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Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz
-We Need The Earth-

Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho

21

SEPTIEMBRE, 2021

SManuel Borraz, piano/ Juanma Barroso, batería/ Maikel Vistel, saxo tenor/ Carmen Lancho, voz/ Toño Miguel, Contrabajo (Youkali Music, 2021)

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Manuel Borraz

El pianista madrileño Manuel Borraz acaba de publicar con Youkali Music, se trata del primer álbum a su nombre, We Need the Earth. Es un disco de jazz a quinteto con un elenco de músicos que hacen foco en el jazz de raíz, tradicional y contemporáneo. Históricos como Juanma Barroso a la batería, Maikel Vistel al saxo tenor y Toño Miguel al contrabajo. Cerrando el quinteto, la voz de Carmen Lancho, como un quinto instrumento que proporciona un color más al álbum.

Manuel Borraz Monasterio Project – Night Gravity Intuition

We Need the Earth es un disco escrito de formación instrumental jazzística con estructuras formales más desarrolladas y explicadas. Partes que evolucionan compositivamente y se transforman en contrapuntos diferentes. Como Manuel Borraz viene de la música clásica, su lenguaje tiene el punto extra de creatividad formal, a la par que un gusto por la improvisación que aporta una sensación jazzística al disco. We Need the Earth no es un álbum de jazz contemporáneo al uso, las melodías son sencillas conectadas con el jazz tradicional, pero con una forma y estructura armónica compleja y una búsqueda de recursos creativos en los ritmos irregulares que se alejan del swing tradicional.

El álbum, de doce composiciones, propone un universo sonoro propio, sin influencias definidas. Es un homenaje a la tierra con temas personales dedicados al cuidado de la tierra.

Manuel Borraz, pianista y compositor, está en un momento vital de fuerza experimental. Después de cursar sus estudios en Basilea, incluido un Master en Libre Improvisación, regresa a Madrid impregnado de la tendencia creativa de una de las capitales culturales y musicales de Europa.  

Manuel Borraz Monasterio Project – Here Comes The Ride

Manuel Borraz Monasterio Project – We Need The Earth [Teaser]

El impactante comienzo del álbum Get Out Of Your Way despierta interés y enorme expectación. Su inmersión en técnicas extendidas y utilización del interior del piano, a través de diversos objetos y sonoridades conectan con los instrumentos de percusión a cargo del catalán Jordi Pallarés Conversación y conexión entre estos dos músicos que coincidieron en Basilea cuando cursaban sus estudios de jazz. El repertorio del disco a dúo (una de las formaciones favoritas del pianista), es de libre improvisación, sin reglas musicales preestablecidas ni música escrita. Cambios rítmicos, desarrollos conectados, misterio, tensión, movimiento, buenas resoluciones, un completo placer de escucha, que capta toda la atención.

Manuel Borraz es un investigador de sonidos y estéticas diferentes, tiene en la cabeza novedosos proyectos y ya está grabando otros tres discos (uno de ellos con teclado y sintetizador) a dúo con tres baterías distintos, Eric Valle, Daniel Saenz y Nico Mendoza, y otro de libre improvisación grabado el pasado mayo en Atenas, junto a Dimos Vryzas (violin and FX). A su vez, pertenece al colectivo Is it always like this? Con quienes sacarán un álbum el próximo año titulado Live in Mürbacherstrasse 48.

Escrito por Begoña Villalobos

21 de Septiembre de 2021

Diego Piñera -Odd Wisdom-

Diego Piñera -Odd Wisdom-

Diego Piñera -Odd Wisdom- 
Donny Mc Caslin /
Ben Monder /
Scott Colley

10

SEPTIEMBRE, 2021

Diego Piñera, drums / Donny McCaslin, sax
Ben Monder, guitar / Scott Colley, bass
(ACT Records, 2021)

Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Diego Piñera

Jazz contemporáneo para el nuevo álbum del baterista y compositor uruguayo.

Diego Piñera es uno de esos músicos inquietos que apuesta por la experimentación con formas libres y texturas alejadas del sonido convencional de la batería. El foco en las métricas irregulares y los ritmos de múltiples capas muestran la línea de su sonido. 

Después de pasar por La Habana, Boston, Nueva York y Leipzig, desde 2003 se establece en Berlín. Dado al carácter históricamente interdisciplinario de la ciudad, el Avant-Garde europeo influenciado por la música clásica contemporánea tiene un importante arraigo en Berlín.

