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Perico Sambeat Atlantis (Karonte, 2022)

Perico Sambeat Atlantis (Karonte, 2022)

Perico Sambeat

Atlantis (Karonte, 2022)

12

SEPTIEMBRE, 2022

Perico Sambeat, saxo alto y flauta/ Fabián Almazán, piano/ Pablo Menares, contrabajo/ Rodrigo Recabarren, batería. Atlantis (Karonte, 2022)

Texto: Enrique Turpin

Foto de cabecera: José Luis Luna Rocafort para Tomajazz

Fotos: Vilma Dobilaité

Quien diga que las leyes del mundo no están regidas por el azar habrá de reordenar su mundo para no imaginar encuentros como los que han hecho posible este Atlantis de Perico Sambeat, que con tan buen tino ha producido él mismo para el sello Karonte, siempre dispuesto a dar cabida a los empeños más heterodoxos e insobornables de la escena española, con ramificaciones allende los mares, que osados son muchos, y no merece desaprovechar oportunidades para darles voz.

 

 

Había una vez un seminario de jazz en Almendralejo que reunió en 2019 un cuarteto formado por el saxo alto y la flauta de Perico Sambeat con un trío compuesto por Fabián Almazán al piano, Pablo Menares al contrabajo y Rodrigo Recabarren en labores de batería. Tres nacionalidades hermanadas por unas sola patria, el jazz. El piano cubanísmo del joven Almazán se unía a la pareja chilena de Recabarren y Menares, éste último presencia insustituible en las formaciones de Melissa Aldana desde los tiempos del Crash Trio (Concord Jazz, 2014). Apunta Jorge García en las ejemplares notas que acompañan como libreto la grabación de Sambeat que Atlantis “puede ser también una referencia al vínculo marítimo que une al saxofonista con el trío rítmico”, y no debe faltarle razón, aunque cabe sospechar para suponer que lo atlántico es más un estado de ánimo que un espacio físico: también hay atlantismos en el Mediterráneo, no en balde tenemos media península bañada por sus aguas, y algo de él se cuela por el estrecho de Gibraltar, por suerte, si no esto sería insufrible.

El mismo año de la presentación en sociedad, el grupo recaló en septiembre en los Estudios Milenia de Valencia, cuna del líder (Godella, Valencia, 1962), y fijaron para la eternidad ocho composiciones de largo aliento (rozan los siete minutos de media) en las que dejan entrever que su arte debiera tener oportunidad de nuevos encuentros. Con excepción de “Lem”, compuesta por Menares, suponemos que como homenaje al escritor polaco de futuros inciertos, y “Forlane”, una relectura de la balada prodecente de Le Tombeau de Couperin de Ravel, con ecos de la versión que Hubert Laws hiciera para su disco Romeo & Juliet (CBS, 1976), el resto de piezas vienen firmadas por Perico Sambeat, más dueño de su arte que nunca.

Cuentan que la atmósfera del disco le vino a Sambeat convocada por un sueño, como ha pasado con otros artistas, desde el “Purple Haze” de Hendrix al “Let It Be” de los Beatles, desde el “Everybreath You Take” de The Police al “I Can’t Get No (Satisfaction)” de los Stones. Esa melodía lleva por título “Somnis” (‘sueños’ en catalán) y deja constancia de su onírico origen, al tiempo que marca el tono de la grabación, con ese aire de ensueño y la seña aflamencada que acompaña a Perico como carga genética de su música (Ahí anda Ademuz o la Flamenco Big Band para corroborar lo evidente). El tema sirve a su vez para presentar al grupo que acompaña al valenciano, una suerte de rítmica de ensueño que potencia lo que de por sí ya ofrece la música del líder: acomodo a las raíces, arrojo por lo indómito, reactualización de vías clásicas y alardes de genio creativo. Aquí lo andalusí, que no lo exclusivo andaluz, se nutre de aires de otras latitudes, pero todo encaja a la perfección gracias al buen ajuste del cuarteto, la formación más querida por Sambeat para desarrollar su arte, aunque el quinteto que montó en Friendship (ACT, 2003) tira de espaldas, por no hablar del trío impagable que forma junto a Javier Colina y Marc Miralta.

