parte de tu etapa de crecimiento ha sido en Puerto Príncipe (Haití) ¿Cuáles son tus orígenes y tus influencias?

Godwin Louis: Mis raíces y orígenes están en Haití, es una de mis mayores influencias musicales, he crecido con ello. Haití es una de las culturas más antiguas que han existido y tiene características únicas: raíces caribeñas, africanas y la música tradicional nativa haitiana. Además, la tradición de la música de iglesia en Haití es diferente a la de EE.UU y me he desarrollado con ambas. Todos estos sonidos de la calle, con diferentes instrumentos reflejan una herencia africana directa y han sido mi formación. Existe también en mi música, influencias europeas, por la colonización.

Debe ser difícil elegir el camino, saber qué dirección seguir.

Sí, lo es, realmente. A veces todas estas influencias van unidas o combinadas. Existe una esencia global. Global, mi álbum, es una celebración de la identidad del continente americano, tiene la esencia de todo lo que es América. El álbum contiene coros, inspirados en los cánticos de la iglesia católica, también fábulas y cuentos propios de la cultura e historia de África. Es una mixtura de todas mis influencias, ya que, aunque hay aspectos diferenciados, existe un espíritu común. El álbum contiene los cuatro focos de cultura de los EE.UU, Nueva Orleans (Luisiana), Santiago de Cuba (Cuba), la parte nativa de Haití y Salvador de Bahía (Brasil). La música es muy diferente, pero a la vez tiene muchas similitudes.

¿Qué es Nago?

Es un ritmo. Nago es una tribu yoruba de Benín (África). En el Caribe es un ritmo, dicen que es el sonido del swing original. Uno de los puntos clave en el desarrollo del jazz está en Congo Square, la zona francesa en el barrio de Tremé en Nueva Orleans donde residen gran cantidad de haitianos llevando el ritmo Nago, después de la revolución en Haití. Muchos sitúan en ese punto el origen del jazz, resultado del encuentro de la cultura de blues del Delta del Misisipi con el ritmo Nago del Congo situado en Nueva Orleans, por lo que se considera al Caribe el responsable del aspecto rítmico del jazz.

Godwin Louis, Etienne Charles, Or Bareket, Harvel Nakundi y Jeremy Dumont (Madrid. Bogui Jazz Club, Julio 2019)

¿Cómo es tú experiencia en la banda etíope “Either / Or Ensemble”?

Fue una experiencia reveladora. Etiopía fue mi introducción a la cultura africana en general. Los etíopes fueron mi entrada a la música africana. En Berklee College of Music (Boston) pude conocer, aprender y tocar en Europa con el gran Mulatu Astatke (Jimma. Etiopía. 1993) vibrafonista y compositor considerado el padre del Ethio-Jazz; también estoy en uno de sus álbumes. Esa fue mi primera conexión con la música etíope.

¿Tienes formación clásica como saxofonista?

Sí y no, pero más sí. Como estudiante de música hay que tener la mente abierta a todo tipo de sonido todo el tiempo, te guste o no te guste. Mi formación primera con el piano fue clásica. Cuando fui a Berklee College of Music sabía muchísimo. Mi familia quería que fuera profesor, mi formación es como músico educador aunque todavía no he podido enseñar (risas). A los 16 años, al reverendo de mi iglesia vio que necesitaba formación musical y me puso en contacto con Herbert Wilson, quien fue mi profesor privado. Tuvo una profunda influencia en mi vida, tanto que la cambio. Me hizo ser consciente de la historia que hay detrás de la música, las clases eran sobre jazz, historia, psicología de los músicos. No solo influye el genio particular de un músico, sino lo que hay detrás de él.

¿Es John Coltrane un genio? ¿Por qué un músico toca como toca?

Sí, es un genio, pero no solo porque es brillante también su obra ésta vinculada al contexto social e histórico de EEUU en los años sesenta, pertenece a la cultura mundial, en concreto en relación a la lucha por la defensa de los derechos humanos.

La composición Alabama de John Coltrane que aparece en el álbum Live at Birdland (1963) la escribió en respuesta al atentado del ku Klux Klan que mató a cuatro niñas afroamericanas en 1963. Las composiciones de John Coltrane, que es un predicador, están inspiradas en el discurso de Martin Luther King, diferente al mensaje de Sony Rollins, o a Charlie Parker, un doctor; son caminos diferentes pero con el mismo objetivo: hacer sentir mejor.

¿Qué saxofonistas te han influenciado?

 Todos son memorables. He estudiado mucho a John Coltrane. La primera fase de aprendizaje fue Charlie Parker, la segunda, Ornette Coleman, me recordaba a mi tiempo en Haití. Son dos de los saxofonistas que más me han influenciado junto a Sony Rollins que tiene raíces caribeñas.

