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Daniel Torres First Statement

Daniel Torres First Statement

Daniel Torres. 
First Statement

05

ENERO, 2021

Daniel Torres, saxo tenor/ Perico Sambeat, saxo alto/ Peter Bernstein, guitarra/Sri Hanuraga, piano/ Joao Lopes Pereira, batería/ y Romeu Tristao, contrabajo. Outside In Music 2020.

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Tomoyuki HottaPepe Ainsua, Dan Burcea

First Statement es el primer disco como líder del saxofonista tenor malagueño Daniel Torres 

Pude asistir como invitada a la grabación del álbum y esos momentos únicos e irrepetibles de creación son más que fascinantes. La magia de presenciar una grabación en directo de un discazo de jazz no tiene parangón.  La grabación fue en PKO, los estudios de Boadilla del Monte en Madrid.

«First Statement» Daniel Torres (feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat)

Torres se ha formado en diferentes ciudades de importante nivel jazzístico, como Ámsterdam, Toronto, Nueva York, Barcelona. Para su álbum debut se ha rodeado de una banda de alta calidad. 

Perico Sambeat, es uno de los músicos que más admiro en el mundo. No hay otro saxofonista alto como él, lo considero más como un poeta musical que convierte en arte cada nota que toca. Es lírico, honesto, creativo y rítmico. Su voz ha sido un añadido perfecto en mis composiciones, que en parte escribí pensando en cómo sonarían siendo interpretadas por él. Tenerlo en este disco ha sido un sueño.

Como invitados en el álbum debut, en primera línea dos grandes referentes del jazz internacional, el valenciano Perico Sambeat  al saxo alto y el neoyorquino Peter Bernstein a la guitarra. Completando el sexteto, el brillante pianista indonesio, Sri Hanuraga y dos talentosos músicos portugueses, Joao Lopes Pereira y Romeu Tristao, a la batería y al contrabajo respectivamente, integrantes de Ricardo Toscano Quartet El formato del grupo varía a lo largo de los temas, desde el clásico cuarteto hasta el sexteto, una formación más grande es cada vez más inusual en la actualidad, y ofrece numerosas posibilidades a la hora de explorar diferentes posibilidades sonoras y tímbricas.

Hay ciertas características musicales concretas inherentes a estas composiciones que encajan con el estilo personal de estos músicos, especialmente en la faceta de la improvisación. Sri Hanuraga (Aga), es virtuoso, creativo, enérgico, rítmico, melódico. Tiene todas las cualidades que me gustan en un pianista. Su compromiso con la música, su maestría musical y la gran complicidad que desarrollamos tanto dentro como fuera del escenario es algo que lo convierten en un pilar fundamental de este proyecto. João Lopes Pereira y Romeu Tristão, además de ser músicos excepcionales, como sección rítmica se compenetran y entienden a la perfección. Poseen un sonido personal y moderno, fuertemente arraigado en el swing y en la tradición del jazz, y eso es exactamente lo que buscaba para este grupo.

Los diez temas que conforman el álbum, ubicados en una estética Straight Ahead, son un compendio de composiciones originales del multipremiado tenor y un standard, que se lanzó en 2020 por la compañía discográfica con sede en Nueva York,  Outside In Musicun sello que se está convirtiendo en referencia para músicos de jazz americanos y europeos.

En la guitarra cuento con otro titán de la música, Peter Bernstein, que simboliza el jazz. Lo tiene todo, un sentido del swing inconmensurable, una creatividad rítmica desbordante, un sentido del blues que se hace notar en cada nota y una capacidad incesante de crear melodías bellas. Es un improvisador nato que ha colaborado con muchas figuras históricas. Su sonido, su fraseo… todo encaja perfectamente con mí música. Su aportación a mis temas ha sido increíble y es un honor tenerlo en este proyecto.

«Falling Up» (Daniel Torres) feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat

April in August (Daniel Torres) feat. Perico Sambeat

«The Wanderer» (Daniel Torres) feat. Peter Bernstein & Perico Sambeat

El tema que abre el álbum se titula The Wanderer, y está inspirado parcialmente en las sonoridades de Coltrane y Hancock. Los demás temas que conforman el disco son: First Statement, tema que da título al álbum con una estética hard bop, el blues bogaloo Falling Up, April in August (contrafact basado en I´ll Remember April, de intenso y rápido diálogo entre el saxo alto y tenor), Dance of the Forest (tema a cuarteto en tres por cuatro) los temas modales Ave Fenix, Minor Explosion, Roxi’s Garden y el standard My Ideal.