El disco avanza con un homenaje al tenor Henderson, en forma de composición homónima. “Joe” contiene trazas hardbopianas y ritmo latino, con un Almazán desbocado con el deje de barroquismo cubano que sigue el rastro de la familia Valdés, sin llegar a lo volcánico. La composición viene de lejos, pero es la primera vez que Sambeat la fija en una grabación. Lo energético se hermana con lo sutil, y sirve para presentar las dotes de Rodrigo Recabarren, que también ha participado en proyectos junto a Javier Vercher, otro valenciano ilustre que en este disco firma además algunas de las fotografías de la carátula (la foto de portada corre a cargo de Maya Sambeat, todo queda en casa).

Aunque el disco rezuma atlanticidad por los cuatro costados, eso no impide que se transgreda la geografía que habita en él y se viaje al Pacífico Sur -homenaje para recordar la tierra mítica de la proceden los habitantes de la Isla de Pascua, como cuentan las crónicas legendarias que hablan de “Hiva”-. En compás ternario, la pieza introduce otro de los instrumentos que Sambeat maneja a la perfección: la flauta. Pocos, excepto Jorge Pardo, pueden seguirle los pasos a su disposición lírica. La composición sigue una estructura circular, dejando espacio para el progreso armónico y se incluyen en ella una percusión de palmas que ahonda en el aire flamenco que jamás abandona el disco. El pianismo de Almazán se torna obsesivo, y por momentos se acerca a un estado de trance por el que deambular a gustos para dejar aflorar esencias que vienen de muy adentro. Tal vez para preparar el camino a “Leviatán”, otro título mítico, en esta ocasión haciendo honores al monstruo marino bíblico del que sólo conocemos la versión masculina par evitar la procreación y así quedar libres del mal infinito que supondría su estirpe. Los ecos de Ornette Coleman son evidentes, así como la mirada Post-Bop, con Almazán guiñando un ojo a los Beatles (cita animosa de “With A Little Help From My Friends”) mientras se congracia con la disonancia free.

“Forlane” sirve de remanso baladístico para atacar la parte final del disco. En claro homenaje a Ravel y Le Tombeau de Couperin, la pieza muestra toda su elegancia y lirismo con unos ejecutantes dueños de su arte, congraciados con una conexión más allá de lo cómplice. Marco Mezquida ha hecho su propia lectura del universo del músico vasco-francés, pero se olvidó de esta hermosa composición. Ser clásico es eso, ser eterno, contar en cada momento algo nuevo desde un lugar que ya nos pertenece a todos. Ahí Ravel gana por goleada. Y Debussy no le va a la zaga, por poner otro ejemplo de creador afín a los tiempos actuales.

Con la idea de finura y tersura surge “Alisios”, un tema que rinde memoria a esos vientos de carácter delicado y amable, de fuerza mesurada, que soplan con regularidad de noreste a suroeste, y conservan una languidez regular que los hace necesarios para cualquier ruta –emocional o física- que se emprenda. Se trata de un medio tiempo en ritmo 12/8 que sirve de preámbulo a la gamberrada hardbopiana de “Rabbitt Dust”, energética y divertida, muy à la Lee Morgan. Arranca de súbito con un ataque a saxo solo que desemboca en un alarde rítmico muy jocoso y animado. La vena lúdica da paso a un último remanso melódico, donde Menares, tras las intervenciones de Sambeat y Almazán, ofrece su solo más melódico de todo el conjunto. 

Pero Atlantis no es únicamente una concatenación de piezas que pudieran servir de excusa para montar un disco en honor a su líder. Con llevar eso por bandera, lo que en verdad muestra este magnífico álbum es que todavía queda espacio para la esperanza cuando cuatro espíritus libres se conjugan para crear al unísono y ofrecer al mundo lo que son en este momento de sus vidas. Han pasado tres años desde que entraron en el estudio. Perico Sambeat acaba de cumplir sesenta años, y uno imagina que las cosas pueden cambiar mucho en tres años. En el caso de este cuarteto al que se le augura larga vida, esas cosas sólo pueden ir a mejor. ¡Salve!

