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Fred Hersch Interview  JAZZMADRID21

Fred Hersch Interview JAZZMADRID21

Fred Hersch Interview

Madrid International Jazz Festival



Entrevista: Manuel Borraz

Fotos: Rafa Martín/CNDM


On November second, I had the pleasure of interviewing one of the greatest jazz piano players of all time. After his last duo concert in Hamburg with trumpeter Dave Douglas, Fred Hersch came to Madrid, where he played with Avishai Cohen an intimate acoustic performance at Madrid’s National Auditorium, (JAZZMADRID21) playing jazz standards and his own compositions in his unique, buoyant masterful way. 

Well known for his long jazz career, sideman in the past of jazz legends like Joe Henderson, Stan Getz, Bill Frisell… composer and piano bandleader, Fred has contributed to jazz music with an extended creative artistic work with many formations and formats; despite his complicated life situation due to contracting Aids in 1984 and coming back from death after a two months coma in 2008, Hersch is still touring the world, creating amazing music and leaving a legacy that will last long. In the living room of a hotel the morning before the concert, Fred Hersch shared with us some aspects of his approach to music nowadays, how he feels and how he is living the current moment.


In & Out JAZZ: Welcome to Madrid, we are delighted to have you here, how are you feeling?


I´m good, thanks. I don’t remember now, but I think that the last time I was in Madrid it was with the trio. Something I can tell you is that lately I remember good halls and good pianos around the world, how they work or the difference between them, specific ranges that sound better depending on the model. 

You have had a close relationship with the piano for more than 40 years and you are still touring, most of the time in small formations like this concert with Avishai Cohen or solo performances.  What is your relationship with the piano now?


I love it and I feel really loose. Since the pandemic, fortunately all of the concerts where I’ve played have been with musicians that are in the flow of the music, not much is predetermined, with Enrico Rava, Dave Douglas, now with Avishai Cohen, all of them are different but great. I find It hard to play with musicians that are too much in their heads. I always say to people I love my work. I make stuff up and I get paid for it. It’s a great job.

So, playing piano solo concerts was a natural consequence of your life, due to your needs and loves or a conscious decision?


In 1977 in New York, I was hanging out a lot at Cork Bradley’s, where all the piano players were hanging out, there were lots of piano players and a bass-piano duos there, with Tommy Flanagan, Hank Jones, Jimmy Roles, Kenny Barron… I remember Rolland Hanna said to me you would be a very good solo player, you should really develop that, and he was a very good solo player, so I did it. In 1980 I gave my first solo concert and my first solo album came out in 2001. I have equal solo albums and trio albums. Playing solo…It’s very challenging, you can´t take a break for the drums solo! (laughs).

You have used many different approaches, textures and creative skills in your performances, one could say that your piano playing has a very sensitive and refined touch, where do you think that this art of playing comes from?


I played classical music, not so much in public but for me, but I grew up listening to it, I did not listen so much to popular music. When you listen to a lot of great piano players and piano music you can hear the possibilities of the piano, so I never transcribed solos but I got ideas and I tried to incorporate all these elements, for example the piano can be a drum set, an orchestra, a singer, a horn, it can go opposite directions, multiple directions or play different voices. This is a feature of my playing and I find it interesting to do.…You don´t read into the piano but different piano players have their own particular sound, not the notes, the way they engage with the instrument. 

The pandemic has greatly affected a lot the sector of music and culture, how did you deal with the Pandemic from the beginning until now?


I actually did not touch the piano for months during the pandemic, but among many other things, I did meditation, but not Zen. What I do is, I sit everyday although is difficult on the road, for 35 minutes. When I started meditating, I realize that I was meditating my whole life with the piano, so instead of the breath as the encore, it was the sound the anchor, how you actually make the sound and how you put this sound in rhythm, this is active meditation, is not about what you play a hype chord or something fast, is about the feeling. 

Also, during the Pandemic, you did one album, Songs From Home, right?


Yes, that album, Songs From Home was just me playing songs I like just to make people happy. So, people could be with me relaxing in my living room¨ while I play songs that I Iike and we all have some nice moment together.

Talking about the Pandemic and the difficult moment of global health, we know you have been dealing with health issues for years, how did your health situation affect your playing?


Also, I was very sick I almost died twice and when I came back things changed, so there is kind of a pre period and post period, it was 13 years ago, since then I know my playing has changed but I can’t tell you how. Also, when you get older, your memory is not so great your repertoire gets smaller and now after a year without practicing or playing music in the pandemic one now appreciates music more and I’ve got to the place I always wanted to get to of caring deeply about the music on the one hand but on the other you just don’t give a shit whatever happens. 


You said tonight, with Avishai Cohen, the main focus will be on improvisation, but also, you have been using composition for a long time, which area takes precedence in your life?


Nine of the last 12 albums were live because I don’t like the studio so much.  Real jazz, my best stuff is live. But as an artist I’m conscious of my career, and I know you cannot just do always the same thing, no one would pay attention. 

You have been teacher many years in institutions and influenced big musicians like Brad Mehldau, Ethan and Sullivan Fortner… what do you think about the institutionalization of jazz?


Well, in order to set things to students or make a model for jazz education, It has to be driven by information, not by theory and transcriptions…

In a way I was lucky because I did not have a teacher before I went to New York, and I was an apprentice, that was what everybody did at my time, I played with Joe Henderson, Stan Getz, etc., I composed my own pieces very late… now everybody has the goal of having their own band with their own music and I think is equally creative to play something somebody else wrote.

Not everybody is a great composer, something great for me is something that sticks, like a Sonny Rollins solo that I can almost sing… I would never write it down for example but I sing it. 

Did you enjoy being a sideman, I see you don’t do it anymore?


Lately I don´t tour with other people as a sideman, people don’t think of me as a sideman anymore, they think I’m busy or expensive, etc. there was a time that I was a sideman when I was thirty and I learnt but now It is different.

How is jazz education now?


Jazz education consists now of students who do it like a duty, they learn and can play but nothing is personal, It is more craft than art, and then there are musicians who have big influences and take it personally, take music from other countries or from hip hop or classical contemporary music wherever, so there is not much swing inside so maybe it’s jazz but not jazz, although they are very accomplished musicians who found a way who speak to their generations and to themselves. When you suggest playing or writing down what Herbie wrote in 1963 It makes people develop a lot of fear but if it’s something new you can´t be afraid of it, you just have to embrace it. Also, now we have a group of people who have doctorates but never tried to make a living out of music, so it’s very academic, and that can make people competent but It does not make them creative artists.

How was it back then for you?


When I come to New York I was 22 years old and it was very simple, you had to be able to know how to swing, how to compose, read music, have the tools and be prepared to return phone calls…. now everybody is expected to be bandleader, composer, social media expert, what is expected nowadays is different than before…

What would you say is missing nowadays?

One thing that is missing is listening not only to what happened in the 70s but to the whole history of jazz. Throughout there have been and there are amazing pianists. One has to understand the different trees of jazz piano. Like for example…. Duke Ellington- Monk- Herbie Nichols-Andrew Hill that’s one tree or ….James P. Johnson-Art Tatum-Fats Waller-Oscar Peterson…that’s another.

