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Monodrama -Mndrmooaa- David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

Monodrama -Mndrmooaa- David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

Monodrama: Mndrmooaa

David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

09

FEBRERO, 2022

Monodrama-Mndrmooaa (Everlasting, 2022). Alberto Brenes, batería, percusión y diseño sonoro / David Sancho, piano, Rhodes, sintetizadores/ Mauricio Gómez, saxo tenor y teclados.

Texto: Ricky Lavado

Lo más prudente a la hora de recomendar un disco que te ha gustado mucho, sobre todo uno recién publicado, suele ser moderar el tono e intentar esquivar la tendencia a la hipérbole, pero en este caso me resulta imposible, así que lo dejaré claro desde un principio: Mndrmooaa me parece una auténtica maravilla de disco. El nuevo trabajo de los madrileños Monodrama es uno de los mejores y más completos discos que se han publicado en este país en los últimos años, y no tengo pruebas, pero tampoco dudas de que nos encontramos ante un trabajo al que, con los años, volveremos una y otra vez como ejemplo de música importante, seria, profunda y desgraciadamente necesaria en los tiempos vacuos que vivimos.

Monodrama – Levitation

MONODRAMA: Sencillamente hacemos música que nos hace vibrar, aunque en la era de los contenidos, sin contenido evidentemente, propuestas musicales como la nuestra están asociadas indivisiblemente a cierto espíritu, cierta búsqueda, y puede que finalmente haya un posicionamiento aunque este sea algo involuntario.

In&Out JAZZ: La música de Monodrama exige atención, está formada por suficientes capas y niveles de lectura como para requerir de un ejercicio de calma y concentración. Es música que no permite una audición pasiva: te interpela como oyente, plantea interrogantes y te lleva a lugares inesperados tanto en lo anímico como en lo intelectual. 

En esta era de los contenidos sin contenido y de consumo rápido y vacío, hacer la música que hace Monodrama puede parecer un posicionamiento ético, un acto de protesta casi.

Absolutamente. Pero no solo de la música, de cualquier disciplina artística, y en cualquier ámbito o faceta de nuestras vidas. Es algo que verdaderamente necesitamos. Cada vez estamos más cerca de olvidar lo que es realmente importante en esta era del híper-entretenimiento, que ha provocado que hasta verdaderos creadores se vean a sí mismos como creadores de contenido. Hay que poner de manifiesto lo que es relevante y necesario para que no perdamos el pensamiento crítico, lo que está en juego no es el interés que suscita tu música o si te van a dar un bolo. Estamos demasiado anestesiados, pensar que todo lo positivo que hemos conseguido no va a perderse es demasiado inocente.

Alberto Brenes (batería, percusiones y diseño sonoro), David Sancho (piano, Rodhes y sintetizadores) y Mauricio Gómez (saxo tenor y teclados) dan forma a Monodrama; un interrogante con espíritu disidente y mirada futurista que, partiendo de parámetros formales más o menos adheridos al cajón de sastre del jazz contemporáneo, hace tiempo que escapa de definiciones específicas. Monodrama suenan a Monodrama, y esta obviedad no resulta aquí un lugar común para esquivar el bulto: realmente el equilibrio comunicativo y el nivel de brillantez creativa que los madrileños han alcanzado pasados los años los sitúa en una liga en la que juegan solos. 

Desde luego, todos los aciertos o hitos son consecuencia de la dedicación y de observar desde la posición de no saber exactamente cómo funciona el mecanismo. Son ya 10 años juntos, aprendemos despacio, pero con firmeza.

«H O B O» (MNDRMOOAA)

» F L E X I O N E S » (MNDRMOOAA)

A lo largo de Mndrmooaa hay calma glacial, elegancia, serenidad, ambientaciones oníricas y neblinas acogedoras. Hay composiciones que crecen lentamente y se desarrollan de forma expansiva y libre, y también hay espirales obsesivas conducidas por la densidad, la tensión y la oscuridad. Hay jazz orgánico y hay electrónica misteriosa y cerebral. Hay ritmos fracturados, texturas de sintetizador y saxos cortantes como cuchillas de afeitar. Hay riesgo, inconformismo y ese intangible extraño que separa los buenos discos de las obras realmente relevantes. 