Torres está actualmente inmerso en el proceso de creación de su segundo álbum como líder, grabado en directo y en estudio a cuarteto, de título Stepping Out of Reality, junto a una sección rítmica formada por el contrabajista holandés, Joris Teepe, el baterista de Florida Owen Hart Jr., y el sevillano Juan Galiardo al piano. Todos comparten la pasión por el straight ahead jazz y por los sonidos modales de McCoy, Coltrane o Miles. Teepe, Hart Jr. y Galiardo han girado y grabado con innumerables figuras del jazz, como Barry Harris, Branford Marsalis, Steve Grossman, David Kikoski, Benny Golson, Tom Harrell, Marc Copland, Harold Mabern, Rashied Ali o Slide Hampton. El nuevo álbum mantendrá una estética dentro del hard bop y el straight ahead jazz, con algunos tintes de free jazz e influencias de música brasileña.

 El cuarteto clásico de jazz, piano, batería, contrabajo y saxofón, representa para mí un laboratorio musical donde todos los experimentos son posibles. Una de mis máximas referencias de cuartetos en el jazz es el de John Coltrane con Elvin Jones, McCoy Tyner y Jimmy Garrison. El sonido de este grupo y la intensidad de su música es sin duda, una gran fuente de inspiración. 

Torres también está preparando en la actualidad otro álbum que co-liderará con su amigo e influencia musical, Enrique Oliver Será un álbum a quinteto con dos saxos tenores, contrabajo, piano y batería, donde tocaran temas originales, algunos inéditos y otros escritos con anterioridad adaptados para esta formación. Este disco será grabado en estudio y en directo en febrero de 2021. Este nuevo proyecto quiere dar prioridad a las posibilidades armónicas y rítmicas que ofrece el hecho de usar dos saxos tenores en las composiciones e improvisaciones.

Escrito por Begoña Villalobos

05 de Enero de 2021

Interview with Michael Janisch, “World Collide” album

Interview with Michael Janisch, “World Collide” album

Interview with Michael Janisch, “World Collide” album

09

NOVIEMBRE, 2020

Michael Janisch, bass/ Rez Abbasi, guitar/ Jason Palmer, trumpet/ John O’Gallagher, altosax/ Clarence Pen, drums/ Guests:  Andrew Bain, drums /John Escreet, keys/ George Crowley, tenor sax.
Worlds Collide (2019, Whirlwind Recordings).

Escrito por Begoña Villalobos

With a dozen albums behind him, Michael Janisch (1979, Ellsworth, Wisconsin, US) releases his latest record entitled Worlds Collide (2019, Whirlwind Recordings), an electroacoustic album of original material recorded at Abbey Road Studios in London, which combines contemporary jazz, strongly influenced by London and New York trends. The album was recorded with Rez Abbasi on guitar, Jason Palmer on trumpet, John O’Gallagher on alto sax, Clarence Pen on drums and features guests such as Andrew Bain on drums, John Escreet on keyboards, and George Crowley on tenor sax.

Michael Janisch – Worlds Collide – [Album Trailer] – Abbey Road Studio 3

Michael Janisch is a bassist, producer, and owner of Whirlwind Recordings, one of the leading independent jazz labels.

World Collide performed in Spain with a powerful British band composed of Nathaniel Facey on alto sax, George Crowley on tenor sax, Rick Simpson on piano, and Shaney Forbes on drums.

We spoke with Michael Janisch right before his concert at Cafe Madrid, back in January 2020 while on a Spanish tour promoting his new album Worlds Collide… We have transcribed and edited his responses for length.    
 
   

In&OutJazz: You are considered to be a leader on the international improvised jazz scene. In your opinion what makes you different?

Michael Janisch: I don’t actually think about being different, consciously. But what I do put a lot of emphasis on is being true to myself, and that makes everyone different. So if all you do is copy someone and play like this bass player, or try and compose like that, then you will always sound like that person. But when I’m composing, even though I have influences, I always think ‘no, I have heard that before, I have to change this’. In my playing and composition, I always try to avoid writing or playing exactly like someone else.  

