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Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I

Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I

Fresh Sound Records, Jordi Pujol. Parte-I

23

ABRIL, 2021

Texto:
Ricky Lavado

Entrevista:
Begoña Villalobos

Fotos:
© Laura Guerrero 

Cedidas por Jordi Pujol

Mantenerse a flote durante cuatro décadas en una industria tan volátil como la discográfica es un hito que no muchos sellos pueden alcanzar, y hacerlo además sin rebajar los estándares de calidad del trabajo publicado y manteniendo la misma relevancia que el primer día se convierte directamente en un triunfo tan improbable como digno de señalar. Eso es básicamente lo que ha conseguido el barcelonés Jordi Pujol Baulenas con Fresh Sound Records, un sello que, a base de aunar esfuerzo, tenacidad, sentido de la oportunidad y criterio, sólo puede ser definido hoy en día como referencial dentro del mundo del Jazz. La propia longevidad del sello es la prueba principal de un trabajo bien hecho, no hay que darle muchas vueltas al asunto: nadie aguanta tantos años al frente de una discográfica especializada, a no ser que haga muy bien su trabajo.

 

Jordi & Dave Pell ©J.Pujol

Jordi & Javier Vercher ©J.Pujol

Desde principios de los ochenta, Fresh Sound se especializó en la publicación de discos clásicos de Jazz americano, especialmente de la década de los cincuenta; discos que sus sellos originales habían relegado a un segundo plano, cuando no directamente al olvido, con el advenimiento de la era digital a principios de los noventa y el vencimiento de los plazos de explotación de derechos de muchas de esas grabaciones pasados los cincuenta años que marcan la mayoría de leyes de propiedad intelectual. Con un trabajo minucioso de arqueología musical, Pujol se entregó en cuerpo y alma a la titánica tarea de recuperar y devolver su justa relevancia a un montón de grabaciones ensombrecidas por el paso del tiempo y, en muchos casos, el maltrato del mercado y sus propias casas discográficas. Un trabajo que vendría a definir el concepto de prestigio; tal es la magnitud, reputación e importancia de su labor de rescate de un legado artístico fundamental que, sin Fresh Sound, seguramente se habría perdido o sería prácticamente imposible de encontrar (y estamos hablando de, literalmente, cientos de referencias).

Asomarse al catálogo de Fresh Sound es abrir la puerta a un vasto universo de artistas, estilos y sellos discográficos especializados que nos permiten viajar a través del tiempo a lo largo de una larguísima tradición musical que se remonta a principios del siglo pasado y llega hasta nuestros días. Dentro de ese catálogo encontramos tótems de la talla de Charlie Parker, Louis Armstrong o Duke Ellington, pero es el trabajo de reedición de nombres menos conocidos dentro de esa tradición lo que le otorga a Fresh Sound ese bien merecido marchamo de seriedad y criterio del que goza en la actualidad. Las reediciones de Fresh Sound (siempre cuidadas, remasterizadas cuando es necesario, ampliadas con material inédito y acompañadas de un preciosista trabajo tanto en la elaboración de textos como en las fotografías y ilustraciones) son la marca de la casa y la guía de estilo de una parte muy importante del legado artístico del sello. Cuesta pensar en un sello relevante en la historia del Jazz que no cuente con reediciones a cargo de Fresh Sound; Verve, Riverside, RCA, Prestige… la lista es larga, y el número de tesoros incluidos es apabullante.

Jordi & Don Strazz, Peer Horacio © Lluis Salom

Jordi & Jeremy Ralph ©J.Pujol

Jordi & Bebo Valdés ®J.Pujol

Jordi & Jaleel ©X

Jordi ©J.Pujol

Pero hay otro pilar fundamental sobre el que Fresh Sound se sostiene dentro del mundo discográfico, tan o incluso más importante que la labor enciclopédica que venimos comentando: el equilibrio entre tradición y vanguardia, que es lo que hace que un género siga vivo y se mantenga como relevante pasado el tiempo, especialmente tratándose de un estilo que se remonta ya a más de un siglo de antigüedad, como en el caso del Jazz. Es en esa dialéctica entre clasicismo y modernidad donde Fresh Sound ha encontrado otra de sus señas de identidad, convirtiéndose en un radar rastreador de talento joven y hogar en el que han dado y dan sus primeros pasos discográficos algunos de los nombres protagonistas del Jazz en el nuevo milenio. Mediante la colección Fresh Sound New Talent (una marca que equivale de alguna manera a un sello de calidad), Pujol tiende puentes entre pasado, presente y futuro, con la publicación y descubrimiento al gran público de los primeros trabajos de gente tan dispar e imprescindible como Ambrose Akinmusire, The Bad Plus, Avishai Cohen o los mismísimos Brad Mehldau y Robert Glasper. 

La historia del Jazz se puede explicar tomando el catálogo de Fresh Sound como marco de referencia, y de la misma manera que el propio Pujol plasmó el desarrollo del Jazz en su ciudad natal con el monumental Jazz en Barcelona 1920-1965 (Almendra Music, 2005), de justicia sería que tarde o temprano alguien le devuelva el esfuerzo escribiendo la no menos monumental historia de Fresh Sound: así de importante es su trabajo.

Escrito por Ricky  Lavado

23 de Abril de 2021

In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

In & Out Jazz sobre el nuevo álbum de Jure Pukl: Broken Circles

05

NOVIEMBRE, 2019

Ficha:

BROKEN CIRCLES Whirlwind Records, 2019
JURE PUKL / saxofón tenor, clarinete bajo
CHARLES ALTURA / guitarra
MATT BREWER / contrabajo
JOEL ROSS / vibráfono
KWEKU SUMBRY / batería

Escrito por Begoña Villalobos
 

Broken Circles es el nuevo álbum del innovador saxofonista residente en Nueva York, editado en 2019 por Whirlwind Records   que estará en el mercado a mediados de noviembre. 

Sin renunciar a su faceta acústica, con este nuevo título, Jure Pukl ha querido experimentar con una combinación de sonido eléctrico y acústico muy diferente de su disco anterior. El álbum grabado a quinteto reafirma una vez más la posición como líder y sobresaliente compositor de Jure Pukl (Slovenj Gradec, Eslovenia, 1977) junto al ensamble compuesto por el californiano Charles Altura a la guitarra, que aunque es una de las voces emergentes, ya posee una potente trayectoria que incluye nominación Grammy, un cotizado Joel Ross al vibráfono que aporta una atmósfera espacial y flotante a las composiciones del esloveno, y una soberbia sección rítmica compuesta por uno de los principales bajistas del mundo, Matt Brewer. Cerrando la sección, el baterista, percusionista y compositor de Washington Kweku Sumbry con una arraigada tradición de raíces africanas.