Diego Piñera, «Blue Monk» (T.Monk/arrang.D.Piñera)

Odd Wisdom, es un disco inspirado en Berlín y grabado en Nueva York. En el disco encontramos elementos de raíz latina, de concepto americano de jazz vanguardia experimental y la exploración en elaborados sonidos percutivos que Diego Piñera ha trabajado en la última década en Berlín.  Es la séptima grabación a su nombre y la segunda para el sello alemán ACT Records, después de su debut para la discográfica con Despertando (ACT Records, 2018). 

Con un lenguaje expresionista, Diego Piñera traza estructuras armónicas complejas e innovadoras polirritmias compositivas con elementos que no estaban en los discos anteriores. Uno de los aspectos novedosos es la utilización de partes electrónicas, como escuchamos en Robotic Night, un tema de líneas rápidas y precisas de momentos free que recogen el espíritu de la metrópoli de Nueva York y Berlín. 

El origen latinoamericano de Diego Piñera y su estancia en La Habana de la mano del percusionista cubano, José Luis Quintana (Changuito), le ha dejado un poso de ritmos latinos e influencias africanas, como se aprecia en Clave Tune, el primer tema del álbum, de polirritmos percutivos desafiantes que se van superponiendo. 

El cuarteto del álbum está compuesto por figuras situadas en la primera línea del jazz internacional. Donny McCaslin al saxofón (músico clave en el último disco de David Bowie, Blackstar), sostiene una precisión rítmica sin límites y es una figura central en el concepto de Odd Wisdom. Muchas de las composiciones están pensadas para él.

Conversation With Myself es un tema de mayor libertad, en el que baterista explora una gran amplitud de sonidos de percusión contemporánea dentro de un concepto de jazz vanguardia.

Diego Piñera, «Odd Wisdom» Album Teaser

Diego Piñera, «Clave Tune»

Diego Piñera, «Robotic Night» from «Odd Wisdom»

Ben Monder a la guitarra, de conceptos armónicos innovadores, es casi insustituible en su sonido y en su forma de improvisar a base de interposiciones, casi imposibles, de voces y acordes. 

“Ben es honesto en sus improvisaciones. A partir de él hubo cambios en las armonías a la guitarra. Toca arpegios locos casi inalcanzables”. Diego Piñera. 

Easter in Puglia es uno de los temas a trío de una apasionante conversación entre guitarra y batería. En De Madrugada se aprecia un equilibrado balance entre un ritmo complejo (en 13/8) a la batería y una melodía ingenua. Cierra el álbum, Blue Monk (en 11/4), tema de Thelonious Monk con arreglos de Piñera.

Scott Colley es uno de los bajistas de vanguardia más importantes en la actualidad, que proporcionó una base esencial de soporte rítmico al cuarteto. Su precisión en las métricas regulares y su habilidad tocando walking tradicional facilitaron a Diego Piñera la libertad que necesitaba.  

Scott es un monstruo del bajo, un músico de clase mundial. Siento que puedo hacer cualquier cosa y no se va a mover. Tiene un peso con mucha solidez y tradición, pero a la vez es moderno. Me dio ese soporte, que fue esencial”. Diego Piñera

El anterior disco, a trio, de su etapa en New York fue My Picture (Octason Records, 2016) junto a Mark Turner y Ben Street, con el que recibió en 2017 el premio ECHO Jazz como Mejor Instrumentista Nacional y primer premio en el Concurso Internacional de Composición (Jazz and Blues Awards Berlín, 2005), y (Leipziger Jazzpreis, 2011) entre otros.

“El álbum My Picture con Mark Turner y Ben Street fue una sesión mágica. Suena muy fresco, tiene la energía de las primeras tomas. Grabamos los diez temas en un día con un ensayo corto (sin quererlo ayudo al disco). Pasó magia, el último tema es una primera toma de un estándar porque queríamos seguir tocando”. Diego Piñera.

Haciendo una retrospectiva por la discografía del líder, encontramos un historial de discos notables, muchos de ellos multipremiados. Hasta este momento, Odd Wisdom es la nueva entrega de Diego Piñera Quartet.

