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In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz entrevista a Godwin Louis

12

SEPTIEMBRE, 2019

Ficha:

GODWIN LOUIS, saxo alto

(Harlem, New York, Estados Unidos)

Traducción por Camila Jessel

Escrito por Begoña Villalobos

Fotográfias: 

Chiara Pezzani

Emilio Ramón Mendez

Miguel Martínez

La visita del saxofonista Godwin Louis (Harlem, Nueva York. 1990) al madrileño club de jazz, Bogui, representa un acontecimiento dentro del panorama jazzístico internacional, pues es sin duda uno de los titanes del saxo alto. Muy interesado en el cruce de culturas, Godwin Louis es un hombre poco corriente, a sus 29 años ha recorrido 101 países con el interés de investigar y profundizar en las raíces del jazz.

En sus composiciones, Godwin Louis, une tradición y vanguardia, desde el sonido más ancestral de África hasta el jazz más vanguardista de EE.UU. In&OutJazz

Además de tocar, componer e investigar, está dedicado junto con parte de su familia a la ONG eXperience Ayiti, en Haití, de la cual es miembro fundador.

Él mismo se define como musicólogo étnico.  La composición de su doble álbum debut, Global (Blue Room Music. 2019) nace tras la experiencia en la investigación que realizó en África y América Latina, gracias a la Comisión de Residencia de la Jazz Gallery de Nueva York, sobre la conexión musical y cultural entre Haití y Nueva Orleans y la música exportada de África a través del comercio transatlántico de esclavos.

Este proceso de investigación y profundización en los orígenes del jazz hace que su música sea multicultural, o como dice el título de su álbum: Global. In&OutJazz

Su padre, de origen haitiano, era un hombre intelectualmente brillante, pastor de la iglesia protestante, motivo por el cual Godwin estuvo en contacto con la música desde muy pequeño. Segundo de cinco hermanos, creció en un ambiente musical. Su primer instrumento fue el piano que su padre le regalo en su quinto cumpleaños, aunque fue su tío Robert, guitarrista de jazz, quien le introdujo en el mundo del jazz y la música afro-cubana.

The Godwin Louis Sextet – Siwel / The Checkout–Live at Berklee

“Recuerdo a mi tío Robert regalándonos cds de jazz: Charlie Parker, Cannonball Adderley, Sony Rollins, Herbie Hancock, Mc Coy Turner, música afro-cubana, música muy variada, por eso mi gusto es ecléctico. Crecí con todas las influencias culturales de EE.UU que reúne las culturas más antiguas que han existido”, comenta Godwin Louis. 

 Godwin Louis empieza a tocar el saxofón a los nueve años cuando se muda con su familia a Haití. Esta experiencia le forma culturalmente y le ayuda a conocer sus raíces. En Haití colabora con Ludovic Lamothe conocido como el Negro Chopin, pianista, compositor haitiano, representante del movimiento nacionalista en la música clásica haitiana y figura emblemática por sus composiciones propias e interpretaciones de la obra de Frédéric Chopin.

La faceta de Godwin Louis como sideman no es menos importante, ha realizado giras con grandes como: Clark Terry, Ron Carter, Madonna, Herbie Hancock, Wynton Marsalis, Al Foster, Jack DeJohnette, David Baker, entre otros

InandOutJazz: Has nacido en Harlem pero parte de tu etapa de crecimiento ha sido en Puerto Príncipe (Haití) ¿Cuáles son tus orígenes y tus influencias?

Godwin Louis: Mis raíces y orígenes están en Haití, es una de mis mayores influencias musicales, he crecido con ello. Haití es una de las culturas más antiguas que han existido y tiene características únicas: raíces caribeñas, africanas y la música tradicional nativa haitiana. Además, la tradición de la música de iglesia en Haití es diferente a la de EE.UU y me he desarrollado con ambas. Todos estos sonidos de la calle, con diferentes instrumentos reflejan una herencia africana directa y han sido mi formación. Existe también en mi música, influencias europeas, por la colonización.

Debe ser difícil elegir el camino, saber qué dirección seguir.

Sí, lo es, realmente. A veces todas estas influencias van unidas o combinadas. Existe una esencia global. Global, mi álbum, es una celebración de la identidad del continente americano, tiene la esencia de todo lo que es América. El álbum contiene coros, inspirados en los cánticos de la iglesia católica, también fábulas y cuentos propios de la cultura e historia de África. Es una mixtura de todas mis influencias, ya que, aunque hay aspectos diferenciados, existe un espíritu común. El álbum contiene los cuatro focos de cultura de los EE.UU, Nueva Orleans (Luisiana), Santiago de Cuba (Cuba), la parte nativa de Haití y Salvador de Bahía (Brasil). La música es muy diferente, pero a la vez tiene muchas similitudes.