If you hear a song of mine you might say ‘oh, that reminds me of….’ – for me, that is okay – but if you think that is exactly like some other musician, or whoever, then I don’t like that. I don’t mind that you hear the influence, but I always hope that it is a unique interpretation of an influence. So in that sense, I think I’m different, and I think that the same can be said of every great musician; they are true to themselves. And as I get older, and more confident, I don’t have time to think about other things, I just have to be me, but sometimes it is hard because you can think later ‘Oh, I’ve heard this before, I don’t like this, and then the next day comes, and you think ‘Oh, that was shit’, so you spend the whole day composing and then you throw it all away.  But sometimes it just flows and you think ‘this is great’ – so for me, that’s my process. That was a good question, it made me think!

 

What importance do you give to the different elements – melody, and improvisation -, on your latest album compared to previous ones? 

This album is a big mix of different sound worlds, which is one of the reasons I suppose I called it World’s Collide. The first track was written for a film, which never became a film because they lost the funding. The second song was influenced in part by Aphex Twin; I was thinking about his electronic music. Aphex Twin’s compositions, which I love, start with an idea that grows and changes, it’s pulled away, disappears, and then comes back later in a new way; so that’s that composition. It’s more like a classical composition. But within each song, I always give someone a platform to improvise. And then there’s a song called Frocklebot, but we are not going to do that tonight because I don’t have a double bass, but on that song, on the album, there is a first section and the last section and everything in the middle is completely free – because sometimes you just have to stop writing and just let the musicians sound. And also with five people, you have to think of the overall sonic picture, the balance, almost like when you see a painting – you can’t have red everywhere, or blue everywhere, so sometimes it is nice not to have blue – not to hear the drums – just to have the trumpet and saxophone players playing together. So I am thinking about these things, which I haven’t done so much on previous albums. Previous albums were always about the ensemble, which is cool, but I wanted to have a different sonic space on this album. 

I think some of the melodies on this new album are more singable, to an everyday music listener, and perhaps someone who isn’t thoroughly immersed in this kind of music. The reason I know this is that many people have told me this [laughs], but even so, there are still some really challenging metric things happening underneath the melodies; but it is done in a way that is really subtle. The musicians in the crowd may appreciate these things happening, but people who aren’t musicians may be more inclined to connect with the sing-song nature of some of the melodies.  So on this album, this was a sort of challenge I wanted to take on, this idea of subtle yet complex rhythms, mixed with memorable themes.

Michael Janisch’s Paradigm Shift – Live in London – Highlights

Can you tell us about the specific influences and jazz trends for the new album, for example, from London and New York?

The London scene, and especially the current scene, is heavily influenced by Afrobeat, with many musicians citing Fela Kuti as a starting point.  Naturally from hanging out and learning from musicians who have this as part of their history and lineage it’s found its way into my own music.  An Ode to a Norwegian Strobe features a quite common Afro Beat rhythmic pattern throughout, but I’ve sort of morphed that into 9 beats rather than the much more commonly heard 4 beats per measure.  I was listening to some interesting Grime beats that I was introduced to by some London friends, and I really liked some of the grooves, especially the urgency of the drum patterns, and thought ‘let me do something that references this energy but has my own spin on it.’  So that part is coming out of London influence and myself being immersed in that scene for over 15 years now.  As an American who spent most of my life learning from the masters of this music and still being very active performing with people Stateside, this influence is just natural and forms the foundation of all my music.

Where are you from?

I am from near Minneapolis, a place called Ellsworth, Wisconsin, it is a small town right on the Mississippi river in the north, in the middle of the states. I lived in Boston while at Berklee for 3 years, and New York for just under 2 years but have spent now most of my adult life in London, England.

Can you tell us about the various elements of your work?

I always balance structure and improvisation; it is something I have always done, I always think about both a lot. I don’t think I’ve changed much; it is just different styles; I love writing and I love letting the band play, I have been like that my whole life. It has been a very consistent goal of mine.

Sometimes some of the songs are written with so many details that the band says ‘oof, this is hard’ so this is why in other songs I just make a simple melody and let them go. You know: you make them work and then you let them play because I love both worlds. 

How do you combine owning one of the most prestigious independent jazz labels with your role as a musician?