Escrito por Begoña Villalobos

10 de Septiembre de 2021

Luis Nacht Quartet

Luis Nacht Quartet

Luis Nacht Quartet

04

JUNIO, 2021

Luis Nacht, tenor sax /Sergio Wagner, trumpet /Fermin Merlo, drums /Demian Cabaud, bass.  Canto de Montañas (Fresh Soun Records, 2021)

Texto:
Begoña Villalobos

Fotos:
Jesús Cornejo

Mariana Fossatti

A lo largo de la historia del jazz hay una tendencia en torno a reducir las limitaciones estructurales y aumentar el desarrollo de la improvisación. En un momento concreto, ocurrió una ruptura con varios elementos pertenecientes a la tradición del jazz como respuesta a un contexto social que supuso una revolución estilística hacia una tendencia de mayor libertad. El jazz evolucionó en dirección a un lenguaje más libre y atonal.

Luis Nacht, saxofonista y compositor de nacionalidad argentina, es uno de los ejemplos de este lenguaje, que después de una decena de álbumes a su nombre publica a cuarteto Canto de Montañas (2021) editado por Fresh Sound Records acompañado por el trompetista Sergio WagnerFermín Merlo a la batería y Demian Cabaud al contrabajo.  

Nataniel Edelman & Luis Nacht – Canto de montañas [Single]

Canto de Montañas es uno de esos discos que fluyó espontáneamente de una manera mágica. En el encuentro que tuvimos, cuenta Luis Nacht que estando de gira en Europa, recién llegados a Oporto (Portugal) decidieron grabar (a puerta cerrada) una sesión conjunta en el club Porta-Jazz. La grabación, de limitados recursos técnicos, resultó ser un despliegue de fluidas ideas improvisadas, grabadas en una sola toma. Estas sesiones son irrepetibles si no son grabadas, ya que el hilo conductor es la improvisación entendida como composición en tiempo real. Por esto, el Free Jazz es uno de los lenguajes más vivos y orgánicos que pueden existir, y este álbum es un ejemplo de ello.

“El álbum se grabó de manera natural como cuando tocamos. Todo tiene el mismo sentido de espontaneidad y de no planificación. Estos ingredientes se dieron en la música y en la edición del disco con Jordi Pujol (Fresh Sound Records)”, cuenta Luis Nacht. 

Haciendo una retrospectiva, la propuesta de Luis Nacht, desde su primer álbum como líder, Nacht Music (BAU Records 2001), ha sido innovadora conviviendo la melodía con la abstracción. Este disco, con formato sin instrumento armónico, abre un camino hacia otro lugar, sobre todo hacia un concepto de grupo más vivo y abierto a la libre improvisación.

Seis de las siete pistas, de una media de ocho minutos son composiciones de Luis Nacht. Comienza el álbum con la pista titulada A Malaby A, homenaje al saxofonista tenor estadounidense de Free Jazz Tony Malaby, la segunda pista Canto de Montañas da título al álbum. Más tarde se publicó otra versión a dúo de A Malaby A y Canto de Montañas con Nataniel Edelman, al piano, con la particularidad de que Luis Nacht toca el saxo soprano y la flauta en este single. El tercer tema, Luigi, es una composición de Sergio Wagner. Dos de las pistas incluidas en el álbum fueron construidas al cien por cien en ese momento a modo de improvisación libre (Pista 5 y 7, Madre Pereza y Vidurria, respectivamente).

BAU: Luis Nacht Quartet | El barrendero (From the CD: EN LAS NUBES)

Luis Nacht en Thelonius (2008)

Ricardo Piglia y Luis Nacht / Lecturas

Las líneas asimétricas y llenas de matices alejadas de lo previsible trazan la línea conceptual de las composiciones de Luis Nacht. Una forma compositiva no convencional de flexibilidad rítmica y libertad armónica no sujeta a una estructura planificada que responde a una búsqueda de libertad y espontaneidad en la improvisación colectiva. 

Desde finales de los años sesenta, John Coltrane, Charles Mingus entre otros se separan de las ideas tradicionales y se centran en la sonoridad. La crítica es uno de los obstáculos que hay que sortear cuando aparecen nuevas ideas que rompen con lo establecido. Iconos del jazz hoy en día no fueron aceptados en un primer momento. Esta ruptura adquiere forma en 1960 con la publicación del disco Free Jazz: A Collective Improvisation de Ornette Coleman, grabado a doble cuarteto. Históricos referentes del Free jazz que utilizan estos conceptos son influencias para Luis Nacht, como Eric Dolphy, Don Cherry, Cecil Taylor, Charlie Haden, Paul Motian, Art Ensemble of Chicago (principios conceptuales de la AACM), Anthony Braxton, etc.