¿Qué es Nago?

Es un ritmo. Nago es una tribu yoruba de Benín (África). En el Caribe es un ritmo, dicen que es el sonido del swing original. Uno de los puntos clave en el desarrollo del jazz está en Congo Square, la zona francesa en el barrio de Tremé en Nueva Orleans donde residen gran cantidad de haitianos llevando el ritmo Nago, después de la revolución en Haití. Muchos sitúan en ese punto el origen del jazz, resultado del encuentro de la cultura de blues del Delta del Misisipi con el ritmo Nago del Congo situado en Nueva Orleans, por lo que se considera al Caribe el responsable del aspecto rítmico del jazz.

Godwin Louis, Etienne Charles, Or Bareket, Harvel Nakundi y Jeremy Dumont (Madrid. Bogui Jazz Club, Julio 2019)

¿Cómo es tú experiencia en la banda etíope “Either / Or Ensemble”?

Fue una experiencia reveladora. Etiopía fue mi introducción a la cultura africana en general. Los etíopes fueron mi entrada a la música africana. En Berklee College of Music (Boston) pude conocer, aprender y tocar en Europa con el gran Mulatu Astatke (Jimma. Etiopía. 1993) vibrafonista y compositor considerado el padre del Ethio-Jazz; también estoy en uno de sus álbumes. Esa fue mi primera conexión con la música etíope.

¿Tienes formación clásica como saxofonista?

Sí y no, pero más sí. Como estudiante de música hay que tener la mente abierta a todo tipo de sonido todo el tiempo, te guste o no te guste. Mi formación primera con el piano fue clásica. Cuando fui a Berklee College of Music sabía muchísimo. Mi familia quería que fuera profesor, mi formación es como músico educador aunque todavía no he podido enseñar (risas). A los 16 años, al reverendo de mi iglesia vio que necesitaba formación musical y me puso en contacto con Herbert Wilson, quien fue mi profesor privado. Tuvo una profunda influencia en mi vida, tanto que la cambio. Me hizo ser consciente de la historia que hay detrás de la música, las clases eran sobre jazz, historia, psicología de los músicos. No solo influye el genio particular de un músico, sino lo que hay detrás de él.

¿Es John Coltrane un genio? ¿Por qué un músico toca como toca?

Sí, es un genio, pero no solo porque es brillante también su obra ésta vinculada al contexto social e histórico de EEUU en los años sesenta, pertenece a la cultura mundial, en concreto en relación a la lucha por la defensa de los derechos humanos.

La composición Alabama de John Coltrane que aparece en el álbum Live at Birdland (1963) la escribió en respuesta al atentado del ku Klux Klan que mató a cuatro niñas afroamericanas en 1963. Las composiciones de John Coltrane, que es un predicador, están inspiradas en el discurso de Martin Luther King, diferente al mensaje de Sony Rollins, o a Charlie Parker, un doctor; son caminos diferentes pero con el mismo objetivo: hacer sentir mejor.

¿Qué saxofonistas te han influenciado?

 Todos son memorables. He estudiado mucho a John Coltrane. La primera fase de aprendizaje fue Charlie Parker, la segunda, Ornette Coleman, me recordaba a mi tiempo en Haití. Son dos de los saxofonistas que más me han influenciado junto a Sony Rollins que tiene raíces caribeñas.

Uno de mis mentores Lee konitz (saxo alto. Chicago. 1927) es capaz de unificar todo, tiene 93 años, le conocí en Nueva York, fui a verle y él vino a uno de mis conciertos, tocamos juntos, hicimos un vídeo juntos. Me hizo mucha ilusión.

Músicos contemporáneos hay muchos. Etienne Charles (Isla Trinidad. 1983) por ejemplo, hemos tenido largas conversaciones, una de las primeras fue sobre la influencia caribeña en la música de Fela kuti. Tenemos mucho en común, los dos somos signos de fuego y de raíces caribeñas y tenemos un mismo objetivo en relación a la investigación en la música.

Godwin Louis on The Checkout Live at Berklee

Jeremy Dumont Quintet – “Tenderly”

Machann Mango

¿Cómo es el trabajo en la organización eXperience Ayiti?

