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Ambrose Akinmusire Interview

Madrid International Jazz Festival



On the evening of November 21st, I had the pleasure of interviewing one of the flagships of the renewal impulse that runs through contemporary black music, the Californian trumpeter Ambrose Akinmusire, one of the most restless and creative musicians of his generation who is reshaping the jazz tradition.

The interview was done moments before his live quartet, completed with Micah Thomas, Harish Raghavan and Kweku Sumbry, took the stage at the Fernando Fernán Gómez Theater, within the Madrid International Jazz Festival 2021.


In & Out JAZZ: Why is Origami Harvest not released on vinyl yet?


Ambrose Akinmusire: Oh, I have a very easy answer: because there’s a lyric, just one lyric, that Blue Note didn’t like. And they didn’t want to get slapped by people. That’s the only reason. I won’t say what the lyrics are! It was pushing a little hard… That’s the only reason. 

I have read that your parents were very religious and that your mother played piano in church. In your work there is a spiritual dimension that goes beyond the music, similar to the spiritual dimension of John Coltrane. In your opinion, what personal and musical elements must coexist to reach that spirituality?

For me it has to be a willness to wrestle with the ego and to get rid of the self. So the music can come inside you and come out as opposed to everything being produced from your head. So all of the practices that I do is to make sure that the music can just come out as it wants. So I practice technical things on my trumpet so the music doesn’t run against any technical limitations, and I do practice on myself and my ego so that when the music comes inside of me I don’t judge it. Si I think that is maybe the first thing that must happen or at least is the thing that I’m focusing the most on. Other things… I guess it’s just openness. Even as a jazz musician or a creative musician checking out other music and checking out other opinions, having conversations with people. And also… being willing to make mistakes and to fuck up and say “I’m sorry”. Even in life you can just… even as a creative person I try just do what I gotta do and if I fuck it up say: “Sorry, my intentions weren’t bad”. That’s also part of life so… I think those three things are the things I am focused on for a long time. 

You seem incredibly free in everything you do. What does the concept of freedom mean for you and for your music?  

No one has ever asked me that…  Free… When I think of freedom I think of dancing within a frame because if there’s no frame, then it is chaos. If there’s no rules, there’s no frame, then it’s chaos. So for me it is finding ways to be creative with all the rules. Musically that’s what freedom means for me. But if we talk about free jazz and the free movement, I think that free jazz is what comes after the blues, you know. It’s like the next sound of the blues, where the blues is a little bit more optimistic, the free jazz and things associated with that are just expressing the pain in a very visible way. And freedom on my instrument just means being able to play what music says to play. 

So, in that way, it means a lot of practice…

It means too much practice. I practice a lot, yes. I practice to be free. I even practice if I play an ugly sound… The freedom in terms of technique is to not be there. I practice so I can be on stage and just play what it comes through. I know that I’m not the one making the music. That also is a form of freedom. I don’t have the pressure to come up with all this amazing stuff because I really believe that it’s already there. I just have to submit to it. If I can do that it just comes out.

You are the medium.

Exactly. And that’s free. I don’t have to create it, I just have to stand there. I have done all the work before that.

You are always searching for new ways of expression and you’ve displayed a huge range of sounds and styles throughout your career. Does your work start from improvisation?

When I was younger I could write music very easily and then I stopped for many years, I stopped writing music. And then I realized that I have to find ways of walking to the muse and sometimes that’s writing the story or playing games with numbers, but that’s just to get me to the point where I’m interacting with the muse, and often all that stuff goes out of the window when I’m there. So the process of getting there is always changing but the getting there is where the creativity comes out.

Do you have any method to identify when you are on the right path?

Oh, no. When you are in the flow, you’re in the flow, you know? It’s like in basketball: after shooting you know if you are in the flow. It’s like you enter that magic zone and you just know. It’s just a feeling of something else taking over and you really have to fight to not come up with that. Things that take you out of there are judgement and ego. So when you are there… I feel it. And I rush to put it on a paper before my ego says it sucks or it’s amazing.

Do you record yourself?


Every time?

Not every time, but a lot. 

Do you come back to those recordings?

No, not really. Sometimes, if I have a big project, I’d listen to the stuff and try to see if I heard something. 

What is your experience with Fresh Sound Records?

I did one record with Fresh Sound, the first one, and my friend Walter Smith did one or two that I did. The experience was great. Jordi was very supportive to a lot of musicians that nobody knew who we were. I didn’t meet him until years later. He’d always respond to the emails and send the money… he was cool. He let us do whatever we wanted to do. Furthermore, he didn’t say: “I want a jazz record”. My first record has an opera singer, it has all this crazy stuff, you know… I really have a lot of love for Jordi and what he’s done for not only me but for my generation and the generation before us, just giving us a start and giving us experience in recording and creating a CD. I think that without Fresh Sound a lot of people wouldn’t have careers and maybe a whole generation wouldn’t had been heard. 

You have managed to innovate from a deep knowledge of traditional music but what are your references or pillars in music?