“… Planteo un germen de idea melódica, una aproximación de lo que puede ser, que se completa con los aportes compositivos improvisados de los músicos que van construyéndolo en tiempo real. Es una forma de componer particular, no estructurada, que permite la quietud y la elasticidad. Cada uno va tomando decisiones individuales, entonces, la misma composición tiene líneas de compases que se alargan o se acortan dependiendo de lo que va sucediendo en cada momento y se termina de armar la pieza”, comenta Luis Nacht

La música de Luis Nacht con raíces en el folklore argentino evoluciona todavía más hacia la libertad que supone tocar sin un preconcepto y sin una estructura armónica organizada. Con la idea de texturas generadas en el momento de la interacción, el foco se centra en la sonoridad; por ello la música de Luis Nacht suena viva.

Escrito por Begoña Villalobos

04 de Junio de 2021

Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett
& The Big Machine.
Jupiter Conjunct

11

MAYO, 2021

Aaron Burnett, saxo tenor/ Adam O’Farrill, trompeta/ Joel Ross, vibráfono/ Carlos Homs, piano y teclado/ Nick Jozwiak, bajo/ Kush Abadey, batería/ Esperanza Spalding, voz (3, 9). Fresh Sound New Talent Records.

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Aaron Burnett

Jazz de vanguardia para otro de los títulos incluidos recientemente en el catálogo de Fresh Sound New Talent Records. Jupiter Conjunct es el título del álbum de nueve temas originales inspirados en el planeta más brillante, Júpiter, escritos por el saxo tenor y compositor Aaron Burnett acompañado por su banda: The Big Machine, es el nombre alegórico del proyecto creado por Aaron Burnett en 2008, que simboliza la unión sonora que existe entre ellos. Jupiter Conjunct, es la continuación del álbum debut de Aaron Burnett, Anomaly, publicado también por Fresh Sound en 2018, que incluye el increíble tema titulado Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine – at The Stone, NYC – July 5 2016

Jupiter Conjunct es un viaje interestelar de libertad e intensidad sonora de música improvisada, en la que Aaron Burnett traza complejas e innovadoras líneas compositivas, expresadas en un lenguaje Avant- jazz contemporáneo, buscando la conexión del Todo a través del sonido. Influenciado por la tradición del jazz, el álbum contiene elementos de la música electrónica, con matices EDM (Electronic Dance Music) concepto que desde 2012 se hizo fuerte en Estados Unidos. La propuesta de Aaron Burnett, de largos y angulosos desarrollos temáticos cuidadosamente elaborados, es arriesgada pero de resultado notable en coherencia y calidad. 

Abre el disco Color Durations, composición de inicio turbador y multiplicidad textural que proyecta la música hacia un espacio sonoro sin límites. Sigue, The Veil, en la que Adam O´Farril y Aaron Burnett inician el tema a una voz con una melodía cargada de tensión que se diluye con la brillantez de Joel Ross  al vibráfono y el espléndido solo de A. Burnett.

 Dos versiones de la pieza Ganymede en colaboración con la multipremiada bajista Esperanza Spalding  que elabora una improvisación vocal palpitante a la par del fraseo colorista de Joel Ross en un diálogo de trompeta y tenor, para acabar en un despliegue de fuerza de toda la banda.

Corey Wilcox & Aaron Burnett – Texture Improvisation – Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine (2nd set) – at Erv’s, Brooklyn – Aug 3 2017

Callisto es el tema dedicado a Wayne Shorter, protagonizado por la nitidez de Nick Jozwiak al bajo en conexión con la suave y reposada línea melódica de Adam O´Farril. Sigue la pieza titulada IO, impulsada por la energía de los tambores de kush Abadey y el fraseo ágil de Joel Ross.

Ace of Swords es la composición más ligera con un elegante solo al teclado del neoyorquino Carlos Homs. Ether es la pieza, que abre Carlos Homs al Fender Rhodes, de sonido más electrónico. Europa es el interludio de menos de dos minutos inspirado en la música electrónica con un rápido fraseo de Aaron Burnett al saxo.

En Jupiter Conjunct Aaron Burnett & The Big Machine se produce una conjunción muy especial de estrellas que llenan el espacio de ilimitadas capas sonoras. La interpretación del líder, Aaron Burnett, es eléctrica de una potencia y energía desafiantes en todo momento.