Soy el fundador de esta organización en Haití, la base está en la escuela de mi padre, el objetivo es lograr que lleguen a ser autosuficientes y dar visibilidad a las artes, proporcionar formación musical y donación de instrumentos, que los músicos vengan y se involucren. Este es el tercer año y el planteamiento es abrirlo todavía más. Damos clases magistrales, hacemos un gran concierto, apoyamos la música local. Han participado músicos como: Aaron Goldberg, Bennie Wallace, Etienne Charles, Charles Goold, Miguel Zenón, Melanie Charles, Allan Mednard, Michael Feinberg entre otros. 

Begoña Villalobos y Godwin Louis

¿Cuáles son tus proyectos?

Me hicieron Embajador de Cultura de Togo (África), viajaré allí con Etienne Charles en enero del 2020. Tengo previsto viajar al Congo para explorar más la historia y las fábulas del continente africano oriental, porque las raíces caribeñas se sitúan allí. Quiero grabar Global parte 2: Los Orígenes. Con idea de grabar algo muy contemporáneo.

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Septiembre de 2019

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

30

JUNIO, 2019

Ficha: “BBC” Big Band de Canarias y Kike Perdomo.

Escrito por Begoña Villalobos

 

La BBDC Big Band de Canarias es una banda veterana que surge como proyecto conjunto entre Kike Perdomo y Yul Ballesteros, con la finalidad de dar proyección y conectar a músicos de las islas con los centros de poder jazzístico de la península y de Europa.

“Quedé totalmente fascinado con los saxos, el sonido de Dick Oatts sobrevolaba toda la sección”

Juan Antonio Martín (saxo barítono de BBDC)

Dick Oatts & Big Band de Canarias : Leap of Faith

La big band es la orquesta de jazz por excelencia, promotora de una energía desbordante. Estamos presenciando la proliferación de grandes orquestas de jazz, aunque para hacer funcionar un sistema tan complejo como es una big band, un formato de gran ensamble, no es suficiente dominar la parte técnica, es necesario que todos los componentes formen un bloque compacto y alcancen una fuerza común.  A pesar de que pueda parecer una locura apostar por una formación tan amplia, el compositor y saxo tenor Kike Perdomo  (Tenerife, 1961) uno de los músicos más activos del panorama jazzístico internacional y director de la Big Band de Canarias desde hace más de una década, apuesta por ello. 

Uno de los desafíos de la BBDC tiene que ver con su condición de insularidad; la banda está formada en su mayoría por músicos residentes en las Islas Canarias que están desperdigados en el archipiélago canario y en la península, por lo que los ensayos son intensivos una vez se reúnen.

“Ensayamos a muerte unos días antes del concierto, trabajamos bajo mucha presión, somos unos kamikazes”, comenta Kike Perdomo.

INDIAN. Kike Perdomo Qt + Big Band de Canarias. Recording Session Take1

En el 2008, la BBDC se presentó en el Auditorio Alfredo Kraus de Tenerife, en Madrid y en Berlín, bajo la dirección del compositor y saxofonista norteamericano, Dick Oatts, quien cuenta con una dilatada experiencia en la dirección artística de la Vanguard Jazz Orchestra de Nueva York.

Apostando por un trabajo de autor, el director integra compositores de vanguardia internacional que aportan identidad y experiencia con arreglos propios. Con un líder como Luis Perdomo a la cabeza y un repertorio contemporáneo que abarca diferentes estilos, la BBDC está abierta a experimentar.

 

Big Band De Canarias – Festival de Jazz de Madrid 2012

La Big Band de Canarias ha alcanzado un notable desarrollo a lo largo de una década. Con una identidad propia, evoluciona hacia una mayor definición en cuanto a las líneas de sonido. La banda nunca pierde la idiosincrasia, pues Kike Perdomo mantiene unos puntos de anclaje fijos con los líderes de cada sección que sostienen un sonido específico, el resto de instrumentos se adapta a ese fraseo, aumentando, a lo largo del tiempo, el nivel de complejidad en relación a la sonoridad.

“En un proyecto grande es importante la parte subjetiva, el compromiso, la colaboración, la actitud. Cuando todos remamos hacia el mismo sitio la energía se multiplica. Es un trabajo muy satisfactorio”, comenta Kike Perdomo.

La estructura instrumentista de la BBDC, con una formación de diecisiete músicos titulares y una plantilla de 36 músicos que van rotando, es variopinta: dentro de las cuatro secciones que integran una big band (dos secciones de metales, una de saxos y la sección rítmica) hay varios solistas que vienen del clásico, como el trombonista israelí Yossiit Skovich, que toca en la sinfónica de Tenerife y otros con una importante trayectoria jazzística, magníficos lectores, como Idafe Pérez (trompeta), Norberto Arteaga (saxo alto), Tana Santana (contrabajo), Carlos Meneses (contrabajo), Roberto Amor (batería), el baterista Ramón Díaz que ha editado sus trabajos propios con el sello Fresh Sound.