Jure Pukl abre un nuevo capítulo en el desarrollo compositivo de su carrera con el nuevo lanzamiento, diferente del anterior álbum, Doubtless, un proyecto a cuarteto de doble tenor junto a Melissa Aldana, Gregory Hutchinson y Joe Sanders, más abierto y acústico que Broken Circles que mantiene un sonido más eléctrico. 

 Con una base tradicional y elementos de la vanguardia más creativa, el álbum con Juré Pukl a la cabeza actualiza el concepto establecido y presenta una conversación colectiva de gran calidad expresiva con composiciones, ritmos, estructuras definidas y capacidad para la  improvisación.

‘Doubtless’ from ‘Doubtless’ by Jure Pukl

“Los músicos con los que tocas te ayudan a transformarte en el músico que vas a ser”, comenta Jure Pukl

Con estudios de saxo clásico y de jazz en Viena, Boston y Nueva York, la discografía de Juré Pukl como líder incluye álbumes anteriores como EARchitecture (Sessionwork Records, 2010), Abstract Society (Storyville,2012), The Life Sound Pictures of Jure Pukl (Fresh Sound New Talent, 2014), Hybrid (Whirlwind Recordings, 2017) y Doubtless (Whirlwind Recordings, 2018).

Improvisar es una decisión colectiva, proyectar qué es lo que necesita la música en ese momento”, comenta Melissa Aldana (saxo tenor, Santiago de Chile,1988)

 

 

 

Daniel Nösig /Jure Pukl Q. feat. Tzumo Arpad / Josh Ginsburg / Greg Hutchinson

In&OutJazz. El álbum anterior Doubtless fue un éxito rotundo, Broken Circles es totalmente diferente, con otra formación instrumentista y un cambio radical en la sección de ritmo, ¿cuál ha sido el concepto musical qué has manejado en el nuevo álbum? 

Juré Pukl. El nuevo álbum es una formación e instrumentación diferente que Doubtless, pero no tan diferente de mis álbumes anteriores. Grabé The life Sound Pictures en 2014 (FSNT 458) y también tengo un quinteto con la misma formación, excepto que en este álbum el piano es reemplazado por el vibráfono. El concepto musical del nuevo álbum es combinar este sonido electrificado con acústico; La guitarra eléctrica y el vibráfono dan esta sensación flotante, sensación de agua y aire. Los tambores y los contrabajos dan esta idea de tierra, sonido más oscuro y los saxofones son altos o bajos (soprano versus saxofón tenor). También hay dos pistas son con clarinete bajo y esto consigue un sonido aún más suave y oscuro.

En el álbum anterior hubo una fuerte conexión con la banda, colegas y amigos durante mucho tiempo. ¿Qué podemos esperar en Broken Circles? ¿Qué aportan los componentes de la banda como grupo?

Con esta banda desarrollamos un sonido fuerte juntos. Esto sucede en la actuación y los ensayos, pero también nos conectamos a un nivel muy personal, como seres humanos. Pasamos el rato, somos amigos, hablamos de la vida y las cosas, comemos juntos … todo esto para mí es importante para hacer música. Cada jugador agrega su propia voz, su propia visión del mundo a la mesa y cada componente es igual de importante.

¿Son todas composiciones originales tuyas? ¿Utilizas el piano para componer?

Este álbum contiene todas mis composiciones excepto Kathelin Gray, escrita por Ornette Coleman y Gloomy Sunday, que es una canción suicida húngara escrita por el pianista y compositor húngaro Rezso Seress en 1933.  Toda la composición que hago es principalmente con piano, a veces con saxofón y algunas ideas salen de la batería. Cuando compongo no pienso, o al menos trato de no pensar demasiado. Voy a donde me llevan la música y las ideas. A veces me quedo estancado con una idea y no puedo continuar, otras veces escribo una melodía en una sola pieza.

¿Hay influencias de Ornette Coleman en tus composiciones?

Ornette Coleman es una de mis influencias, pero no es la única. Con este ensamble la música puede ser improvisada pero con una estructura definida que recoge la historia de la música en sí. No solo es tocar música de una cierta manera, también poder salirse de la caja y crear.  Es la magia de la banda, estar abierto a todas las posibilidades que pueden pasar musicalmente.

¿Cuánta improvisación podemos escuchar en Broken Circles?

Hay un 70% de improvisación en un material dado. Las canciones están escritas, pero después de eso, todo es improvisación.

 

 

 

Jure Pukl Quintet feat Charles Altura, Joel Ross, Matt Brewer, Kweku Sumbry II

Tanto en el anterior disco como en Broken Circles has prescindido del piano, ¿no te gustan las teclas? 

Estos 2 últimos álbumes no tienen piano, pero los 6 álbumes anteriores tienen piano, así que me encanta el piano (risas). Con Doubtless no teníamos un instrumento armónico en absoluto y con Broken Circles simplemente lo reemplacé con vibráfono, es solo una imagen de sonido que tengo en mi cabeza / oídos y no tiene nada que ver con mi preferencia de instrumentos.

En todas las reseñas de álbumes anteriores la valoración es excepcional. ¿Esperas esta valoración?

La expectativa es crecer como músico. Soy muy privilegiado porque viajo a cualquier parte del mundo. El público siente la energía que nosotros damos, la audiencia lo percibe, de ahí viene el reconocimiento y el feedback positivo. 

Hay una gran conexión musical y una energía palpable en tus directo. ¿Qué código manejas para qué esto sea así con la banda? 

Cuando hay confianza, estamos relajados y disfrutamos del momento es cuando la energía fluye. La amistad es muy importante para que haya una buena energía a la hora de tocar, eso se trasmite en el escenario.

¿Cómo ha sido el criterio de elección en relación al sello discográfico del contrabajista Michael Janisch (Whirlwind Records)?

WR (Whirlwind Records) es un gran sello, uno de los más jóvenes del Reino Unido, hasta ahora he hecho 3 álbumes para ellos y seguramente haya más. Son profesionales, responsables y no quitan la libertad artística, ni siquiera el 1% … Están abiertos a ideas y nuevos conceptos, por lo que puedo decir que son una gran etiqueta.