Joni Mitchell, number one, Björk, John Coltrane, Clifford Brown, Bud Powell and Benny Carter. Those would be my strong people. Björk is the last musician that I really want to play with. I’ve played with Jonny, I’ve played with Herbie (Hancock), Wayne (Shorter), Kendrick Lamar… all those people I’ve played with but not with Börjk. If I go to one of her concerts I would sit in the front row… I can’t wait. I know it’s written. I really like people that you hear and think “Where does this come from?”. You can hear references but they just drop it down so complete, out of nowhere.

That’s exactly what you’ve done.

Oh, no! (Laughs). Thank you…

What are the most important learnings you got as a musician, since your beginnings with Steve Coleman and the Five Elements until today?

Oh, very easy. The most important thing I’ve learned is simple: try to be a good human. Just try to be a great human being. Be responsible for how you make people feel. That’s the biggest lesson that I’ve learned. Because I’ve got to meet and play with all my heroes and that’s the one thing they all have. Herbie, Wayne, Ron Carter… all these people. They all feel the same, they are generous, open and warm. So that’s been the biggest lesson so far in my career.

You are an artist who has taken jazz to another level. Was this a premeditated idea and where does your creative force lie?

Was it premeditated? Yes and no. Yes in the sense that I believe in innovation; a lot of people don’t and more specifically I believe in innovation being a part of the Black tradition. So yes, it was premeditated. But, did I sit down and say: “I want to come up with something new”? No. Do I think that I came up with something new? Not really. But I understand why people say that. 

‘Origami Harvest’ is a jazz-hip hop album, but ‘On The Tender Spot of Every Calloused Moment’ is more of a blues album, like it is connected with your first album. How do you feel about this?

It’s connected through very specific comparison: it’s me knowing who I am in the last album and who I was in the first album. I was there standing with my eyes closed in a suit, feeling the pressure and all this, and in this last one it’s me standing near in a hoodie with my locks, and the first one had all these colors coming at me while the last one is just a stark black and white with no design… Also musically: the first album starts with a trumpet intro and the last album starts with a trumpet intro, so there are some things there that in a way make me think as if the last album is the first album grown up. And that’s the way I feel about it. It feels like the right time to complete the circle. And also, I’m a little less… I don’t want to say “optimistic” but I’m much more connected with reality now than then. I feel like now I’m super straight in everything like in aesthetics, my personality, I don’t give a fuck what people think about me and all this other stuff, and I don’t feel the pressure in anything… In the first album I thought I was walking into something so grand and now I feel like at any moment I can walk away from this and be fine. So that’s another thing about these two albums and how they are linked to each other.

So now that the circle seems closed, what is your next project?

To start multiple circles, not just one anymore, and have them developing all over the place in coexistence.

As a modern jazz reference, what kind of advice would you give to new generations of jazz musicians? 

Just work hard and say “Fuck it!”. Not often… (laughs) but don’t be afraid to do that. And be a good guy. Also for me, the inspiration and the reason I do this is not about me for a long time. I do this because now there’s two or three generations underneath me that look up to me, so I know that I’m the inspirations for thousands and thousands of people around the world like some of my heroes, like the way Roy Hargrove was for us or Winton (Marsalis) or Herbie (Hancock), I’m that for a lot of people. So that’s been clear for me for a while. But before, yeah… I didn’t even have the luxury of thinking about inspiration. I was just working my ass off. I often tell my students that it is a luxury not to be inspired. Being an African-American and having such a culture, you know, people were slaves for three hundred years and stuff… they weren’t inspired to pick cotton, but they had to do it. So I imagine that playing the trumpet or creating music is easy, you know? I also grew up with my Mum and saw here working 9 to 5, five days a week and sometimes working overtime on a weekend doing something she didn’t like doing… so that’s inspiring for me. That’s always been there since I was a kid. So I personally never had deep vaults of being uninspired. Sure there are times where I don’t feel like practicing, like some times you go to bed and don’t want to brush your teeth, but you have to do it. So that’s the way I see it.

What does music mean to you?

It’s humans trying to sonicly represent love and nature. I think that’s what it is for me.

03 de Diciembre de 2021

Noah Preminger & Kim Cass  _Thunda_ Dry Bridge Records

Noah Preminger & Kim Cass _Thunda_ Dry Bridge Records

Noah Preminger & Kim Cass

_Thunda_ Dry Bridge Records



Noah Preminger, saxophonist / Kim Cass, bass. 

2021, Dry Bridge Records


Texto: Pepo Márquez 

Fotos: Antonio Porcar Cano 

Duos are always something else. We have plenty of examples, not only in Jazz, but in other styles. Duos’ records are built not only with what there is, but also with what is not there or what could have been. They are both reality and illusion, certainty and desire, possibilities and limitations. And that’s why the listener plays a key role in duos’ records: because there’s a lot of space for interpretation. It’s not only what you listen to, but also how you fill that space. In that sense, duos’ albums can be a little tiring for the listener but Thunda is not the case. In fact, it’s quite the opposite: Thunda is a journey of speed, melody, textures and improvisation, with moments where Preminger and Cass reach excellence.

