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Román Filiú & Cuarteto Assai, JazzMadrid21

Román Filiú & Cuarteto Assai, JazzMadrid21

Román Filiú & Cuarteto Assai
JazzMadrid21

FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE MADRID

29

NOVIEMBRE, 2021

Román Filiú, saxos/ Reynaldo Maceo, primer violín/ Gladys Silot, segundo violín/ José Martínez, viola/ Stamen Nikolov, violonchelo

Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Pepe Ainsua

 

Con una instrumentación no habitual (cuarteto de cuerdas y saxo), un foco en la tradición afrocubana y un sonido de jazz contemporáneo, el reconocido saxofonista cubano Román Filiú O´Reilly presentó Suite Oriental junto al Cuarteto Assai en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque

 

 

Pensar en un concepto para escribir una suite tiene la dificultad implícita de localizar el balance adecuado para que el resultado sea una pieza final coherente y con sentido de unidad. La intención del autor fue escribir una suite para un cuarteto de jazz aplicado a cuerdas. El concepto no es reforzar la sección rítmica, sino hacer que la sección de cuerdas funcione como un instrumento más.

El proyecto supone un desafío, mayor todavía si existe la libertad creativa para escribirlo. El criterio elegido por el autor fue el de componer música original acerca de Santiago de Cuba. Román Filiú, centrado en el ámbito de la improvisación, con una trayectoria ubicada en la vanguardia, ha conducido la esencia de los géneros musicales santiagueros (como el son y el bolero) de raíces africanas y españolas, hacia un lenguaje contemporáneo; ahora bien, la dificultad radica en establecer los elementos unificadores, entre las pequeñas piezas e interludios que hacen de denominador común y proporcionan una estructura compacta a la suite.

Suite Oriental, así se llama el proyecto de doce piezas originales escritas para saxofón y para el cuarteto de cuerdas de música de cámara español Assai, fundado en 1995.

Además de lograr un sonido elegante con arriesgados arreglos musicales y una gran amplitud de sonoridades y texturas, Román Filiú y el cuarteto Assai mantienen de manera orgánica la esencia de los géneros que representan la música en Santiago de Cuba, si bien, ampliada magistralmente con elementos de jazz contemporáneos de la escena de Nueva York (con referencias de músicos, como Henry Threadgill o Steve Coleman), con los que Filiú ha trabajado.

El repertorio, inspirado en influencias afrocubanas desde un enfoque no tradicional, es variado. Géneros que tienen un lenguaje común, con los que Reynaldo Maceo (primer violín) y Román Filiú se sienten identificados. Escuchamos música de son, montuno cubano, música clásica, balada, tumba francesa tocada con flauta y expresión coral, músicas bailables de las orquestas con las que Filiú tocó en Cuba además del arreglo del bolero La Gloria Eres Tú del autor cubano José Antonio Méndez. Todo ello extrapolado a un lenguaje de jazz contemporáneo.

“Este proyecto forma parte de lo que yo soy, no quería tocar con una sección rítmica, quería probar algo diferente. Ha sido una experiencia muy enriquecedora”, comenta Román Filiú. 

Se aprecia un predominio de los dos violines, el primer violín a cargo del prestigioso Reynaldo Maceo, formado en el Conservatorio de Moscú y director del cuarteto, con el que Román Filiú ha crecido y compartido gran parte de su vida. Destaca también la violinista Gladys Silot. El cuarteto está formado, además, por José Martínez a la viola y Stamen Nikolov, al violonchelo.

 Hace tiempo que compuse una pieza para un cuarteto de cuerdas y es ahora cuando he visto el momento de escribir el proyecto con la oportunidad de tocar con una formación de esta magnitud”, cuenta Filiú.

El resultado es una pieza de música contemporánea de compases asimétricos, magistralmente interpretada por el cuarteto Assai, y el fraseo impecable de Filiú, recreando un ambiente que oscila entre lo onírico y lo rítmico orquestal.

El proyecto será posiblemente grabado en 2022 con el sello de Filiú, Suona Records (recién formado, junto a Jacobo Rivero y Antonio Trillo), que debuta con la publicación del disco, Inkalimeva, a dúo con Román Filiú e Iván Melón Lewis.

Escrito por Begoña Villalobos

29 de noviembre de 2021

Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz -We Need The Earth- Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho.