Written by Enrique Turpin

Septiembre 12, 2022

Raynald Colom – A Million Dreams (Wax Industry / Whirlwind Recordings, 2022)

Raynald Colom – A Million Dreams (Wax Industry / Whirlwind Recordings, 2022)

Raynald Colom

A Million Dreams (Wax Industry / Whirlwind Recordings, 2022)

31

MAYO, 2022

Raynald Colom, trompeta- Tony Tixier, piano- Joe Sanders, contrabajo- Francesco Ciniglio, batería. Wax Industry / Whirlwind Recordings, 2022

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Agustina Arán

Grabado en el Teatro Fellini de Pontinia, una pequeña localidad italiana sita en la región del Lacio, el nuevo trabajo de Raynald Colom se estrena, vía Wax Industry / Whirlwind Recordings, con la llegada de la primavera. Acompañado en esta ocasión de Tony Tixier al piano, Joe Sanders al contrabajo y Francesco Ciniglio a la batería; A Million Dreams es un trabajo sobrio, elegante, con un sonido profundo y una ejecución impecable. La veteranía es un valor importante aquí; Raynald Colom lleva suficientes años inmerso en una senda propia en la que los rasgos diferenciales de su concepción de la música marcan una seña de identidad que en A Million Dreams ofrece lo mejor de la personalidad del francés de nacimiento y barcelonés de corazón.

 

 

Encontramos aquí trabajos de conceptualización que ofrecen múltiples niveles de lectura, en un ejercicio de juego y abstracción que suena brillante. En un arranque de disco que deja sin aliento con “Wholeness”, la inspiración de un amanecer en Barcelona se convierte en una composición expansiva y luminosa en la que el cuarteto vuela muy, muy alto. El mismo juego de abstracción rige la divertida “When Logan Meets Miró”, en forma de evocación de una conversación imaginaria entre Logan Richardson y Joan Miró. Uno de los pilares sobre los que se edifica la personalidad musical de Raynald Colom, el flamenco, aparece en A Million Dreams como homenaje a Paco de Lucia con “Zyriab/El Alcázar de Sevilla”.

Otro rasgo definitorio de A Million Dreams y de la ya larga trayectoria de Raynald Colom es la constante vista atrás en un ejercicio casi reverencial de revisión y actualización de la tradición del jazz: el título del disco, para dejar las cosas claras desde un principio, es un guiño a Duke Ellington (en una entrevista, a la pregunta de qué pasaba por su cabeza cuando tocaba, Ellington contestó un sucinto “un millón de sueños”). Colom hace suya esa bella imagen y resume el espíritu de su nuevo disco de forma igualmente elegante y concisa: “No estamos pensando en notas, estamos pensando en sueños”.

 

Esa querencia de Raynald Colom por la tradición y el clasicismo se manifiesta a lo largo de A Million Dreams con un despliegue de clase y buen gusto, en el que destaca la majestuosidad del estándar “The Peacocks”, de Jimmy Rowles; una preciosidad que Colom rememora haber escuchado por primera vez en la banda sonora de la mítica Round Midnight (Bertrand Tavernier, 1986) y que sobresale aquí como uno de los momentos más emocionantes del disco. La dupla Colom-Tixier profundiza en los aspectos más melancólicos y bellos de “The Peacocks” y explota la sensibilidad de una composición preciosa, en la línea de la versión que nos regaló Bill Evans en You must believe in spring (Warner Records, 1981). Igualmente elegantes son las revisiones de “Powder Keg”, de Wayne Shorter, o “Sketches Set Seven”, de Eduard Bland; y brilla por derecho propio “September In The Rain”, el estándar de Roy Hargrove elegido por Colom para cerrar A Million Dreams con la seguridad de haber firmado un trabajo excelente.