Uno de mis mentores Lee konitz (saxo alto. Chicago. 1927) es capaz de unificar todo, tiene 93 años, le conocí en Nueva York, fui a verle y él vino a uno de mis conciertos, tocamos juntos, hicimos un vídeo juntos. Me hizo mucha ilusión.

Músicos contemporáneos hay muchos. Etienne Charles (Isla Trinidad. 1983) por ejemplo, hemos tenido largas conversaciones, una de las primeras fue sobre la influencia caribeña en la música de Fela kuti. Tenemos mucho en común, los dos somos signos de fuego y de raíces caribeñas y tenemos un mismo objetivo en relación a la investigación en la música.

Godwin Louis on The Checkout Live at Berklee

Jeremy Dumont Quintet – «Tenderly»

Machann Mango

¿Cómo es el trabajo en la organización eXperience Ayiti?

Soy el fundador de esta organización en Haití, la base está en la escuela de mi padre, el objetivo es lograr que lleguen a ser autosuficientes y dar visibilidad a las artes, proporcionar formación musical y donación de instrumentos, que los músicos vengan y se involucren. Este es el tercer año y el planteamiento es abrirlo todavía más. Damos clases magistrales, hacemos un gran concierto, apoyamos la música local. Han participado músicos como: Aaron Goldberg, Bennie Wallace, Etienne Charles, Charles Goold, Miguel Zenón, Melanie Charles, Allan Mednard, Michael Feinberg entre otros. 

Begoña Villalobos y Godwin Louis

¿Cuáles son tus proyectos?

Me hicieron Embajador de Cultura de Togo (África), viajaré allí con Etienne Charles en enero del 2020. Tengo previsto viajar al Congo para explorar más la historia y las fábulas del continente africano oriental, porque las raíces caribeñas se sitúan allí. Quiero grabar Global parte 2: Los Orígenes. Con idea de grabar algo muy contemporáneo.

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Septiembre de 2019

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

30

JUNIO, 2019

Ficha: «BBC» Big Band de Canarias y Kike Perdomo.

Escrito por Begoña Villalobos

 

La BBDC Big Band de Canarias es una banda veterana que surge como proyecto conjunto entre Kike Perdomo y Yul Ballesteros, con la finalidad de dar proyección y conectar a músicos de las islas con los centros de poder jazzístico de la península y de Europa.

“Quedé totalmente fascinado con los saxos, el sonido de Dick Oatts sobrevolaba toda la sección”

Juan Antonio Martín (saxo barítono de BBDC)

Dick Oatts & Big Band de Canarias : Leap of Faith

La big band es la orquesta de jazz por excelencia, promotora de una energía desbordante. Estamos presenciando la proliferación de grandes orquestas de jazz, aunque para hacer funcionar un sistema tan complejo como es una big band, un formato de gran ensamble, no es suficiente dominar la parte técnica, es necesario que todos los componentes formen un bloque compacto y alcancen una fuerza común.  A pesar de que pueda parecer una locura apostar por una formación tan amplia, el compositor y saxo tenor Kike Perdomo  (Tenerife, 1961) uno de los músicos más activos del panorama jazzístico internacional y director de la Big Band de Canarias desde hace más de una década, apuesta por ello. 

Uno de los desafíos de la BBDC tiene que ver con su condición de insularidad; la banda está formada en su mayoría por músicos residentes en las Islas Canarias que están desperdigados en el archipiélago canario y en la península, por lo que los ensayos son intensivos una vez se reúnen.

“Ensayamos a muerte unos días antes del concierto, trabajamos bajo mucha presión, somos unos kamikazes”, comenta Kike Perdomo.

INDIAN. Kike Perdomo Qt + Big Band de Canarias. Recording Session Take1

En el 2008, la BBDC se presentó en el Auditorio Alfredo Kraus de Tenerife, en Madrid y en Berlín, bajo la dirección del compositor y saxofonista norteamericano, Dick Oatts, quien cuenta con una dilatada experiencia en la dirección artística de la Vanguard Jazz Orchestra de Nueva York.

Apostando por un trabajo de autor, el director integra compositores de vanguardia internacional que aportan identidad y experiencia con arreglos propios. Con un líder como Luis Perdomo a la cabeza y un repertorio contemporáneo que abarca diferentes estilos, la BBDC está abierta a experimentar.

