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Santi De La Rubia Vinicius Gómes “Changes” Jorge Rossy and Doug Weiss Fresh Sound New Talent

Santi De La Rubia Vinicius Gómes “Changes” Jorge Rossy and Doug Weiss Fresh Sound New Talent

Santi De La Rubia y Vinícius Gomes “Changes”

Jorge Rossy and Doug Weiss
Fresh Sound New Talent

22

MARZO, 2022

Santi de la Rubia, Tenor & Soprano Sax/ Vinícius Gomes, Electric & Acustic Guitar/ Doug Weiss, Bass/ Jorge Rossy, Drums &Vibraphone. Changes (Fresh Sound New Talent)

Texto: Marcos Maggi

Santi de la Rubia y Vinícius Gomes son dos de los nombres seleccionados por la discográfica Fresh Sound para formar parte del catálogo de la línea New Talent del prestigioso sello. Changes, es el título del álbum nombrado en honor al concepto el cambio es lo único constante, frase familiar que Vinícius ha escuchado repetidas veces “entendí el significado de esta frase cuando emigré de Brasil a Europa. Durante ese viaje conocí a Santi y nuestros caminos se sincronizaron”.

 

 

CHANGES

El álbum, grabado en Basilea, nace de la afinidad estética y la conexión entre el saxofonista valenciano Santi de la Rubia y el guitarrista brasileño Vinícius Gomes. Trabajaron juntos para escribir composiciones originales acompañados por el veterano y mentor Jorge Rossy a la batería y al vibráfono, y Doug Weiss, contrabajista de Chicago relacionado con nombres como Al Foster, George Coleman, Lee Konitz, Chris Potter, Brian Blade, Peter Bernstein, y Eli Degibri entre otros.

“El cambio es lo único constante”. Este pensamiento, traído por Vinícius Gomes a las líneas del disco, se refleja en cada una de las composiciones. Changes es música con sinécdoque, troceada, que muestra la parte por el todo a través de matices y de intercambios sugiriendo, en cada bloque, un notable ensamblaje, y haciéndonos sospechar con certeza, desde el primer minuto, que en la obra los cambios le dan sentido a la permanencia. 

El recorrido se abre con The Crash, un tema en el que la melodía tiene aires de improvisación. Los cortes, las alternancias de ritmos y la fluidez compacta de los solos -algunos cortos, que podrían ser arreglos- prefiguran una textura de extrañeza por la que los instrumentos se mueven con una libertad virtuosa, pero también lírica. 

En Black Forest y en Friendship, más reposados, ocurre lo mismo, aunque durante el diálogo la base por momentos adopta el rol de solista (el contrabajo, o las variaciones de la batería cuando acompaña al solo de guitarra en Friendship).

 

Friendship – guitar solo (from «Changes» album with Santi De La Rubia Feat Jorge Rossy/Doug Weiss

Volviendo a la idea de los cambios, a medida que el disco avanza, cada parte de una canción parece otra “microcomposición” dentro de la mayor, que sería una suma de varias. 

 

Ese ejercicio de melodías cambiantes, de fusión en una misma línea melódica -como la introducción del contrabajo en Changes– se va enriqueciendo y hace que la libertad tenga su punto de inflexión en los solos.

Interlude, comandado por el soprano y el vibráfono, abre la puerta a una segunda extrañeza, refinada, que se mantiene en Third Waltz y en Poema de Invierno. Por momentos, las improvisaciones nítidas son espejos o extensiones que completan la figura, la propuesta del solista anterior y proponen un molde para el siguiente. 

 

Otra vez la idea de las partes como un montaje móvil, pero que va dotando de forma a la totalidad.

Coming Back e Indigo Dreams cierran un trabajo de nueve composiciones propias. Como en las anteriores, las melodías se ensamblan con las improvisaciones y develan un nuevo aspecto en ese hilo conductor que son los cambios: la metamorfosis de los instrumentos. Por ejemplo, el acompañamiento pianístico de las cuerdas en Coming Back o el solo del soprano en Indigo Dreams, emulando un fraseo de guitarra. 

 

En este recorrido laberíntico y versátil que propone Changes, todo se transforma, muta, renace. Por eso el disco, cuando empieza de nuevo, nunca es el mismo que hemos escuchado. 