 

 

Written by Ricky Lavado

Mayo 31, 2022

Conversation #4: Vulcanized – Florian Arbenz, Maikel Vistel, François Moutin

Conversation #4: Vulcanized – Florian Arbenz, Maikel Vistel, François Moutin

Conversation #4: Vulcanized

Florian Arbenz, Maikel Vistel, François Moutin

23

MAYO, 2022

Florian Arbenz – Conversation #4: Vulcanized (Hammer Recordings, 2021)
Florian Arbenz (d), Maikel Vistel (s), Francois Moutin (b)

Texto: Ricky Lavado
Fotografías: Archivo Florian Arbenz

La premisa puede parecer loca, excesiva o incluso pretenciosa: grabar y publicar doce discos autoproducidos y autoeditados, cada uno de ellos con una formación distinta. Cada disco supone un reto surgido de la convivencia y la interacción entre músicos de todo tipo, provenientes de los más diversos rincones del planeta. Para llevar a cabo la hazaña, el batería suizo Florian Arbenz decidió convertir su estudio de Basilea en un centro creativo de música improvisada; un punto de encuentro en el que músicos de jazz de todo el mundo se reúnen para trabajar juntos y dar forma a “conversaciones” que Arbenz después publica y distribuye desde su propio sello. El resultado de la idea, surgida durante el confinamiento, es tan sorprendente como brillante. Para la primera entrega de la serie Conversation #1, Florian Arbenz contó con la colaboración del guitarrista brasileño Nelson Veras y el trompetista norteamericano Hermon Mehari; y para Conversation #2 la formación consistía en un duo entre Arbenz y el vibrafonista inglés Jim Hart (a los que se uniría el bajista suizo Heiri Känzig en Conversation #3.

Pandemia | Arbenz X Moutin X Vistel (Vulcanized)

En esta ocasión, Florian Arbenz se acompaña del bajista francés François Moutin y el saxofonista cubano Maikel Vistel para dar forma al, en mi opinión, volumen más rico e interesante de los cuatro que de momento forman esta ambiciosa colección de conversaciones musicales. Escuchar Conversations #4 supone una experiencia divertida y llena de sorpresas: Arbenz plantea una propuesta llena de matices y constantes buenas ideas que provocan que en ningún momento del disco decaigan la atención y el puro goce de escuchar a tres músicos entregados a un ejercicio de libertad creativa tan disfrutable como impecablemente ejecutado. Las revisiones en clave groove de Thelonious Monk (“Hackensack” y, especialmente, la irresistible “Bemsha Swing”) suenan explosivas y poseídas de una energía entusiasta y contagiosa con pulsión de baile que recuerda por momentos a la vertiente más jugona y funk de Medeski, Martin & Wood. Ese espíritu de juego se encuentra igualmente en la relectura de “Freedom Jazz Dance” de Eddie Harris (un tema que al parecer aparecerá en cada volumen de este proyecto), así como en el detallismo desplegado para versionar “Scarlett Woman” de Weather Report.

Bemsha Swing | Arbenz X Moutin X Vistel

Todo funciona a la perfección en cada una de estas relecturas; la solidez de François Moutin permite un anclaje a tierra gracias al cual los desarrollos de Vistel al saxofón y el despliegue de recursos y sonidos de Arbenz a la batería no suenan en ningún momento excesivamente abstractos ni innecesariamente virtuosos; Conversations #4 suena en todo momento a tres músicos respetándose mutuamente, escuchándose los unos a los otros y, sobre todo, divirtiéndose al tocar juntos. A pesar de la calidad de las versiones mencionadas, los momentos más interesantes del disco llegan con las composiciones propias, especialmente las enrevesadas estructuras melódicas y las métricas caprichosas de “Pandemia”; y “A Shooting Thrill”, una preciosa balada intimista y frágil que supone el momento más calmado del disco y uno de sus mayores aciertos.  Para despedir un trabajo más que notable, Arbenz y compañía nos sumergen en la belleza cinemática y sentimental que nos transporta a otra época de la indiscutible “Waltz for Debby” de Bill Evans. Visto el nivel alcanzado con las primeras cuatro entregas, no cabe esperar más que cosas buenas de los próximos volúmenes de esta maravillosa serie de grabaciones.