La composición empieza con las ideas de Mauricio. A la hora de escribir melodías y armonía o pensar una estructura formal, intenta que sea premeditado. En ese proceso va desechando ideas y escogiendo otras lo cual siempre te pone en el lado de la balanza de la inspiración y el instinto. Tu gusto personal te define. Lo premeditado y lo instintivo cohabitan, son inseparables. Lo mismo sucede en el proceso de composición colectiva de la banda. Hay ideas claras, líneas de investigación acotadas y otras ideas que surgen simplemente tocando e improvisando. Es difícil definir cómo se da el proceso cuando una parte importante del trabajo de composición reside en el trabajo colectivo, en horas y horas de conversaciones y experimentación.

El pulso ternario, lento y arrastrado de Saramande (una de las piezas más inquietantes, complejas y poliédricas del disco);  el crescendo dramático plagado de distorsiones, ritmos rotos y asonancias de Inner Dance; la densidad industrial y los ambientes pesadillescos de There Will Be Blood; las texturas indietrónicas llenas de luz y melodías planeadoras de Golden Age Of The Eye; la elegancia con mentalidad de beatmaker de The Hunt; los pianos dramáticos y emocionantes de Pahoehoe…Muchos son los momentos a destacar dentro de una obra en la que Monodrama suena más seguro y menos autocomplaciente que nunca. Siguiendo unas directrices ya presentes en sus anteriores (y también excelentes) trabajos, en esta ocasión el nivel creativo y la compenetración de la banda da un salto exponencial, ofreciendo una hora larga de música esquiva y fascinante con la que los madrileños subliman su particular equilibrio entre jazz de nuevo cuño, electrónica heredera de Warp Records, un leve poso de post rock ambiental y un tratamiento del sonido y la experimentación textural sin referentes previos en la escena nacional.

El interés por el diseño sonoro nace desde la frustración por no poder aportar a la música elementos que ayuden a crear cierta dimensión. La atracción constante hacia la sonoridad, la importancia del carácter y la intención, elementos como la textura y la frecuencia como herramientas al servicio para la creación de un clima, cada vez han ido cobrando más relevancia frente al tridente hegemónico ritmo-armonía-melodía. Todos aportamos mucho. En términos de producción pensamos en la idea de aplicar una pátina que potencie lo que ya es sólido por sí mismo. En nuestro caso, es inherente al desarrollo fruto de la curiosidad, las cosas se van dando desde un proceso más primario, es un juego.

Como ocurre siempre con Monodrama, su nuevo disco nos pilla descolocados. Hay llamas de aspecto irreal en la portada. Hay noche y lobos expectantes. Hay pulso narrativo, filtro de celuloide noir y una constante textura cinematográfica que nos hace pensar en la banda sonora de un relato que no captamos del todo, pero sabemos que está ahí.

Entendemos que nuestra música pueda provocar esa conexión con las imágenes, aunque quizás sea más obvia esa relación cuando de música instrumental se trata. Mucha gente nos lo comenta, también nos comentan lo bien que quedarían unas imágenes proyectadas en nuestros conciertos, y aun pareciéndonos algo que podría ser interesante y no lo descartamos, nos sigue llamando la atención esta manera casi automática de relacionar música instrumental evocadora con imágenes como si de un ejercicio obligatorio de gimnasia rítmica se tratase. La verdad es que el disco esconde una historia, pero solo se la he contado a mi perra al oído, y así va a permanecer, no queremos joder la vuestra propia.

¿Por qué fuego y lobos?