Unfortunately, people don’t listen to albums anymore.  We read to the note, etc. Our attention has got shorter, due to new technologies and this is affecting the education we are having a lot.  

Is it more skills centered than art expression?

Most of jazz students want to know…. how can I do this? but, you just have to try things and commit mistakes until you learn… It’s not I’m going to do this and this and I’m going to be a good jazz musician, it’s a language and you have to speak it…it takes time.

The history of jazz has a very concrete, determined character, geographic origin… but the different paths that it has taken are creating a very thick and lush forest. Jazz is now being played around the world. Do you see a difference for example between European jazz and jazz in the U.S.A?


Before Europeans and Japanese wanted to know the authentic way to play this music and now there are a lot of European players who do their own thing, Enrico Rava, Bollani, John Taylor, Jan Garbarek, etc. You can put a lot of jazz music in ECM category or Avant Garde category, there is some in the middle but most of It is this, but not so much swing anymore, more straight 8ths odd meters, etc.


I suppose one learns a lot also playing with great characters of the history like you did in the past. What did you learn from playing with true legends at that time?


Playing with Joe Henderson for 10 years I learnt a lot. Sometimes he played great but sometimes not so well, or he started okey and at the end was amazing, so I learnt not to panic with a moment of the concert because is a long trip. The trap I got into once was worrying about what I was not able to play, like young pianists who can do amazing technical things, but they cannot do what I do so you have to know who you are. There is no law saying that you have to do that. So, you just play one phrase then another, then another, loving them, like meditation… every breath is a little different from each other, some days you are focused and some days you are not, I like to think that I normally do good performances but sometimes I’m more inspired, like in Village Vanguard which is my home I feel like I’m in my living room, I don’t have to worry about a thing. 


It seems that your meditation practice had affected a lot the way you express and conceive your playing, did it influenced you as well in the way you listen to jazz? 


When you listen, you can´t see what people are doing, you can just hear it, in a lot of shows I  shut my eyes even in my own concerts, I don´t look, I pay attention, it gives me a center. I like to take one track that I like, close my eyes and I listen to it 7 times in a row, and each time I listen differently, how do people phrase or deal with harmony, if the drums are ahead of the beat, how they deal with …. etc.


What would you qualify good art then?


I always say, good playing is like pizza basically you have sauce, cheese, dough and when you are playing solo you have rhythm, sound and the way you connect with what you play, these are the three most important elements. We all have had terrible pizza but when you get good pizza it’s so great, bad pizza can fill you up, but good pizza…what a difference… wow! this was made with care and the best ingredients and skills… 


So, do you influence yourselves from other kinds of art?


I go to art museums, enjoy visual arts, theatre, other kinds of music, all kind of classical music. I like to explore everything I like to learn stuff from different artists or periods or cultures and connect with them. You can’t only do jazz, maybe when you are young…but at this point I can’t just practice jazz, the closest I get is taking one tune and playing it for 20 minutes. I search for new stuff if it gets boring, I go to a different thing.


How free do you think jazz music actually is?


When you play a tune is like a picture frame, it gives you a limit, here is the basic form, harmony, melody, or words…to me, the three great revolutions of jazz were Louis Armstrong, invented scat, stepping up front of the band and being a really great soloist, bebop era is the second, this basically said; jazz is not dance music ,is more complex, virtuosic, people were writing their own things…and then Ornette Coleman, who was like, I’m just going to play on the feeling of the tune or I’m not going to play any tune at all. Of course, there are a lot of amazing great musicians but for me this a is where the real innovation lies.


How do you see the evolution of the jazz industry? 


In the years people were buying albums classical music and jazz rated about 2%. And within jazz there were always singers and guitarists who sold more records than instrumentals, but it has always been a very small percentage of the music industry.


In your opinion why is this percentage so small?


Both of those genres the more you know the better you feel when you listen and more satisfaction you get, and you can make at least an opinion about it. Pop, big famous artists and these projects are driven by personality and sometimes it is more entertainment than art, and jazz and classical music not to be pretentious but it is another kind of artistry, but it has always been a tiny part of in the industry…some people would say I like smooth jazz which is not actually jazz of big bands or whatever… and that can be great or not. You know there is nothing wrong with entertainment sometimes you just want to have some fun but in terms of artistry not so much, is another layer… just a deeper one.


I guess society has also changed a lot. How do you see the acceptance of the LGTBI movement in jazz nowadays?


Let’s say you have 5% of population of gays in the world, just a number, and not all of them belong to jazz or are jazz fans. I was one of the first to really come out and I like to think that it gives people confidence to say it too. When you play with other musicians it’s very intimate and you don’t want to bring sex into it. Specially in the US now they are tending towards women instrumentalists and people of color. Honestly, I don’t care what race or sex anybody is when I play with them, I just play with players that are compatible with me, when the music starts and I close my eyes, the music is what matters. I went to a multiracial school with no ethnic majorities so I did not think about it much, and then I played with lots of musicians… A lot of people for example would think why Joe Henderson would have a Jewish white gay piano player in his band…but if you are gay and, in the closet, it is harder to express yourself also in life and in music. Now we have people who don’t know which sex they are, etc., that’s the next frontier.


Now before we end, we would love to know if you have any upcoming projects!


I’m doing a String quartet plus a trio project. Nowadays this seems fashionable but I just did it in my own way…it will come out in January. It contains 8 movements of a suite and the different movements go together as a unit and are based in my meditation practice. Also, with Enrico Rava we will record an ECM album in a couple of weeks. They have a particular way of working and It would be interesting to make it. After ¨Songs from home¨ I realized that meditation could be an interesting subject, maybe I’ll do something about it or maybe my next project is a live I recorded with Julian Lage, who knows we are just listening to it, you never know… or a jazz trio album, who knows.



Escrito por Manuel Borraz

13 de Diciembre de 2021



Ambrose Akinmusire Interview

Madrid International Jazz Festival



On the evening of November 21st, I had the pleasure of interviewing one of the flagships of the renewal impulse that runs through contemporary black music, the Californian trumpeter Ambrose Akinmusire, one of the most restless and creative musicians of his generation who is reshaping the jazz tradition.

The interview was done moments before his live quartet, completed with Micah Thomas, Harish Raghavan and Kweku Sumbry, took the stage at the Fernando Fernán Gómez Theater, within the Madrid International Jazz Festival 2021.


In & Out JAZZ: Why is Origami Harvest not released on vinyl yet?


Ambrose Akinmusire: Oh, I have a very easy answer: because there’s a lyric, just one lyric, that Blue Note didn’t like. And they didn’t want to get slapped by people. That’s the only reason. I won’t say what the lyrics are! It was pushing a little hard… That’s the only reason. 

I have read that your parents were very religious and that your mother played piano in church. In your work there is a spiritual dimension that goes beyond the music, similar to the spiritual dimension of John Coltrane. In your opinion, what personal and musical elements must coexist to reach that spirituality?