Manuel Borraz
-We Need The Earth-

Juanma Barroso, Maikel Vistel, Toño Miguel, Carmen Lancho

21

SEPTIEMBRE, 2021

SManuel Borraz, piano/ Juanma Barroso, batería/ Maikel Vistel, saxo tenor/ Carmen Lancho, voz/ Toño Miguel, Contrabajo (Youkali Music, 2021)

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Manuel Borraz

El pianista madrileño Manuel Borraz acaba de publicar con Youkali Music, se trata del primer álbum a su nombre, We Need the Earth. Es un disco de jazz a quinteto con un elenco de músicos que hacen foco en el jazz de raíz, tradicional y contemporáneo. Históricos como Juanma Barroso a la batería, Maikel Vistel al saxo tenor y Toño Miguel al contrabajo. Cerrando el quinteto, la voz de Carmen Lancho, como un quinto instrumento que proporciona un color más al álbum.

Manuel Borraz Monasterio Project – Night Gravity Intuition

We Need the Earth es un disco escrito de formación instrumental jazzística con estructuras formales más desarrolladas y explicadas. Partes que evolucionan compositivamente y se transforman en contrapuntos diferentes. Como Manuel Borraz viene de la música clásica, su lenguaje tiene el punto extra de creatividad formal, a la par que un gusto por la improvisación que aporta una sensación jazzística al disco. We Need the Earth no es un álbum de jazz contemporáneo al uso, las melodías son sencillas conectadas con el jazz tradicional, pero con una forma y estructura armónica compleja y una búsqueda de recursos creativos en los ritmos irregulares que se alejan del swing tradicional.

El álbum, de doce composiciones, propone un universo sonoro propio, sin influencias definidas. Es un homenaje a la tierra con temas personales dedicados al cuidado de la tierra.

Manuel Borraz, pianista y compositor, está en un momento vital de fuerza experimental. Después de cursar sus estudios en Basilea, incluido un Master en Libre Improvisación, regresa a Madrid impregnado de la tendencia creativa de una de las capitales culturales y musicales de Europa.  

Manuel Borraz Monasterio Project – Here Comes The Ride

Manuel Borraz Monasterio Project – We Need The Earth [Teaser]

El impactante comienzo del álbum Get Out Of Your Way despierta interés y enorme expectación. Su inmersión en técnicas extendidas y utilización del interior del piano, a través de diversos objetos y sonoridades conectan con los instrumentos de percusión a cargo del catalán Jordi Pallarés Conversación y conexión entre estos dos músicos que coincidieron en Basilea cuando cursaban sus estudios de jazz. El repertorio del disco a dúo (una de las formaciones favoritas del pianista), es de libre improvisación, sin reglas musicales preestablecidas ni música escrita. Cambios rítmicos, desarrollos conectados, misterio, tensión, movimiento, buenas resoluciones, un completo placer de escucha, que capta toda la atención.

Manuel Borraz es un investigador de sonidos y estéticas diferentes, tiene en la cabeza novedosos proyectos y ya está grabando otros tres discos (uno de ellos con teclado y sintetizador) a dúo con tres baterías distintos, Eric Valle, Daniel Saenz y Nico Mendoza, y otro de libre improvisación grabado el pasado mayo en Atenas, junto a Dimos Vryzas (violin and FX). A su vez, pertenece al colectivo Is it always like this? Con quienes sacarán un álbum el próximo año titulado Live in Mürbacherstrasse 48.

Escrito por Begoña Villalobos

21 de Septiembre de 2021

Diego Piñera -Odd Wisdom-

Diego Piñera -Odd Wisdom-

Diego Piñera -Odd Wisdom- 
Donny Mc Caslin /
Ben Monder /
Scott Colley

10

SEPTIEMBRE, 2021

Diego Piñera, drums / Donny McCaslin, sax
Ben Monder, guitar / Scott Colley, bass
(ACT Records, 2021)

Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Diego Piñera

Jazz contemporáneo para el nuevo álbum del baterista y compositor uruguayo.

Diego Piñera es uno de esos músicos inquietos que apuesta por la experimentación con formas libres y texturas alejadas del sonido convencional de la batería. El foco en las métricas irregulares y los ritmos de múltiples capas muestran la línea de su sonido. 

Después de pasar por La Habana, Boston, Nueva York y Leipzig, desde 2003 se establece en Berlín. Dado al carácter históricamente interdisciplinario de la ciudad, el Avant-Garde europeo influenciado por la música clásica contemporánea tiene un importante arraigo en Berlín.