Well, thank you for saying that, but the label was originally just a way for me to release my own music on my own terms. Whirlwind is a lot of work but it gives me great pleasure as I love running it, and it also provides an extra source of practical income so that I can do what performing I want to do on my own terms.  I can just do the shows and tours I want to do and run my label, and most importantly be home a lot, so I can see my kids grow up! 

‘Frocklebot’ – Michael Janisch

‘Freak Out’ – Michael Janisch

What is your opinion about your recent MOBO nomination?

I was so surprised about that because I was in the Japanese Embassy to get a visa to play in Japan and I came out and I had 50 text messages saying ‘Congratulations!’. And then I went on Twitter and it was saying  ‘Michael Janisch, with Esperanza Spalding, Jacob Collier, etc’ and I was just thinking ‘Wow, that is completely random… thank you so much’. And I went to the award ceremony with my wife and we were on the red carpet, and it was hilarious. I knew I wouldn’t win but it was great to be nominated. 

What was very weird yet interesting was the mixed reaction I received from some sectors of the music industry, from musicians and also industry folk alike. While there was a lot of lovely messages of support, I was pretty taken back with how some promoters snarkily commented that I was a «commercial artist» now because this is seen as a huge industry award, almost making the accusation I was some kind of sell out that wasn’t part of the grass roots scene anymore.  Some musicians seemed angry because the award stands for ‘Music Of Black Origin’ and they felt that I shouldn’t get it because I am white (I even got some emails from anonymous people saying I didn’t’ deserve it for that reason), and it all seemed so weird to me because I have always performed and revered music that had its origins from Black Americans first and foremost, nearly all my musical heroes are Black, and this award is specifically to celebrate all music that comes from Black origin, but any person from anywhere or any race can be nominated.

How would you describe your last album

I think as I’ve always done I am influenced by many types of music and I am always trying to bring these influences together in my own way. – this inspires me. So with this album I celebrate these «world’s colliding» at present, this is how I am going to continue to compose and conceive with all these elements combined, be it influences from electronic music; afrobeat, swing, free improv, song forms, punk, rock– everything and anything is okay.

 

Well, that’s’ all we have time for, you better get on stage! Thank you very much. 

Check Michael out here:  www.michaeljanisch.com and his label is: www.whirlwindrecordings.com

Escrito por Begoña Villalobos

09 de Noviembre de 2020

Baldo Martínez, Juan Saiz, Lucía Martínez “Frágil Gigante”

Baldo Martínez, Juan Saiz, Lucía Martínez “Frágil Gigante”

Baldo Martínez, Juan Saiz, Lucía Martínez “Frágil Gigante”

22

OCTUBRE, 2020

Baldo Martínez, contrabajo / Juan Saiz, flauta, saxofón tenor y soprano/ Lucía Martínez, batería y percusión/ Leo Records, 2020

Escrito por Ricky Lavado

Fotografía de Esther Cidoncha

Una vez más, la discográfica británica Leo Records demuestra su buen ojo y exquisito buen gusto a la hora de rastrear los márgenes creativos más osados y menos transitados del jazz actual con la publicación de Frágil Gigante, el flamante resultado del cruce entre Baldo Martínez (contrabajo), Juan Saiz (saxo, flauta) y Lucía Martínez (batería): tres ejemplos de artistas inquietos con creatividad explosiva que han decidido unir sus mentes para dar forma a casi una hora de música marcada por un impulso improvisacional en el que caben el free jazz y la música de vanguardia.

Nena – Baldo Martínez, Lucía Martínez & Juan Saiz

Frágil Gigante suena orgánico, cálido y luminoso; la paleta cromática desplegada en la interrelación de saxos, flautas, contrabajos y baterías hace transitar al oyente por caminos nunca encorsetados convirtiendo el viaje en un proceso rico en matices y siempre imprevisible. No es este un disco para escuchar con prisas, requiere de calma y atención para ir poco a poco descubriendo las múltiples capas y ángulos de unas composiciones que, valiéndose de pocos elementos, nunca juegan a lo fácil. Es aquello de la simplejidad, por usar un palabro de nuevo cuño: Frágil Gigante esconde mucha más profundidad de la que aparenta, y los laberínticos caminos por los que Martínez, Saiz y Martínez desarrollan sus composiciones se convierten en diálogos donde la sencillez formal se pone al servicio de la expresividad, la inquietud creativa y la amplitud de sonoridades y sensaciones.