For me it has to be a willness to wrestle with the ego and to get rid of the self. So the music can come inside you and come out as opposed to everything being produced from your head. So all of the practices that I do is to make sure that the music can just come out as it wants. So I practice technical things on my trumpet so the music doesn’t run against any technical limitations, and I do practice on myself and my ego so that when the music comes inside of me I don’t judge it. Si I think that is maybe the first thing that must happen or at least is the thing that I’m focusing the most on. Other things… I guess it’s just openness. Even as a jazz musician or a creative musician checking out other music and checking out other opinions, having conversations with people. And also… being willing to make mistakes and to fuck up and say “I’m sorry”. Even in life you can just… even as a creative person I try just do what I gotta do and if I fuck it up say: “Sorry, my intentions weren’t bad”. That’s also part of life so… I think those three things are the things I am focused on for a long time. 

You seem incredibly free in everything you do. What does the concept of freedom mean for you and for your music?  

No one has ever asked me that…  Free… When I think of freedom I think of dancing within a frame because if there’s no frame, then it is chaos. If there’s no rules, there’s no frame, then it’s chaos. So for me it is finding ways to be creative with all the rules. Musically that’s what freedom means for me. But if we talk about free jazz and the free movement, I think that free jazz is what comes after the blues, you know. It’s like the next sound of the blues, where the blues is a little bit more optimistic, the free jazz and things associated with that are just expressing the pain in a very visible way. And freedom on my instrument just means being able to play what music says to play. 

So, in that way, it means a lot of practice…

It means too much practice. I practice a lot, yes. I practice to be free. I even practice if I play an ugly sound… The freedom in terms of technique is to not be there. I practice so I can be on stage and just play what it comes through. I know that I’m not the one making the music. That also is a form of freedom. I don’t have the pressure to come up with all this amazing stuff because I really believe that it’s already there. I just have to submit to it. If I can do that it just comes out.

You are the medium.

Exactly. And that’s free. I don’t have to create it, I just have to stand there. I have done all the work before that.

You are always searching for new ways of expression and you’ve displayed a huge range of sounds and styles throughout your career. Does your work start from improvisation?

When I was younger I could write music very easily and then I stopped for many years, I stopped writing music. And then I realized that I have to find ways of walking to the muse and sometimes that’s writing the story or playing games with numbers, but that’s just to get me to the point where I’m interacting with the muse, and often all that stuff goes out of the window when I’m there. So the process of getting there is always changing but the getting there is where the creativity comes out.

Do you have any method to identify when you are on the right path?

Oh, no. When you are in the flow, you’re in the flow, you know? It’s like in basketball: after shooting you know if you are in the flow. It’s like you enter that magic zone and you just know. It’s just a feeling of something else taking over and you really have to fight to not come up with that. Things that take you out of there are judgement and ego. So when you are there… I feel it. And I rush to put it on a paper before my ego says it sucks or it’s amazing.

Do you record yourself?


Every time?

Not every time, but a lot. 

Do you come back to those recordings?

No, not really. Sometimes, if I have a big project, I’d listen to the stuff and try to see if I heard something. 

What is your experience with Fresh Sound Records?

I did one record with Fresh Sound, the first one, and my friend Walter Smith did one or two that I did. The experience was great. Jordi was very supportive to a lot of musicians that nobody knew who we were. I didn’t meet him until years later. He’d always respond to the emails and send the money… he was cool. He let us do whatever we wanted to do. Furthermore, he didn’t say: “I want a jazz record”. My first record has an opera singer, it has all this crazy stuff, you know… I really have a lot of love for Jordi and what he’s done for not only me but for my generation and the generation before us, just giving us a start and giving us experience in recording and creating a CD. I think that without Fresh Sound a lot of people wouldn’t have careers and maybe a whole generation wouldn’t had been heard. 

You have managed to innovate from a deep knowledge of traditional music but what are your references or pillars in music?

Joni Mitchell, number one, Björk, John Coltrane, Clifford Brown, Bud Powell and Benny Carter. Those would be my strong people. Björk is the last musician that I really want to play with. I’ve played with Jonny, I’ve played with Herbie (Hancock), Wayne (Shorter), Kendrick Lamar… all those people I’ve played with but not with Börjk. If I go to one of her concerts I would sit in the front row… I can’t wait. I know it’s written. I really like people that you hear and think “Where does this come from?”. You can hear references but they just drop it down so complete, out of nowhere.

That’s exactly what you’ve done.

Oh, no! (Laughs). Thank you…

What are the most important learnings you got as a musician, since your beginnings with Steve Coleman and the Five Elements until today?

Oh, very easy. The most important thing I’ve learned is simple: try to be a good human. Just try to be a great human being. Be responsible for how you make people feel. That’s the biggest lesson that I’ve learned. Because I’ve got to meet and play with all my heroes and that’s the one thing they all have. Herbie, Wayne, Ron Carter… all these people. They all feel the same, they are generous, open and warm. So that’s been the biggest lesson so far in my career.

You are an artist who has taken jazz to another level. Was this a premeditated idea and where does your creative force lie?

Was it premeditated? Yes and no. Yes in the sense that I believe in innovation; a lot of people don’t and more specifically I believe in innovation being a part of the Black tradition. So yes, it was premeditated. But, did I sit down and say: “I want to come up with something new”? No. Do I think that I came up with something new? Not really. But I understand why people say that. 

‘Origami Harvest’ is a jazz-hip hop album, but ‘On The Tender Spot of Every Calloused Moment’ is more of a blues album, like it is connected with your first album. How do you feel about this?

It’s connected through very specific comparison: it’s me knowing who I am in the last album and who I was in the first album. I was there standing with my eyes closed in a suit, feeling the pressure and all this, and in this last one it’s me standing near in a hoodie with my locks, and the first one had all these colors coming at me while the last one is just a stark black and white with no design… Also musically: the first album starts with a trumpet intro and the last album starts with a trumpet intro, so there are some things there that in a way make me think as if the last album is the first album grown up. And that’s the way I feel about it. It feels like the right time to complete the circle. And also, I’m a little less… I don’t want to say “optimistic” but I’m much more connected with reality now than then. I feel like now I’m super straight in everything like in aesthetics, my personality, I don’t give a fuck what people think about me and all this other stuff, and I don’t feel the pressure in anything… In the first album I thought I was walking into something so grand and now I feel like at any moment I can walk away from this and be fine. So that’s another thing about these two albums and how they are linked to each other.

So now that the circle seems closed, what is your next project?

To start multiple circles, not just one anymore, and have them developing all over the place in coexistence.

As a modern jazz reference, what kind of advice would you give to new generations of jazz musicians? 

Just work hard and say “Fuck it!”. Not often… (laughs) but don’t be afraid to do that. And be a good guy. Also for me, the inspiration and the reason I do this is not about me for a long time. I do this because now there’s two or three generations underneath me that look up to me, so I know that I’m the inspirations for thousands and thousands of people around the world like some of my heroes, like the way Roy Hargrove was for us or Winton (Marsalis) or Herbie (Hancock), I’m that for a lot of people. So that’s been clear for me for a while. But before, yeah… I didn’t even have the luxury of thinking about inspiration. I was just working my ass off. I often tell my students that it is a luxury not to be inspired. Being an African-American and having such a culture, you know, people were slaves for three hundred years and stuff… they weren’t inspired to pick cotton, but they had to do it. So I imagine that playing the trumpet or creating music is easy, you know? I also grew up with my Mum and saw here working 9 to 5, five days a week and sometimes working overtime on a weekend doing something she didn’t like doing… so that’s inspiring for me. That’s always been there since I was a kid. So I personally never had deep vaults of being uninspired. Sure there are times where I don’t feel like practicing, like some times you go to bed and don’t want to brush your teeth, but you have to do it. So that’s the way I see it.