La versatilidad de la banda ha quedado patente en todos los proyectos. Desde la primera grabación en 2009: Atlántida (96K Music. 2010), un disco basado en el folklore canario adaptado para big band; hasta el quinto y último disco que está siendo grabado en estos momentos y se publicará en unos meses, que se presentó en la Bienal de Sevilla con Gerardo Núñez como solista, junto a invitados especiales como Antonio Carbonel, Carmen Cortés, y el percusionista Ángel Sánchez Cepillo.

“La Big Band es el proyecto de jazz más grande, de todos para todos
Kike Perdomo (saxo tenor y director de BBDC).

Dick Oatts & Big Band de Canarias: Poisonous Tree ( Soren Moller)

El segundo disco de la big bandThe Wild Side (2013) sobre temas de Elmer Bernstein, se grabó con el sello americano Varese Sarabande especializado en música de cinedentro del encuentro anual de FIMICITÉ (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife), después de reunir y reescribir el material cedido por la viuda de Elmer Bernstein. El tercer álbum: Home Made (96K Music.2015), es un tributo a compositores canarios. El cuarto disco: Hangin´ Out, es un trabajo monográfico grabado en directo, sobre la obra compuesta por Kike Perdomo con arreglos a cargo del compositor y pianista danés, Soren Moller.

 

 

KIKE PERDOMO y BEGOÑA VILLALOBOS, Foto de Emilio Méndez

Han formado parte de la Big Band músicos veteranos como el propio Kike Perdomo, Daymé Arocena, Iñaki Salvador, Sole Giménez (la voz de Presuntos Implicados); David Dorantes, Javier Ruibal, Francis Posé, Sandra Carrasco, Ramón Cardo, entre otros, junto a jóvenes talentos canarios como Emilio Martin, Kevin Díaz, Rubén Luis, Jairo Cabrera, Martín Leiton, entre otros, intercalando, de esta manera, experiencia y frescura.

Con una filosofía basada en la flexibilidad, la primacía de la musicalidad, y un sonido compacto, el concepto está claro; la Big Band de Canarias cada vez está más definida y tiene una proyección mayor dentro y fuera del país.

Tras 10 años de recorrido, la Big Band de Canarias ha realizado conciertos en festivales y eventos tan importantes como Colegio Mayor San Juan Evangelista (Madrid 2009), Festival Int. de Jazz de Costa Brava (2009), Sala Luz de Gas de Barcelona (2009) , Big Band Festival (Berlín 2009), XIX Festival Internacional de Jazz de Lugo (2010) , XXIX Festival Internacional de Jazz de Madrid (2012), Bundes Big Band Festival (Bönn 2014)), Bienal de Flamenco de Sevilla 2016 , Rincón del Jazz del Auditorio Alfredo Kraus  (2009/2018), Auditorio de Tenerife (2009/2011/2015), Canarias Jazz&Mas Heineken,  Fimucité, Festival de Música de Cine de Tenerife ( 2010/2012/2014/2016), Canarias Jazz Showroom, Teatro Circo de Marte, Aguere Cultural, Fete de La Musique, etc…

Big Band de Canarias
(I Semana Internacional de Jazz Ciudad de La Laguna)

Escrito por Begoña Villalobos

30 de Junio de 2019

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil y Luis Perdomo. “Incurablemente loco por el Jazz”

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil y Luis Perdomo. “Incurablemente loco por el Jazz”

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil

16

JUNIO, 2019

Ficha:

Gerry Weil, pianista. Gerry Weil/Luis Perdomo/Emilio Méndez Escrito por Begoña Villalobos Fotografía: Emilio Méndez