Chron · Noah Preminger · Kim Cass

Thundah (Dry Bridge Records is the result of months of communication between the two long time friends and fellow musicians. When the COVID-19 pandemic led to cancellation of every tour and every recording plan for all, a lot of artists turned to technology as a safe outlet for creating and recording music. With empty schedules ahead, creative minds do what they know best and between July 11th and December 20th of 2020, saxophonist and bass player exchanged hours of improvised material with the intention of shaping it into something they can call an album. They both met in 2004 in their college days but didn’t start working together until Cass moved to New York City. Since then, the two have worked together in countless performances and collaborations, including more than half a dozen of Preminger’s records. Thunda is proof of how much they know each other.

Despite the exceptional conditions (Preminger’s said in an interview: “This is the first recording I’ve made remotely and entirely at home and it’s also the first time I play and layer multiple instruments, all entirely improvised”), the invisible connection between Noah and Kim travels through wireless impulses and encoded ones and zeros to flourish as something beautifully honest, relevant and revealing.

In 31 minutes, Preminger and Cass display all the virtues they are known for in the contemporary jazz scene: solid technique, furious velocity, sixth sense for melody and, most of all, vision. One couldn’t imagine the editing work this album needed, especially when there’s no physical connection between the musicians. The high speed unison in Tradr Hoez challenges the listener and draws a smile in the face: if they can do that on their own, what could they do together? That idea also leads to a bigger one: the first reason for music to exist is to make us less alone. Thunda was the tool these two brilliant musicians had to feel less alone, to be there for each other in some way. And it sounds exactly like that.

As stated, each track begins with an improvised idea. “We’re really pushing each other to come up with new, challenging ways to elevate the music to different places: harmonically, rhythmically, texturally and most importantly, compositionally”, said Preminger. “Part of what makes creating the music for Thunda so thrilling and adventurous is that there are no predetermined forms, improvisational sections, rhythmic concepts or sets of chord changes. Each song is constructed linearly while taking into account the mood and textures until we’ve decided that it’s done”.

On many more records than desirable, this freedom ends up in boredom: the musicians only play for their own pleasure, destroying the inner dialogue or, even worse, turning their backs to the audience. When that happens, there’s no difference between virtuosity and masturbation. But in jazz, like in sex, everybody loves to be a part of the action. Thankfully, it’s not the case of Thunda. Well done, sirs.

Escrito por Pepo Márquez

19 de Noviembre de 2021

Francisco Mela feat. Matthew Shipp & William Parker – Music Frees Our Souls Vol.1- 577 Records

Francisco Mela feat. Matthew Shipp & William Parker – Music Frees Our Souls Vol.1- 577 Records

Francisco Mela feat:
Matthew Shipp & William Parker

-Music Frees Our Souls Vol.1- 577 Records



-Music Frees Our Souls Vol.1 – (577 Records, 2021) Francisco Mela, drums/ Matthew Shipp, piano/ William Parker, bass 



Texto: Pepo Márquez

Fotos: Kenneth Jimenez

Drummer Francisco Mela (Cuba, 1968) is living the last few months at full speed: of the eight albums as a leader that make up his discography since he debuted with Melao in 2006 (released by the Barcelona label Ayva Música), the last two have seen the light in 2021…



Francisco Mela ft. William Parker, Matthew Shipp, for McCoy Tyner ‘Music Frees Our Souls, Vol. 1’

…It’s the first time this has happened and it is most likely due to the new momentum his career has taken since he signed for 577 Records just a year ago. The New York imprint was responsible for launching MPT: Francisco Mela Trío, Vol. 1 at the beginning of the year, and on that occasion the trio was completed by the Cuban Hery Paz on tenor saxophone and the guitar of the Venezuelan Juanma Trujillo, also present in this new recording, this time as an assistant engineer. The change from that album to this Music Frees Our Soul Vol. 1 is complete and is marked not only by the alternance of musicians and instruments, but also by the approach: before, songs were written by one or the other, whereas here is a team dedicated to improvisation, to a common effort. An improvisation that does not sound like another day in the studio, but rather conveys an overwhelming sensitivity and inspiration that, unlike too many improvisation records, welcomes the listener instead of pushing them away. And that is exactly where the immense value of this work lies.