What does music mean to you?

It’s humans trying to sonicly represent love and nature. I think that’s what it is for me.

03 de Diciembre de 2021

Interview with Luca Kézdy, JazzMadrid21

Interview with Luca Kézdy, JazzMadrid21

Interview with Luca Kézdy




Luca Kézdy no es una violinista al uso, es una artista peculiar con carácter y gran personalidad, multifacética y con una visión única. Su sensibilidad y escucha atenta se manifiesta en un directo potente y en una adaptabilidad a diversas situaciones, músicos y estilos diferentes. En su paso por Madrid, previo a su participación como artista invitada en una serie de conciertos ofrecidos por Carita Boronska Trío en el Café Central, tuvimos el placer de hablar con ella y entender más sobre su mundo interno, artístico, su pasado y sus motivaciones. A su vez, Carita Boronska nos acompañó en la entrevista y organizó un bonito concierto junto a Nantha Kumar, tablista de música karnática del sur de la India y Sean Clapis, guitarrista americano de jazz. También contaron con la participación del bajista José Ramón Abella en algunos temas, en una propuesta divergente, llena de matices y colores de múltiples lugares del globo.

Kézdy Luca – A szeretet próbája – The Proof of Love

In & Out JAZZ – Es bueno tener una personalidad como la tuya aquí en Madrid, cuentas con una manera de hacer música muy personal y libre, parece que no perteneces a ningún género musical en concreto, pero te adaptas a cualquier músico y situación musical. ¿Cómo ha sido tu relación con la música y tu educación para llegar a este lugar?

Luca Kézdy – Estudié violín clásico a una edad temprana, más tarde tuve un interés muy grande por el jazz, sobre todo por la improvisación, que siempre ha formado parte de mí. Sentía la necesidad de seguir mi gusto y mi curiosidad, deseaba ser mejor en mi instrumento, y este afán exploratorio hizo que desde muy pronto en la Universidad tuviera un trío acústico, formado por guitarra, darbuka y violín, en él escribía mi propia música. Fue entonces cuando estudié jazz con un profesor de violín y uno de piano simultáneamente y toqué con distintas bandas, siempre con una mentalidad abierta para tocar con cualquiera en cualquier estilo.  Encuentro situaciones excitantes en cualquier género musical. 

¿Cómo es tu relación con el violín y con la música a día de hoy?

Luca Kézdy – El violín es exactamente como yo. Este que sostengo entre mis brazos vino a mí a los 12 años y lo conozco como la palma de mi mano. Mi relación con la música es, como para cada músico, muy cercana. Cuando toco música me siento en casa. Por ejemplo y como curiosidad, fui capaz de solfear música mucho antes de poder escribir. Siempre he estado rodeada de música debido a que mi madre es pianista de música clásica y cultivó en mí una buena relación musical, así que podría decirse que la música para mí es como mi lengua materna. Considero que la música es una conversación, lo que prima es la comunicación entre los músicos, escuchar a quien tienes enfrente de forma directa y ofrecer una buena respuesta.

¿De dónde surgió la idea de realizar este concierto?

Carita Boronska – Hace dos semanas tuvimos el placer de participar en la Womex feria de Oporto, organizada por Babel Arts, compañía para la que ambas trabajamos. Al finalizar uno de los eventos en Womex hubo una jam session en la que nos unimos y disfrutamos de la conexión que tuvimos en el escenario Fue entonces cuando le pregunté a Luca si le gustaría venir de invitada a uno de mis conciertos. La verdad es que no creí que fuera algo que fuera a suceder tan pronto. Estoy muy contenta y agradecida de que esté hoy aquí con nosotros.

Luca Kézdy – Sí desde luego, nuestro sello llama Babel Arts y tiene una serie de eventos que se llama Babel Nights, organizan jam sesssions no solo en Budapest sino en numerosas ciudades de Europa, como por ejemplo Amsterdam, Vienna, Barcelona…Disponen de una amplia red internacional, es un sello al que le interesa sobre todo World Music y Jazz. En la afterparty de Womex fue donde nos conocimos, una afterparty hecha para construir relaciones, que realmente funcionó para encontrar a Carita.

Has tocado en muchos tipos de formaciones musicales, a solo, a dúo, en grandes formaciones… ¿En qué formación te encuentras más cómoda, tienes alguna preferencia? 

Luca Kézdy – Mi formación favorita es el dúo, en él puedes tener una conversación con una persona, centrar tu atención y escucha exclusivamente en ella. Personalmente disfruto mucho de este tipo de interacción. 

A su vez, Santa Diver es tu banda principal, y se trata de un trío, ¿nos puedes hablar un poco de ella?

Sí, Santa Diver se trata de mi banda principal y es un trío, (risas) como un dúo, pero con un batería. Es muy estable la forma de trío, la empecé en el 2006 con Dávid Szesztay, contrabajista. Para mí, fue un reto y un gran experimento tocar música de ese modo. Al principio tocamos en la escena underground pero tras el segundo álbum encontramos lugares inesperados y fabulosos donde exponer nuestra música. Dávid Szegö, batería de Santa Diver se unió en el 2015. Dávid es muy energético y tiene una manera de tocar muy característica, completando el trío de manera excepcional. Actualmente contamos con cuatro álbumes, todos ellos con la discográfica Babel Arts, así que nuestra relación es muy antigua. Nuestro último álbum, que acaba de salir, se llama Blue Horizon.

¿Cómo llegaste a usar FX y cuál es la influencia que ha tenido en ti la libre improvisación?

Luca Kézdy – La improvisación para mí es el mejor juego que conozco, es muy divertido y si puedo hacerlo con otra gente es incluso más aún. Improvisar para mí es muy fácil, no tengo que pensar, solo dejo que la música fluya dentro de mí.

Debido a la naturaleza simple de nuestro trío, me pareció fundamental enriquecer el trío con un abanico de colores mayor a través del uso de FX y a su vez también quería acompañar, no solo hacer solos, es decir, no tener que cumplir el rol típico del violín, sino salir de esos parámetros y encontrar diferentes opciones, formar parte de la banda desde diferentes ángulos, detrás de la banda, acompañando armónicamente, etc. Los nuevos sonidos son muy inspiradores para mí, me abren el espectro a buenas y nuevas ideas.  Por ejemplo, uso un PitchShifter con el que toco armonías, un Delay para crear notas largas y crear capas de sonoridades, distorsión a través de mi pedal Overdrive, con el que tocando el violín y haciendo pizzicatos, éste se vuelve una guitarra… Sin lugar a dudas en el trío el sonido es más excitante gracias a estos efectos, y desde luego el público ha sido el primero en valorar y agradecer el uso de FX.