 

Big Band De Canarias – Festival de Jazz de Madrid 2012

La Big Band de Canarias ha alcanzado un notable desarrollo a lo largo de una década. Con una identidad propia, evoluciona hacia una mayor definición en cuanto a las líneas de sonido. La banda nunca pierde la idiosincrasia, pues Kike Perdomo mantiene unos puntos de anclaje fijos con los líderes de cada sección que sostienen un sonido específico, el resto de instrumentos se adapta a ese fraseo, aumentando, a lo largo del tiempo, el nivel de complejidad en relación a la sonoridad.

“En un proyecto grande es importante la parte subjetiva, el compromiso, la colaboración, la actitud. Cuando todos remamos hacia el mismo sitio la energía se multiplica. Es un trabajo muy satisfactorio”, comenta Kike Perdomo.

La estructura instrumentista de la BBDC, con una formación de diecisiete músicos titulares y una plantilla de 36 músicos que van rotando, es variopinta: dentro de las cuatro secciones que integran una big band (dos secciones de metales, una de saxos y la sección rítmica) hay varios solistas que vienen del clásico, como el trombonista israelí Yossiit Skovich, que toca en la sinfónica de Tenerife y otros con una importante trayectoria jazzística, magníficos lectores, como Idafe Pérez (trompeta), Norberto Arteaga (saxo alto), Tana Santana (contrabajo), Carlos Meneses (contrabajo), Roberto Amor (batería), el baterista Ramón Díaz que ha editado sus trabajos propios con el sello Fresh Sound.

La versatilidad de la banda ha quedado patente en todos los proyectos. Desde la primera grabación en 2009: Atlántida (96K Music. 2010), un disco basado en el folklore canario adaptado para big band; hasta el quinto y último disco que está siendo grabado en estos momentos y se publicará en unos meses, que se presentó en la Bienal de Sevilla con Gerardo Núñez como solista, junto a invitados especiales como Antonio Carbonel, Carmen Cortés, y el percusionista Ángel Sánchez Cepillo.

“La Big Band es el proyecto de jazz más grande, de todos para todos
Kike Perdomo (saxo tenor y director de BBDC).

Dick Oatts & Big Band de Canarias: Poisonous Tree ( Soren Moller)

El segundo disco de la big bandThe Wild Side (2013) sobre temas de Elmer Bernstein, se grabó con el sello americano Varese Sarabande especializado en música de cinedentro del encuentro anual de FIMICITÉ (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife), después de reunir y reescribir el material cedido por la viuda de Elmer Bernstein. El tercer álbum: Home Made (96K Music.2015), es un tributo a compositores canarios. El cuarto disco: Hangin´ Out, es un trabajo monográfico grabado en directo, sobre la obra compuesta por Kike Perdomo con arreglos a cargo del compositor y pianista danés, Soren Moller.

 

 

KIKE PERDOMO y BEGOÑA VILLALOBOS, Foto de Emilio Méndez

Han formado parte de la Big Band músicos veteranos como el propio Kike Perdomo, Daymé Arocena, Iñaki Salvador, Sole Giménez (la voz de Presuntos Implicados); David Dorantes, Javier Ruibal, Francis Posé, Sandra Carrasco, Ramón Cardo, entre otros, junto a jóvenes talentos canarios como Emilio Martin, Kevin Díaz, Rubén Luis, Jairo Cabrera, Martín Leiton, entre otros, intercalando, de esta manera, experiencia y frescura.

Con una filosofía basada en la flexibilidad, la primacía de la musicalidad, y un sonido compacto, el concepto está claro; la Big Band de Canarias cada vez está más definida y tiene una proyección mayor dentro y fuera del país.

Tras 10 años de recorrido, la Big Band de Canarias ha realizado conciertos en festivales y eventos tan importantes como Colegio Mayor San Juan Evangelista (Madrid 2009), Festival Int. de Jazz de Costa Brava (2009), Sala Luz de Gas de Barcelona (2009) , Big Band Festival (Berlín 2009), XIX Festival Internacional de Jazz de Lugo (2010) , XXIX Festival Internacional de Jazz de Madrid (2012), Bundes Big Band Festival (Bönn 2014)), Bienal de Flamenco de Sevilla 2016 , Rincón del Jazz del Auditorio Alfredo Kraus  (2009/2018), Auditorio de Tenerife (2009/2011/2015), Canarias Jazz&Mas Heineken,  Fimucité, Festival de Música de Cine de Tenerife ( 2010/2012/2014/2016), Canarias Jazz Showroom, Teatro Circo de Marte, Aguere Cultural, Fete de La Musique, etc…

Big Band de Canarias
(I Semana Internacional de Jazz Ciudad de La Laguna)

Escrito por Begoña Villalobos

30 de Junio de 2019

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