Matthew Shipp and William Parker have been among the elite of free jazz and avant-garde music for years, together and separately. Since they met for the first time on Points (Silkheart, 1992), the album that represented Shipp’s second experience as a leader (the quartet was completed by Rob Brown on alto sax and Whit Dickey on drums), the pianist and double bass player haven’t stop to appear together on albums and performances all over the world. The absolute instrumental mastery of Shipp and Parker with their instruments, and the connection proven over almost thirty years of partnership, distances this recording from any frivolity and praises even further the work of Francisco Mela, a heterodox drummer in the forms, a player with his own style and someone who’s far from any gratuitous exhibitionisms. He is the engine of this monumental project: Music Frees Our Soul Vol. 1 is just the first installment of his particular tribute to the historic pianist McCoy Tyner (died in March 2020), who signed him to his trio in 2009 after seeing him play with Joe Lovano’s quintet and who became his mentor in the last years of his life. It was after a concert at the Blue Note in New York City where Tyner said, pointing to Cecil Taylor, who was coming out to greet him in the dressing room: “I wish I were as free as Cecil. We make music to free our souls”. This mysterious statement was forever recorded in Mela’s memory. If all goes according to plan, the trilogy will be completed at the end of this year with the edition of volumes 2 and 3, for which the Cuban has already called upon the pianists Cooper-Moore and Leo Genovese, two other avant-garde jazz referents.

Matthew Shipp – solo piano – Zurcher Gallery, NYC – September 13 2018

Superstitious or not, the session took place on Friday, November 13, 2020, at the Douglass Recording Studios in Brooklyn, New York, where The Neils Cline 4, Julian Lage or Esperanza Spalding have also worked. With a simple but determined “OK guys, you ready? Rolling!» with an undoubted Latin accent, Light of Mind begins, the first of the three compositions that make up Music Frees Our Soul Vol. 1 that lasts up to twenty minutes in length and where the first breath (which is not such either) reaches from minute fifteen. Until that moment, the trio sped down the slope of the free, with Matthew Shipp as the maximum melodic reference and with Mela and Parker leaving a good dust cloud behind them. The case of the double bass player is amazing: at almost 70 years old, he plays better and faster than ever without ever losing his composure or focus. Dark Light is a simple intermission with a melodic ending that doesn’t last four minutes. A well-deserved rest before returning to the race with the seventeen-minute-odd Infinite Consciousness that closes the album. A piece with four very different parts where it seems that Shipp’s right hand approaches a Latin melody just before his left hand turns the piano into a storm.

Music Frees Our Soul Vol. 1 is available in a limited edition of 100 copies on blue vinyl, black vinyl, CD, and digital.


Escrito por Pepo Márquez

31 de Octubre de 2021

Ambrose Akinmusire

Ambrose Akinmusire

Ambrose Akinmusire



Texto: Ricky Lavado

Con veintiocho años recién cumplidos y tres discos a sus espaldas que le habían coronado por derecho propio como una de las voces más importantes del Hip Hop contemporáneo, el californiano Kendrick Lamar se sacó de la manga en 2015 una obra maestra con título críptico y portada icónica que, pasados los años, no ha hecho más que incrementar su estatus como una de las grandes obras de arte que ha producido el mundo de la música en lo que llevamos de siglo…


Joshua Redman & Ambrose Akinmusire perform Wayne Shorter’s “Joy Ryder” (Live at SFJAZZ)

To Pimp A Butterfly (Aftermath, 2015) era una celebración de la cultura afroamericana, sin eufemismos ni maquillaje; con sus triunfos, sus derrotas, sus virtudes y sus pecados; con su tradición de lucha y resistencia, su sentido comunitario y su orgullo identitario, enraizado en un pasado cuyos tentáculos de opresión y violencia se alargan hasta nuestro presente. Para dar forma a su obra magna, el rapero de Compton se rodeó de leyendas como George Clinton; pesos pesados de la historia del Hip Hop como Pete Rock, Dr. Dre o Snoop Dogg; nuevos valores del Rap contemporáneo como Pharrell Williams, SZA o Rapsody; visionarios que están redefiniendo los límites del Funk y la música electrónica en el siglo XXI como Thundercat o Flying Lotus; y nuevas estrellas del Jazz actual como Kamasi Washington, Robert Glasper o Terrace Martin. En este último grupo de colaboradores se incluía también a Ambrose Akinmusire; un trompetista californiano de ascendencia nigeriana, músico superdotado (escudero, siendo un veinteañero, de Steve Coleman, Roy Hargrove o Jack DeJohnette), y uno de los estandartes del impulso renovador que atraviesa la música negra (en su más amplia acepción) en los tiempos del movimiento Black Lives Matter: un impulso de interrogación y búsqueda; de inconformismo creativo y análisis social; de denuncia, de necesidad de expresión y de expansión artística que Akinmusire comparte con algunos de los valores más importantes y determinantes del inabarcable cajón desastre del Jazz contemporáneo: desde el apasionante viaje en el que han convertido sus carreras Christian Scott aTunde Adjuah o Shabaka Hutchins (en solitario, liderando Shabaka & The Ancestors of The Comet Is Coming y, sobretodo, al frente de los imprescindibles Sons Of Kemet), a la espiritualidad para el siglo XXI de Kamasi Washington; del laboratorio creativo de la fértil y joven escena londinense liderada por Nubya García o Theon Cross, al universo del sello International Anthem (Angel Bat Dawid, Irreversible Entanglements, Damon Locks Black Monument Ensemble…). De igual forma que Kendrick Lamar hace tiempo que escapa a la definición maximalista de cantante de Rap para pasar a engrosar la inacabable lista de artistas que, superando etiquetas y acotaciones estilísticas, dan forma a la tradición de la Música Negra (así, en mayúsculas); bien se podría decir; que Ambrose Akinmusire, desde su propio universo en continua expansión, supera los parámetros del Jazz para unir su voz a una nueva generación de jóvenes creadores dotados de un genio improbable y explosivo que están reformulando la tradición del Jazz para dar respuestas a un interrogante urgente e imperativo; ¿Qué significa ser negro en el nuevo milenio?