El fuego fue el elemento sobre el que empezamos a orbitar a la hora de dar título a algunos de los temas. Todo surgió a partir de la propuesta de que en la portada apareciera una casa en llamas (también se propusieron otras cosas ardiendo…). Es posible que esta metáfora de la casa ardiendo, que puede expresar principio o final, ya esté muy manida, pero nos pareció muy oportuno. Que cada uno saque sus propias conclusiones. La idea de los lobos nace a partir de la primera frase de un tema, que se llama Malfire, de la banda sueca Refused, The Wolves are at The Door, que da título a uno de nuestros temas. Para mí, son una alegoría y nos podrían representar a cualquiera de nosotros en un sistema que provoca desigualdad, precariedad y miseria, convirtiéndonos en seres menos empáticos que se ven abocados a pensar solo en su propia supervivencia.

Written by Ricky Lavado

Febrero 09, 2022

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri KÄnzig. Conversation #2:Oracle. Conversation #3:Neologism.

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri KÄnzig. Conversation #2:Oracle. Conversation #3:Neologism.

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri Känzig

Conversation #2:Oracle
Conversation #3:Neologism

13

ENERO, 2022

Conversation #2:Oracle con Florian Arbenz, batería y percusión/ Jim Hart, vibráfono, marimba Conversation #3:Neologism con Florian Arbenz, batería y percusión/ Jim Hart, vibráfono, marimba/ Heiri KÄnzig, contrabajo

Texto: Manuel Borraz

Florian Arbenz continúa al pie del cañón con el decálogo autoproducido que inició el pasado mes de marzo de 2020. En esta segunda y tercera entrega de Conversation, el baterista suizo Florian Arbenz se reúne en esta ocasión con Jim Hart para crear Conversation #2: Oracle, sumando a este dúo a Hairi Känzig para desarrollar Conversation #3: Neologism, grabado en Basilea, Suiza.

Epistrophy · Florian Arbenz & Jim Hart & Heiri Känzig

La cuarentena al inicio de pandemia generó muchos cambios, pero desde luego no el afán de seguir creando y compartiendo música por parte de un músico de la talla de Florian Arbenz, que cuenta en su recorrido con conciertos junto al gran Greg Osby, David Liebman, Bennie Maupin, Kurt Lazy…  

Florian Arbenz dispone de un maravilloso estudio y una discográfica, Hammerrecording, situada en Hammerstrasse, Basel, con la que produce y genera CDs, vinilos, así como diferentes formatos digitales, rodeado de un gran equipo técnico. Es en Hammerstrasse donde surge la idea de invitar a una extensa plantilla de músicos y crear esta ambiciosa colección llamada: Conversation

Tanto para Conversation #2: Oracle como para Conversation #3: Neologism, el proceso de grabación de ambos álbumes fue construido en un único día de experimentación gracias al previo conocimiento musical de los participantes y su buena conexión, desembocando en una grabación donde se potenció el uso de la improvisación, el arte de lo inesperado y una escucha muy presente. 

Florian Arbenz es un baterista de jazz atípico y creativo, en su set y arsenal instrumental mezcla los sonidos de la percusión clásica con un set tradicional jazzístico y una curiosa aproximación. Además, cuenta con diferentes objetos, instrumentos y juguetes que utiliza de manera complementaria durante los álbumes y conciertos, así como elementos de instrumentos percusivos, gongs, etc. Florian Arbenz nos cuenta su buena relación con un amigo constructor de instrumentos con quien trabaja personalizando instrumentos y creando nuevas posibilidades.

Conversation #2: Oracle, es un álbum que cabalga entre diferentes estadios, tradicionales y contemporáneos, entremezclando todo un entramado de recursos en una propuesta libre que permite la expresión de sus participantes para que desarrollen sus ideas de manera honesta y creativa. Oracle se trata de un álbum a dúo, una conversación de a dos, un diálogo de grandes interlocutores entre Florian Arbenz y Jim Hart. Ambos se conocen desde hace más de quince años cuando tocaban en el trio VEIN. Su conexión y entendimiento tiene un largo recorrido y esto se puede apreciar en Conversation #2: Oracle. Este álbum tiene una concepción interesante, el diálogo por parte de Florian Arbenz se centra en el entramado rítmico, dejando a Jim Hart con una gran libertad y una mayor responsabilidad al sostener el despliegue armónico y melódico, a su vez, la apertura formal de los temas crea una sensación de imprevisibilidad favoreciendo la intercomunicación y el desarrollo creando una tensión muy favorable que se desenvuelve a través de una idea o melodía corta y finalizando de manera acordada en el tema inicial.