El violín es un instrumento que carga bajo su espalda con una larga trayectoria histórica, una tradición y un repertorio amplio y un gran abanico de intérpretes. ¿Tienes alguna influencia violinística?

Luca Kézdy – Mi primera experiencia grande con el violín fue Stéphane Grappelli, me parece que es difícil oírlo en mi manera de tocar, pero para mí Grappelli fue una experiencia reveladora. El segundo sería Zoltan Lantos, un violinista húngaro que estudió música karnática en India durante 10 años, conoce la tradición karnática a la perfección y la mezcla de una manera muy especial. Otro ejemplo de influencia en mí sería Jean-Luc Ponty

¿Qué proyectos vienen a continuación?

Luca Kézdy – Ahora estamos girando con nuestro álbum Blue Horizon, hemos tocado en diversas localizaciones y festivales de Europa y este diciembre tocaremos en Barcelona en Jamboree.

Está planeado para febrero hacer un tour en España, estamos cerrando ahora mismo las fechas. Actualmente estoy componiendo nueva música, el material del próximo álbum ya está concluido y a pesar de que podríamos grabarlo ya mismo lo haremos más adelante porque ahora estamos promocionando Blue Horizon.

¿Con qué tipo de músico te gusta tocar?, ¿cuáles captan tu atención?

Luca Kézdy – Lo más importante es contar con una escucha atenta y escucharse el uno al otro. Yo no prefiero ningún estilo en concreto, para mí lo más importante es escuchar y conversar. De eso se trata la música. Sin esa atención plena solo somos producción y todos podemos hacerlo y reproducirlo, pero la atención y la escucha es donde radica el buen arte.

Desde el proceso de composición de tu música, ¿tus influencias van más allá de parajes musicales?

Luca Kézdy – Si la naturaleza es arte esta es mi fuente principal de inspiración. Me gusta correr en el bosque, hacer fotos, tengo exposiciones de mis fotos… Cuando nos azoró el covid no había conciertos, y empecé a escribir mucha música con mi piano, pero más adelante comencé a pintar y este evento fue revelador e inspirador. Voy a ofrecer en el Palace of Arts en Budapest en el 2023 una exhibición dónde tocaré música sobre Béla Bartók. El objetivo es trabajar con su música, hacer adaptaciones y pinturas sobre ellas y exponerlas en conjunto.

Ayer ya tocasteis el primer concierto aquí en Madrid, ¿cómo fue la experiencia?

Carita Boronska – Fue fantástico, disfrutamos mucho de esta combinación de músicos, desde hace unos 15 años vengo realizando este proyecto con Nantha Kumar, fantástico tocador de tabla, oriundo de Bangladesh, con quien grabamos un álbum de chillout basado en música para cine. Fue un proyecto de gran envergadura para el que contamos con más de treinta músicos involucrados, participaron muchas cuerdas. Siempre he compuesto música para violines, sobre todo música para cine, pero no para mi música y ha sido genial. Me alegro de que se haya consagrado en el concierto de hoy. Además, Luca, no es solo una violinista, tiene una personalidad como músico, artista, se adapta de manera maravillosa, y la conexión que hemos creado era de los más agradable.

Luca Kézdy – Lo disfruté mucho, al principio, estaba algo nerviosa porque tuvimos poco tiempo para ensayar, pero fue muy buena la adaptación, los músicos son fantásticos, y la música me ha encantado. Además, es genial trabajar con una mujer artista, de la talla de Carita Boronska y más aún dentro de la escena jazzística, teniendo en cuenta que especialmente en este género, las mujeres participan en el jazz casi siempre siendo cantantes. Siempre que encuentro una mujer que toca un instrumento la experiencia ha sido buena. Me encanta poder tocar música en esta ocasión con una mujer tan talentosa.


Carita Boronska – Nunca me sentí como una cantante, siento que estoy expresando música y estoy usando mi voz, pero uso mi voz como un instrumento. 

¿Tenéis pensado seguir colaborando en el futuro?

Carita Boronska – Tenemos que organizarnos todavía, nos estamos conociendo, pero espero que podamos hacer más cosas juntas.

Luca Kézdy – En caso de que Carita esté en febrero en Madrid me gustaría que colaborásemos juntas.

Siempre nos gusta contar con la presencia de un invitado en nuestro trío. Tocamos con Stefano di Battista.

En 2016 tocaste un concierto a dúo con el aclamado saxofonista Chris Potter en Nueva York, ¿cómo fue la experiencia?

Luca Kézdy – A través del jefe del Instituto Húngaro, quién me ofreció la posibilidad de organizar este concierto, tuve la oportunidad casi surrealista de tocar con Chris Potter en Nueva York, la verdad es que fue fantástico, y lo invitamos a ser invitado en Budapest con mi trío para realizar un concierto en la Academia Liszt, donde cuentan con un gran hall de conciertos, lamentablemente, tras aceptar la invitación y con todas las entradas ya vendidas para este gran evento, la noche anterior al concierto Chris tocaba en Italia dónde había una manifestación en el aeropuerto que lo retuvo y no pudo llegar para la fecha acordada…Fue una verdadera pena, pero tocaremos en el futuro en otra localización.

Escrito por Manuel Borraz Monasterio

01 de Diciembre de 2021

Eduardo Cardinho. Seamus Blake/ Xavi Torres/ André Rosinha/ Bruno Pedroso

Eduardo Cardinho. Seamus Blake/ Xavi Torres/ André Rosinha/ Bruno Pedroso

Eduardo Cardinho

Seamus Blake, Xavi Torres,
André Rosinha, Bruno Pedroso



Eduardo Cardinho, vibráfono/ Seamus Blake, saxo tenor/ Xavi Torres, piano/ André Rosinha, contrabajo/ Bruno Pedroso, batería (Jazz Palacio Real, 2021)

Texto: Manuel Borraz Monasterio

Fotos: Pepe Ainsua

Cedidas por Eduardo Cardinho

Jazz contemporáneo traído de la mano de Eduardo Cardinho, natural de Leira, Portugal. Este vibrafonista  que sin llegar a la treintena cuenta con varios álbumes propios, una trayectoria consolidada y un nivel de experimentación, escucha y desarrollo personal alto, trae en esta ocasión al Festival Jazz Palacio Real 2021 de Madrid un concierto junto a Seamus Blake (tenor sax and EWI), André Rosinha (double bass), Bruno Pedroso (drums) and Xavi Torres (piano).



Eduardo Cardinho | Pinehouse Concerts

Eduardo Cardinho no deja indiferente, su pasión, entrega y escucha es fácil de observar y oír en un entramado de temas que se desarrollan en una estética jazzística contemporánea, donde la tradición deja paso a un refinamiento en el que la espacialidad, la influencia de la fusión y del even 8ths, y una clara intercomunicación juegan un papel fundamental. Eduardo Cardinho lleva ya tiempo tocando con André Rosinha y Bruno Pedroso, ¨grandes compañeros y amigos¨ según afirma y esto facilita una unidad rítmica sólida y una comunicación fluida.  Para esta ocasión Eduardo Cardinho encaró el concierto con temas de su álbum publicado en 2019 In Search of Light con la discográfica Nischo Records y temas nuevos que se adecuaron a un concierto que contó con una unidad estética clara desde el inicio hasta el final y donde Seamus Blake como Xavi Torres, tuvieron una magnífica comprensión de la música y elevaron la energía de manera magistral.

