En palabras de la propia Adele Sauros, I Paint You es “la historia de las experiencias hermosas y dolorosas que a menudo acompañan a un viajero”. Compuesto a modo de diario durante 2018 y 2019, I Paint You narra el tiempo que Sauros pasó viviendo en Londres. Una luminosidad reconfortante atraviesa el álbum de forma transversal, otorgando a cada tema un poso de serenidad y reposo, de melancolía incluso, que convierte la escucha en un ejercicio de calma e introspección altamente disfrutable. Música sosegada y elegante en tiempos frenéticos, algo que se agradece en los días que corren. No hay experimentación ni ánimos rupturistas aquí: Adele Sauros se ciñe al sonido y la concepción tradicional del jazz, y dota a sus composiciones de una intención melódica de poso postbop y majestuosidad añeja que permite a cada elemento brillar en un juego continuo donde la libertad expresiva está siempre al servicio del tema, lejos del artificio o el virtuosismo gratuito. No hay fuegos artificiales en este disco; hay clase, buen gusto, respeto por la tradición y la voz propia de una creadora a la que vale mucho la pena conocer.

En Groovin’ High In Barcelona Montoliu es un actor secundario. Siempre lo buscamos detrás de Richardson, saxofonista híbrido entre el bebop y la tradición anterior -con genes musicales de Benny Carter y de Charlie Parker-, que por momentos suena rupturista -en la línea del otro disco- y por otros, lírico y capitán previsible de la música. Comparaciones aparte, el disco es notable, aunque lo sería más si no existiera el ya comentado, quizá porque empieza como si fuera una prolongación de aquel, con una introducción descomunal de Tete en A Child Is Born. Lo dicho sobre Barcelona Meeting está aquí, pero más de telón de fondo, adulterado por el sonido ancho de Richardson (hay pasajes -quizá debido al empaste de los armónicos entre el piano y el saxo- que simulan una big band) y porque las melodías, a cargo del saxo, se ciñen más a la partitura. El disco en trío adoctrinó al oído y ahora se ha vuelto exigente con el cuarteto. Sin embargo, destaquemos otra diferencia, positiva: el fuego de los tiempos rápidos (Groovin’High, A Night In Tunisia) que dentro de ese esquema tradicional desmontado en las pistas sin Richardson, incluyen improvisaciones que podrían haber contagiado a las correctas melodías. 

Dos rescates maravillosos de Fresh Sounds Records, grabados y mezclados de manera impecable, con una nitidez que nos hace sentir cerca -en el tiempo y en nuestro salón- de ese genio que es Tete Montoliu. 

Barcelona Meeting y Groovin’ High In Barcelona estaban en nuestro destino. 

De nuevo con ustedes, como le gustaba presentarlo a Dexter Gordon, “El gran señor de Cataluña”. Bienvenido.

A lo largo de Mndrmooaa hay calma glacial, elegancia, serenidad, ambientaciones oníricas y neblinas acogedoras. Hay composiciones que crecen lentamente y se desarrollan de forma expansiva y libre, y también hay espirales obsesivas conducidas por la densidad, la tensión y la oscuridad. Hay jazz orgánico y hay electrónica misteriosa y cerebral. Hay ritmos fracturados, texturas de sintetizador y saxos cortantes como cuchillas de afeitar. Hay riesgo, inconformismo y ese intangible extraño que separa los buenos discos de las obras realmente relevantes. 

La composición empieza con las ideas de Mauricio. A la hora de escribir melodías y armonía o pensar una estructura formal, intenta que sea premeditado. En ese proceso va desechando ideas y escogiendo otras lo cual siempre te pone en el lado de la balanza de la inspiración y el instinto. Tu gusto personal te define. Lo premeditado y lo instintivo cohabitan, son inseparables. Lo mismo sucede en el proceso de composición colectiva de la banda. Hay ideas claras, líneas de investigación acotadas y otras ideas que surgen simplemente tocando e improvisando. Es difícil definir cómo se da el proceso cuando una parte importante del trabajo de composición reside en el trabajo colectivo, en horas y horas de conversaciones y experimentación.

El pulso ternario, lento y arrastrado de Saramande (una de las piezas más inquietantes, complejas y poliédricas del disco);  el crescendo dramático plagado de distorsiones, ritmos rotos y asonancias de Inner Dance; la densidad industrial y los ambientes pesadillescos de There Will Be Blood; las texturas indietrónicas llenas de luz y melodías planeadoras de Golden Age Of The Eye; la elegancia con mentalidad de beatmaker de The Hunt; los pianos dramáticos y emocionantes de Pahoehoe…Muchos son los momentos a destacar dentro de una obra en la que Monodrama suena más seguro y menos autocomplaciente que nunca. Siguiendo unas directrices ya presentes en sus anteriores (y también excelentes) trabajos, en esta ocasión el nivel creativo y la compenetración de la banda da un salto exponencial, ofreciendo una hora larga de música esquiva y fascinante con la que los madrileños subliman su particular equilibrio entre jazz de nuevo cuño, electrónica heredera de Warp Records, un leve poso de post rock ambiental y un tratamiento del sonido y la experimentación textural sin referentes previos en la escena nacional.

El interés por el diseño sonoro nace desde la frustración por no poder aportar a la música elementos que ayuden a crear cierta dimensión. La atracción constante hacia la sonoridad, la importancia del carácter y la intención, elementos como la textura y la frecuencia como herramientas al servicio para la creación de un clima, cada vez han ido cobrando más relevancia frente al tridente hegemónico ritmo-armonía-melodía. Todos aportamos mucho. En términos de producción pensamos en la idea de aplicar una pátina que potencie lo que ya es sólido por sí mismo. En nuestro caso, es inherente al desarrollo fruto de la curiosidad, las cosas se van dando desde un proceso más primario, es un juego.

Como ocurre siempre con Monodrama, su nuevo disco nos pilla descolocados. Hay llamas de aspecto irreal en la portada. Hay noche y lobos expectantes. Hay pulso narrativo, filtro de celuloide noir y una constante textura cinematográfica que nos hace pensar en la banda sonora de un relato que no captamos del todo, pero sabemos que está ahí.

Entendemos que nuestra música pueda provocar esa conexión con las imágenes, aunque quizás sea más obvia esa relación cuando de música instrumental se trata. Mucha gente nos lo comenta, también nos comentan lo bien que quedarían unas imágenes proyectadas en nuestros conciertos, y aun pareciéndonos algo que podría ser interesante y no lo descartamos, nos sigue llamando la atención esta manera casi automática de relacionar música instrumental evocadora con imágenes como si de un ejercicio obligatorio de gimnasia rítmica se tratase. La verdad es que el disco esconde una historia, pero solo se la he contado a mi perra al oído, y así va a permanecer, no queremos joder la vuestra propia.

¿Por qué fuego y lobos?

El fuego fue el elemento sobre el que empezamos a orbitar a la hora de dar título a algunos de los temas. Todo surgió a partir de la propuesta de que en la portada apareciera una casa en llamas (también se propusieron otras cosas ardiendo…). Es posible que esta metáfora de la casa ardiendo, que puede expresar principio o final, ya esté muy manida, pero nos pareció muy oportuno. Que cada uno saque sus propias conclusiones. La idea de los lobos nace a partir de la primera frase de un tema, que se llama Malfire, de la banda sueca Refused, The Wolves are at The Door, que da título a uno de nuestros temas. Para mí, son una alegoría y nos podrían representar a cualquiera de nosotros en un sistema que provoca desigualdad, precariedad y miseria, convirtiéndonos en seres menos empáticos que se ven abocados a pensar solo en su propia supervivencia.