Ambrose Akinmusire – Jazz à Vienne 2018 – Live

El estreno discográfico de Ambrose Akinmusire, el flamante Prelude To Cora (Fresh Sounds New Talent, 2008), llamó rápidamente la atención del mismísimo Don Was (presidente de Blue Note desde 2012). De forma críptica y certera, se refirió al joven californiano en estos términos: «La primera vez que lo vi en concierto observé que lo que intentaba era describir lo que oía en su cabeza y que las palabras le fallaban». Ese componente narrativo y expresivo de la música de Ambrose Akinmusire, desplegado de forma majestuosa en su aplaudido y laureado debut para Blue Note When The Heart Emerges Glistening (Blue Note, 2011), adquiriría unos niveles de profundidad y seriedad diferenciales con The Imagined Savior Is Far Easier To Paint (Blue Note, 2014). Si, como decía Don Was, la música de Akinmusire es un intento de describir lo que oye en su cabeza; con The Imagined Savior Is Far Easier To Paint, Akinmusire destacaba como una de las mentes más inquietas y creativas de su generación, ofreciendo una obra atravesada de forma transversal por la violencia, el racismo, las ciudades en llamas y la polarización estructural de la sociedad estadounidense en la segunda década del milenio. La voz de un niño leyendo una lista de jóvenes afroamericanos asesinados por la policía («Rollcall For Those Absent»), o la reflexión sobre los índices de detenciones y encarcelamientos entre la juventud negra («Ceaseless Inexhaustible Child») convertían al tercer disco de Akinmusire en un retrato descarnado de la realidad de la población negra en Estados Unidos en los últimos coletazos de la era Obama; un relato con el que el de Oakland se alejaba de la complacencia y el encorsetamiento que a menudo lastra al Jazz contemporáneo (en forma de comodidad de regusto muzak, experimentación freejazz puramente estética, o de abuso hasta la extenuación de revisiones de estándares), para dotar a su música de un contenido crítico y una profundidad expresiva que le situaban en un terreno apasionante que tendía lazos de unión entre el Jazz político que puso banda sonora a las luchas por los derechos civiles de los sesenta y setenta (Archie Shepp, Charles Mingus, Sonny Rollins…) y la vertiente más comprometida y reivindicativa del Hip Hop actual. 

 Tras sumarse al universo de Kendrick Lamar y aportar su granito de arena a To Pimp a Butterfly, y después de maravillar de nuevo al mundo del Jazz con el disco en directo A Rift In Decorum: Live At The Village Vanguard (Blue Note, 2017), Ambrose Akinmusire decidió hacer saltar por los aires el tablero de juego con una obra inabarcable, excesiva, profunda y comprometida que surgía como respuesta al encargo de llevar a cabo su «idea más loca» por parte del Ecstatic Music Festival de Manhattan.  Origami Harvest (Blue Note, 2018), el resultado de dicho encargo, es una sinfonía en la que Jazz, Rap, música de cámara, spoken word y puro genio experimental se dan la mano para crear un lienzo apasionante con estética urbana, orgullo racial, inconformismo creativo e interrogación sociopolítica. Con Origami Harvest (una obra tan difícil, personal, inquietante y misteriosa como indiscutiblemente brillante y relevante), Akinmusire llevaba al extremo las posibilidades narrativas de su peculiar enfoque de la creación, regalándonos un trabajo que dinamita etiquetas para crear nuevos marcos de referencia que dialogan con su tiempo y se extienden hacia terrenos creativos inexplorados. En Origami Harvest hay riesgo, tradición, vanguardia, experimentación, búsqueda, abstracción, rabia, calle y, sobre todo, la determinación de un artista empeñado en establecer un diálogo a través de la música que recoge el pulso de los tiempos que nos ha tocado vivir y nos fuerza a mirar hacia adentro y replantearnos muchas cosas. 

On The Tender Spot Of Every Calloused Moment (Blue Note, 2020), de momento, el último capítulo de ese maravilloso relato que da forma a la discografía de Ambrose Akinmusire, supuso una fascinante inmersión en sus raíces africanas; así como una muestra incontestable de versatilidad a base de improvisación modal, Blues, libertad avant-garde, clasicismo baladista y experimentación inconformista para construir un alegato sobre la progresiva precariedad de las clases populares de su Oakland natal debido a los procesos de gentrificación derivados de la burbuja de Silicon Valley (en sus propias palabras, On The Tender Spot Of Every Calloused Moment responde a la necesidad de «expresar el dolor, la belleza y el optimismo de ser negro»). 