En esos diálogos entre los tres creadores, tan extraños como bellísimos, todo suena intuitivo y libre, y sin embargo atraviesa el disco una sensación de coherencia interna envuelta en misterio. Uno diría que la telepatía tiene algo que ver en este proceso creativo. Al escuchar el álbum sientes que todo tiene sentido aunque no sepas identificar exactamente el porqué: como escuchar una conversación en un idioma desconocido o intentar descifrar un jeroglífico. En esa conversación entre cuerdas, vientos y percusiones prima la sensación de espacio, y la economía de elementos da como resultado un proceso en el que los planos se convierten en un elemento esencial: nadie se pisa aquí, nadie interrumpe a nadie, hay oxígeno en todo momento y cada escapismo expresivo en el que uno de los elementos toma el protagonismo se convierte en un interesantísimo punto de fuga arropado por la textura y timbre armónico de los otros dos. 

En lugar de jugar a las tensiones propias del free jazz, la libertad expresiva y la huida de la forma concreta se consigue en este disco gracias a un delicado equilibrio en el que nunca se busca el choque entre opuestos. Los brochazos de pintura que protagonizan la portada funcionan como metáfora o complemento perfecto a la música desplegada a lo largo de los casi cincuenta minutos de duración de Frágil Gigante: texturas, profundidad y lógica armónica en la construcción de un todo nunca específico que, perdonen el lugar común, es mucho más que la simple suma de sus partes. 

Sólo nos queda esperar que, visto el excelente resultado desplegado en este trabajo, la relación creativa entre Baldo Martínez, Juan Saiz y Lucía Martínez tenga continuidad en futuros proyectos: en estos tiempos de frivolidad y velocidad vertiginosa de consumo es de agradecer poder sumergirse en discos tan ricos, profundos y complejos como este.

Jazz Café Gijón. Baldo Martínez & Juan Saiz. 2/3/2018. Concierto

Escrito por Begoña Villalobos

22 de Octubre de 2020

Florian Arbenz “Convergence”

Florian Arbenz “Convergence”

Florian Arbenz “Convergence”

18

OCTUBRE, 2020

Florian Arbenz, batería / Maikel Vistel, saxo tenor/ Jorge Vistel, trompeta/ Nelson Veras, guitarra /Jim Hart, vibrafonista/ Rafael Jerjen, contrabajo

Escrito por Begoña Villalobos

Fotografía: Daniel Ranz

Convergence (2020, Hammer Recordings) es un proyecto conjunto a sexteto formado para la grabación de este álbum en la ciudad de Basilea (Suiza). El sexteto se caracteriza por la rica diversidad de nacionalidades y culturas que, como el título indica, convergen y exploran el eje de una línea de música improvisada contemporánea, llena de matices que rompen la barrera de lo convencional.

Florian Arbenz & Convergence – Schaffhauser Jazzfestival 2020

El álbum es producido por el baterista y compositor suizo Florian Arbenz, integrante del trío VEIN formado en Basilea hace más de una década.

El sexteto está formado por estrellas del panorama internacional del jazz. A los vientos, dos habituales de la escena de jazz española, reconocidos instrumentistas y compositores cubanos profundamente conectados con sus raíces, Jorge Vistel a la trompeta y Maikel Vistel al saxo tenor, que ahora más que nunca juegan en la liga del jazz internacional. Florian Arbenz y los hermanos Vistel –Vistel Brothers- se conocieron en 2002 en La Habana y desde entonces han estado colaborando juntos. Después de estar un año compartiendo giras por Europa, Arbenz y los hermanos Vistel decidieron grabar este proyecto con guitarra y vibráfono. Acompañados por el guitarrista brasileño Nelson Veras y el vibrafonista inglés Jim Hart, que lidera Cloudmakers Trio/Quinteto junto a Michael Janish (contrabajo) y Dave Smith (batería) y el bajista australiano Rafael Jerjén integrante del Trío Max Mantis 

«Convergence» by Florian Arbenz & Vistel Brothers/ Nelson Veras/ Rafael Jerjen

El álbum está inspirado en parte por los grandes bateristas y directores de banda, desde Art Blakey y Max Roach a Jack DeJohnette y Peter Erskine.