Diego Piñera, «Blue Monk» (T.Monk/arrang.D.Piñera)

Odd Wisdom, es un disco inspirado en Berlín y grabado en Nueva York. En el disco encontramos elementos de raíz latina, de concepto americano de jazz vanguardia experimental y la exploración en elaborados sonidos percutivos que Diego Piñera ha trabajado en la última década en Berlín.  Es la séptima grabación a su nombre y la segunda para el sello alemán ACT Records, después de su debut para la discográfica con Despertando (ACT Records, 2018). 

Con un lenguaje expresionista, Diego Piñera traza estructuras armónicas complejas e innovadoras polirritmias compositivas con elementos que no estaban en los discos anteriores. Uno de los aspectos novedosos es la utilización de partes electrónicas, como escuchamos en Robotic Night, un tema de líneas rápidas y precisas de momentos free que recogen el espíritu de la metrópoli de Nueva York y Berlín. 

El origen latinoamericano de Diego Piñera y su estancia en La Habana de la mano del percusionista cubano, José Luis Quintana (Changuito), le ha dejado un poso de ritmos latinos e influencias africanas, como se aprecia en Clave Tune, el primer tema del álbum, de polirritmos percutivos desafiantes que se van superponiendo. 

El cuarteto del álbum está compuesto por figuras situadas en la primera línea del jazz internacional. Donny McCaslin al saxofón (músico clave en el último disco de David Bowie, Blackstar), sostiene una precisión rítmica sin límites y es una figura central en el concepto de Odd Wisdom. Muchas de las composiciones están pensadas para él.

Conversation With Myself es un tema de mayor libertad, en el que baterista explora una gran amplitud de sonidos de percusión contemporánea dentro de un concepto de jazz vanguardia.

Diego Piñera, «Odd Wisdom» Album Teaser

Diego Piñera, «Clave Tune»

Diego Piñera, «Robotic Night» from «Odd Wisdom»

Ben Monder a la guitarra, de conceptos armónicos innovadores, es casi insustituible en su sonido y en su forma de improvisar a base de interposiciones, casi imposibles, de voces y acordes. 

“Ben es honesto en sus improvisaciones. A partir de él hubo cambios en las armonías a la guitarra. Toca arpegios locos casi inalcanzables”. Diego Piñera. 

Easter in Puglia es uno de los temas a trío de una apasionante conversación entre guitarra y batería. En De Madrugada se aprecia un equilibrado balance entre un ritmo complejo (en 13/8) a la batería y una melodía ingenua. Cierra el álbum, Blue Monk (en 11/4), tema de Thelonious Monk con arreglos de Piñera.

Scott Colley es uno de los bajistas de vanguardia más importantes en la actualidad, que proporcionó una base esencial de soporte rítmico al cuarteto. Su precisión en las métricas regulares y su habilidad tocando walking tradicional facilitaron a Diego Piñera la libertad que necesitaba.  

Scott es un monstruo del bajo, un músico de clase mundial. Siento que puedo hacer cualquier cosa y no se va a mover. Tiene un peso con mucha solidez y tradición, pero a la vez es moderno. Me dio ese soporte, que fue esencial”. Diego Piñera

El anterior disco, a trio, de su etapa en New York fue My Picture (Octason Records, 2016) junto a Mark Turner y Ben Street, con el que recibió en 2017 el premio ECHO Jazz como Mejor Instrumentista Nacional y primer premio en el Concurso Internacional de Composición (Jazz and Blues Awards Berlín, 2005), y (Leipziger Jazzpreis, 2011) entre otros.

“El álbum My Picture con Mark Turner y Ben Street fue una sesión mágica. Suena muy fresco, tiene la energía de las primeras tomas. Grabamos los diez temas en un día con un ensayo corto (sin quererlo ayudo al disco). Pasó magia, el último tema es una primera toma de un estándar porque queríamos seguir tocando”. Diego Piñera.

Haciendo una retrospectiva por la discografía del líder, encontramos un historial de discos notables, muchos de ellos multipremiados. Hasta este momento, Odd Wisdom es la nueva entrega de Diego Piñera Quartet.