Escrito por Begoña Villalobos

11 de Mayo de 2021

conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

Conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

Conversation #1-
Arbenz/ Mehari/ Veras

06

APRIL, 2021

Conversation#1 (Hammer Recordings, 2021) Florian Arbenz, batería/ Hermon Mehari, trompeta/ Nelson Veras, guitarra

Texto: Begoña Villalobos

Cuando un músico decide grabar el primer álbum de una serie de doce, nos indica el momento creativo y productivo en el que se encuentra. Esta vez, y para la primera entrega, el baterista suizo Florian Arbenz  líder de este proyecto, reúne al trompetista Hermon Mehari y al guitarrista brasileño Nelson Veras para el álbum de título: Conversation #1 , grabado en Basilea.

Los últimos trabajos liderados por Florian Arbenz, además de los álbumes con VEIN Trío, siguen la línea de jazz de vanguardia, Convergence (Hammer Recordings, 2020) , álbum a sexteto con Vistel Brothers  y Nelson Veras a la guitarra, y Reflections of the Eternal Line (Hammer Recordings & Inner Circle, 2020) álbum a dúo coliderado junto a Greg Osby.

Conversation #1 es la primera entrega de una serie de doce álbumes o conversaciones, todos ellos con diferentes músicos, en un proyecto de gran envergadura en el que Florian Arbenz pone a prueba su versatilidad, creatividad y buen gusto. El resultado de Conversation #1 es un trabajo impecable de diálogo e intercambio de ideas entre los intérpretes (batería, trompeta y guitarra) como vehículo de expresión abierta y libre de alta calidad en todo el disco.  El proceso de creación surge en la interacción de los músicos prácticamente en tiempo real, en la que el elemento principal son las improvisaciones a tres, en un diálogo suelto y sin restricciones.

Arbenz X Mehari / Veras | Let’s Try This Again (2021)

Con un concepto poliestilístico de jazz de vanguardia, Florian Arbenz junto con Hermon Mehari y Nelson Veras, en una formación inusual (batería, trompeta y guitarra, respectivamente), exploran las diferentes posibilidades sonoras y tímbricas, proyectando una voz compacta de foco conversacional centrado en el sonido en interacción. 

Abre el disco la composición de Florian Arbenz, Boarding the Beat, de estructura abierta. Let´s try Again (H. Mehari) y Dedicated to the Quintessence (composición de F. Arbenz) son dos de las pistas donde se aprecia el predominio de largas y cálidas líneas melódicas de la trompeta del estadounidense Hermon Mehari. Groove A, es una composición de F. Arbenz de concepto más estructurado. Dos baladas, Vibing With Mr. Feldman (F. Arbenz) y Olha María, balada compuesta por C. Jobim, en la que Veras radia una sensible e introspectiva musicalidad armónica y rítmica de raíces brasileñas en conversación con el suave toque de Mehari. Escuchamos una explosión de vitalidad con predominio de los tambores en los temas In Medias Res (de F. Arbenz), Race Face (O. Coleman).  Circle, excepcional tema de Florian Arbenz, de constantes inflexiones expresivas y texturales en una enérgica conversación entre batería, trompeta y guitarra.

Cierra el álbum Freedom Jazz Dance, la melodía clave, composición de Eddie Harris, que Miles Davis convirtió en estándar. En este tema el trío despliega una improvisación libre y abierta con increíbles giros armónicos de espectacular síntesis estética de su conversación.

Written by  Begoña Villalobos

April 06, 2021

Abe Rábade, la semántica del sonido

Abe Rábade, la semántica del sonido

Abe Rábade. 
La semántica del sonido

10

MARZO, 2021

Sorte (2020, Nuba Records) Abe Rábade, piano, composiciones/ Pablo Martín Caminero, contrabajo/ Bruno Pedroso, batería. Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Entrevista y Texto:
Begoña Villalobos

Fotos:
Afonso Sestelo
https://asestelo.com/ 
© Elvira Megías

El pianista y compositor Abe Rábade es un artista en el sentido amplio de la palabra, con formación musical, literaria, poética y filosófica; con una afinada sensibilidad está dedicado a las bellas artes de naturaleza creativa y valor estético. Después de catorce álbumes como líder, incluidas tres obras para grandes formatos y varias producciones poético-musicales, publica Sorte (2020, Nuba Records), título del último álbum para su trío habitual, compuesto por Pablo Martín Caminero al contrabajo y Bruno Pedroso a la batería. Sorte está estructurado en cuatro trípticos que recrean las cuatro partes del día con una total intención de libertad en los solos de los miembros del trío. 