Written by  Ricky Lavado

May 23, 2021

Eme Eme Project – Pacemaker

Eme Eme Project – Pacemaker

Eme Eme Project

Pacemaker

16

MAYO, 2022

Marta Mansilla (flauta), David Sancho (piano, Fender Rhodes, sintetizadores), Jesús Caparrós (bajo eléctrico), Alberto Brenes (batería, percusión), Virginia Alves (voz), At One (voz), Pablo Martín Jones (electrónica). Colaboradores: Mauricio Gómez (saxo tenor y arreglos de viento en “Simon Mavin´s Pedal”), Miguel Gil (guitarra eléctrica en “Silver Head” y “Outro”). Composición y arreglos musicales: Marta Mansilla y David Sancho. (Youkali Music, 2022).

 

Texto: Ricky Lavado
Fotos: Valentín Suárez

Marta Mansilla tiene proyecto nuevo, y eso sólo puede significar cosas buenas. La flautista y compositora madrileña lleva ya unos cuantos años haciéndose un nombre propio como solista y acompañante de excepción en escenas tan diversas como las del jazz, el flamenco o el soul, y ahora nos presenta Pacemaker, el flamante disco debut de Eme Eme Project; una conjunción estelar de mentes creativas dedicadas a envolver las composiciones de Mansilla en una concepción del groove y la música negra que tiene más que ver con la época dorada del neosoul de finales de los noventa que con las diferentes configuraciones de lo que sea que entendamos por “música urbana” hoy en día. En Pacemaker hay ecos de Soulquarians y de ese momento maravilloso justo en el cambio de siglo en el que el hip hop de A Tribe Called Quest o The Roots se impregna de la revisión del soul y el funk capitaneada por Erykah Badu o D’Angelo y de la renovación constante de figuras del jazz como Roy Hargrove.

 

 

EME·EME·PROJECT » SIMON MAVIN LIVE»

Pacemaker suena luminoso, abierto, lleno de oxígeno. Sueña orgánico, añejo por momentos y a la vez contemporáneo a base de electrónica sutil, experimentación textural y quiebros rítmicos constantes y sorprendentes. Las composiciones de Mansilla transitan con naturalidad y frescura por diferentes terrenos en los que se conjugan jazz moderno, R&B, soul, hip hop y un cierto aire progresivo setentero; dando como resultado un caleidoscopio de texturas, sonoridades, diálogos instrumentales y grooves tan sugestivo como encantador; un resultado en el que es de justicia destacar la producción cálida, pulida y elegante a cargo de Pablo Martín Jones (compositor, productor y colaborador de nombres tan dispares como Moisés Sánchez, Rozalén, Jorge Drexler o Tanxugueiras).

EME•EME•PROJECT «CANDELA»

Pero no sólo las composiciones y la producción funcionan a la perfección en Pacemaker; en este disco todo el mundo toca MUY bien. Podría sonar innecesario destacar algo así, pero en los tiempos que corren no es baladí remarcarlo; el personal que rodea a Marta Mansilla funciona como un mecanismo de relojería en el que todo suma, dando como resultado una banda sólida, creativa y brillante. Brilla por derecho propio un David Sancho transmutado en Robert Glasper por momentos; brilla (como siempre) un Alberto Brenes expansivo en la batería; y brillan los bajos negroides de Jesús Caparrós. El trabajo vocal de Virginia Alves y At One es simplemente impecable, y ejerciendo de catalizador que unifica al resto de elementos está una Marta Mansilla capaz de transitar del clasicismo a la modernidad con inteligencia, buen gusto y solvencia instrumental de sobras. Resumiendo: este disco está muy bien hecho, y en mi humilde opinión no deberían ustedes dejarlo pasar, créanme que lo van a disfrutar si le prestan la atención debida.