El hilo conductor de Convergence es de una línea conversacional basada en técnicas compositivas de vanguardia, que giran en torno a las excelentes interacciones entretejidas por los instrumentistas que van desde la abstracción hasta la estructura melódica. Abre el álbum una de las dos composiciones de Jorge Vistel, titulada Little idea, con un suave diálogo entre guitarra y vibráfono e intervenciones enérgicas entre el tenor, la trompeta y la batería. Maikel Vistel se explaya en un rápido solo en Fast Lane (una de las composiciones de Florian Arbenz).  Strong Steps, una de las cuatro composiciones de Maikel Vistel, es una composición sobresaliente por el extenso abanico de polirritmias basadas en los ritmos Batá, haciéndose notar en el contrapunto de las tres melodías, en las que se establece una intensa interacción a dúo entre saxo y trompeta. Cierra el álbum con broche de oro Edificio17, una de las dos composiciones de Jorge Vistel.

Florian Arbenz/ Vistel Brothers CONVERGENCE

Escrito por Begoña Villalobos

18 de Octubre de 2020

“In The Moment” álbum. Pat Bianchi

“In The Moment” álbum. Pat Bianchi

“In The Moment” álbum. Pat Bianchi 

05

OCTUBRE, 2020

Pat Bianchi, órgano /Byron Landham, batería / Paul Bollenback, guitarra/ Savant Records, 2018

Escrito por Ricky Lavado

Editado por Begoña Villalobos

El neoyorquino Pat Bianchi, uno de los teclistas internacionales más virtuosos de jazz, defensor del clásico sonido de trío de órgano jazz, nunca ha tenido reparos en admitir la profunda admiración que profesa por el trabajo del icono organicista de Filadelfia Joey De Francesco, otro de los gigantes del sonido del Hammond en la actualidad, y quizá la elección por parte de Bianchi de Byron Landham a la batería y Paul Bollenback a la guitarra, como escuderos para la grabación de “In The Moment”, pueda ser leída en clave de velado homenaje, o de declaración de intenciones incluso (tanto Landham como Bollenback acompañaron a Joey DeFrancesco en la grabación de su “Live at the Five Spot”).

 

 

The Pat Bianchi Quartet Humpty Dumpty

“In The Moment” (Savant Records, 2018) suena cálido, recogido y natural. El equilibrio y el orden priman en un disco comedido en el que Bianchi ofrece dos composiciones propias y se hace acompañar de un selecto grupo de colaboradores de altura para dar forma a un buen puñado de versiones, alguna de ellas sorprendentes.  Evidentemente la interpretación es correctísima en todo momento, de gran destreza armónica e intensidad rítmica propias de Bianchi. El alto nivel de todo el personal involucrado en la creación de este disco está más allá de cualquier cuestionamiento, pero quizá sea precisamente esa corrección escrupulosa uno de los lastres de un conjunto en el que todo funciona, y nada estremece. Todo en este disco encaja de manera pulcra y, a la vez, fría y por momentos excesivamente estandarizada, convirtiéndose en una escucha tan disfrutable como poco espectacular.

El origen ajeno a la tradición del Jazz de algunas de las piezas escogidas por Bianchi, como las revisiones de “Crazy”, de Willy Nelson, y “Don’t You Worry About a Thing”, de Stevie Wonder, junto a la reinterpretación del “I Want to Talk About You” de Billy Eckstine (con la colaboración de la maravillosa voz del malogrado Kevin Mahogany), ofrecen al conjunto un punto de frescura y versatilidad en un repertorio centrado principalmente en torno a algunos nombres gigantes de la historia del Jazz. Bianchi y su banda se atreven con Wayne Shorter (Fall), Thelonious Monk (Four in One), Chick Corea (Humpty Dumpty) o Miles Davis (Barracudas). La paleta cromática del sonido de Bianchi se ve enriquecida a lo largo de la hora de música que dura el álbum por las aportaciones de Joe Lock la vibráfono, Carmen Intorre Jr. a la batería, y la guitarra de Pat Martino y Peter Bernstein, añadiendo al sonido clásico y virtuoso del trío principal (Bianchi, Landham y Bollenback) aires lounge e incluso reminiscencias de blues. Si la variedad del repertorio elegido dota al disco de una excesiva ligereza que lo convierte en disperso, o si por el contrario constituye uno de sus puntos fuertes, es una decisión que queda en manos del oyente. A lo mejor la emoción y la sorpresa no tienen por qué ser valores en sí mismos, a veces lo que necesitamos es disfrutar de estos músicos de alto nivel de la escena de jazz internacional que sin necesidad de sacudidas emocionales nos brindan un increíble swing.