Ante una muestra de talento tan descomunal y personal como el desplegado por Ambrose Akinmusire sin haber cumplido todavía los cuarenta, al resto de simples mortales lo único que nos queda es sentirnos agradecidos y afortunados de poder estar disfrutando de una de las trayectorias más apasionantes y profundas que nos ha regalado el Jazz en los últimos tiempos; y de un creador único que ya se ha hecho con un espacio propio en la larga tradición de la cultura afroamericana. En tiempos aciagos, música que eleva el espíritu, prende mechas y alimenta el cerebro.

WDR BIG BAND feat. Orrin Evans & Ambrose Akinmusire – This Little Light Of Mine

Escrito por Ricky Lavado

19 de Octubre de 2021

Fresh Sound Records, entrevista a Jordi Pujol. Parte-II

Fresh Sound Records, entrevista a Jordi Pujol. Parte-II

Fresh Sound Records, entrevista a Jordi Pujol. Parte-II


ABRIL, 2021


Begoña Villalobos


© Laura Guerrero 

Cedidas por Jordi Pujol

In&OutJazz Fresh Sound Record (parte II) incluye la entrevista a Jordi Pujol, fundador y dueño del importante sello de jazz contemporáneo, Fresh Sound Records.


Jordi & Claude ©J.Pujol

Jordi & Shorty Rogers ©J.Pujol

¿Cómo comienza Fresh Sound Records?

Fresh Sound Records como sello discográfico de jazz nació en 1983. En sus inicios empezó haciendo reediciones en vinilo de catálogos pertenecientes a grandes discográficas como RCA, Columbia, MCA y toda la línea de EMI Records. Más tarde la diversidad de sellos que figuraban en nuestro catálogo se fue ampliando al negociar la inclusión de otros sellos de discográficas independientes, como entonces eran Roulette, Bethlehem, Dawn, Argo, etc… y así fuimos incrementando la producción de las reediciones.

¿En qué momento comienzan las producciones propias de Fresh Sound Records?

Empezamos con producciones propias realizadas en Barcelona y en Los Angeles con músicos, en su mayoría ilustres veteranos, de la costa oeste. El primer disco que Fresh Sound grabó, como producción propia, fue en el verano del ochenta y cuatro: The Dave Pell Octet Plays Again. Fue mi primer viaje a Los Angeles, y a raíz de esta grabación surgió una gran amistad con Dave Pell, y una relación muy especial. Fue como un padre para mí, me presentó a muchos músicos y productores de la época dorada del jazz de la West Coast durante los 50s. Un estilo que desde que lo empecé a conocer enseguida me gustó, no solo por los excelentes solistas, sino por la importancia que tenían los arreglos en el repertorio de la mayoría de los grupos de la escena californiana. A lo largo de mis viajes durante los años 80 y 90, tuve la suerte de conocer a algunos de mis arreglistas preferidos, ídolos y referentes en este campo, como fueron Marty Paich, Shorty Rogers, Pete Rugolo, Bob Florence, Johnny Mandel, Henri Mancini, entre otros, y el todavía activo Bill Holman. 

¿De qué manera la producción propia impulsó al sello?

La producción propia ayudó a que Fresh Sound empezara, no solo a ser conocida por los coleccionistas, sino también por los músicos. Así después de aquel primer álbum de Dave Pell, vinieron discos de músicos como Bud Shank, Bob Cooper & Lou Levy, Bill Perkins, Claude Williamson, Herb Geller, Conte Candoli, Pete Jolly, Frank Strazzeri y también del pianista sueco Jan Lundgren, entre otros, así como los que grabamos en Barcelona con Jerome Richardson, Charlie Mariano y Mundell Lowe, con la participación de Tete Montoliu.

Dentro del catálogo de Fresh Sound hay una estética, y cualquiera que conozca el sello puede identificarlo. En mi opinión el catálogo de reediciones y de inéditos puede gustar más o menos, pero es consistente, coherente y me proporciona la suficiente satisfacción para seguir buscando proyectos de interés. Hay coleccionistas y aficionados de muchos países que siguen la evolución del catálogo desde sus inicios. A partir de la década de los 90, la producción de títulos en CD ha sido continua y lo sigue siendo, porque el CD todavía tiene sus adeptos. En las últimas tres décadas, en CD se ha reeditado casi todo, y para hacer una reedición hoy en día hay que intentar aportar algo más a los proyectos para que el coleccionista lo aprecie, y así lo entienden los sellos que trabajan con rigor. Reeditar por reeditar me parece que no tiene sentido. Es por eso que con el CD y el vinilo se puede ofrecer este valor añadido, que el digital de momento no permite.

¿En qué momento nace Fresh Sound New Talent y cómo se compatibiliza con las otras líneas del sello?