Written by Ricky Lavado

Mayo 16, 2022

Sebastian Chames, Steve Nelson, Greg Tardy, Curtis Lundy, Willie Jones III Remininiscing the Uknown Masters

Sebastian Chames, Steve Nelson, Greg Tardy, Curtis Lundy, Willie Jones III Remininiscing the Uknown Masters

Reminiscing the Uknown Masters

Sebastian Chames, Steve Nelson, Greg Tardy, Curtis Lundy, Willie Jones III

06

MAYO, 2022

Remininiscing the Uknown Masters (Youkali Music, 2019). Sebastián Chames, piano/ Steve Nelson, vibráfono/ Greg Tardy, saxo tenor/ Curtis Lundy, contrabajo/ Willie Jones III, batería.

Texto: Marcos Maggi
Fotos de: Anna Yatskevich,
 Esther Cidoncha, y Diego Garcia

En este cuarto álbum (Youkali Music, 2019) como líder del pianista y compositor argentino Sebastián Chames, grabado en Nueva York, destacan el pulso de la batería de Willie Jones III, las improvisaciones que se confunden con melodías y las apariciones fulgurantes -también a modo de arreglos que parecen solos- del saxo, el vibráfono y las líneas del bajo.

La música parte de la casilla cómoda del blues y de a poco abandona la zona de confort, volviéndose compleja sin dejar de ser lírica; siendo moderna y a la vez tradicional. Notables contradicciones que van tejiendo texturas, en las que los diferentes instrumentos van tomando el testigo y se apropian de la voz principal, como el saxo en Missing File in Abuja o el vibráfono en Adrian the Tiger.

Asentada de esta propuesta inicial -un prólogo del disco- la fusión del conjunto se intensifica y deviene más compacta incluso en los tiempos lentos (Blues All the Time).

También están los homenajes: Laura y Every Time We Say Goodbye, dos momentos en los que quizá la identidad del trabajo queda suspendida, o salvada por los solos cuya ruptura se muestra más innovadora, ya que son contenidos a veces por melodías repetitivas, minimalistas, que los fraseos llevan al Hard Bop o al Free Jazz (ocurre en la versión de Laura, pero también en The Landing, en Hidden Light…).

Reminiscing the Unknown Masters es jazz de alto nivel fabricado por especialistas de una larga trayectoria. En las diez composiciones -cinco de Chames, una de Steve Nelson, una de Greg Tardy y otra de Curtis Lundy, más los dos standars arreglados- hay una conexión creativa y virtuosa, un diálogo compacto que, lejos de ser más de lo mismo, es puro deslumbramiento.

Written by Marcos Maggi

Mayo 06, 2022

Rembrandt Frerichs Trio  -A Wind Invisible Sweeps us Through the World-

Rembrandt Frerichs Trio -A Wind Invisible Sweeps us Through the World-

Rembrandt Frerichs Trio

-A Wind Invisible Sweeps us Through the World-

29

MARZO, 2022

Rembrandt Frerichs (p), Tony Overwater (b) y Vinsent Planjer (d)

Texto: Manuel Borraz

Rembrandt Frerichs Trio presenta su séptima producción A Wind Invisible Sweeps us Through the World (Un viento invisible nos arrastra por el mundo), grabado en febrero de 2021 en una iglesia de Amsterdam y producido por la discográfica Just Listen Records. El trío holandés, liderado por Rembrandt Frerichs, bien acompañado por Tony Overwater (contrabajo) y Vinsent Planjer (batería) se encuentra firmemente arraigado en la tradición jazzística, aunque cuenta con un enfoque musical curioso, innovador y misceláneo que incorpora y acoge otras culturas y lenguajes en sus trabajos, aprendiendo, descubriendo y reaccionando a otras épocas y raíces, desde música clásica a músicas de Oriente Medio.

 

 

A Wind invisible sweeps us throught the world

Después de quince años de experiencias compartidas, tocando juntos en todo tipo de agrupaciones y girando por el globo buscando inspiración en diversas regiones y épocas, Rembrandt Frerichs Trio ha consolidado un vocabulario del cual los tres integrantes beben, generando un imaginario colectivo y una mutua comprensión y complicidad para elaborar este álbum. 