 

 

 

Jure Pukl’ Doubtless with Melissa Aldana Joe Sanders Greg Hutchinson

Jure Pukl – ‘Bad Year – Good Year’ – Whirlwind Sessions

Jure Pukl Quintet feat. Charles Altura, Joel Ross, Matt Brewer, Kweku Sumbry

Tzumo Arpad feat: Melissa Aldana, Jure Pukl, Josh Ginsburg, Kyle Poole

Jure Pukl Quintet with Joel Ross, Charles Altura, Matt Brewer, Damion Reid #1

¿Qué aporta Broken Circles al jazz? 

Nosotros damos espontaneidad, un nivel alto de musicalidad. Conocemos la tradición de esta música, pero no estamos atrapados en ese momento, no lo seguimos religiosamente, venimos de ahí e intentamos innovar y transformar. Entregamos toda nuestra experiencia personal como músicos.

Jure Pukl

¿Cuáles son los planes de presentación del nuevo álbum en Europa? 

El nuevo álbum se presentará en 2020 durante todo el año en Europa y EE. UU. Estamos haciendo una gira en marzo de 2020 por Europa (Eslovenia, Italia, Kosova, España).

Me han contado que Melissa y tú estáis pensando venir a vivir a Europa. ¿Es eso verdad?

Como músico de jazz la vida en Nueva York es difícil. Europa es calidad de vida. Nos gusta Europa. Tenemos la opción abierta.

Escrito por Begoña Villalobos

05 de Noviembre de 2019

In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz sobre Godwin Louis

In & Out Jazz entrevista a Godwin Louis

12

SEPTIEMBRE, 2019

Ficha:

GODWIN LOUIS, saxo alto

(Harlem, New York, Estados Unidos)

Traducción por Camila Jessel

Escrito por Begoña Villalobos

Fotográfias: 

Chiara Pezzani

Emilio Ramón Mendez

Miguel Martínez

La visita del saxofonista Godwin Louis (Harlem, Nueva York. 1990) al madrileño club de jazz, Bogui, representa un acontecimiento dentro del panorama jazzístico internacional, pues es sin duda uno de los titanes del saxo alto. Muy interesado en el cruce de culturas, Godwin Louis es un hombre poco corriente, a sus 29 años ha recorrido 101 países con el interés de investigar y profundizar en las raíces del jazz.

En sus composiciones, Godwin Louis, une tradición y vanguardia, desde el sonido más ancestral de África hasta el jazz más vanguardista de EE.UU. In&OutJazz

Además de tocar, componer e investigar, está dedicado junto con parte de su familia a la ONG eXperience Ayiti, en Haití, de la cual es miembro fundador.

Él mismo se define como musicólogo étnico.  La composición de su doble álbum debut, Global (Blue Room Music. 2019) nace tras la experiencia en la investigación que realizó en África y América Latina, gracias a la Comisión de Residencia de la Jazz Gallery de Nueva York, sobre la conexión musical y cultural entre Haití y Nueva Orleans y la música exportada de África a través del comercio transatlántico de esclavos.

Este proceso de investigación y profundización en los orígenes del jazz hace que su música sea multicultural, o como dice el título de su álbum: Global. In&OutJazz

Su padre, de origen haitiano, era un hombre intelectualmente brillante, pastor de la iglesia protestante, motivo por el cual Godwin estuvo en contacto con la música desde muy pequeño. Segundo de cinco hermanos, creció en un ambiente musical. Su primer instrumento fue el piano que su padre le regalo en su quinto cumpleaños, aunque fue su tío Robert, guitarrista de jazz, quien le introdujo en el mundo del jazz y la música afro-cubana.

The Godwin Louis Sextet – Siwel / The Checkout–Live at Berklee

“Recuerdo a mi tío Robert regalándonos cds de jazz: Charlie Parker, Cannonball Adderley, Sony Rollins, Herbie Hancock, Mc Coy Turner, música afro-cubana, música muy variada, por eso mi gusto es ecléctico. Crecí con todas las influencias culturales de EE.UU que reúne las culturas más antiguas que han existido”, comenta Godwin Louis. 

 Godwin Louis empieza a tocar el saxofón a los nueve años cuando se muda con su familia a Haití. Esta experiencia le forma culturalmente y le ayuda a conocer sus raíces. En Haití colabora con Ludovic Lamothe conocido como el Negro Chopin, pianista, compositor haitiano, representante del movimiento nacionalista en la música clásica haitiana y figura emblemática por sus composiciones propias e interpretaciones de la obra de Frédéric Chopin.

La faceta de Godwin Louis como sideman no es menos importante, ha realizado giras con grandes como: Clark Terry, Ron Carter, Madonna, Herbie Hancock, Wynton Marsalis, Al Foster, Jack DeJohnette, David Baker, entre otros

InandOutJazz: Has nacido en Harlem pero parte de tu etapa de crecimiento ha sido en Puerto Príncipe (Haití) ¿Cuáles son tus orígenes y tus influencias?

Godwin Louis: Mis raíces y orígenes están en Haití, es una de mis mayores influencias musicales, he crecido con ello. Haití es una de las culturas más antiguas que han existido y tiene características únicas: raíces caribeñas, africanas y la música tradicional nativa haitiana. Además, la tradición de la música de iglesia en Haití es diferente a la de EE.UU y me he desarrollado con ambas. Todos estos sonidos de la calle, con diferentes instrumentos reflejan una herencia africana directa y han sido mi formación. Existe también en mi música, influencias europeas, por la colonización.

Debe ser difícil elegir el camino, saber qué dirección seguir.

Sí, lo es, realmente. A veces todas estas influencias van unidas o combinadas. Existe una esencia global. Global, mi álbum, es una celebración de la identidad del continente americano, tiene la esencia de todo lo que es América. El álbum contiene coros, inspirados en los cánticos de la iglesia católica, también fábulas y cuentos propios de la cultura e historia de África. Es una mixtura de todas mis influencias, ya que, aunque hay aspectos diferenciados, existe un espíritu común. El álbum contiene los cuatro focos de cultura de los EE.UU, Nueva Orleans (Luisiana), Santiago de Cuba (Cuba), la parte nativa de Haití y Salvador de Bahía (Brasil). La música es muy diferente, pero a la vez tiene muchas similitudes.

¿Qué es Nago?

Es un ritmo. Nago es una tribu yoruba de Benín (África). En el Caribe es un ritmo, dicen que es el sonido del swing original. Uno de los puntos clave en el desarrollo del jazz está en Congo Square, la zona francesa en el barrio de Tremé en Nueva Orleans donde residen gran cantidad de haitianos llevando el ritmo Nago, después de la revolución en Haití. Muchos sitúan en ese punto el origen del jazz, resultado del encuentro de la cultura de blues del Delta del Misisipi con el ritmo Nago del Congo situado en Nueva Orleans, por lo que se considera al Caribe el responsable del aspecto rítmico del jazz.