A finales de los ochenta sentí la necesidad de grabar a jóvenes talentos, músicos nacionales y músicos americanos que estaban de paso por Barcelona, y así nació Fresh Sound New Talent en 1992. En su origen la escena que empecé a documentar fue la local. Era un buen momento, con el Taller de Músics, dando sus frutos con una excelente generación de músicos pionera, que empezaba a darse a conocer en Barcelona, en los escenarios del Jamboree, el Pipa Club, y como no, también en la Jazz Cava de Terrassa entre otros locales. Después de los muchos años en los que el gran Tete Montoliu, en Barcelona, y Pedro Iturralde en Madrid, eran los únicos nombres internacionalmente conocidos de nuestro jazz, era alentador vislumbrar una nueva y prometedora era, que no ha dejado de crecer desde entonces. Con la idea de grabar a los nuevos y emergentes talentos empezó paulatinamente a aumentar la propuesta del catálogo. El propósito era dar la máxima libertad creativa a los grupos recién formados, para que encontraran un espacio donde sentirse cómodos para exponer sin condiciones sus proyectos. En ese momento surgió la oportunidad de grabar a Brad Mehldau, en un disco emblemático When I Fall In Love, junto a Jorge y Mario Rossy, y aquello catapultó al sello a primer plano. Mientras que las reediciones las disfruto de un modo más íntimo, el disco con un músico joven y en activo te proporciona otro tipo de energía. Son dos experiencias apasionantes y perfectamente compatibles.

Jordi & Bill Holman © Lluis Salom

Jordi & Bill Coop © Lluis Salom

Jordi w Gorka & Chris © Lluis Salom

Jordi & Paul Motian © Lluis Salom

Jordi & Colligan Session © Lluis Salom

Jordi, Mark, Larry, Jeff y Jorge © Lluis Salom

Jordi & Supersax ©J.Pujol

Jordi con Reid, Ethan y Dave ®J.Pujol

Jordi con Aaron Omer ©J.Pujol

Jordi & Lalo ©J.Pujol

¿Qué te impulsa a documentar la escena de jazz de Nueva York?

Una noche de otoño del noventa y cinco, después de salir del Village Vanguard (Nueva York) me fui al Smalls Jazz Club por primera vez. Hacía poco más de un año que había abierto sus puertas, y ya cuando empecé a bajar por las escaleras que conducían a la sala, pude escuchar un saxo alto que me impactó y pensé -esta es la energía que busco- el saxo era Myron Walden. Poco después salió al escenario la banda de Omer Avital con Charles Owens al tenor, y el impacto fue in crescendo. Al salir de allí, lo hice motivadísimo, y fue a partir de entonces que decidí poner todo mi empeño en documentar también la apasionante escena del jazz underground neoyorquino. Así fue como empezaron a surgir maquetas y proyectos, y se fue formando el sello con una base más americana, y con la importante presencia y colaboración de Jorge Rossy (que entonces ya residía en NY como integrante del trio de Melhdau). Jorge estuvo como batería en muchas de aquellas primeras grabaciones junto con Kurt RosenwinkelChris Cheek, Reid Anderson… El sello se hizo más internacional, sin descuidar nunca a los músicos de aquí.

¿Cómo es el criterio de selección para formar parte de Fresh Sound?

Me muevo en un terreno en el que estoy cómodo, lo que no haré nunca es un disco que no entienda o que no me guste, solo porque el nombre del músico sea más o menos conocido. Esto va contra mis principios. No me fijo tanto en la nacionalidad ni en el nombre, básicamente me fijo en lo que me gusta y me motiva. La confianza que tengo es fruto de la experiencia de todos estos años, ni más ni menos, y que solo se adquiere si haces cosas.

¿Cuál es su opinión sobre la escena de jazz actual?

Con respecto a la escena del jazz actual, cada día tienes músicos buenos que surgen, a veces sorprendentes, pero la desgracia es que cada vez hay menos lugares donde poder ir a escucharlos, y si a esto añadimos las consecuencias provocadas por la pandemia, es evidente que la situación es un drama. Por eso los músicos que empiezan lo tienen difícil, aunque están demostrando que a pesar de los difíciles momentos que vivimos para la música en vivo, son muchos los que han podido o sabido buscar salidas productivas para presentar su música. De la dificultad también se puede salir reforzado. 

New Talent como sello de jazz contemporáneo, facilita por sus medios y contactos que el músico pueda darse a conocer a través de una proyección a nivel internacional de los discos, que proporciona su regular distribución en EEUU, Europa y Japón. Cuando un disco de un músico nuevo tiene repercusión internacional me alegro mucho por él, y al mismo tiempo me da confianza y ganas de seguir trabajando.