“Emocionado, inspirado, y tocando un piano afinado por un amigo y alumno mío personal llamado Leonardo Pizzolante…”. 
Estas son las primeras palabras del encuentro con Gerhard Weilheim, (1939.Viena. Austria), conocido como Gerry Weil; momentos antes de su concierto a piano solo en la abarrotada sala de Jazz madrileña, Bogui Jazz. “Me siento sumamente feliz, me gusta el feeling del sitio, es realmente un club de jazz”, dice Gerry Weil. Con un público volcado y agradecido, Gerry Weil está en Europa, por una serie de circunstancias muy afortunadas como es la grabación en directo, en el club de jazz Mi Barrio, en Viena (Austria), su ciudad natal, del nuevo proyecto discográfico (2019): “Gerry Weil Live in Viena”. El álbum cuenta con 20 pistas que van desde sonoridades Avant-Garde, hasta melodías sublimes. El pianista llega a España con la gira europea 2018, de la mano de su manager e hijo Gerald Weil, de Ernesto Lottito responsable de la productora Akari, y del fotógrafo venezolano residente en Madrid, Emilio Méndez. Abanderado de Venezuela, Gerry Weil, “El Maestro de Jazz”, como le llaman, tras décadas de trabajo en la composición, es la figura más influyente de la música venezolana y una de las representaciones más importantes de la cultura Latinoamericana. Cuenta con una importante trayectoria como compositor, pianista, arreglista y educador. Es Premio Nacional de Música en 2008, y su obra musical está considerada entre las más valiosas dentro del género jazzístico.
“Inhalar, sonreír y exhalar: medicina suprema”. Gerry Weil
“Gerry es lo q se puede denominar un músico “puro”; sin avaricia a la hora de brindar sus conocimientos y siempre con una visión `positiva hacia diversos estilos”, dice Luis Perdomo.
A los 79 años y un concepto espiritual de la música, la apuesta de Gerry Weil es por una continua reinvención de sí mismo y de su música. Madrid es el último destino de su gira europea antes de volver a Caracas, su tierra adoptiva desde hace más de cincuenta años. Gerry Weil ha llegado hace unos días de Viena, su ciudad natal, donde varias de sus piezas forman parte del repertorio clásico del país y son de estudio obligatorio en el Conservatorio Superior.
“Gerry es un ser especial, una joya escondida, para mí ha sido una figura paterna, sus clases son encuentros maravillosos. Tengo la responsabilidad de difundir su arte.”, dice Ernesto Lottito.

trio

Gerry Weil es una persona querida, no en vano ha formado a tres generaciones de músicos, muchos son grandes figuras repartidas por el mundo, como el pianista venezolano con residencia en Nueva York, Luis Perdomo.
Una de las cosas de las que Luis Perdomo (1971. Caracas. Venezuela) se siente afortunado en su vida musical es haber tenido contacto con Gerry Weil a muy temprana edad. Gerry se convirtió en su maestro de piano cuando tenía diez años, hasta que fue a estudiar a Manhattan School of Music, en Nueva York. Aparte de toda la información fundamental sobre la técnica del instrumento, armonía, composición, la mayor enseñanza de Gerry, nos cuenta Luis Perdomo, fue: “haber instigado en mí esa inquietud de la música en general, sin barreras”; para Gerry era fácil ilustrar cualquier punto musical con ejemplos que van desde Johann Sebastian Bach a Karlheinz Stockhausen, desde la música tradicional japonesa a Cecil Taylor, de Eddie Palmieri a los tambores de Curiepe.
“() derribar barreras musicales y poder navegar entre estilos, se ha convertido en el alma de mi carrera, es algo que considero muy importante como músico de jazz, ya que uno mantiene esa frescura y sentido de búsqueda e inspiración como instrumentista y compositor. Esto se lo debo a Gerry Weil”, comenta Luis Perdomo
“… esta gran lección de Gerry ha sido algo invaluable para mí, tengo la tarea de difundir a mis alumnos y generaciones de relevo, esperando poder tener el mismo efecto que Gerry tuvo conmigo”, nos cuenta Luis Perdomo.

Entrevista con Gerry Weil:

¡Bienvenido a Madrid, a Bogui Jazz! “El Maestro de Jazz”, así le llaman, es buen título para su currículo vitae.

“Así me llaman, en el país de los ciegos el tuerto es el rey…  sigo siendo el alumno más avanzado de mi escuela. (Risas). El aprendizaje no acaba nunca”. Viene de una formación de música clásica y ha profundizado en diferentes estilos musicales ¿Se identifica como músico de Jazz? Me identifico como músico. Pero sí, soy uno de los pocos en Venezuela que se ha dedicado exclusivamente a tocar jazz, jazz-rock, jazz- latino, salsa-jazz. Contribuí con mi tumbao jazzístico rítmico latino en Venezuela durante treinta y cinco años. Siempre con un lenguaje de jazz. El idioma influye en la rítmica y en la acentuación de la música. El jazz es una música compleja, vinculada con lo abstracto, con disonancias, complejidades. ¿Cuál diría, en primera persona, qué es su concepto musical? Considero que la música es el lenguaje divino del cielo; es la energía de luz con mil nombres que nos habla y nosotros respondemos con pasión y agradecimiento, como dice un poema que compuse en japonés. “La música es un gesto de amor de lo divino hacia nosotros y a la vez nuestra respuesta es con pasión y agradecimiento”. Músico, poeta… habla siete idiomas… Mi religión es la música. Johann Sebastian Bach se conectó con lo divino, siendo un trabajador muy dedicado transcribió las fórmulas perfectas de la música: La Aria de las Variaciones Goldberg de Bach, una de las mayores obras artísticas creadas; vale la pena haber nacido para haberlo escuchado una sola vez. Bach es mi ejercicio diario, toco una hora diaria de Bach para calentar. Normalmente empiezo mis conciertos con esta Aria, que ya toqué en la prueba de sonido; hoy tengo un permiso directo con el jazz. Brad Mehldau grabó “After Bach”. J.S. Bach es el mensajero, su principal hijo Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Stockhausen.  Por el otro lado esta Louis Amstrong, Miles Davis, Thelonius Monk, Bill Evans, keith Jarrett, Brad Mehldau.