Godwin Louis, Etienne Charles, Or Bareket, Harvel Nakundi y Jeremy Dumont (Madrid. Bogui Jazz Club, Julio 2019)

¿Cómo es tú experiencia en la banda etíope “Either / Or Ensemble”?

Fue una experiencia reveladora. Etiopía fue mi introducción a la cultura africana en general. Los etíopes fueron mi entrada a la música africana. En Berklee College of Music (Boston) pude conocer, aprender y tocar en Europa con el gran Mulatu Astatke (Jimma. Etiopía. 1993) vibrafonista y compositor considerado el padre del Ethio-Jazz; también estoy en uno de sus álbumes. Esa fue mi primera conexión con la música etíope.

¿Tienes formación clásica como saxofonista?

Sí y no, pero más sí. Como estudiante de música hay que tener la mente abierta a todo tipo de sonido todo el tiempo, te guste o no te guste. Mi formación primera con el piano fue clásica. Cuando fui a Berklee College of Music sabía muchísimo. Mi familia quería que fuera profesor, mi formación es como músico educador aunque todavía no he podido enseñar (risas). A los 16 años, al reverendo de mi iglesia vio que necesitaba formación musical y me puso en contacto con Herbert Wilson, quien fue mi profesor privado. Tuvo una profunda influencia en mi vida, tanto que la cambio. Me hizo ser consciente de la historia que hay detrás de la música, las clases eran sobre jazz, historia, psicología de los músicos. No solo influye el genio particular de un músico, sino lo que hay detrás de él.

¿Es John Coltrane un genio? ¿Por qué un músico toca como toca?

Sí, es un genio, pero no solo porque es brillante también su obra ésta vinculada al contexto social e histórico de EEUU en los años sesenta, pertenece a la cultura mundial, en concreto en relación a la lucha por la defensa de los derechos humanos.

La composición Alabama de John Coltrane que aparece en el álbum Live at Birdland (1963) la escribió en respuesta al atentado del ku Klux Klan que mató a cuatro niñas afroamericanas en 1963. Las composiciones de John Coltrane, que es un predicador, están inspiradas en el discurso de Martin Luther King, diferente al mensaje de Sony Rollins, o a Charlie Parker, un doctor; son caminos diferentes pero con el mismo objetivo: hacer sentir mejor.

¿Qué saxofonistas te han influenciado?

 Todos son memorables. He estudiado mucho a John Coltrane. La primera fase de aprendizaje fue Charlie Parker, la segunda, Ornette Coleman, me recordaba a mi tiempo en Haití. Son dos de los saxofonistas que más me han influenciado junto a Sony Rollins que tiene raíces caribeñas.

Uno de mis mentores Lee konitz (saxo alto. Chicago. 1927) es capaz de unificar todo, tiene 93 años, le conocí en Nueva York, fui a verle y él vino a uno de mis conciertos, tocamos juntos, hicimos un vídeo juntos. Me hizo mucha ilusión.

Músicos contemporáneos hay muchos. Etienne Charles (Isla Trinidad. 1983) por ejemplo, hemos tenido largas conversaciones, una de las primeras fue sobre la influencia caribeña en la música de Fela kuti. Tenemos mucho en común, los dos somos signos de fuego y de raíces caribeñas y tenemos un mismo objetivo en relación a la investigación en la música.

Godwin Louis on The Checkout Live at Berklee

Jeremy Dumont Quintet – «Tenderly»

Machann Mango

¿Cómo es el trabajo en la organización eXperience Ayiti?

Soy el fundador de esta organización en Haití, la base está en la escuela de mi padre, el objetivo es lograr que lleguen a ser autosuficientes y dar visibilidad a las artes, proporcionar formación musical y donación de instrumentos, que los músicos vengan y se involucren. Este es el tercer año y el planteamiento es abrirlo todavía más. Damos clases magistrales, hacemos un gran concierto, apoyamos la música local. Han participado músicos como: Aaron Goldberg, Bennie Wallace, Etienne Charles, Charles Goold, Miguel Zenón, Melanie Charles, Allan Mednard, Michael Feinberg entre otros. 

Begoña Villalobos y Godwin Louis

¿Cuáles son tus proyectos?

Me hicieron Embajador de Cultura de Togo (África), viajaré allí con Etienne Charles en enero del 2020. Tengo previsto viajar al Congo para explorar más la historia y las fábulas del continente africano oriental, porque las raíces caribeñas se sitúan allí. Quiero grabar Global parte 2: Los Orígenes. Con idea de grabar algo muy contemporáneo.

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Septiembre de 2019

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

In & Out Jazz con La Big Band de Canarias

30

JUNIO, 2019

Ficha: «BBC» Big Band de Canarias y Kike Perdomo.

Escrito por Begoña Villalobos

 

La BBDC Big Band de Canarias es una banda veterana que surge como proyecto conjunto entre Kike Perdomo y Yul Ballesteros, con la finalidad de dar proyección y conectar a músicos de las islas con los centros de poder jazzístico de la península y de Europa.

“Quedé totalmente fascinado con los saxos, el sonido de Dick Oatts sobrevolaba toda la sección”

Juan Antonio Martín (saxo barítono de BBDC)

Dick Oatts & Big Band de Canarias : Leap of Faith

La big band es la orquesta de jazz por excelencia, promotora de una energía desbordante. Estamos presenciando la proliferación de grandes orquestas de jazz, aunque para hacer funcionar un sistema tan complejo como es una big band, un formato de gran ensamble, no es suficiente dominar la parte técnica, es necesario que todos los componentes formen un bloque compacto y alcancen una fuerza común.  A pesar de que pueda parecer una locura apostar por una formación tan amplia, el compositor y saxo tenor Kike Perdomo  (Tenerife, 1961) uno de los músicos más activos del panorama jazzístico internacional y director de la Big Band de Canarias desde hace más de una década, apuesta por ello. 

Uno de los desafíos de la BBDC tiene que ver con su condición de insularidad; la banda está formada en su mayoría por músicos residentes en las Islas Canarias que están desperdigados en el archipiélago canario y en la península, por lo que los ensayos son intensivos una vez se reúnen.

“Ensayamos a muerte unos días antes del concierto, trabajamos bajo mucha presión, somos unos kamikazes”, comenta Kike Perdomo.