Como ejemplo, en Wooden Lines u Homage, hay una clara tendencia groove, estableciendo un caminar dinámico, en el que reaccionan rítmica y gestualmente el uno al otro. La sensación de desconocimiento ante lo que viene mantiene en vilo tanto al músico como al oyente.

Florian Arbenz & Jim Hart

Arbenz X Hart | Wooden Lines Single (Conversation #2))

El recorrido de Florian Arbenz es largo y sorpresivo, con un vasto arsenal de conocimientos que se trazan desde sus estudios en música clásica, tocando el vibráfono y la marimba, y participando en labores orquestales hasta músicas modernas y por supuesto el jazz. A su vez Jim Hart es también baterista, por lo que el conocimiento del funcionamiento del instrumento de su compañero le facilita la reactividad y la fluidez en Oracle. Por esta razón la interactuación se siente libre y natural. Los temas son totalmente improvisados, son composiciones.

Esta apertura estructural y harmónica tuvo que acotarse en favor de la funcionalidad en Conversation #3: Neologism, en la que la formación a trio y la apertura al diálogo de un nuevo instrumento, en este caso el contrabajo de Hairi Känzig, produjo una reorganización y adecuación de los temas.

Florian Arbenz conoció a Hairi Känzig hace cinco años. EL contrabajista cambia por completo el sonido del grupo por su presencia y alta energía, “Hairi Känzig es un bajista que te hace dar el máximo, tienes que estar ahí tocando, concentrado a gran intensidad” nos dice Florian Arbenz. 

En Neologism, la formación jazzística es más tradicional, así como la instrumentación y la personalidad de Hairi Känzig al bajo, marca la diferencia en esta tercera edición. La interacción y conversación entre tres interlocutores amplifica la complejidad, escucha y desarrollo estableciendo un nuevo escenario. Estos dos álbumes sucedieron a dos días de distancia uno del otro en noviembre de 2020. 

Cabe destacar, durante todo este decálogo, que Conversation cuenta tanto con un tema de Thelonious Monk, “son temas que todavía a día de hoy suenan modernos y que funcionan muy bien para ciertas secciones rítmicas y arte contemporáneo” apunta Florian; como el tema Freedom Jazz Dance produciendo una versión nueva en cada uno de los álbumes, siendo este tema el eje central de los diferentes álbumes de Conversation

Actualmente, Florian Arbenz cuenta con nueve de los doce álbumes grabados, a pesar de que solo están publicados tres de ellos. Esperamos escuchar el resto pronto. En los álbumes ya publicados encontramos a grandes artistas como Kurt Lazy, Maikel Vistel, Hermon Mehari, Nelson Veras, etc. Esperamos impacientes al resto de propuestas que Florian Arbenz tiene para ofrecernos en el futuro. Conversation ya ha salido a los escenarios y cuenta con ofertas en Suiza y otras localizaciones. Esperamos verlo pronto en España.

Written by  Manuel Borraz

Enero 13, 2021

Román Filiú & Cuarteto Assai, JazzMadrid21

Román Filiú & Cuarteto Assai, JazzMadrid21

Román Filiú & Cuarteto Assai
JazzMadrid21

FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE MADRID

29

NOVIEMBRE, 2021

Román Filiú, saxos/ Reynaldo Maceo, primer violín/ Gladys Silot, segundo violín/ José Martínez, viola/ Stamen Nikolov, violonchelo

Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Pepe Ainsua

 

Con una instrumentación no habitual (cuarteto de cuerdas y saxo), un foco en la tradición afrocubana y un sonido de jazz contemporáneo, el reconocido saxofonista cubano Román Filiú O´Reilly presentó Suite Oriental junto al Cuarteto Assai en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque

 

 

Pensar en un concepto para escribir una suite tiene la dificultad implícita de localizar el balance adecuado para que el resultado sea una pieza final coherente y con sentido de unidad. La intención del autor fue escribir una suite para un cuarteto de jazz aplicado a cuerdas. El concepto no es reforzar la sección rítmica, sino hacer que la sección de cuerdas funcione como un instrumento más.