A Seamus Blake lo conoció en Oporto en una jam session hace unos años y le fascinó su sonido, así como la gran conexión que sintió a su lado, “es una gran oportunidad tenerlo hoy aquí con nosotros” nos cuenta entusiasmado. Pero desde luego no hay que dejar de lado la asistencia de la sección rítmica que hizo un magnífico trabajo, así como la destreza de Xavi Torres, por su entendimiento de las situaciones, acompañando y ofreciendo gran sensibilidad.

En el concierto del pasado 24 de julio el uso del silencio, la versatilidad rítmica, las estructuras variadas y un gran sentido del groove hicieron del concierto un viaje lleno de sensaciones, melodías al unísono con el saxo que vibraban y energizaban, largos desarrollos, libertad rítmica, mixed bars, solos bien estructurados y una viveza clara de la música en directo.

Eduardo Cardinho em quarteto no SeixalJazz

Eduardo Cardinho tiene un pasado que recoge una formación en música clásica, música en la que se formó y creció hasta que conoció a Jefery Davis, quién dio un giro a su carrera musical, poniendo su atención desde entonces en el jazz. Su conexión entre Portugal y Holanda, país en el que se formó, desarrolla en él una apertura a diferentes maneras de aproximar el jazz y le abrió la oportunidad de explorar la escena jazzística europea y conectar con numerosos amantes de esta música, ampliando sus miras y recibiendo clases o tocando en directo con grandes músicos como Abe Rábade, Anders Astrand, Ruud Wienner, Markus Leoson, Rainer Seegers, David Friedman, Bart Quartier Ben Street, Jordi Rossy, etc. Entre sus intereses destaca su adoración por el hip-hop y el rock. Esta versatilidad de gustos concluye en un desarrollo musical y jazzístico en constante transformación desde su primer álbum Black Hole (se publicó en 2016 con Carimbo Porta-Jazz Records) y que desde luego traerá futuros e imprevisibles proyectos.

Actualmente lleva a cabo varios proyectos como: Eduardo Cardinho Quinteto, João Guimarães Group, Fred and Nelson Cascais Remembrance. Eduardo confiesa que le apasiona y tiene puesta su energía para futuros proyectos en los que hará uso de synths, electrónica, tocando keyboards y vibráfono y desarrollando un proyecto versátil que saldrá a la luz en un futuro cercano. Quedamos a la espera de sus nuevas propuestas y de conocer cómo se desarrolla la carrera de esta joven promesa.

Eduardo Cardinho Quarteto | EA LIVE Sessions (full session)

24 de Septiembre de 2021

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Mehari, Entrevista Y Reseña:
A Change For The Dreamlike


ENERO, 2021

Hermon Mehari, trompeta/ Tony Tixier, piano/ Peter Schlamb, piano, vibráfono/ Ryan J. Lee, batería/ Kae Dilla, Rhodes, sintetizador/ DeAndre Manning, bajo/ Hugo LX, batería, producción/ Tesfal Tsehaie, voz/ Karl McComas-Reichl, bajo/ Jeff Hill, batería/ Zach Morrow, producción de batería


Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Nancy Pappas, James O´Mara

A Change for the Dreamlike, distribuído por MiRR/ L´autre es el nuevo álbum que el compositor y trompetista, Hermon Mehari realizó durante el confinamiento por la pandemia en Francia, donde reside. El disco se grabó en un granero de la campiña francesa de una forma peculiar, junto a colaboradores cercanos al autor, como Tony Tixier al piano, Peter Schlamb al vibráfono y Ryan J. Lee a la batería. 

El nuevo álbum es una excusa para hacer un repaso del trompetista. Haciendo una retrospectiva de su trayectoria, este músico emergente maestro de la trompeta, crece en la comunidad tradicionalmente musical de Kansas City. Es un prolífico colaborador de la escena internacional de jazz actual, tanto en EEUU como en Europa, y participante activo en el colectivo de música parisina MiRR.



Hermon Mehari – Dreamscapes ft. Hugo LX

Kansas City es un lugar especial porque es uno de los pilares de esta música. Ha habido varias generaciones de músicos que han aprendido unos de otros y han mantenido viva la tradición. Bobby Watson  fue y es una de las mayores influencias musicales para mí. Me tomó bajo su protección y realmente creyó en mí. Poder interactuar con alguien que es parte del «árbol» es muy importante para comprender. Las personas de una generación antes que la mía, también han moldeado mi voz, como Logan Richardson. También mis compañeros como el baterista Ryan J. Lee, el vibrafonista / pianista, Peter Schlamb y el bajista Ben Leifer me han enseñado mucho. Los músicos de Kansas City son con los que me siento más conectado, así que trabajo con ellos tanto como puedo hasta el día de hoy, a pesar de que estoy basado en París. El Medio Oeste ha contribuido al corazón y el alma de esta música, y eso se puede ver en la música de Pat Metheny, Logan Richardson, Bobby Watson, Charlie Parker y muchos otros (Hermon Mehari).

A diferencia de su álbum debut (Bleu), A Change for the Dreamlike es un disco muy personal, como dice el autor, es una especie de diario centrado en el presente, en las visiones, los deseos, fantasías y recuerdos que conforman una mixtape de sueños y conexiones personales. Se nota la raíz africana en su música, sobre todo en su segundo trabajo, el álbum del que nos estamos ocupando, que es más introspectivo que el primero ya que ésta pensado desde otro enfoque y en un momento de reflexión vivido por el músico en el confinamiento.

El sonido de la trompeta, conectado con los ritmos de raíz africana, es el hilo conductor de todos los temas. Shenandoah es el tema que abre el disco, una referencia a la canción popular del S. XIX, un tema que siempre quiso grabar. Let´s Try this Again, tema de ágil conversación entre trompeta y piano con Tony Tixier. En A Conversation with My Uncle, Mehari acompaña la narración de voz de su tío con la trompeta. Eritrea, tema grabado junto con el D.J parisino Hugo LX en la producción de la batería y Peter Schlamb al vibráfono, que colabora en los dos discos de Mehari. El estilo compositivo de Eritrea ésta basado en la música eritrea, siendo un registro a la memoria de su padre, de la historia sobre el camino que su padre hizo como refugiado, durante la guerra entre Eritrea y Etiopía. La balada, All Alone, de trompeta, Rhodes y sintetizador con Kae Dilla. I Cry for Our People registrada con Ryan J. Lee, tiene que ver con el dolor en relación a la diáspora africana. 