Cabe destacar el título del proyecto, tomado de un poema del escritor persa del siglo XIII y místico sufí Rumi, que deja ver la atmósfera en la que se desarrolla la música aquí propuesta. El disco se conforma a través de composiciones originales, que nutren y desembocan en una música sensible, llena de imágenes que invitan a la ensoñación, generando espacios y un relato que pretende, según palabras del propio trío: «trascender barreras por medio de la imaginación de la música que comparten». El álbum se compone de bellas melodías desde un motivo musical de Bach, una canción popular china, un toque de folklore armenio… Partiendo de la base de que todas las músicas relatan historias, expresiones artísticas de mundos internos, diversas maneras de ver la realidad y expresiones culturales, todas ellas recogen la esencia del ser humano. Según Rembrandt trio: «este álbum pretende recoger la esencia a través de un sonido sensible y una puesta en escena que recree las melodías ´universales´ antiguas, que son afines a todos y cada uno de nosotros«.

Making of ‘ A Wind Invisible Sweeps us Through The World’ – Rembrandt Trio

Un aspecto interesante de la historia del grupo es la introducción de instrumentos históricos en su diálogo musical y su entramado compositivo, incluyendo libremente sonoridades que evocan diferentes épocas y culturas. Mundos lejanos y a la vez próximos a nuestra tradición.

La grabación del álbum recrea la sonoridad de un directo y genera en el oyente la sensación de estar sumergido en el espacio resonante de la iglesia desconsagrada donde se grabó, rodeado de órganos y cercano a un misticismo poético que pretende “ensachar los corazones y generar espacio en nuestra escucha”, según palabras del propio Rembrandt. Un ejemplo de esta inclusión de ampliación instrumental en el formato a trío sería el uso de órganos, fortepianos como el que en 2014 la Fundación Nacional Holandesa de Instrumentos Musicales construyó para el propio Rembrandt Frerichs, réplica de un Walter de 1790 (el piano de Mozart), violones (por parte de Tony Overwater) y Whisper Kits (de la mano de Vinsent Planjer) consolidando una colección de instrumentos históricos y de distintas culturas. 

A su vez, los temas que se incluyen en el álbum están inspirados en los poemas de Rumi y provienen y toman raíces de lugares como los bosques de Bohemia, paisajes centroeuropeos o melodías armenias escuchadas por Rembrandt en alguno de sus viajes. También hay una composición dedicada a su hija, que trata de captar la vitalidad y sensibilidad musical de la pequeña. El álbum cuenta además con temas adaptados de antiguas composiciones como el concierto para piano y orquestra de Rembrandt Frerichs, ahora arreglado para la formación de trío de jazz. 

La larga trayectoria y el gran recorrido del trío holandés les ha permitido actuar con grandes músicos como Paolo Fresu, Vincent Peirani, Norma Winstone, Verneri Pohjola, Sylvain Rifflet y nacionales como el saxofonista Perico Sambeat, tocando en los Países Bajos, en el Madrid Jazz Festival o en el Círculo de Bellas Artes, culminando con actuaciones fuera de su país de origen como el concierto doble con el trío de Chick Corea en el legendario club de jazz Ronnie Scott en Londres, así como el concierto inaugural del Taichung Jazz Festival en Taiwan para 25.000 entusiastas del jazz. Según la aclamada revista Jazz Magazine fueron “Uno de los puntos álgidos del North Sea Jazz Festival”. 

Recientemente, el trío se ha concentrado en colaboraciones con músicos iraníes, generando proyectos con músicos afamados de la tradición persa como Kayhan Kalhor, Hossein Alizadeh, Mohammad Motamedi… y en el futuro inmediato tienen prevista una gira presentando el álbum en diferentes localizaciones de Alemania (Bremen Musiktagen), Países Bajos (Bimhuis, Projazz Den Hagg), Francia (Jazz Sous Les Pommiers), España (Escaparate de Madrid o Café Berlín) y muchas otras localizaciones que se pueden encontrar en: rembrandtfrerichs.nl/concerts/.

Escrito por Manuel Borraz

Abril 29, 2022

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