Su base es la música clásica, ¿En qué momento se conecta con el jazz? Nací en Viena en época de guerra, desde niño estudié música clásica, fui mandado a un campo de trabajo forzado y humillado públicamente como muchos otros por tocar música occidental que estaba prohibida en Viena en la época de Mao Zedong. Todo estaba destruido y no había comida. Con las tropas de ocupación, me tocó vivir en la zona norteamericana y por la estación de la radio de Viena lo primero que escucho fue jazz, la música de los sobrevivientes; tocaron cuartetos, tríos … jazz. “Me volvió loco el jazz”: “Ich bin verrückt auf Jazz geworden”. El repertorio de hoy ¿es todo jazz? Hoy toco mi actual repertorio a piano solo. Esta noche toco un arreglo de Blackbird (1968), una composición de Paul McCartney (The Beatles), que está dedicado a Keith Jarrett, mi pianista favorito y uno de mis mayores inspiradores; a él le dedique un concierto tributo en su setenta cumpleaños. Esta vez toco piano solo, pero me siento muy afortunado, cuando voy a Miami y tengo un cuarteto, voy a México y tengo un trio, voy a Denver… donde voy, tengo músicos con los que he tocado. En Venezuela tenía mi cuarteto, mi quinteto, pero todos se han ido, el noventa por cien de músicos se han ido. Venezuela es una diáspora. Es una pena terrible, yo no quiero irme. Venezuela me ha dado mucho. Miles de alumnos desplegados por el planeta. He sembrado amor y me ha devuelto amor, más que eso no hay nada. Soy un hombre muy feliz. Para mí la felicidad es un camino de resta no de suma, donde menos es más…

Gerald Weil/Dick Angstadt/Begoña Villalobos/Gerry Weil/Ernesto Lottito

Gerry Weil y Begoña Villalobos

Luis Perdomo y Begoña Villalobos

Gerry Weil despierta pasiones, es una persona carismática, espiritual, con una historia de vida en permanente aprendizaje y reinvención, por ello se ha ganado la estima de público y músicos. El sentido de búsqueda en la vida y en la música del pianista, es inspirador y terapéutico. Ha sido suficiente hablar con Gerry Weil treinta minutos para sentir su energía y pasión. Su música, como fiel reflejo de él, es rigurosa, libre, versátil, inspirada en muchos estilos y visiones; esto es una de las cosas que hace grande la obra de Gerry. In & Out Jazz
Escrito por Begoña Villalobos
16 de Junio de 2019

In & Out Jazz Album review “The Barcelona Session”: Raynald Colom  (English)

In & Out Jazz Album review “The Barcelona Session”: Raynald Colom (English)

In & Out Jazz Review “The Barcelona Session” Raynald Colom

03

MAYO, 2019

Album Review:

“THE BARCELONA SESSION” Raynald Colom, trumpet /Danny Grissett, piano/Gregory Hutchinson, drums/ Joe Sanders, double bass /Lluc Casares, tenor saxophone //Fresh Sound New Talent.2019// #BAM /Jazz

Text by Begoña Villalobos

Translation by Camila Jessel

Pictures by Andreu Ribas

After seven years without recording, the multi-award-winning French-Catalan trumpeter Raynald  Colom (Paris,1978) has released a new album “The Barcelona Session” dedicated to his city, with the prestigious Spanish jazz label Fresh Sound New Talent.

The trumpeter of the album Banned In London, (London Jazz Festival 2012, Whirlwind Recordings), offers a live recording of contemporary jazz produced by Michael Janisch/Aruan Ortiz, featuring guest artist Greg Osby.