El proyecto supone un desafío, mayor todavía si existe la libertad creativa para escribirlo. El criterio elegido por el autor fue el de componer música original acerca de Santiago de Cuba. Román Filiú, centrado en el ámbito de la improvisación, con una trayectoria ubicada en la vanguardia, ha conducido la esencia de los géneros musicales santiagueros (como el son y el bolero) de raíces africanas y españolas, hacia un lenguaje contemporáneo; ahora bien, la dificultad radica en establecer los elementos unificadores, entre las pequeñas piezas e interludios que hacen de denominador común y proporcionan una estructura compacta a la suite.

Suite Oriental, así se llama el proyecto de doce piezas originales escritas para saxofón y para el cuarteto de cuerdas de música de cámara español Assai, fundado en 1995.

Además de lograr un sonido elegante con arriesgados arreglos musicales y una gran amplitud de sonoridades y texturas, Román Filiú y el cuarteto Assai mantienen de manera orgánica la esencia de los géneros que representan la música en Santiago de Cuba, si bien, ampliada magistralmente con elementos de jazz contemporáneos de la escena de Nueva York (con referencias de músicos, como Henry Threadgill o Steve Coleman), con los que Filiú ha trabajado.

El repertorio, inspirado en influencias afrocubanas desde un enfoque no tradicional, es variado. Géneros que tienen un lenguaje común, con los que Reynaldo Maceo (primer violín) y Román Filiú se sienten identificados. Escuchamos música de son, montuno cubano, música clásica, balada, tumba francesa tocada con flauta y expresión coral, músicas bailables de las orquestas con las que Filiú tocó en Cuba además del arreglo del bolero La Gloria Eres Tú del autor cubano José Antonio Méndez. Todo ello extrapolado a un lenguaje de jazz contemporáneo.

“Este proyecto forma parte de lo que yo soy, no quería tocar con una sección rítmica, quería probar algo diferente. Ha sido una experiencia muy enriquecedora”, comenta Román Filiú. 

Se aprecia un predominio de los dos violines, el primer violín a cargo del prestigioso Reynaldo Maceo, formado en el Conservatorio de Moscú y director del cuarteto, con el que Román Filiú ha crecido y compartido gran parte de su vida. Destaca también la violinista Gladys Silot. El cuarteto está formado, además, por José Martínez a la viola y Stamen Nikolov, al violonchelo.

 Hace tiempo que compuse una pieza para un cuarteto de cuerdas y es ahora cuando he visto el momento de escribir el proyecto con la oportunidad de tocar con una formación de esta magnitud”, cuenta Filiú.

El resultado es una pieza de música contemporánea de compases asimétricos, magistralmente interpretada por el cuarteto Assai, y el fraseo impecable de Filiú, recreando un ambiente que oscila entre lo onírico y lo rítmico orquestal.

El proyecto será posiblemente grabado en 2022 con el sello de Filiú, Suona Records (recién formado, junto a Jacobo Rivero y Antonio Trillo), que debuta con la publicación del disco, Inkalimeva, a dúo con Román Filiú e Iván Melón Lewis.

Escrito por Begoña Villalobos

29 de noviembre de 2021

Oriol Vallès -RECER- XAVI TORRES/ GIUSEPPE CAMPISI / ANDREU PITARCH

Oriol Vallès -RECER- XAVI TORRES/ GIUSEPPE CAMPISI / ANDREU PITARCH

Oriol Vallès RECER

Xavi Torres, Giuseppe Campisi, Andreu Pitarch.