 

 

 

 

 

Written by Marcos Maggi

Marzo 22, 2022

Devin Gray – Rataplan Records

Devin Gray – Rataplan Records

Devin Gray

Rataplan Records

15

MARZO, 2022

Devin Gray, Rataplan Records.

 

Texto: Ricky Lavado
Fotos; Archivo (Devin Gray)

Originario de Maine, afincado en Nueva York y sin haber cumplido todavía los cuarenta, Devin Gray ha ido convirtiéndose en los últimos años en catalizador indispensable dentro de la vertiente más innovadora de la escena jazz neoyorquina. Batería inventivo y compositor intrépido donde los haya, Gray ha logrado dejar su impronta en el circuito experimental del jazz vanguardista actual como escudero de excepción de figuras como Tony Malaby, Nate Wooley, Isabelle Olivier, Huw V Williams, Dave Liebman, Marc Jufer, Ingrid Jensen o Uri Caine, entre muchos, muchos otros.

 

 

Melt All the Guns (feat. Ralph Alessi & Angelica Sanchez)

Siguiendo la senda de nombres imprescindibles de la no muy numerosa pero siempre interesante tradición de baterías solistas y compositores en el jazz (para no remontarnos a demasiadas décadas atrás, pongamos como precedentes históricos inmediatos a titanes como Joey Baron, Terri Lyne Carrington o Ari Hoenig, por ejemplo), podríamos situar a Devin Gray dentro de una nueva generación de creadores que, armados con baquetas, mazas y escobillas, están dinamitando los límites formales del instrumento para hacer evolucionar al jazz contemporáneo hacia terrenos hasta ahora inexplorados; una generación apasionante de baterías jóvenes y dotados de un talento sobrenatural tanto en la ejecución como en la composición en la que destacan, cada uno desde su universo particular, Moses Boyd, Makaya McCraven, Richard Spaven o Mark Guiliana. Desde una perspectiva mucho más underground y experimental que este póker de genios, Devin Gray brilla dentro de este gran momento de redefinición del papel de la batería y las percusiones en el jazz de vanguardia por su enfoque expansivo de la batería; colorista, dinámico, plagado de texturas, colores y ambientes. Se conjuga en Gray un equilibrio perfecto y siempre refrescante entre groove, musicalidad y una constante sensación de luminosidad que lanza sus composiciones en mil direcciones diferentes, en continuos juegos entre estructuras y atmósferas. 

 

Con pulso relajado y dotado a su vez de un impulso inconformista y aventurero, Devin Gray hace uso de una concepción espacial de la música para ir labrando un universo propio en el que la composición melódica va de la mano de la improvisación libre.

 

 Hay virtuosismo en la música de Gray; hay un control técnico fuera de lo común y conocimientos académicos de sobra respecto a composición y armonía; pero por encima de todo hay una voz propia y una búsqueda constante de la emoción más allá de lo puramente cerebral.

Cada proyecto en el que Devin Gray se sumerge es, ante todo, una celebración de la creación colectiva, ya sea junto a Chris Speed, Chris Tordini y Kris Davis para dar forma a RelativE ResonancE, o en innumerables formulaciones de vanguardismo caleidoscópico como Meta cache, Fashionable Pop Music, Birkholz Trio, Corpulent, The Jolly Boat Pirates o Cloud Sounds, entre muchas otras. Siendo coherente con ese carácter inquieto, creativo e hiperactivo que le caracteriza, en 2018 Devin Gray decidió crear Rataplan Records; un sello discográfico manejado desde la más estricta independencia que muestra las mil y una caras de un creador único y en contínua evolución. 

 

Rataplan Records supone un espacio de libertad creativa absoluta mediante el cual Gray da rienda suelta a su incesante producción discográfica, un espacio en el que conviven el alegato pacifista, abstracto y luminoso de Melt all the guns (junto a Ralph Alessi y Angelica Sánchez);  los paisajes brumosos y cinemáticos de Socialytics (con Dave Ballou y Ryan Ferreira); las aristas laberínticas de Algorhythmica (con Maria Grand, Carmen Rothwell y Mara Rosenbloom); o los celebrados dos volúmenes de Dirigo Rataplan, el cuarteto inclasificable en el que Gray se acompaña de Ellery Eskelin, Michael Formanek y Dave Ballou.