Editado por Begoña Villalobos

05 de Octubre de 2020

BENJAMIN SANZ “DIRECTIONS QUINTET- THE ESCAPE” ÁLBUM

BENJAMIN SANZ “DIRECTIONS QUINTET- THE ESCAPE” ÁLBUM

Benjamin Sanz “Directions Quintet- the Escape” álbum

02

OCTUBRE, 2020

Benjamin Sanz Directions Quintet. Benjamín Sanz, batería/ Hermon Mehari, trompeta /Rob Clearfield, piano/Ricardo Izquierdo, saxo /Luca Fattorini, contrabajo

Fotos: Marion Brunet / Philippe Lévy-Stab /Collectif MiRR 

Diseño Gráfico del álbum: Yannick Le Vaillant

Escrito por Begoña Villalobos

Con Directions Quintet- The Escape, nos adentramos en la escena actual del jazz parisino, con la reciente publicación del nuevo disco liderado por Benjamín Sanz, baterista, compositor y director artístico del colectivo MiRR desde 2013.  Se trata de un álbum publicado con el sello francés MiRR/L´Autre Distribution, junto con un elenco de músicos, todos ellos habituales y destacados improvisadores en la escena de jazz estadounidense y europea.

«KC» – Benjamin Sanz Directions feat Julia Haile & Tim Braun

Es un trabajo en formato de quinteto caracterizado por una gran diversidad de músicos. Formado por el nativo de Chicago Rob Clearfield https://robclearfield.bandcamp.com/  al piano, el reputado trompetista Hermon Mehari  (vinculado a la escena musical de Kansas City, cuna de Charlie Parker -Bird-, y relacionado con grandes de la escena de jazz afincados en esa ciudad como Logan Richardson), Ricardo Izquierdo saxofonista cubano residente desde 2001 en París, relacionado con el jazz de vanguardia y con el recorrido rítmico propio de la cultura afrocubana; y el italiano Luca Fattorini al contrabajo con su sólido sentido del tiempo y de la armonía. 

Los modismos armónicos y melódicos de la tradición negra americana definen el contexto de este segundo trabajo liderado por Benjamín Sanz, una música para improvisar incluyendo momentos en forma de melodías que permiten una búsqueda sonora con colores inspirados en la música contemporánea europea a modo de beats y tonos armónicos sostenidos por ritmos relacionados con la polirítmia africana.

El álbum es presidido por las composiciones de Benjamín Sanz. El primer tema The Escape, que da título al álbum, comienza con un beat de batería para dar paso a la suavidad de las bellas líneas melódicas de sonido brillante del trompetista Hermon Mehari, sostenido por un galopante swing rítmico. 

El protagonismo del solo de Izquierdo al mando del saxo tenor en el track titulado Awakening, seguido por el interludio al contrabajo de Luca Fattorini, preludio de la tercera pista de momentos muy libres titulada Cosmic Beings. El tema Love Song con el increíble sello de la improvisación del tenor, en interacción con la línea abierta y fina que caracteriza el sonido al piano de Rob Clearfield. 

En 2004 Benjamin Sanz comienza su andadura musical junto con su mentor, el legendario baterista estadounidense Sunny Murray, en la organización de la jam La Miroiterie en Menilmontant (Paris), una plataforma de conocimiento musical en torno a una estética jazzística. Por ello, la penúltima pista del álbum titulada Farewell, es una composición tributo al baterista James Marcellus Arthur Murray, conocido como Sunny Murray, uno de los pioneros del estilo de batería de jazz libre y mentor de Benjamín Sanz.

En 2011, éste publica su primer álbum como líder de título Mutation Majeure con el sello de Archie Shepp (Archiball/Harmonia Mundi). 

La composición KC abreviatura de Kansas City merece dos versiones, una instrumental y otra vocal a cargo de Julia Haile y Tim Braun que cierra el disco.

Esas direcciones, como el título del álbum indica, reflejan el deseo de conectar las diversas corrientes musicales apelando al juego de la interacción de los instrumentistas que mantiene al oyente en una escucha enérgica de principio a fin.

«KC» – BENJAMIN SANZ «Directions» Quintet – Live Extract

Escrito por Begoña Villalobos

2 de Octubre de 2020

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