En la entrevista, Abe Rábade nos cuenta las cualidades que revisten el sonido, comparte su experiencia en el proceso de la composición, la interpretación, el tiempo, el orden, el caos. En definitiva, habla del relato que integra el arte de la creación.

REVOLUTIONARY – Angela Davis – Transcribed & harmonized by Abe Rábade

SINCRONÍA 

Tanto el aprendizaje como el desarrollo o relato que se construye en una carrera artística, en este caso, pianística, jazzística, musical, nunca es lineal, ni debe serlo. Pienso que el autoconocimiento de lo que esta sucediendo en tu carrera es muy limitado, lo cual es maravilloso. Los mimbres con los que tienes que lidiar están ocultos y no son muy conscientes. Cuando colaboras con otros músicos surge una nueva dimensión de uno mismo desconocida que amplifica la visión. Por ejemplo, Pablo Martín Caminero, que colabora en mi trío desde hace más de doce años, incluye el ingrediente del flamenco, entonces se abre un vector que tiene un potencial brutal y muy concreto; otro ejemplo, Nordestinas de 2006 es un disco con dos voces de tradición gallega y un piano. Me mandaron, a capela, las versiones de los temas que yo armonicé; el resultado de la obra es un híbrido muy curioso de música lírica gallega cantada con piano. Esa influencia llega y me fuerza, favorablemente, a tocar piano solo en un escenario con dos voces. A veces -mola- tener facilidad para la música, pero también -mola- tener dificultad, ya que las dificultades hacen surgir de ti una parte creativa. Stravinsky tiene la frase maravillosa: “La creatividad aflora con los límites”. 

Los músicos estamos siempre sumergidos en lo simbólico. Lo que se manifiesta cuando estas tocando en el escenario no esta en la esfera discursiva, aunque hay un vector de lo que está sucediendo que es codificable en el discurso de música escrita o en la adjetivación, lo que surge es a nivel anímico; además también existe una dimensión física, de baile, que tiene que ver con la pulsación, con el cuerpo, que necesita de la sincronía. En nuestro caso, hay que situar -a tres- dónde esta la energía y dónde descansa, ya que estamos apelando constantemente a lo emocional, es por eso que la música engancha tanto, es una vía distinta de comunicación.

ORDEN 

Muchas veces, el campo de juego para elaborar una carrera artística depende mucho del contexto que tiene mucho de azaroso y mucho de Sorte, de lo imponderable, de lo que, afortunadamente, no puedes controlar. Conciertos mimbres de los que surgen estas dificultades, o muchas veces de azares neutros salen eslabones en tu carrera que se van encadenando unos a los otros, y vuelvo a la idea de la no linealidad. Puedes planificar lo que quieras, que toda esa planificación saturniana necesita a Urano, necesita del caos, necesita que no haya control. La forma más honesta de contestar a la pregunta sobre mi evolución, es que entiendo que he llegado a un punto en el cual sé que al menos esos dos polos deben de estar dialogando en un concierto y en un disco. El polo de la estructura que encorseta y da forma y el polo de la libertad. En el escenario la obra tiene que ser un organismo vivo, que recoja el pálpito. Hay que tocar lo que aflora. Prometeo y Epimeteo, el orden y el caos, son dos tipos de temporalidad diferente. En el fondo tiene que haber una conciliación, la forma pura no existe. Empiezo a saber que la madurez artística tiene que ver con entender que hay cosas que no se pueden ni se deben controlar. Hay un ingrediente fundamental que tiene que ver con la libertad y con la manifestación de lo que esta pasando en el momento. La idea es que aquello que estudias como algo rígido, lo haces para que en el escenario se suelte y se humedezca. En el fondo es como un baile. Esto no implica que haya falta de rigor; en este disco en concreto me vuelvo loco para montar esto en los conciertos, los obbligatos de piano son complejos.

Abe Rábade | Piano Solo – Vitoria – Gasteiz 2020

ABE RÁBADE TRÍO- «Arabesco da Iria»

ABE RÁBADE TRÍO – «Like Sonny»

RECREACIÓN

Creo que la improvisación en el jazz no existe, existe la variación y la composición en tiempo real. La improvisación en el jazz nace con las Marching Bands, y las tradiciones orales tienen esto. En portugués hay una expresión que dice: Quem conta um conto acrescenta um ponto. La impro es eso.