 

Con poco más de una decena de discos publicados, el catálogo de Rataplan Records ya se ha convertido en una referencia obligada en el terreno de la música improvisada, experimental y libre, ocupando un lugar de honor en la escena del jazz más vanguardista; desde el underground de Nueva York hacia el planeta entero.

Written by Ricky Lavado

Marzo 15, 2022

Tete Montoliu Trio Barcelona – Barcelona Meeting / Groovin´ High In Barcelona

Tete Montoliu Trio Barcelona – Barcelona Meeting / Groovin´ High In Barcelona

Tete Montoliu Trio

Barcelona Meeting / Groovin´ High In Barcelona

24

FEBRERO, 2022

Barcelona Meeting (Fresh Sound Records, 2019). Tete Montoliu Trio. Tete Montoliu, piano/Reggie Johnson, contrabajo/Alvin Queen, batería. 

Groovin’ High In Barcelona (Fresh Sound Records, 2021). Jerome Richardson and the Tete Montoliu Trio. Jerome Richardson, saxos alto y soprano/Tete Montoliu, piano/Reggie Johnson, contrabajo/Alvin Queen, batería. 

Marcos Maggi

Al destino le gusta el jazz, lo azaroso. Esa improvisación a la que nos somete, a veces nos trae ofrendas eternas, como estas dos grabaciones archivadas desde hace más de 30 años. La historia, resumida, es la siguiente: en mayo de 1988 el trío de Tete Montoliu toca en el mítico Cova del Drac Club, Barcelona, junto con el saxofonista Jerome Richardson. El 22 de ese mes, Fresh Sound Records les propone grabar una sesión en Estudi Gema, ya desaparecido. Cuando terminan los registros en cuarteto y Richardson se va, el trío graba las pistas que dan origen al segundo álbum.

Have You Met Miss Jones?

En Barcelona Meeting la química explosiva está compuesta por un virtuosismo del buen gusto, nunca repetido, y por un diálogo que es fusión constante (no hay monólogos, todo es dialéctica). El piano, el contrabajo y la batería parecen un mismo instrumento; una máquina extraña y poderosa de la que surgen las tesituras compenetradas, lo que también hace imaginar a un solo músico con seis manos tocando los tres instrumentos a la vez, o ese artefacto que los contiene, porque el cerebro del trío, sin duda, es uno. 

La improvisación, rebelde, cae donde no la esperamos, y las variaciones del contrabajo y de la batería acentúan ese tamiz que propone Montoliu, un pianista que improvisa con las estructuras, no solo con las melodías. Tete Montoliu va más allá: dobla los tiempos en los temas lentos, toca frases de blues en una balada y suelta cascadas de notas en una sucesión reposada de acordes. Así, All The Things You Are, What’s New y I Cant’Get Started se reinventan como standars, y Jo Vull Que M’Acariciis, un tema propio, despunta siendo bossa y termina vestida de puro blues.  Una síntesis de todo esto es la versión de Óleo. Para entendernos: el esquema melodía-improvisación-vuelta a la melodía, aquí existe pero muy deformado, porque la improvisación jamás se abandona. Tete lleva las melodías muy lejos, propone otras, como hacen las reinas del scat, y esa propuesta es siempre descubrimiento, reescritura automática de la música.

All the Things You Are

En Groovin’ High In Barcelona Montoliu es un actor secundario. Siempre lo buscamos detrás de Richardson, saxofonista híbrido entre el bebop y la tradición anterior -con genes musicales de Benny Carter y de Charlie Parker-, que por momentos suena rupturista -en la línea del otro disco- y por otros, lírico y capitán previsible de la música. Comparaciones aparte, el disco es notable, aunque lo sería más si no existiera el ya comentado, quizá porque empieza como si fuera una prolongación de aquel, con una introducción descomunal de Tete en A Child Is Born. Lo dicho sobre Barcelona Meeting está aquí, pero más de telón de fondo, adulterado por el sonido ancho de Richardson (hay pasajes -quizá debido al empaste de los armónicos entre el piano y el saxo- que simulan una big band) y porque las melodías, a cargo del saxo, se ciñen más a la partitura. El disco en trío adoctrinó al oído y ahora se ha vuelto exigente con el cuarteto. Sin embargo, destaquemos otra diferencia, positiva: el fuego de los tiempos rápidos (Groovin’High, A Night In Tunisia) que dentro de ese esquema tradicional desmontado en las pistas sin Richardson, incluyen improvisaciones que podrían haber contagiado a las correctas melodías. 