La integración de mis raíces africanas, inherentemente ligadas a la cultura afroamericana, es algo inconsciente para mí. La forma en que escucho la música se desarrolló a través de mi educación cultural. Además, he pasado la mayor parte de mi vida estudiando música afroamericana. Yo diría que la única forma en que he incorporado consciente y decisivamente mis raíces ha sido recientemente en mi último disco con las canciones «A Conversation With My Uncle» y «Eritrea». (Hermon Mehari)

Hermon Mehari – All Alone ft. Kae Dilla

El estilo de Hermon Mehari es contemporáneo, de técnica brillante y una fuerte presencia melódica. Un sonido suave, elegante y profundo. Una delicia para el oído. Destacado recientemente en álbumes como el de Alexis Valet Library of Babel, Electric Tinks de Peter Schlamb, High Skies de Matt Villinger, The Escape de Benjamín Sanz, Power de Hugo KL, por citar algunos. Fue miembro fundador del grupo de jazz Diverse, junto al batería de Ryan Lee y el bajo de Ben Leifer. 

En términos de trompeta, la mayoría de mis influencias más fuertes no son trompetistas. Siempre he gravitado más hacia el saxofón y la voz. En términos de sonido, tengo un tono menos metálico, un poco más dulce y redondo. También refiné (sigo refinando) mi sonido a través de lo que se considera «pedagogía clásica» (un término engañoso), al haber estudiado en el conservatorio y seguir buscando el consejo de los más grandes productores de sonido de trompeta. Dicho esto, por supuesto que me han influido los trompetistas fuera del ámbito clásico, en particular Clifford Brown, Miles Davis, Louis Armstrong, Nicholas Payton y Ambrose Akinmusire. Escuché a Ambrose, hace más de doce años por primera vez, me abrió los oídos a muchas posibilidades diferentes con la trompeta. (Hermon Mehari)

El álbum presentación como líder de Hermon Mehari, titulado Bleu (2017), es un trabajo compositivo sobresaliente. La banda que selecciona para el primer álbum a su nombre, grabado en sexteto, es un desfile de figuras de primera línea, como Aaron Parks (piano, teclados), Logan Richardson (saxofón alto), Peter Schlamb (vibráfono), Ryan J. Lee (batería), Rick Rosato (bajo)

En la actualidad tengo algunos proyectos en los que se estoy trabajando al mismo tiempo: un dúo con el pianista de Florencia Alessandro Lanzoni, un dúo con Peter Schlamb, un proyecto de cuarteto analógico inédito con Peter, Ryan Lee y Ben Leifer, y mi seguimiento de » Bleu «. (Herman Mehari).

Hermon Mehari Plays «I’ve Grown Accustomed To Her Face» (feat. Aaron Parks)

Escrito por Begoña Villalobos

28 de Enero de 2021



Entrevista a Jorge Pardo & Gil Goldstein,  Brooklyn Sessions



Jorge Pardo, flauta / Gil Goldstein, piano

Texto: Begoña Villalobos

Fotografía: (Créditos) Retroviseur Productions

Fotografía: Pepe Ainsua

Diseño gráfico y web de Nuño Conde

Este artículo recoge la entrevista realizada a Jorge Pardo y a Gil Goldstein sobre las sesiones de grabación en Brooklyn.

Brooklyn Sessions es el título del álbum que reúne una de las sesiones grabadas en Nueva York. Este registro de grabación de formación a dúo (flauta y piano) con Jorge Pardo y Gil Goldstein constituye el álbum. La sesión forma parte del documental sobre la vida de Jorge Pardo titulado Trance, producido por Retroviseur Productions, que muy pronto verá la luz. 

Es un álbum histórico por varias razones. Aunque parezca increíble es la primera grabación de música de jazz americana que Jorge Pardo edita públicamente bajo su nombre y también por primera vez graba un disco íntegro con flauta.

Jamboree Jazz Club – Jorge Pardo

Jorge Pardo, toda una eminencia dentro del panorama musical nacional e internacional, es el responsable de vincular la flauta y el saxo con el flamenco. Ha trabajado con Paco de Lucía, Camarón, Chick Corea entre otros. Es Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2015, y Premio a Mejor Músico Europeo de Jazz en 2013. 

Gil Goldstein es un reconocido pianista y compositor ganador de tres premios Grammy. Comenzó con Gil Evans Orchestra en 1980. Ha trabajado con Wayne Shorter, Billy Cobham, Jim Hall entre otros.

Brooklyn Sessions evidencia la fluida sinergia que existe entre ambos.

Gil Goldstein featuring Encuentro acoustic trio playing All of me

InandoutJazz: Habéis colaborado juntos durante mucho tiempo. ¿Por qué decidís grabar un álbum en este momento?

Gil Goldstein: El mundo de la música presenta oportunidades para aquellos que están preparados para conocerlas y esperamos estar a la altura de las ocasiones cuando surgen. Esta fue una de esas oportunidades. Espero que los oyentes aprecien el trabajo que hicimos en nuestro corto tiempo juntos en Brooklyn.

¿En qué momento conoces a Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Conocí a Gil cuando yo tenía dieciocho años. Gil vino a Europa como pianista de Astrud Gilberto y no tenía saxofonista, me llamarón y le conocí. Toqué con él y con la banda de Astrud Gilberto en los festivales de verano. En ese momento Gil y yo empezamos una relación que se ha dilatado hasta nuestros días. Una relación que, aunque no ha sido muy intensa, ha sido perseverante. A lo largo de estos treinta años él ha venido a España recurrentemente y también hemos tocado juntos en el Village Vanguard de Nueva York y otros clubes importantes. 

¿Cómo fue el encuentro con Gil Goldstein para la grabación de Brooklyn Sessions?

Jorge Pardo: El encuentro fue muy emocionante. Nuestro encuentro no tenía previsto ser un disco. Estas sesiones en Brooklyn forma parte del documental titulado Trance. La productora francesa propuso filmarme en Nueva York con algunos de mis colegas y Brooklyn Sessions es el álbum a dúo con Gil Goldstein que recoge una de estas sesiones.

¿Cómo fue la grabación?

Jorge Pardo: Fue un disco hecho a la antigua, grabado en dos horas. Se grabó en un estudio pequeño pero muy coqueto que Gil contrató, con un piano que sonaba de maravilla. Flipo con el sonido del piano de Gil, el tacto y la delicadeza con que lo toca, le saca unos timbres increíbles.

La mañana siguiente fuimos a otro estudio más grande para grabar otra sesión con Mark Guiliana, Edman CastañedaMatt Garrison y el mismo Gil. Hicimos otras dos sesiones, que muy probablemente están destinadas a ser publicadas próximamente en otro nuevo álbum.

Gil Goldstein: Jorge es una fuerza de la naturaleza, en cada situación musical siempre aporta luz real y respondemos a eso. La luz dentro de él es lo que escuchamos y es lo que atrae a la gente hacia él y hacia su música. 

¿Por qué piensas en Gil para la sesión de grabación? 

Jorge Pardo: De todos los amigos que tengo en Nueva York, Gil es mi colega de hace mucho tiempo y quería tener un encuentro con él. Cuando estuvimos de gira con Astrud Gilberto hicimos una muy buena sesión de estándares y pensé que sería bonito rememorar ese encuentro y hacerlo a dúo.

¿Cuáles son las ventajas y dificultades de tocar a dúo?

Jorge Pardo: Dice el dicho que menos es más. Entre dos instrumentos se crean una amplitud de sonido, unos vacíos, unos silencios y unas insinuaciones, que cuando la banda es más grande, van desapareciendo. La dificultad es precisamente creer y aprender a manejar los silencios y los matices suaves porque son parte de la música, es una de las grandes empresas que todo músico tiene acometer.