Escrito por Begoña Villalobos

10 de Septiembre de 2021

Luis Nacht Quartet

Luis Nacht Quartet

Luis Nacht Quartet

04

JUNIO, 2021

Luis Nacht, tenor sax /Sergio Wagner, trumpet /Fermin Merlo, drums /Demian Cabaud, bass.  Canto de Montañas (Fresh Soun Records, 2021)

Texto:
Begoña Villalobos

Fotos:
Jesús Cornejo

Mariana Fossatti

A lo largo de la historia del jazz hay una tendencia en torno a reducir las limitaciones estructurales y aumentar el desarrollo de la improvisación. En un momento concreto, ocurrió una ruptura con varios elementos pertenecientes a la tradición del jazz como respuesta a un contexto social que supuso una revolución estilística hacia una tendencia de mayor libertad. El jazz evolucionó en dirección a un lenguaje más libre y atonal.

Luis Nacht, saxofonista y compositor de nacionalidad argentina, es uno de los ejemplos de este lenguaje, que después de una decena de álbumes a su nombre publica a cuarteto Canto de Montañas (2021) editado por Fresh Sound Records acompañado por el trompetista Sergio WagnerFermín Merlo a la batería y Demian Cabaud al contrabajo.  

Nataniel Edelman & Luis Nacht – Canto de montañas [Single]

Canto de Montañas es uno de esos discos que fluyó espontáneamente de una manera mágica. En el encuentro que tuvimos, cuenta Luis Nacht que estando de gira en Europa, recién llegados a Oporto (Portugal) decidieron grabar (a puerta cerrada) una sesión conjunta en el club Porta-Jazz. La grabación, de limitados recursos técnicos, resultó ser un despliegue de fluidas ideas improvisadas, grabadas en una sola toma. Estas sesiones son irrepetibles si no son grabadas, ya que el hilo conductor es la improvisación entendida como composición en tiempo real. Por esto, el Free Jazz es uno de los lenguajes más vivos y orgánicos que pueden existir, y este álbum es un ejemplo de ello.

“El álbum se grabó de manera natural como cuando tocamos. Todo tiene el mismo sentido de espontaneidad y de no planificación. Estos ingredientes se dieron en la música y en la edición del disco con Jordi Pujol (Fresh Sound Records)”, cuenta Luis Nacht. 

Haciendo una retrospectiva, la propuesta de Luis Nacht, desde su primer álbum como líder, Nacht Music (BAU Records 2001), ha sido innovadora conviviendo la melodía con la abstracción. Este disco, con formato sin instrumento armónico, abre un camino hacia otro lugar, sobre todo hacia un concepto de grupo más vivo y abierto a la libre improvisación.

Seis de las siete pistas, de una media de ocho minutos son composiciones de Luis Nacht. Comienza el álbum con la pista titulada A Malaby A, homenaje al saxofonista tenor estadounidense de Free Jazz Tony Malaby, la segunda pista Canto de Montañas da título al álbum. Más tarde se publicó otra versión a dúo de A Malaby A y Canto de Montañas con Nataniel Edelman, al piano, con la particularidad de que Luis Nacht toca el saxo soprano y la flauta en este single. El tercer tema, Luigi, es una composición de Sergio Wagner. Dos de las pistas incluidas en el álbum fueron construidas al cien por cien en ese momento a modo de improvisación libre (Pista 5 y 7, Madre Pereza y Vidurria, respectivamente).

BAU: Luis Nacht Quartet | El barrendero (From the CD: EN LAS NUBES)

Luis Nacht en Thelonius (2008)

Ricardo Piglia y Luis Nacht / Lecturas

Las líneas asimétricas y llenas de matices alejadas de lo previsible trazan la línea conceptual de las composiciones de Luis Nacht. Una forma compositiva no convencional de flexibilidad rítmica y libertad armónica no sujeta a una estructura planificada que responde a una búsqueda de libertad y espontaneidad en la improvisación colectiva. 

Desde finales de los años sesenta, John Coltrane, Charles Mingus entre otros se separan de las ideas tradicionales y se centran en la sonoridad. La crítica es uno de los obstáculos que hay que sortear cuando aparecen nuevas ideas que rompen con lo establecido. Iconos del jazz hoy en día no fueron aceptados en un primer momento. Esta ruptura adquiere forma en 1960 con la publicación del disco Free Jazz: A Collective Improvisation de Ornette Coleman, grabado a doble cuarteto. Históricos referentes del Free jazz que utilizan estos conceptos son influencias para Luis Nacht, como Eric Dolphy, Don Cherry, Cecil Taylor, Charlie Haden, Paul Motian, Art Ensemble of Chicago (principios conceptuales de la AACM), Anthony Braxton, etc.