Dos rescates maravillosos de Fresh Sounds Records, grabados y mezclados de manera impecable, con una nitidez que nos hace sentir cerca -en el tiempo y en nuestro salón- de ese genio que es Tete Montoliu. 

Barcelona Meeting y Groovin’ High In Barcelona estaban en nuestro destino. 

De nuevo con ustedes, como le gustaba presentarlo a Dexter Gordon, “El gran señor de Cataluña”. Bienvenido.

Written by Marcos Maggi

Febrero 24, 2022

Tony Malaby´s Sabino – The Cave Of Winds. Ben Monder, Michael Formanek, Tom Rainey, Tony Malaby

Tony Malaby´s Sabino – The Cave Of Winds. Ben Monder, Michael Formanek, Tom Rainey, Tony Malaby

Tony Malaby´s Sabino: The Cave Of Winds

Ben Monder, Michael Formanek, Tom Rainey, Tony Malaby

17

FEBRERO, 2022

Tony Malaby´s Sabino: Ben Monder, guitar/Michael Formanek, double bass/Tom Rainey, drums/Tony Malaby, tenor and soprano saxophones. The Cave Of Winds (Pyroclastic Records, 2022)

Texto: Ricky Lavado

Libros, películas y discos “de pandemia”. La etiqueta puede resultar maximalista en exceso, o vaga incluso, pero desgraciadamente el espíritu de los tiempos nos deja poco espacio para el análisis o la reflexión sin pasar por el odioso filtro del Covid y sus numerosas mutaciones. Pandemia y confinamiento han pasado a ser elementos clave en el cómo y el porqué de la atmósfera cultural, social y creativa de esta extraña era; ¿un nuevo zeitgeist para definir los no tan felices años veinte del siglo XXI? El tiempo dirá si vivimos un bache puntual o si realmente estamos viviendo un cambio profundo en el mundo, pero de momento lo que podemos afirmar es que (como es lógico) el arte producido en la coyuntura actual recoge de mil formas diferentes la influencia del entorno casi distópico que nos está tocando vivir.

Ben Monder, Tony Malaby, Tom Rainey – Bar Bayeux

El veterano saxofonista y compositor Tony Malaby encontró su propia manera de lidiar con la situación: acostumbrado a alojar sesiones de improvisación en su casa como base de sus procesos creativos, Malaby decidió trasladar el escenario de estas jams a un rincón tan sorprendente como inquietante también: bajo un paso elevado de una autopista de New Jersey. Acompañado de un nutrido grupo de cómplices en el terreno de la improvisación libre y la experimentación más amplia, Malaby grabó cinco volúmenes de esas sesiones nacidas entre ecos de motores, humo, cemento e incertidumbre vital (se pueden escuchar en Bandcamp). Pasado el confinamiento y cuando las restricciones permitieron su vuelta a los estudios de grabación, Malaby desempolvó Sabino, la formación con la que debutó en el año 2000 (Tom Rainey a la batería, Michael Formanek al bajo y Ben Monder sustituyendo a Marc Ducret, guitarrista original) para dar forma a siete piezas surgidas de esa experiencia experimental. El resultado llega de la mano del más que interesante sello Pyroclastic Records y su título (The Cave Of Winds) nos hace viajar a ese no-lugar envuelto en el tráfico de New Jersey.