For his fifth album as band leader Raynald Colom gets together a group of colleagues, all avant-garde international musicians. On tenor sax is the outstanding New York-based LLuc Casares (Barcelona 1990), who has just released his second album “Sketches Overseas”.

Some of the band were included on the Slovenian tenor sax Jure Pukl’s fabulous album Doubtless (2018 Whirlwind Recordings) which also features the great American pianist (Fender Rhodes) Danny Grissett, (Los Angeles 1975) who lives in Vienna, and well known New York jazz drummer Gregory Hutchinson along with the renowned Joe Sanders (Wisconsin 1984) on double bass, forming one of the most powerful rhythm sections on the current jazz scene with a Black American sound. Dave Bianchi and Kelky Hibbert mixed and mastered the album.

One of Raynald Colom key principles is to allow his musicians to improvise freely. The album can be defined as BAM music, Black American Music, a term used in 2011 by Nicholas Payton advocating a tighter musical concept expressing black identity to which Raynald Colom is akin.

The quintet formation in The Barcelona Session integrates post-bop trends based on traditional jazz, vanguard aesthetics and a Blue Note design. The album is a mixture of original compositions by Raynald Colom and composers who have influenced him throughout his life such as Wayne Shorter, Edward Bland, Darius Mihaud and Terence Blanchard as well as other greats like Nicholas Payton.

Unlike previous albums such as Sketches of Groove, Evocation (2009), or Rise, the trumpeter incorporates pianist Danny Grisset and his Fender Rhodes electric piano into the project, like his first album My Fifty One Minutes (2004) entirely with Fender Rodhes .

Joe Sanders/ Danny Grissett / Raynald Colom / Gregory Hutchinson

The eleven-track album includes Tapies and Miro a reference to two of Spain’s best known painters of the past century, with updated versions from Steel, a project that Colom presented at the Marciac Jazz Festival.

After the intro comes the melodic, slow theme Orange and Blue featuring the trumpet.

“The selection of tracks is a sound trip through my beloved Barcelona” Says Colom.

The fifth track Centerlude, scarcely a minute of brilliant dissonant exchanges between electric piano and drums, comes as an interlude to Sketches Set 7 Segment 1. This piece, a tribute to the work of American composer Edward Bland (1926) begins with an intimate dialogue between bass and piano which grows in intensity until the appearance of the Fender Rhodes.

Raynald Colom

Another of the outstanding tracks Lil Fawdy by Terence Blanchard has the quintet playing a fast piece of melodic bebop with fluid exchanges between keyboards, trumpet and sax. Dusk (Dad’s Lessons) dedicated to Raynald’s father, clarinettist Philippe Colom, is a dissonant duo between trumpet and the effects pedal. Powder Keg, a fabulous composition by Wayne Shorter, grows in intensity after a powerful start. It features the trumpet of Raynald Colom and a strong rhythm section with solos by Gregory Hutchinson which build up to a fast melody played by the trumpet and a splendid solo by Danny Grissett.

Like his first album My fifty-one Minutes (2004) Raynald Colom closes the album with a trumpet and electric piano duo playing an enchanting ballad, a version of The Peacocks, a Jimmy Rowles composition first recorded in 1974, one of the tracks from the film Round Midnight made famous by pianist Bill Evans among others.

“The Barcelona  Session”  album of Raynald Colom is a balanced combination of lyricism, abstraction, melody and improvisation. In & Out Jazz

Escrito por Begoña Villalobos
3 de Mayo de 2019

In & Out Jazz Album review “The Barcelona Session”: Raynald Colom

In & Out Jazz Album review “The Barcelona Session”: Raynald Colom

In & Out Jazz Review “The Barcelona Session” Raynald Colom

03

MAYO, 2019

Nuevo Album: “THE BARCELONA SESSION” Raynald Colom, trompeta / Danny Grissett, piano / Gregory Hutchison, batería / Joe Sanders, contrabajo / Lluc Casares, saxofón tenor // Fresh Sound New Talent. 2019// #BAM/Jazz.

Texto escrito por Begoña Villalobos

Foto de Andreu Ribas

Después de siete años sin grabar, el multipremiado y líder trompetista franco-catalán Raynald  Colom  (Paris, 1976) lanza su Nuevo trabajo discográfico “The Barcelona Sessiondedicado a su ciudad, con la firma del prestigioso sello de jazz español, Fresh Sound New Talent.

El trompetista del álbum Banned In London, (Festival de Jazz de Londres. 2012.Whirlwind Recordings), un directo de jazz contemporáneo producido por Michael Janisch/Aruan Ortiz con Greg Osby como invitado; Reúne a una banda de verdadero lujo y graba su quinto álbum como líder: “The Barcelona Session.