INDIAN. Kike Perdomo Qt + Big Band de Canarias. Recording Session Take1

En el 2008, la BBDC se presentó en el Auditorio Alfredo Kraus de Tenerife, en Madrid y en Berlín, bajo la dirección del compositor y saxofonista norteamericano, Dick Oatts, quien cuenta con una dilatada experiencia en la dirección artística de la Vanguard Jazz Orchestra de Nueva York.

Apostando por un trabajo de autor, el director integra compositores de vanguardia internacional que aportan identidad y experiencia con arreglos propios. Con un líder como Luis Perdomo a la cabeza y un repertorio contemporáneo que abarca diferentes estilos, la BBDC está abierta a experimentar.

 

Big Band De Canarias – Festival de Jazz de Madrid 2012

La Big Band de Canarias ha alcanzado un notable desarrollo a lo largo de una década. Con una identidad propia, evoluciona hacia una mayor definición en cuanto a las líneas de sonido. La banda nunca pierde la idiosincrasia, pues Kike Perdomo mantiene unos puntos de anclaje fijos con los líderes de cada sección que sostienen un sonido específico, el resto de instrumentos se adapta a ese fraseo, aumentando, a lo largo del tiempo, el nivel de complejidad en relación a la sonoridad.

“En un proyecto grande es importante la parte subjetiva, el compromiso, la colaboración, la actitud. Cuando todos remamos hacia el mismo sitio la energía se multiplica. Es un trabajo muy satisfactorio”, comenta Kike Perdomo.

La estructura instrumentista de la BBDC, con una formación de diecisiete músicos titulares y una plantilla de 36 músicos que van rotando, es variopinta: dentro de las cuatro secciones que integran una big band (dos secciones de metales, una de saxos y la sección rítmica) hay varios solistas que vienen del clásico, como el trombonista israelí Yossiit Skovich, que toca en la sinfónica de Tenerife y otros con una importante trayectoria jazzística, magníficos lectores, como Idafe Pérez (trompeta), Norberto Arteaga (saxo alto), Tana Santana (contrabajo), Carlos Meneses (contrabajo), Roberto Amor (batería), el baterista Ramón Díaz que ha editado sus trabajos propios con el sello Fresh Sound.

La versatilidad de la banda ha quedado patente en todos los proyectos. Desde la primera grabación en 2009: Atlántida (96K Music. 2010), un disco basado en el folklore canario adaptado para big band; hasta el quinto y último disco que está siendo grabado en estos momentos y se publicará en unos meses, que se presentó en la Bienal de Sevilla con Gerardo Núñez como solista, junto a invitados especiales como Antonio Carbonel, Carmen Cortés, y el percusionista Ángel Sánchez Cepillo.

“La Big Band es el proyecto de jazz más grande, de todos para todos
Kike Perdomo (saxo tenor y director de BBDC).

Dick Oatts & Big Band de Canarias: Poisonous Tree ( Soren Moller)

El segundo disco de la big bandThe Wild Side (2013) sobre temas de Elmer Bernstein, se grabó con el sello americano Varese Sarabande especializado en música de cinedentro del encuentro anual de FIMICITÉ (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife), después de reunir y reescribir el material cedido por la viuda de Elmer Bernstein. El tercer álbum: Home Made (96K Music.2015), es un tributo a compositores canarios. El cuarto disco: Hangin´ Out, es un trabajo monográfico grabado en directo, sobre la obra compuesta por Kike Perdomo con arreglos a cargo del compositor y pianista danés, Soren Moller.

 

 

KIKE PERDOMO y BEGOÑA VILLALOBOS, Foto de Emilio Méndez

Han formado parte de la Big Band músicos veteranos como el propio Kike Perdomo, Daymé Arocena, Iñaki Salvador, Sole Giménez (la voz de Presuntos Implicados); David Dorantes, Javier Ruibal, Francis Posé, Sandra Carrasco, Ramón Cardo, entre otros, junto a jóvenes talentos canarios como Emilio Martin, Kevin Díaz, Rubén Luis, Jairo Cabrera, Martín Leiton, entre otros, intercalando, de esta manera, experiencia y frescura.

Con una filosofía basada en la flexibilidad, la primacía de la musicalidad, y un sonido compacto, el concepto está claro; la Big Band de Canarias cada vez está más definida y tiene una proyección mayor dentro y fuera del país.

Tras 10 años de recorrido, la Big Band de Canarias ha realizado conciertos en festivales y eventos tan importantes como Colegio Mayor San Juan Evangelista (Madrid 2009), Festival Int. de Jazz de Costa Brava (2009), Sala Luz de Gas de Barcelona (2009) , Big Band Festival (Berlín 2009), XIX Festival Internacional de Jazz de Lugo (2010) , XXIX Festival Internacional de Jazz de Madrid (2012), Bundes Big Band Festival (Bönn 2014)), Bienal de Flamenco de Sevilla 2016 , Rincón del Jazz del Auditorio Alfredo Kraus  (2009/2018), Auditorio de Tenerife (2009/2011/2015), Canarias Jazz&Mas Heineken,  Fimucité, Festival de Música de Cine de Tenerife ( 2010/2012/2014/2016), Canarias Jazz Showroom, Teatro Circo de Marte, Aguere Cultural, Fete de La Musique, etc…

Big Band de Canarias
(I Semana Internacional de Jazz Ciudad de La Laguna)

Escrito por Begoña Villalobos

30 de Junio de 2019

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil y Luis Perdomo. «Incurablemente loco por el Jazz»

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil y Luis Perdomo. «Incurablemente loco por el Jazz»

In & Out Jazz, encuentro con Gerry Weil

16

JUNIO, 2019

Ficha:

Gerry Weil, pianista. Gerry Weil/Luis Perdomo/Emilio Méndez Escrito por Begoña Villalobos Fotografía: Emilio Méndez