Tony Malaby’s Under the Turnpike Trio

No resulta fácil definir este disco. Malaby y su banda se muestran en todo momento conectados por algún tipo de telepatía extraña que provoca que cada pieza se desarrolle por caminos inesperados que beben del free jazz, la improvisación, el minimalismo contemplativo, las texturas de jazz clásico de herencia bebop, la densidad industrial y las atmósferas oscuras. Por momentos, como en los once minutos de “Recrudescence” o en la excursión épica de más de dieciocho minutos de la pieza que da título al disco, la interacción entre Malaby, Rainey y Monder toma forma de exploración libre y atmosférica con regusto cinemático y texturas misteriosas y envolventes. En otros momentos, como en la brillante “Scratch The Horse” (con una distorsión enraizada en el metal y la música industrial) o la corrosiva “Insect Ward”, la incomodidad, la tensión y la experimentación ruidista toman el mando. No faltan relecturas, prácticamente irreconocibles, de estándares tradicionales de jazz (“Just Me, Just Me” es una adaptación libre del “Just You, Just Me”, popularizado por Nat King Cole y Thelonious Monk entre otros; mientras que “Corinthian Leather” parte de “Woody ‘n You” de Dizzy Gillespie), y en ningún momento del disco baja el nivel de brillantez, misterio y pura libertad explosiva. Cada composición de The Cave Of Winds muestra una nueva vía expresiva en la que Malaby y los suyos crecen y crecen en un proceso de metamorfosis continua que resulta tan exigente como reconfortante. No es este un disco fácil, pero vale la pena sumergirse en él. Nuevos caminos creativos en estos tiempos raros que vivimos.
Written by Ricky Lavado

Febrero 17, 2022

Monodrama -Mndrmooaa- David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

Monodrama -Mndrmooaa- David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

Monodrama: Mndrmooaa

David Sancho, Mauricio Gómez, Alberto Brenes

09

FEBRERO, 2022

Monodrama-Mndrmooaa (Everlasting, 2022). Alberto Brenes, batería, percusión y diseño sonoro / David Sancho, piano, Rhodes, sintetizadores/ Mauricio Gómez, saxo tenor y teclados.

Texto: Ricky Lavado

Lo más prudente a la hora de recomendar un disco que te ha gustado mucho, sobre todo uno recién publicado, suele ser moderar el tono e intentar esquivar la tendencia a la hipérbole, pero en este caso me resulta imposible, así que lo dejaré claro desde un principio: Mndrmooaa me parece una auténtica maravilla de disco. El nuevo trabajo de los madrileños Monodrama es uno de los mejores y más completos discos que se han publicado en este país en los últimos años, y no tengo pruebas, pero tampoco dudas de que nos encontramos ante un trabajo al que, con los años, volveremos una y otra vez como ejemplo de música importante, seria, profunda y desgraciadamente necesaria en los tiempos vacuos que vivimos.

Monodrama – Levitation

MONODRAMA: Sencillamente hacemos música que nos hace vibrar, aunque en la era de los contenidos, sin contenido evidentemente, propuestas musicales como la nuestra están asociadas indivisiblemente a cierto espíritu, cierta búsqueda, y puede que finalmente haya un posicionamiento aunque este sea algo involuntario.

In&Out JAZZ: La música de Monodrama exige atención, está formada por suficientes capas y niveles de lectura como para requerir de un ejercicio de calma y concentración. Es música que no permite una audición pasiva: te interpela como oyente, plantea interrogantes y te lleva a lugares inesperados tanto en lo anímico como en lo intelectual. 

En esta era de los contenidos sin contenido y de consumo rápido y vacío, hacer la música que hace Monodrama puede parecer un posicionamiento ético, un acto de protesta casi.

Absolutamente. Pero no solo de la música, de cualquier disciplina artística, y en cualquier ámbito o faceta de nuestras vidas. Es algo que verdaderamente necesitamos. Cada vez estamos más cerca de olvidar lo que es realmente importante en esta era del híper-entretenimiento, que ha provocado que hasta verdaderos creadores se vean a sí mismos como creadores de contenido. Hay que poner de manifiesto lo que es relevante y necesario para que no perdamos el pensamiento crítico, lo que está en juego no es el interés que suscita tu música o si te van a dar un bolo. Estamos demasiado anestesiados, pensar que todo lo positivo que hemos conseguido no va a perderse es demasiado inocente.