Gil Goldstein: Yo siempre prefiero el dúo porque es la forma más directa de comunicarse entre músicos. Es más fácil que dos músicos se conviertan en uno, a que tres, cuatro o cinco músicos logren una unidad. Por supuesto que no es fácil, pero tienes mayores probabilidades.

¿Por qué la elección de estos estándares y no otros?

Jorge Pardo: Cuando me encuentro la primera vez con Gil tocamos estándares. Ahora hacemos una especie de recreación, e insisto, no había nada planeado. En previsión, unos días antes, le envié una lista de veinte o treinta temas para tocar a dúo. Grabamos todo en una toma y el resultado fue los nueve temas que componen el disco.

Gil Goldstein: Los estándares son un lenguaje común entre los músicos del mundo y un gran trampolín para lograr la personalidad dentro de un marco con el que todo el mundo está familiarizado. 

¿Qué destacas de este álbum en el contexto de tu larga carrera como pianista?

Gil Goldstein: Honestamente, mi carrera como pianista se ha diluido un poco por mi carrera como arreglista, acordeonista y también por mi forma de tocar el Fender Rhodes. Uno de los primeros discos que hice fue un dueto con Pat Martino y era solo guitarra y Fender Rhodes. Pensé que tal vez ese instrumento hubiera sido una buena opción para este álbum, pero Jorge sintió que el piano era una mejor opción y acepté. Me siento afortunado de tener más de un instrumento en el que expresarme, al igual que Jorge con la flauta y con el saxo tenor y soprano. Es una suma de posibilidades y de texturas.

I Loves You Porgy · Jorge Pardo · Gil Goldstein · George Gershwin

Existe una notable complementariedad en un disco a dúo y en concreto en este, entre piano y flauta. En tu opinión ¿cuál es la magia que hace que ese tipo de interpretación sea un éxito?

Gil Goldstein: No sé si son particularmente esos dos instrumentos o el hecho de que yo respeto el sonido de la flauta y él respeta el sonido del piano y presentamos los instrumentos de la manera más clara para que se convierta en parte de la textura. En realidad, podrían ser dos instrumentos diferentes. Depende de los jugadores, encontrar los registros correctos y organizarlos en consecuencia. 

Jorge Pardo: Pues sí, porque no hay arreglos escritos. Es un encuentro a bote pronto. A pesar de que nos conocemos, llevábamos cinco años sin tocar juntos y mucho más sin haber tocado estos temas. Esta complementariedad que dices es instantánea porque surge en un momento concreto, aunque existe una predisposición que viene de mucho tiempo atrás, que en definitiva tiene que ver con conocer el sonido del otro.

El sonido es brutal, se percibe la complicidad.

Jorge Pardo: Sí, sí. El sonido te atrapa y es cuando se nota que está grabado de forma natural, no está regrabado, ni prácticamente editado. Está tal cual. Esa sensación ésta presente.

¿Cómo es Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Es un tipo extraordinario, a parte es amigo mío. Tiene una gran personalidad y ha sabido potenciar a otros artistas. Un sideman muy cotizado porque va desde Miles Davis pasando por la orquesta de Gil Evans, Pat Martino, Pat Metheny, Sting, por nombrar a algunos.

Todo el disco ésta grabado con flauta, ¿cómo decides esto?

Jorge Pardo: Cuando la sesión empezó a planearse fue uno de mis pensamientos. Decidí grabar solo con flauta porque pensé que hay miles de sesiones con saxo pero no tantas con flauta. Lo viví como un reto bonito, además nunca había hecho un disco entero de flauta. 

¿Qué es lo que pactáis antes de empezar a grabar?

Jorge Pardo: Una de las pocas cosas que hablamos antes de sentarnos cada uno con su instrumento fue hacer un disco de estándares de jazz clásico, pero no con un enfoque de temas largos, sino con un par de coros. Nos repartimos cada introducción y cada solo. La idea era conservar la estética de la época, en la que la técnica de grabación obligaba a hacer temas de cuatro o cinco minutos, no más largos.

No os alejáis mucho de la melodía real de los estándares.

Jorge Pardo: Para mí la idea no era afrontar los temas haciendo grandes solos virtuosos. Era más bien decir los temas, incluir en la interpretación tu propia visión. Todo es improvisación, pero la forma no son solos al uso de lenguaje de jazz.

Gil Goldstein: Creo, al igual que Jorge, que la melodía original es sagrada y también la naturaleza básica de la armonía. No me gusta cuando los músicos manipulan las intenciones del compositor y cambian la naturaleza de la melodía y de la armonía. Entonces deberían escribir sus propias composiciones. Cuando tocas las composiciones de otro, debes retener la esencia de esa canción, pero puedes darle una nueva luz. 

¿A qué te refieres cuando hablas de dar una nueva visión o cómo dice Gil de aportar una luz nueva?

Jorge Pardo: Gil y yo, a pesar de que coincidimos en lo esencial, nos dejarnos llevar por el sonido, eso es común a todos los músicos del mundo. Gil tiene su bagaje y yo tengo el mío, muchas veces son estéticas aparentemente diferentes, pero a mi juicio están tan bien conectadas y tan bien dichas que no escuchas dos estilos diferentes, sino que escuchas un estilo, que cada uno hace a su manera y eso no es solo una suma, es una multiplicación.

Brooklyn Sessions es la primera grabación que edito públicamente con música de jazz americana. Puntualmente había hecho a mi manera (por bulerías) alguna versión de varios temas de jazz pero nunca lo había hecho en sus versiones más originales. Publicar estándares de jazz era una obligación que tenía con mi gente y conmigo mismo, es curioso después de tantos años. 

Estas sesiones ¿son parte de la banda sonora del documental Trance?

Jorge Pardo: No se puede decir que es la banda sonora, pero sí es parte de ella. En la segunda sesión en Nueva York los temas que he manejado en toda la película son propios. 

¿Cuándo vamos a poder ver el documental?

Jorge Pardo: El documental tenía que haberse estrenado ya, pero con la pandemia han tenido dificultades para rematar. Espero que esté para el invierno o la primavera próxima. Las cosas dentro de lo mal, van bien. El documental es sobre mi vida y la de todos los músicos que aparecemos, pero tiene un trasfondo argumental y una historia que a veces está ficcionada, no sé si el director estará de acuerdo conmigo, pero tiene ese carácter.

¿Por qué elijes la discográfica Karonte para la publicación del álbum?

Jorge Pardo: Bueno, cuando escuchamos el audio se lo envié a Fernando y le gustó, nos pusimos de acuerdo fácilmente, me dijo, esto vamos a publicarlo. Desde hace tiempo Fernando sigue apostando por la producción de la música local y mantiene milagrosamente una importante estructura como para ser una buena plataforma para difundir la música. A Fernando lo conozco desde hace tiempo y ya tengo varios discos publicados en su compañía. Es un personaje que te encuentras en ese camino donde las alianzas son necesarias.

Escrito por Begoña Villalobos

12 de Diciembre de 2020

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