“Emocionado, inspirado, y tocando un piano afinado por un amigo y alumno mío personal llamado Leonardo Pizzolante…”. 
Estas son las primeras palabras del encuentro con Gerhard Weilheim, (1939.Viena. Austria), conocido como Gerry Weil; momentos antes de su concierto a piano solo en la abarrotada sala de Jazz madrileña, Bogui Jazz. “Me siento sumamente feliz, me gusta el feeling del sitio, es realmente un club de jazz”, dice Gerry Weil. Con un público volcado y agradecido, Gerry Weil está en Europa, por una serie de circunstancias muy afortunadas como es la grabación en directo, en el club de jazz Mi Barrio, en Viena (Austria), su ciudad natal, del nuevo proyecto discográfico (2019): “Gerry Weil Live in Viena”. El álbum cuenta con 20 pistas que van desde sonoridades Avant-Garde, hasta melodías sublimes. El pianista llega a España con la gira europea 2018, de la mano de su manager e hijo Gerald Weil, de Ernesto Lottito responsable de la productora Akari, y del fotógrafo venezolano residente en Madrid, Emilio Méndez. Abanderado de Venezuela, Gerry Weil, “El Maestro de Jazz”, como le llaman, tras décadas de trabajo en la composición, es la figura más influyente de la música venezolana y una de las representaciones más importantes de la cultura Latinoamericana. Cuenta con una importante trayectoria como compositor, pianista, arreglista y educador. Es Premio Nacional de Música en 2008, y su obra musical está considerada entre las más valiosas dentro del género jazzístico.
“Inhalar, sonreír y exhalar: medicina suprema”. Gerry Weil
“Gerry es lo q se puede denominar un músico “puro”; sin avaricia a la hora de brindar sus conocimientos y siempre con una visión `positiva hacia diversos estilos”, dice Luis Perdomo.
A los 79 años y un concepto espiritual de la música, la apuesta de Gerry Weil es por una continua reinvención de sí mismo y de su música. Madrid es el último destino de su gira europea antes de volver a Caracas, su tierra adoptiva desde hace más de cincuenta años. Gerry Weil ha llegado hace unos días de Viena, su ciudad natal, donde varias de sus piezas forman parte del repertorio clásico del país y son de estudio obligatorio en el Conservatorio Superior.
“Gerry es un ser especial, una joya escondida, para mí ha sido una figura paterna, sus clases son encuentros maravillosos. Tengo la responsabilidad de difundir su arte.”, dice Ernesto Lottito.

trio

Gerry Weil es una persona querida, no en vano ha formado a tres generaciones de músicos, muchos son grandes figuras repartidas por el mundo, como el pianista venezolano con residencia en Nueva York, Luis Perdomo.
Una de las cosas de las que Luis Perdomo (1971. Caracas. Venezuela) se siente afortunado en su vida musical es haber tenido contacto con Gerry Weil a muy temprana edad. Gerry se convirtió en su maestro de piano cuando tenía diez años, hasta que fue a estudiar a Manhattan School of Music, en Nueva York. Aparte de toda la información fundamental sobre la técnica del instrumento, armonía, composición, la mayor enseñanza de Gerry, nos cuenta Luis Perdomo, fue: “haber instigado en mí esa inquietud de la música en general, sin barreras”; para Gerry era fácil ilustrar cualquier punto musical con ejemplos que van desde Johann Sebastian Bach a Karlheinz Stockhausen, desde la música tradicional japonesa a Cecil Taylor, de Eddie Palmieri a los tambores de Curiepe.
“() derribar barreras musicales y poder navegar entre estilos, se ha convertido en el alma de mi carrera, es algo que considero muy importante como músico de jazz, ya que uno mantiene esa frescura y sentido de búsqueda e inspiración como instrumentista y compositor. Esto se lo debo a Gerry Weil”, comenta Luis Perdomo
“… esta gran lección de Gerry ha sido algo invaluable para mí, tengo la tarea de difundir a mis alumnos y generaciones de relevo, esperando poder tener el mismo efecto que Gerry tuvo conmigo”, nos cuenta Luis Perdomo.

Entrevista con Gerry Weil:

¡Bienvenido a Madrid, a Bogui Jazz! “El Maestro de Jazz”, así le llaman, es buen título para su currículo vitae.

“Así me llaman, en el país de los ciegos el tuerto es el rey…  sigo siendo el alumno más avanzado de mi escuela. (Risas). El aprendizaje no acaba nunca”. Viene de una formación de música clásica y ha profundizado en diferentes estilos musicales ¿Se identifica como músico de Jazz? Me identifico como músico. Pero sí, soy uno de los pocos en Venezuela que se ha dedicado exclusivamente a tocar jazz, jazz-rock, jazz- latino, salsa-jazz. Contribuí con mi tumbao jazzístico rítmico latino en Venezuela durante treinta y cinco años. Siempre con un lenguaje de jazz. El idioma influye en la rítmica y en la acentuación de la música. El jazz es una música compleja, vinculada con lo abstracto, con disonancias, complejidades. ¿Cuál diría, en primera persona, qué es su concepto musical? Considero que la música es el lenguaje divino del cielo; es la energía de luz con mil nombres que nos habla y nosotros respondemos con pasión y agradecimiento, como dice un poema que compuse en japonés. “La música es un gesto de amor de lo divino hacia nosotros y a la vez nuestra respuesta es con pasión y agradecimiento”. Músico, poeta… habla siete idiomas… Mi religión es la música. Johann Sebastian Bach se conectó con lo divino, siendo un trabajador muy dedicado transcribió las fórmulas perfectas de la música: La Aria de las Variaciones Goldberg de Bach, una de las mayores obras artísticas creadas; vale la pena haber nacido para haberlo escuchado una sola vez. Bach es mi ejercicio diario, toco una hora diaria de Bach para calentar. Normalmente empiezo mis conciertos con esta Aria, que ya toqué en la prueba de sonido; hoy tengo un permiso directo con el jazz. Brad Mehldau grabó “After Bach”. J.S. Bach es el mensajero, su principal hijo Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Stockhausen.  Por el otro lado esta Louis Amstrong, Miles Davis, Thelonius Monk, Bill Evans, keith Jarrett, Brad Mehldau.

Su base es la música clásica, ¿En qué momento se conecta con el jazz? Nací en Viena en época de guerra, desde niño estudié música clásica, fui mandado a un campo de trabajo forzado y humillado públicamente como muchos otros por tocar música occidental que estaba prohibida en Viena en la época de Mao Zedong. Todo estaba destruido y no había comida. Con las tropas de ocupación, me tocó vivir en la zona norteamericana y por la estación de la radio de Viena lo primero que escucho fue jazz, la música de los sobrevivientes; tocaron cuartetos, tríos … jazz. “Me volvió loco el jazz”: “Ich bin verrückt auf Jazz geworden”. El repertorio de hoy ¿es todo jazz? Hoy toco mi actual repertorio a piano solo. Esta noche toco un arreglo de Blackbird (1968), una composición de Paul McCartney (The Beatles), que está dedicado a Keith Jarrett, mi pianista favorito y uno de mis mayores inspiradores; a él le dedique un concierto tributo en su setenta cumpleaños. Esta vez toco piano solo, pero me siento muy afortunado, cuando voy a Miami y tengo un cuarteto, voy a México y tengo un trio, voy a Denver… donde voy, tengo músicos con los que he tocado. En Venezuela tenía mi cuarteto, mi quinteto, pero todos se han ido, el noventa por cien de músicos se han ido. Venezuela es una diáspora. Es una pena terrible, yo no quiero irme. Venezuela me ha dado mucho. Miles de alumnos desplegados por el planeta. He sembrado amor y me ha devuelto amor, más que eso no hay nada. Soy un hombre muy feliz. Para mí la felicidad es un camino de resta no de suma, donde menos es más…