04

OCTUBRE, 2021

Oriol Vallès, trompeta/ Xavi Torres, Rhodes/ Giuseppe Campisi, contrabajo/ Andreu Pitarch, batería (The Changes Music, 2021)

Texto: Manuel Borraz Monasterio

Fotos: Imma CasanellasPepe AinsuaJoel Codina

El título de este proyecto nos revela su origen, Recer de Oriol Vallès 4tet nace durante la cuarentena de marzo de 2020, momento de profundos cambios e inició de una pandemia mundial. Oriol Vallès nos comunica cuál fue el elemento fundamental para la creación de este álbum ¨Un paréntesis de la vida social y la conjetura para encontrar el tiempo necesario para la composición, el abandono de uno mismo en una rutina casi artesana solo posible bajo el cobijo de una casa¨, Oriol decide usar su tiempo haciendo lo que mejor sabe hacer y este momento de reclusión impuesta y cobijo nutre un espacio de creación que se resuelve en este álbum.

Recer – Oriol Vallès 4et

Lanzado el 3 de mayo del 2021 con la discográfica The Changes Music, plataforma autogestionada e independiente que pretende visibilizar y promover la música actual y las nuevas aportaciones artísticas, cuenta con la excelente compañía de Xavi Torres (al Rhodes)Giuseppe Campisi ( al contrabajo)Andreu Pitarch ( a la bateria) y Oriol vallès (a la trompeta), cuatro músicos consagrados que se comunican y juegan al más alto nivel.

Recer es un álbum lleno de fuerza y belleza sin tapujos, una comunicación directa con el oyente que se establece a través de una atmósfera densa, llena de información e intercomunicación, improvisación colectiva, melodías cortas y mucho espacio para el diálogo, donde el jazz de comunidad con una direccionalidad e intencionalidad grupal clara se mueve en un mismo sendero.

Se trata de una música espontánea, rebelde y cuyo despliegue y agarre se acometen con decisión, destreza y crudeza. A pesar de la densidad musical y sus muchas capas, resuena una claridad grande en todo momento y una escucha atenta por parte de todos los músicos. Así nos lo cuenta Oriol Vallès:¨A la hora de tocar hay que tener claridad. Los niveles de abstracción son muy grandes porque llevamos mucho tiempo tocando a nivel individual. Hay muchas capas. Dentro de lo abstracto. Después de tener esta experiencia, este background, hay que saber como escoger y tocarlo con claridad, exponer claramente.¨

Bis de l’Oriol Vallès Quartet a Rubí

JAZZ I AM Online 2020 | Smack Dab

BARCELONA JAZZ SEPTET / TEASER

Recer cuenta con 6 temas. Dicen que si lo bueno breve, dos veces bueno, y este es un ejemplo de ello. Las melodías de Oriol Vallès en los temas 1,2,4 y 6 (Pur Entreteniment- Recer – Ribs- Represa respectivamente), llenas de carácter y autenticidad jazzísticas se entremezclan con la belleza de las melodías de los temas 3 y 5 (Quarentena song nº28 y 27 respectivamente) de Xavi Torres. Un álbum con una clara tendencia swing e influencia de la más tradicional de las colecciones jazzísticas norteamericanas.

Cabe destacar la elección de cuarteto con teclado Rhodes. Su carácter más imaginativo, ensoñador e introspectivo y su carga energética pulen una atmósfera que se desgarra en si misma y vuela. A su vez la sección rítmica nutre con libertad y descarga una comunicación que retroalimenta cada uno de los solos y refuerza su imaginación. ¨Andreu es muy creativo, va a buscar recovecos diferentes para rellenar huecos con notas, fraseos y explorar su creatividad rítmica.¨ nos cuenta Oriol Vallès, quién mantiene con su compañero y amigo una buena relación desde la Manhattan School, relación que desemboca en una sinergia musical que enriquece cada parte.