Alberto Brenes (batería, percusiones y diseño sonoro), David Sancho (piano, Rodhes y sintetizadores) y Mauricio Gómez (saxo tenor y teclados) dan forma a Monodrama; un interrogante con espíritu disidente y mirada futurista que, partiendo de parámetros formales más o menos adheridos al cajón de sastre del jazz contemporáneo, hace tiempo que escapa de definiciones específicas. Monodrama suenan a Monodrama, y esta obviedad no resulta aquí un lugar común para esquivar el bulto: realmente el equilibrio comunicativo y el nivel de brillantez creativa que los madrileños han alcanzado pasados los años los sitúa en una liga en la que juegan solos. 

Desde luego, todos los aciertos o hitos son consecuencia de la dedicación y de observar desde la posición de no saber exactamente cómo funciona el mecanismo. Son ya 10 años juntos, aprendemos despacio, pero con firmeza.

«H O B O» (MNDRMOOAA)

» F L E X I O N E S » (MNDRMOOAA)

A lo largo de Mndrmooaa hay calma glacial, elegancia, serenidad, ambientaciones oníricas y neblinas acogedoras. Hay composiciones que crecen lentamente y se desarrollan de forma expansiva y libre, y también hay espirales obsesivas conducidas por la densidad, la tensión y la oscuridad. Hay jazz orgánico y hay electrónica misteriosa y cerebral. Hay ritmos fracturados, texturas de sintetizador y saxos cortantes como cuchillas de afeitar. Hay riesgo, inconformismo y ese intangible extraño que separa los buenos discos de las obras realmente relevantes. 

La composición empieza con las ideas de Mauricio. A la hora de escribir melodías y armonía o pensar una estructura formal, intenta que sea premeditado. En ese proceso va desechando ideas y escogiendo otras lo cual siempre te pone en el lado de la balanza de la inspiración y el instinto. Tu gusto personal te define. Lo premeditado y lo instintivo cohabitan, son inseparables. Lo mismo sucede en el proceso de composición colectiva de la banda. Hay ideas claras, líneas de investigación acotadas y otras ideas que surgen simplemente tocando e improvisando. Es difícil definir cómo se da el proceso cuando una parte importante del trabajo de composición reside en el trabajo colectivo, en horas y horas de conversaciones y experimentación.

El pulso ternario, lento y arrastrado de Saramande (una de las piezas más inquietantes, complejas y poliédricas del disco);  el crescendo dramático plagado de distorsiones, ritmos rotos y asonancias de Inner Dance; la densidad industrial y los ambientes pesadillescos de There Will Be Blood; las texturas indietrónicas llenas de luz y melodías planeadoras de Golden Age Of The Eye; la elegancia con mentalidad de beatmaker de The Hunt; los pianos dramáticos y emocionantes de Pahoehoe…Muchos son los momentos a destacar dentro de una obra en la que Monodrama suena más seguro y menos autocomplaciente que nunca. Siguiendo unas directrices ya presentes en sus anteriores (y también excelentes) trabajos, en esta ocasión el nivel creativo y la compenetración de la banda da un salto exponencial, ofreciendo una hora larga de música esquiva y fascinante con la que los madrileños subliman su particular equilibrio entre jazz de nuevo cuño, electrónica heredera de Warp Records, un leve poso de post rock ambiental y un tratamiento del sonido y la experimentación textural sin referentes previos en la escena nacional.

El interés por el diseño sonoro nace desde la frustración por no poder aportar a la música elementos que ayuden a crear cierta dimensión. La atracción constante hacia la sonoridad, la importancia del carácter y la intención, elementos como la textura y la frecuencia como herramientas al servicio para la creación de un clima, cada vez han ido cobrando más relevancia frente al tridente hegemónico ritmo-armonía-melodía. Todos aportamos mucho. En términos de producción pensamos en la idea de aplicar una pátina que potencie lo que ya es sólido por sí mismo. En nuestro caso, es inherente al desarrollo fruto de la curiosidad, las cosas se van dando desde un proceso más primario, es un juego.

Como ocurre siempre con Monodrama, su nuevo disco nos pilla descolocados. Hay llamas de aspecto irreal en la portada. Hay noche y lobos expectantes. Hay pulso narrativo, filtro de celuloide noir y una constante textura cinematográfica que nos hace pensar en la banda sonora de un relato que no captamos del todo, pero sabemos que está ahí.