Gerald Weil/Dick Angstadt/Begoña Villalobos/Gerry Weil/Ernesto Lottito

Gerry Weil y Begoña Villalobos

Luis Perdomo y Begoña Villalobos

Gerry Weil despierta pasiones, es una persona carismática, espiritual, con una historia de vida en permanente aprendizaje y reinvención, por ello se ha ganado la estima de público y músicos. El sentido de búsqueda en la vida y en la música del pianista, es inspirador y terapéutico. Ha sido suficiente hablar con Gerry Weil treinta minutos para sentir su energía y pasión. Su música, como fiel reflejo de él, es rigurosa, libre, versátil, inspirada en muchos estilos y visiones; esto es una de las cosas que hace grande la obra de Gerry. In & Out Jazz
Escrito por Begoña Villalobos
16 de Junio de 2019

In & Out Jazz Tribute to Chano Domínguez

In & Out Jazz Tribute to Chano Domínguez

In & Out Jazz Tributo a Chano Domínguez

12

DICIEMBRE, 2018

Ficha: SEBASTIÁN DOMÍNGUEZ. Pianista (Cádiz, 1960).

El pianista Chano Domínguez presenta en España sus proyectos más recientes con motivo del cuarenta aniversario.

Fotografías: Ana Zaragoza Bermejo

Es el año de Chano Domínguez; cuatro décadas desde que Sebastián Domínguez (Cádiz, 1960) graba su primer disco como teclista del grupo Cai, dando así comienzo a su carrera profesional; no hay duda de que merecidamente se ha convertido en una de las figuras más respetadas y reconocidas del panorama musical internacional, creando escuela con una larga lista de músicos.

Su aportación al jazz es enorme; a través de un trabajo profundo, ha definido y transmitido su visión particular en un lenguaje único a partir de la música que le ha influido, en especial, la libertad de improvisación del jazz y la riqueza de nuestro archivo flamenco, estilos que están en su background.

El compromiso del gaditano no ha menguado con los años, demostrando que para él la música es lo primero: “mi inquietud por seguir mejorando no decae con los años, todo lo contrario, me siento más comprometido conmigo mismo y con la labor que desarrollo”   

CHANO DOMÍNGUEZ / Getxo Jazz 2018

Chano Domínguez reside en Nueva York, y a pesar del ajetreado calendario de giras internacionales, ha presentado en España sus proyectos más recientes. El homenaje desde el Café Central ha sido celebrar su cuarenta aniversario con una residencia en el Jazz Club de treinta días para mostrar su música y sus nuevos trabajos: New Flamenco Sound, su proyecto más eléctrico, junto a Jordi Bonell (guitarra), Ernesto Aurignac (saxo), Pep Pérez Cucurella (bajo), David Gómez (batería); también, acaba de presentar, Spanish Brass, un quinteto de metales con percusión flamenca y piano.

Además de su trío habitual con el contrabajista Javier Colina, complicidad sonora que comienza hace más de treinta años, ha presentado su proyecto New Quartet, con tres músicos jóvenes israelíes residentes en Nueva York.

Nos reunimos con Chano un mediodía en el Café Central para conocer de propia voz su perspectiva de vida después de cuarenta años de prolífica producción musical.

CHANO DOMÍNGUEZ / Agosto 2018 madrid

¿Cómo definirías el proyecto “New Quartet” junto al trío israelí residente en Nueva York compuesto por Hadar Noiberg (flauta), Naam Wiesenberg (contrabajo) y Amir Bar Akiva (batería)?

Hacemos una música muy libre, basada en la cultura de ambos, tocamos música ladina en clave flamenca, música Andalusí.

Los músicos israelíes son músicos que entienden perfectamente la rítmica de la música española, compartimos la misma manera de sentir los ritmos, es fácil trabajar con ellos.

También presenté con Martirio un proyecto sobre la obra de teatro “Bola de Nieve”. Lo siguiente fue la gira por Perú, Ecuador, Chile, Argentina y Brasil a dúo con Paolo Fresu, trompetista italiano.

FRESU E DOMINGUEZ IN CONCERTO by Enrico Linaria

Café Central (Agosto 2018 Madrid) “New Quartet”
Chano Domínguez, Hadar Noiberg, Naam Wiesenberg, Amir Bar Akiva

Chano Domínguez & Paquito De Rivera

Café Central (Agosto 2018 Madrid) “Spanish Brass”

Chano, ¿cómo es tu vida?

Desde que vivo en EEUU es una diáspora, hoy estoy aquí, mañana allí, me separé hace dos años, he perdido el concepto de hogar. Ahora estoy en Madrid y mi hogar es éste durante tres semanas. 

Procuro sentirme bien, llevo una vida bastante tranquila dentro del desorden que llevamos los músicos; intento rodearme de las cosas básicas, de lo que necesito. Doy gracias a la vida por permitirme seguir tocando y hacer la música que quiero. Lo estoy disfrutando, lo entiendo como un privilegio, tomando mucha conciencia y mucho respeto. Cada vez me siento mejor, más fuerte y concentrado en las cosas que son beneficiosas para mí.

¿Tocas mucho en Nueva York?

No suelo tocar demasiado. Este año he hecho cuatro conciertos en el Lincoln Center, pero hago muchas sesiones en mi casa, además, estoy rodeado de buenos músicos.

Ravi Coltrane es vecino mío, Gil Goldstein, arreglista; Jay Rodríguez saxofonista, me ayudó mucho y me conectó con mucha gente cuando llegue a Nueva York.

Autoridades de jazz. ¿Cómo fue la llegada a NYC?

Cuando llegué a NYC iba a quedarme unos meses en un apartamento de una musicóloga que daba unos cursos fuera, pero repentinamente lo vendió y tuve que buscar en dos semanas una casa. Empecé viviendo en Dumbo una zona muy bonita de Brooklyn en la orilla del río Hudson.