Todos son músicos vanguardia de la escena internacional de jazz contemporánea, colegas afines a Raynald Colom. Al saxo tenor, el notable músico catalán con base en Nueva York Lluc Casares (Barcelona, 1990), que acaba de lanzar su segundo álbum: “Sketches Overseas” (2018.Outside In Music).  

Parte de la banda, integró el fabuloso “Doubtless” (2018. Whirlwind Recordings) del saxo tenor esloveno Jure Pukl, formada por Danny Grissett (Los Ángeles, 1975) grandioso pianista (Fender Rhodes) americano con residencia en Viena, el fabuloso baterista de jazz neoyorquino Gregory Hutchinson  (Nueva York, 1970), junto con el reconocido Joe Sanders (Wisconsin, 1984) al contrabajo, es uno de las secciones rítmicas más potentes de la escena de jazz actual con sonido Black American Music. El álbum tiene mezcla y masterización a cargo de Dave Bianchi y kelky Hibbert.

Una de las premisas de Raynald Colom para liderar su trabajo, es la libertad de improvisación de toda la banda. El álbum se puede definir como música BAM (Black American Music), dando soporte al manifiesto de 2011 de Nicholas Payton que apuesta por un concepto musical más ajustado denominado Black Music, como término de expresión identitario negro, del cual Raynald Colom se declara afín.

Con formación a quinteto “The Barcelona Session” integra líneas post-bop con base en la tradición de jazz, una estética vanguardista y un diseño Blue Note, el álbum es una mezcla de música original de R.Colom y compositores que le han influido a lo largo de su vida, como Wayne Shorter, Edward Bland, Darius Mihaud o Terence Blanchard; también otros grandes como Nicholas Payton están presentes.

A diferencia de los anteriores álbumes, Sketches of Groove, Evocation (2009), o Rise, el trompetista incorpora al nuevo proyecto el teclado eléctrico a cargo de Danny Grissett, como en su primer álbum My Fifty One Minutes (2004), íntegro con Fender Rhodes.

Joe Sanders/ Danny Grissett / Raynald Colom / Gregory Hutchinson

El álbum de once temas, incorpora “Tapies” y “Miró” (haciendo referencia a dos de los pintores españoles más representativos del siglo pasado, Antoni Tapies y Joan Miró) adaptaciones actualizadas de “Steel”, proyecto que Raynald Colom presentó en el Festival Jazz en Marciac.

Después de la intro, el tema “Orange & Blue” aparece con una línea melódica de construcción suave y lenta protagonizada por la trompeta.

“la selección de temas es un viaje sonoro por mi querida Barcelona”. Comenta Raynald Colom

El quinto track, “Centerlude”, poco más de un minuto de gozosa interacción onírica asincopada de brillantes intercambios disonantes entre piano eléctrico y batería, separa a modo de interludio “Sketches Set 7 Segment 1”. El tema, un homenaje a la obra para piano del compositor estadounidense Edward Bland (1926), comienza con un diálogo intimista entre una marcada línea de bajo y unas expansivas frases de trompeta, que crecen en intensidad, hasta la aparición del Rhodes.

Raynald Colom

Otro de los temas sobresalientes, “Lil Fawdy” de Terence Blanchard, es una rápida pieza a quinteto de fluido diálogo y líneas melódicas bebop entre teclado, trompeta y saxo. El tema “Dusk (Dad’s Lessons)” es un guiño tradicional de interpretación disonante, dúo entre trompeta y pedal de efectos, dedicado a Philippe Colom, clarinetista y padre de Raynald. “Powder Keg” fabulosa composición de Wayne Shorter, de ataque rápido y resuelto que crece en intensidad. Protagonizado por la trompeta de Raynald Colom y una base rítmica potente con intervenciones a cargo de Gregory Hutchinson, hasta llegar a la rápida melodía protagonizada por la trompeta; y un espléndido solo de Danny Grissett.

Al igual que su primer album My fifty-one Minutes (2004), Raynald Colom cierra el disco con una hechizante balada interpretada a dúo de trompeta y piano eléctrico, con extraordinario lirismo; una versión de “The Peacocks”, tema compuesto por Jimmy Rowles, grabado por primera vez en 1974, uno de los temas de la película Round Midnight, que personalizó, entre otros, el pianista Bill Evans.

Un álbum de equilibrada combinación entre lirismo, abstracción; melodía e improvisación. In & Out Jazz

Escrito por Begoña Villalobos

3 de Mayo de 2019

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