Si tocas varios palos, como música tradicional, un poco de música clásica, mucho jazz y música experimental, aparece un discurso musical algo más rico y evolucionado como resultado a la integración de estas músicas. Empiezo a entender cómo se integran todas las músicas que llevo palpitando dentro, en el fondo me hace sentir genuino. Lo primero que le llega al público es si lo que vas a tocar es genuinamente tuyo. Eso es algo que va más allá de la música, es el abordaje antes de tocar una nota. Los japoneses lo llaman ki (energía), es lo que acompaña las cosas. Es la actitud, el impulso, la voluntad consciente con la que lanzas algo. El esfuerzo está fuera -antes- de la nota, las teclas son el descanso. Hacer esa codificación de cómo -quiero sonar- tiene que ver con una concepción muy integral de ti.

TIEMPO

Componer, tocar en directo, grabar, la divulgación en prensa, es un ciclo y es importante saber observar en qué momento estás. El disco, Sorte, es el fruto de un azar loco de dos semanas de dejar venir composiciones sin parar y pasarlas a limpio al piano. He aprendido que no puedes dominar esos embriones que llegan como una pulsión de creatividad, tienes que saber que esos mimbres valen oro. Después, en un tiempo más epimeteico, tienes que pararte con la capacidad de análisis. Este disco tiene mucho de mi experiencia de obra sinfónica, como la propia estructura, de cuatro cuadrantes en trípticos, buscando asimetrías. La música para formatos más grandes tiene que plasmarse de una forma más pétrea. Me han pasado cosas curiosas, la obra que estrené con la Real Filharmonía de Galicia, Tempos Velados (2017), la había preparado para coro mixto, orquesta sinfónica y piano. Piano concertante integrado en la orquesta, el solista de la obra era el coro. Paul Daniel no quería que fuese tan estructurado y clásico, quería que yo improvisase por encima de la orquesta y me dio esa libertad.  . 

Para mí, lo más importante es el ritmo, el molde más grande es el vector ritmo-dinámica y la fuerza, saber en qué lugar esta la energía concentrada. Aunque lo central es la integración de cada uno de los vectores: ritmo, improvisación y melodía.

Tengo una relación bonita con el tiempo. La música es un arte que va del tiempo.

Cuando empecé a cuadrar y a ordenar Sorte, busqué un referente visual -un símbolo-, y una vez eso estaba claro, lo organicé por la gama del color. Más tarde necesitas testarlo, ese proceso es largo; si puede ser antes de grabar el disco, mejor. 

ESCENA

El escenario es liturgia, no es un simulacro, y hay elementos que solo hay en la liturgia, y que solo se van a resolver ahí. Es bonito sentir que los proyectos tienen vida, tienen un inicio medio mágico, también un momento muy prosaico. Para este disco, Bruno Pedroso y Pablo Caminero vinieron a Santiago para ensayar, tocar y grabar el directo por primera vez en mi casa con algunos colegas invitados, y ver qué cosas había que modificar. Un mes después lo tocamos en el Círculo de Bellas Artes (Madrid), luego lo hicimos en Bangladesh antes del confinamiento y fue genial. Ese fue el test de fuego. Con la pandemia se paró todo y por fin se graba en octubre.

Es bonito ver ese nacimiento, ese cauce de vida y ese final y notar como brotan otros procesos que muchas veces van en paralelo. Tengo varios proyectos en activo, uno a Piano Solo; otro que se llama Lorca Namorado. El trío se mantiene en el tiempo, llevamos doce años juntos. Creo que es imposible que haya cierta longevidad en un proyecto sin tener en cuenta que el factor humano y el factor artístico están vinculados. El factor humano casi es más importante, no te digo que no haya conflicto, el conflicto es inherente a la vida. Cuando hay conflicto es fundamental tener herramientas para mitigarlo e incluso para transformarlo en algo beneficioso.

En el caso de la música es increíble, porque la música es danza que toca el suelo sonando. Es pensamiento que suena. La música es invisible, pero está viva en el aire. Últimamente coqueteo con una definición de música como movimiento intencionado: La música mueve el aire, lo hace vibrar con una intención. La música es pura expresión. El escenario te hace ver cosas, tienes que ser muy crítico contigo y a la vez tratarte con cariño para que haya evolución artística.

Escrito por Begoña Villalobos

10 de Marzo de 2021

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