“… Planteo un germen de idea melódica, una aproximación de lo que puede ser, que se completa con los aportes compositivos improvisados de los músicos que van construyéndolo en tiempo real. Es una forma de componer particular, no estructurada, que permite la quietud y la elasticidad. Cada uno va tomando decisiones individuales, entonces, la misma composición tiene líneas de compases que se alargan o se acortan dependiendo de lo que va sucediendo en cada momento y se termina de armar la pieza”, comenta Luis Nacht

La música de Luis Nacht con raíces en el folklore argentino evoluciona todavía más hacia la libertad que supone tocar sin un preconcepto y sin una estructura armónica organizada. Con la idea de texturas generadas en el momento de la interacción, el foco se centra en la sonoridad; por ello la música de Luis Nacht suena viva.

Escrito por Begoña Villalobos

04 de Junio de 2021

Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett
& The Big Machine.
Jupiter Conjunct

11

MAYO, 2021

Aaron Burnett, saxo tenor/ Adam O’Farrill, trompeta/ Joel Ross, vibráfono/ Carlos Homs, piano y teclado/ Nick Jozwiak, bajo/ Kush Abadey, batería/ Esperanza Spalding, voz (3, 9). Fresh Sound New Talent Records.

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Aaron Burnett

Jazz de vanguardia para otro de los títulos incluidos recientemente en el catálogo de Fresh Sound New Talent Records. Jupiter Conjunct es el título del álbum de nueve temas originales inspirados en el planeta más brillante, Júpiter, escritos por el saxo tenor y compositor Aaron Burnett acompañado por su banda: The Big Machine, es el nombre alegórico del proyecto creado por Aaron Burnett en 2008, que simboliza la unión sonora que existe entre ellos. Jupiter Conjunct, es la continuación del álbum debut de Aaron Burnett, Anomaly, publicado también por Fresh Sound en 2018, que incluye el increíble tema titulado Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine – at The Stone, NYC – July 5 2016

Jupiter Conjunct es un viaje interestelar de libertad e intensidad sonora de música improvisada, en la que Aaron Burnett traza complejas e innovadoras líneas compositivas, expresadas en un lenguaje Avant- jazz contemporáneo, buscando la conexión del Todo a través del sonido. Influenciado por la tradición del jazz, el álbum contiene elementos de la música electrónica, con matices EDM (Electronic Dance Music) concepto que desde 2012 se hizo fuerte en Estados Unidos. La propuesta de Aaron Burnett, de largos y angulosos desarrollos temáticos cuidadosamente elaborados, es arriesgada pero de resultado notable en coherencia y calidad. 

Abre el disco Color Durations, composición de inicio turbador y multiplicidad textural que proyecta la música hacia un espacio sonoro sin límites. Sigue, The Veil, en la que Adam O´Farril y Aaron Burnett inician el tema a una voz con una melodía cargada de tensión que se diluye con la brillantez de Joel Ross  al vibráfono y el espléndido solo de A. Burnett.

 Dos versiones de la pieza Ganymede en colaboración con la multipremiada bajista Esperanza Spalding  que elabora una improvisación vocal palpitante a la par del fraseo colorista de Joel Ross en un diálogo de trompeta y tenor, para acabar en un despliegue de fuerza de toda la banda.

Corey Wilcox & Aaron Burnett – Texture Improvisation – Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine (2nd set) – at Erv’s, Brooklyn – Aug 3 2017

Callisto es el tema dedicado a Wayne Shorter, protagonizado por la nitidez de Nick Jozwiak al bajo en conexión con la suave y reposada línea melódica de Adam O´Farril. Sigue la pieza titulada IO, impulsada por la energía de los tambores de kush Abadey y el fraseo ágil de Joel Ross.

Ace of Swords es la composición más ligera con un elegante solo al teclado del neoyorquino Carlos Homs. Ether es la pieza, que abre Carlos Homs al Fender Rhodes, de sonido más electrónico. Europa es el interludio de menos de dos minutos inspirado en la música electrónica con un rápido fraseo de Aaron Burnett al saxo.

En Jupiter Conjunct Aaron Burnett & The Big Machine se produce una conjunción muy especial de estrellas que llenan el espacio de ilimitadas capas sonoras. La interpretación del líder, Aaron Burnett, es eléctrica de una potencia y energía desafiantes en todo momento.

Escrito por Begoña Villalobos

11 de Mayo de 2021

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