Entendemos que nuestra música pueda provocar esa conexión con las imágenes, aunque quizás sea más obvia esa relación cuando de música instrumental se trata. Mucha gente nos lo comenta, también nos comentan lo bien que quedarían unas imágenes proyectadas en nuestros conciertos, y aun pareciéndonos algo que podría ser interesante y no lo descartamos, nos sigue llamando la atención esta manera casi automática de relacionar música instrumental evocadora con imágenes como si de un ejercicio obligatorio de gimnasia rítmica se tratase. La verdad es que el disco esconde una historia, pero solo se la he contado a mi perra al oído, y así va a permanecer, no queremos joder la vuestra propia.

¿Por qué fuego y lobos?

El fuego fue el elemento sobre el que empezamos a orbitar a la hora de dar título a algunos de los temas. Todo surgió a partir de la propuesta de que en la portada apareciera una casa en llamas (también se propusieron otras cosas ardiendo…). Es posible que esta metáfora de la casa ardiendo, que puede expresar principio o final, ya esté muy manida, pero nos pareció muy oportuno. Que cada uno saque sus propias conclusiones. La idea de los lobos nace a partir de la primera frase de un tema, que se llama Malfire, de la banda sueca Refused, The Wolves are at The Door, que da título a uno de nuestros temas. Para mí, son una alegoría y nos podrían representar a cualquiera de nosotros en un sistema que provoca desigualdad, precariedad y miseria, convirtiéndonos en seres menos empáticos que se ven abocados a pensar solo en su propia supervivencia.

Written by Ricky Lavado

Febrero 09, 2022

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri KÄnzig. Conversation #2:Oracle. Conversation #3:Neologism.

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri KÄnzig. Conversation #2:Oracle. Conversation #3:Neologism.

Florian Arbenz / Jim Hart / Heiri Känzig

Conversation #2:Oracle
Conversation #3:Neologism

13

ENERO, 2022

Conversation #2:Oracle con Florian Arbenz, batería y percusión/ Jim Hart, vibráfono, marimba Conversation #3:Neologism con Florian Arbenz, batería y percusión/ Jim Hart, vibráfono, marimba/ Heiri KÄnzig, contrabajo

Texto: Manuel Borraz

Florian Arbenz continúa al pie del cañón con el decálogo autoproducido que inició el pasado mes de marzo de 2020. En esta segunda y tercera entrega de Conversation, el baterista suizo Florian Arbenz se reúne en esta ocasión con Jim Hart para crear Conversation #2: Oracle, sumando a este dúo a Hairi Känzig para desarrollar Conversation #3: Neologism, grabado en Basilea, Suiza.

Epistrophy · Florian Arbenz & Jim Hart & Heiri Känzig

La cuarentena al inicio de pandemia generó muchos cambios, pero desde luego no el afán de seguir creando y compartiendo música por parte de un músico de la talla de Florian Arbenz, que cuenta en su recorrido con conciertos junto al gran Greg Osby, David Liebman, Bennie Maupin, Kurt Lazy…  

Florian Arbenz dispone de un maravilloso estudio y una discográfica, Hammerrecording, situada en Hammerstrasse, Basel, con la que produce y genera CDs, vinilos, así como diferentes formatos digitales, rodeado de un gran equipo técnico. Es en Hammerstrasse donde surge la idea de invitar a una extensa plantilla de músicos y crear esta ambiciosa colección llamada: Conversation

Tanto para Conversation #2: Oracle como para Conversation #3: Neologism, el proceso de grabación de ambos álbumes fue construido en un único día de experimentación gracias al previo conocimiento musical de los participantes y su buena conexión, desembocando en una grabación donde se potenció el uso de la improvisación, el arte de lo inesperado y una escucha muy presente. 

Florian Arbenz es un baterista de jazz atípico y creativo, en su set y arsenal instrumental mezcla los sonidos de la percusión clásica con un set tradicional jazzístico y una curiosa aproximación. Además, cuenta con diferentes objetos, instrumentos y juguetes que utiliza de manera complementaria durante los álbumes y conciertos, así como elementos de instrumentos percusivos, gongs, etc. Florian Arbenz nos cuenta su buena relación con un amigo constructor de instrumentos con quien trabaja personalizando instrumentos y creando nuevas posibilidades.