Oriol Vallès ha viajado y se ha formado en diferentes lugares del globo, su paso por estados unidos y la influencia de haber colaborado con diferentes músicos europeos y estadounidenses queda reflejada en este álbum. Con tan solo 28 años de edad y varios álbumes en la cartera (More Changes, Smack Dab, Smack 7 Dab…) Oriol Vallès promete traer muchos más éxitos y continuar con el noble arte de la trompeta al más puro estilo jazz.

Escrito por Manuel Borraz Monasterio

04 de Octubre de 2021

Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz
-We Need The Earth-

Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho

21

SEPTIEMBRE, 2021

SManuel Borraz, piano/ Juanma Barroso, batería/ Maikel Vistel, saxo tenor/ Carmen Lancho, voz/ Toño Miguel, Contrabajo (Youkali Music, 2021)

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Manuel Borraz

El pianista madrileño Manuel Borraz acaba de publicar con Youkali Music, se trata del primer álbum a su nombre, We Need the Earth. Es un disco de jazz a quinteto con un elenco de músicos que hacen foco en el jazz de raíz, tradicional y contemporáneo. Históricos como Juanma Barroso a la batería, Maikel Vistel al saxo tenor y Toño Miguel al contrabajo. Cerrando el quinteto, la voz de Carmen Lancho, como un quinto instrumento que proporciona un color más al álbum.

Manuel Borraz Monasterio Project – Night Gravity Intuition

We Need the Earth es un disco escrito de formación instrumental jazzística con estructuras formales más desarrolladas y explicadas. Partes que evolucionan compositivamente y se transforman en contrapuntos diferentes. Como Manuel Borraz viene de la música clásica, su lenguaje tiene el punto extra de creatividad formal, a la par que un gusto por la improvisación que aporta una sensación jazzística al disco. We Need the Earth no es un álbum de jazz contemporáneo al uso, las melodías son sencillas conectadas con el jazz tradicional, pero con una forma y estructura armónica compleja y una búsqueda de recursos creativos en los ritmos irregulares que se alejan del swing tradicional.

El álbum, de doce composiciones, propone un universo sonoro propio, sin influencias definidas. Es un homenaje a la tierra con temas personales dedicados al cuidado de la tierra.

Manuel Borraz, pianista y compositor, está en un momento vital de fuerza experimental. Después de cursar sus estudios en Basilea, incluido un Master en Libre Improvisación, regresa a Madrid impregnado de la tendencia creativa de una de las capitales culturales y musicales de Europa.  

Manuel Borraz Monasterio Project – Here Comes The Ride

Manuel Borraz Monasterio Project – We Need The Earth [Teaser]

El impactante comienzo del álbum Get Out Of Your Way despierta interés y enorme expectación. Su inmersión en técnicas extendidas y utilización del interior del piano, a través de diversos objetos y sonoridades conectan con los instrumentos de percusión a cargo del catalán Jordi Pallarés Conversación y conexión entre estos dos músicos que coincidieron en Basilea cuando cursaban sus estudios de jazz. El repertorio del disco a dúo (una de las formaciones favoritas del pianista), es de libre improvisación, sin reglas musicales preestablecidas ni música escrita. Cambios rítmicos, desarrollos conectados, misterio, tensión, movimiento, buenas resoluciones, un completo placer de escucha, que capta toda la atención.

Manuel Borraz es un investigador de sonidos y estéticas diferentes, tiene en la cabeza novedosos proyectos y ya está grabando otros tres discos (uno de ellos con teclado y sintetizador) a dúo con tres baterías distintos, Eric Valle, Daniel Saenz y Nico Mendoza, y otro de libre improvisación grabado el pasado mayo en Atenas, junto a Dimos Vryzas (violin and FX). A su vez, pertenece al colectivo Is it always like this? Con quienes sacarán un álbum el próximo año titulado Live in Mürbacherstrasse 48.

Escrito por Begoña Villalobos

21 de Septiembre de 2021

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