Ahora vivo en Greenpoint. En el edificio vive mucho artisteo con mucha peste a marihuana (risas…). Mi apartamento tiene un sótano donde tengo el piano y la batería y podemos tocar todo el día.

Café Central (Agosto 2018 Madrid).
Ariel Bringuez, Chano Domínguez, Pablo Martín Caminero, Begoña Villalobos

El flamenco era la música que se escuchaba en casa de Chano Domínguez; su padre con una gran colección de vinilos era aficionado al flamenco y su madre cantaba copla. A los ocho años Chano comienza a tocar la guitarra española, instrumento al que económicamente podía optar; más tarde le proponen dirigir el coro de la iglesia de San José, su barrio y empieza a tocar el armonio de la iglesia. A partir de entonces fascinado por el piano se dedica íntegramente a él.

En 1978 graba su primer proyecto profesional como teclista del grupo Cai, un grupo de rock sinfónico que fusionaba ritmos de flamenco con las influencias anglosajonas del momento, de grupos como king Crimson, Genesis, Pink Floyd.

Ahora, tras cuarenta años dedicados a la música, el reconocimiento de la crítica y público es patente: “Me siento muy pequeñito. Soy una persona muy normal y sigo sintiéndome un aprendiz de la música”.

JERRY GONZALEZ- CHANO DOMINGUEZ / Rumba Pa´ Jerry

¿Qué crees que has aportado a la música y al jazz?

¿Aportado? … ¡No sé! Espero no haberle quitado nada (risas…). ¡Con eso ya vamos bien! Si he aportado algo es la visión particular que yo tengo de canalizar la música que a mí me gusta, eso pasa por el jazz y por el flamenco. El flamenco porque es la música con la que me he criado y el jazz siempre ha formado parte de mí, es la música que más me ha llamado la atención porque es una música improvisada que se puede crear en el momento, por eso me enfrasqué en el jazz. Es lo que he estado estudiando y sigo estudiando.

En tú opinión, ¿cuál es la riqueza del lenguaje de jazz?

El jazz tiene un vocabulario muy extenso para poder expresarme y decir las cosas que yo quiero decir. El jazz te da una visión muy amplia o muchas visiones diferentes de una estructura musical, de una cadencia armónica que te permite crear un montón de nuevos colores y nuevas formas sobre esa estructura. Lo más atrayente del jazz es la capacidad a través de un lenguaje de poder variarlo y recrearlo a tu gusto. Cuando me subo a tocar me gusta no pensar demasiado sino más bien sentir.

¡Eso se trasmite! ¿Ese es Chano, el músico?

Es lo que intento, vender sensaciones. La gente está muy necesitada de sentir, la música es el alimento del alma. Las artes en general. El ser humano necesita de eso; si no, nos volvemos grises y apáticos.

Yo soy el músico que soy porque es la consecuencia de todo lo que yo he vivido. Todas las experiencias en las que yo he participado, que me han hecho ser quien soy y tener el lenguaje musical que tengo.

PAQUITO D’RIVERA CHANO DOMINGUEZ / Quartier Latin.COMPLETO

CHANO DOMINGUEZ / Jazzahead! 2017

PAQUITO D’RIVERA & CHANO DOMINGUEZ QUARTIER / Latin – Poinciana

¿Cómo defines la música que haces? ¿Por qué llega al público?

La música que yo hago, al tener todo el movimiento rítmico de la influencia del flamenco, la hace muy rica y le llega a la gente. Se entiende muy directa en Latinoamérica y en EEUU porque yo toco mucha música americana en clave flamenca. Hay sitios que son menos expresivos, como Alemania. En Asia se vuelven locos.

Esa facilidad que tienes para fusionar flamenco y latino es fascinante ¿Cómo han influido las diferentes culturas en la música?

¡Cómo no! Están tan cerca que pueden convivir juntos. Los músicos latinos y los flamencos viven igual, tienen la misma manera de entender la fiesta, de vivir la calle.

Todo está conectado, la música afrocubana no sería afrocubana sin la influencia de la música española o latinoamericana. El flamenco ha estado muy influenciado por la música latinoamericana. En el flamenco tenemos lo que se llaman Palos de Ida y Vuelta, que comparten claves rítmicas con el otro lado del Atlántico. Son guajiras, colombianas, milongas, habaneras. 

Has tocado con Paco de Lucía, con Wynton Marsalis, etc. ¿Qué experiencias te han influido?

He tocado con muchos músicos y de todos he aprendido y de todos aprendo. Javier Colina, Michael Olivera… acabo de tocar con ellos. 

Spanish Brass, que están tocando mi música; estoy orgullosísimo de que estos grandes músicos estén conmigo en el escenario. He tenido la suerte de subirme a tocar con Paco de Lucia; he aprendido de un montón de grandes músicos como Wynton Marsalis, Jack DeJohnette, Herbie Hancock, Paquito De Rivera, etc. Me siento un privilegiado. 

Se aprende de la actitud de estos músicos, como están en el escenario, como tener voz propia y ellos lo tienen muy claro, saben lo que quieren y suenan a ello.

 CHANO DOMINGUEZ CON BEGOÑA VILLALOBOS

¿Cómo ves el jazz en España?

Creo que no se han hecho las cosas bien. Por un lado, hemos fomentado mucho la docencia en cuanto a música moderna jazz, flamenco en las escuelas y hemos formado a muchos músicos. Camadas que salen cada cuatro años con el nivel superior, tocando muy bien, que no tiene dónde tocar, ni dónde dar clase. Tenemos una buena cantera de músicos jóvenes, pero necesitan una estructura local, provincial y estatal para poder desarrollarse. Eso es lo que veo que no hay.  En la época del PSOE se hicieron muchos auditorios, salas de cultura, pero eso está enterrado, se hacen programaciones escuálidas. Falta que haya un Ministerio de Cultura que mire por la cultura, ya que la iniciativa privada en este país es muy corta.

En abril hemos podido verte en Valladolid con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con Jesús López Cobos como director. ¿Qué cosas te quedan por hacer?

Tengo pendiente escribir un concierto para piano y Orquesta Sinfónica; toda una obra en clave de mi música, jugando con todos los aspectos musicales que yo manejo en base a los ritmos del flamenco, a la armonía más moderna y a melodías más tradicionales. Eso es algo que quiero hacer; tengo que encontrar el momento para mí y enfocarme en ello.

Agradecer a Chano Domínguez el tiempo dedicado a In & Out Jazz.

CHANO DOMINGUEZ & JACK DEJOHNETTE / «Mister C.I»

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Diciembre de 2018

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