Conversation #2: Oracle, es un álbum que cabalga entre diferentes estadios, tradicionales y contemporáneos, entremezclando todo un entramado de recursos en una propuesta libre que permite la expresión de sus participantes para que desarrollen sus ideas de manera honesta y creativa. Oracle se trata de un álbum a dúo, una conversación de a dos, un diálogo de grandes interlocutores entre Florian Arbenz y Jim Hart. Ambos se conocen desde hace más de quince años cuando tocaban en el trio VEIN. Su conexión y entendimiento tiene un largo recorrido y esto se puede apreciar en Conversation #2: Oracle. Este álbum tiene una concepción interesante, el diálogo por parte de Florian Arbenz se centra en el entramado rítmico, dejando a Jim Hart con una gran libertad y una mayor responsabilidad al sostener el despliegue armónico y melódico, a su vez, la apertura formal de los temas crea una sensación de imprevisibilidad favoreciendo la intercomunicación y el desarrollo creando una tensión muy favorable que se desenvuelve a través de una idea o melodía corta y finalizando de manera acordada en el tema inicial.

Como ejemplo, en Wooden Lines u Homage, hay una clara tendencia groove, estableciendo un caminar dinámico, en el que reaccionan rítmica y gestualmente el uno al otro. La sensación de desconocimiento ante lo que viene mantiene en vilo tanto al músico como al oyente.

Florian Arbenz & Jim Hart

Arbenz X Hart | Wooden Lines Single (Conversation #2))

El recorrido de Florian Arbenz es largo y sorpresivo, con un vasto arsenal de conocimientos que se trazan desde sus estudios en música clásica, tocando el vibráfono y la marimba, y participando en labores orquestales hasta músicas modernas y por supuesto el jazz. A su vez Jim Hart es también baterista, por lo que el conocimiento del funcionamiento del instrumento de su compañero le facilita la reactividad y la fluidez en Oracle. Por esta razón la interactuación se siente libre y natural. Los temas son totalmente improvisados, son composiciones.

Esta apertura estructural y harmónica tuvo que acotarse en favor de la funcionalidad en Conversation #3: Neologism, en la que la formación a trio y la apertura al diálogo de un nuevo instrumento, en este caso el contrabajo de Hairi Känzig, produjo una reorganización y adecuación de los temas.

Florian Arbenz conoció a Hairi Känzig hace cinco años. EL contrabajista cambia por completo el sonido del grupo por su presencia y alta energía, “Hairi Känzig es un bajista que te hace dar el máximo, tienes que estar ahí tocando, concentrado a gran intensidad” nos dice Florian Arbenz. 

En Neologism, la formación jazzística es más tradicional, así como la instrumentación y la personalidad de Hairi Känzig al bajo, marca la diferencia en esta tercera edición. La interacción y conversación entre tres interlocutores amplifica la complejidad, escucha y desarrollo estableciendo un nuevo escenario. Estos dos álbumes sucedieron a dos días de distancia uno del otro en noviembre de 2020. 

Cabe destacar, durante todo este decálogo, que Conversation cuenta tanto con un tema de Thelonious Monk, “son temas que todavía a día de hoy suenan modernos y que funcionan muy bien para ciertas secciones rítmicas y arte contemporáneo” apunta Florian; como el tema Freedom Jazz Dance produciendo una versión nueva en cada uno de los álbumes, siendo este tema el eje central de los diferentes álbumes de Conversation

Actualmente, Florian Arbenz cuenta con nueve de los doce álbumes grabados, a pesar de que solo están publicados tres de ellos. Esperamos escuchar el resto pronto. En los álbumes ya publicados encontramos a grandes artistas como Kurt Lazy, Maikel Vistel, Hermon Mehari, Nelson Veras, etc. Esperamos impacientes al resto de propuestas que Florian Arbenz tiene para ofrecernos en el futuro. Conversation ya ha salido a los escenarios y cuenta con ofertas en Suiza y otras localizaciones. Esperamos verlo pronto en España.

Written by  Manuel Borraz

Enero 13, 2021

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