Escrito por Begoña Villalobos

27 de Abril de 2021

Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I

Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I

Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I


ABRIL, 2021

Ricky Lavado

Begoña Villalobos

© Laura Guerrero 

Cedidas por Jordi Pujol

Mantenerse a flote durante cuatro décadas en una industria tan volátil como la discográfica es un hito que no muchos sellos pueden alcanzar, y hacerlo además sin rebajar los estándares de calidad del trabajo publicado y manteniendo la misma relevancia que el primer día se convierte directamente en un triunfo tan improbable como digno de señalar. Eso es básicamente lo que ha conseguido el barcelonés Jordi Pujol Baulenas con Fresh Sound Records, un sello que, a base de aunar esfuerzo, tenacidad, sentido de la oportunidad y criterio, sólo puede ser definido hoy en día como referencial dentro del mundo del Jazz. La propia longevidad del sello es la prueba principal de un trabajo bien hecho, no hay que darle muchas vueltas al asunto: nadie aguanta tantos años al frente de una discográfica especializada, a no ser que haga muy bien su trabajo.


Jordi & Dave Pell ©J.Pujol

Jordi & Javier Vercher ©J.Pujol

Desde principios de los ochenta, Fresh Sound se especializó en la publicación de discos clásicos de Jazz americano, especialmente de la década de los cincuenta; discos que sus sellos originales habían relegado a un segundo plano, cuando no directamente al olvido, con el advenimiento de la era digital a principios de los noventa y el vencimiento de los plazos de explotación de derechos de muchas de esas grabaciones pasados los cincuenta años que marcan la mayoría de leyes de propiedad intelectual. Con un trabajo minucioso de arqueología musical, Pujol se entregó en cuerpo y alma a la titánica tarea de recuperar y devolver su justa relevancia a un montón de grabaciones ensombrecidas por el paso del tiempo y, en muchos casos, el maltrato del mercado y sus propias casas discográficas. Un trabajo que vendría a definir el concepto de prestigio; tal es la magnitud, reputación e importancia de su labor de rescate de un legado artístico fundamental que, sin Fresh Sound, seguramente se habría perdido o sería prácticamente imposible de encontrar (y estamos hablando de, literalmente, cientos de referencias).

Asomarse al catálogo de Fresh Sound es abrir la puerta a un vasto universo de artistas, estilos y sellos discográficos especializados que nos permiten viajar a través del tiempo a lo largo de una larguísima tradición musical que se remonta a principios del siglo pasado y llega hasta nuestros días. Dentro de ese catálogo encontramos tótems de la talla de Charlie Parker, Louis Armstrong o Duke Ellington, pero es el trabajo de reedición de nombres menos conocidos dentro de esa tradición lo que le otorga a Fresh Sound ese bien merecido marchamo de seriedad y criterio del que goza en la actualidad. Las reediciones de Fresh Sound (siempre cuidadas, remasterizadas cuando es necesario, ampliadas con material inédito y acompañadas de un preciosista trabajo tanto en la elaboración de textos como en las fotografías y ilustraciones) son la marca de la casa y la guía de estilo de una parte muy importante del legado artístico del sello. Cuesta pensar en un sello relevante en la historia del Jazz que no cuente con reediciones a cargo de Fresh Sound; Verve, Riverside, RCA, Prestige… la lista es larga, y el número de tesoros incluidos es apabullante.

Jordi & Don Strazz, Peer Horacio © Lluis Salom

Jordi & Jeremy Ralph ©J.Pujol

Jordi & Bebo Valdés ®J.Pujol

Jordi & Jaleel ©X

Jordi ©J.Pujol

Pero hay otro pilar fundamental sobre el que Fresh Sound se sostiene dentro del mundo discográfico, tan o incluso más importante que la labor enciclopédica que venimos comentando: el equilibrio entre tradición y vanguardia, que es lo que hace que un género siga vivo y se mantenga como relevante pasado el tiempo, especialmente tratándose de un estilo que se remonta ya a más de un siglo de antigüedad, como en el caso del Jazz. Es en esa dialéctica entre clasicismo y modernidad donde Fresh Sound ha encontrado otra de sus señas de identidad, convirtiéndose en un radar rastreador de talento joven y hogar en el que han dado y dan sus primeros pasos discográficos algunos de los nombres protagonistas del Jazz en el nuevo milenio. Mediante la colección Fresh Sound New Talent (una marca que equivale de alguna manera a un sello de calidad), Pujol tiende puentes entre pasado, presente y futuro, con la publicación y descubrimiento al gran público de los primeros trabajos de gente tan dispar e imprescindible como Ambrose Akinmusire, The Bad Plus, Avishai Cohen o los mismísimos Brad Mehldau y Robert Glasper. 

La historia del Jazz se puede explicar tomando el catálogo de Fresh Sound como marco de referencia, y de la misma manera que el propio Pujol plasmó el desarrollo del Jazz en su ciudad natal con el monumental Jazz en Barcelona 1920-1965 (Almendra Music, 2005), de justicia sería que tarde o temprano alguien le devuelva el esfuerzo escribiendo la no menos monumental historia de Fresh Sound: así de importante es su trabajo.

Escrito por Ricky  Lavado

23 de Abril de 2021

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