Sarah Ardite: En el SFJAZZ Center te presentaron recientemente como “one of the most creative working artists in the world”. Pudimos ver que en Motherland Journey hay creación no solo musical, también hay artes plásticas y proyecciones envolventes. ¿En qué consistió esta propuesta?

Omar Sosa: Para mi el SFJAZZ Center es el templo del jazz en el mundo, donde se experimenta y se avanza en este tipo de arte, que es lo que me interesa. El concepto de la música de este proyecto en concreto es un poco de mi historia, que es un poco de todo: contiene trap, hip-hop y avant-garde jazz a lo Ornette Coleman. Es un híbrido, donde tratamos de romper con los esquemas de melodía conocidos. Y también contiene marimba tradicional afro-esmeraldeña de Ecuador, que es parte de mi trayectoria. Este trabajo es una travesía por África desde nuestra perspectiva. En el escenario, mientras Amaury y yo vamos creando la música, Githinji construye el continente africano con lo que va sacando de una maleta. Es una metáfora de lo fundamental. En Occidente tenemos demasiado de todo y al final nada de lo fundamental simplemente porque estamos con una venda en los ojos, en el corazón y en el cerebro. Falta despertar. Para eso sirve el arte y la música. La rat-race y la comodidad nos tienen atrapados. Esto hay que cambiarlo de raíz, pero nuestra inteligencia y amor propio llegan hasta un límite, y seguimos pensando en cada momento solo en nuestras zonas de confort. Y como base el tan preciado y enfermo dinero. Esa es la pandemia universal. O el sueño eterno, llámalo como quieras.

“Jazz is freedom, you think about that” 

 Thelonious Monk

SA: Como parte de tu labor pedagógica es habitual verte impartiendo masterclasses en el Berklee Performance Centre, y también participas como miembro jurado, entre otros, en el ZKB Jazzpreis de Zürich. Una de tus últimas aventuras en este campo ha sido la vivida en el Taller de Músics, donde empezaste dando clase y acabasteis creando una ensemble de jazz con los alumnos, girando por Europa y colgando el cartel de sold-out en los conciertos. Los estudiantes todavía hoy hablan de lo positiva que fue la experiencia para su crecimiento. Se les ilumina el rostro al recordarlo. Estás pasando el testigo del jazz a las nuevas generaciones. ¿Cómo ha sido compartir ese viaje desde el lugar del maestro?

OS: Este proyecto ha hecho que me sienta más útil de lo que yo pensé que podía ser para la música. Hemos aprendido mutuamente; el conocimiento está repartido, lo que pasa aquí es que me ha tocado ser el que tiene más años, eso es todo. Hemos hecho música para compartir y disfrutar. Que los alumnos vean que sí se puede, ese era mi objetivo. Que se puede hacer música, la que quieren, la que aman. Han vivido la reacción de la gente ante su música. Desde el primer día de la gira en Madrid hasta el último concierto en Évora (Portugal), así lo sintieron. El mundo lo necesita. Necesitamos ver que los que no están en el pop, que están en otras corrientes, me refiero a los músicos que componen y tocan instrumentos, también pueden. Han de creer en ello, han de creer que es posible. El jazz es una manera de transmitir eso que quieren decir. También se puede para los músicos que no eligen el camino de la música de fácil escucha, ese es mi mensaje. Ten en cuenta que lo que se oye actualmente en los mass media suena más o menos igual en todo el planeta. El jazz, sin embargo, como filosofía de creación es libertad. Esa idea la aprendí del genial Thelonious Monk, y yo la suscribo. El jazz habla de la condición humana, por eso es tan importante y necesario. Lo que quizás a veces me desequilibra un poco del jazz actual es que se siguen usando los mismos códigos de conducta y sonoros a la hora de tocar. Es como si todos hablásemos con las mismas palabras. 

En mi opinión, muchos de los pianistas y músicos jóvenes que escucho, pero también músicos de jazz de cualquier instrumento, muchas veces suenan como clones de los que han sido los maestros en este campo. Hay que seguir explorando, arriesgar, jugar, investigar y estudiar para poder innovar. El jazz se ha convertido en una música elitista porque se ha dejado de ver su esencia de música popular y de acercarla a los jóvenes.

Sobre todo esto ya dejó mucho dicho Amiri Baraka1 en 1960, en su obra Jazz and the White Critic, (la cual empieza con un clarividente “most jazz critics have been white Americans, but most important jazz musicians have not been” N.d.l.A). Recordemos que lo último que hizo Miles fue tocar con raperos, para ver como reaccionaba la juventud. Los jamaicanos pioneros del hip-hop en el Bronx de Nueva York de los 70 escuchaban jazz, era una de sus escuelas. Sin conocimiento musical no hay jazz. Sin embargo, los sistemas educativos actuales entendidos como normales, no tienen en cuenta la música en la formación intelectual ni espiritual de las personas. Eso es un error, y el resultado lo estamos viendo. De hecho lo que creo que ocurre es que Occidente carece de proyecto espiritual desde hace ya bastante tiempo. Personalmente, creo que la música tendría mucho que aportar en ese campo.

A regímenes globalitarios, músicas globalitarias

SA: Los algoritmos de las plataformas de música no son neutros ni accidentales. Esa es la razón por la cual nunca nos sugieren música hecha en Turquía, en Malasia, en Zimbabwe, o en Bolivia. A menos de que suene parecido al trap-reguetón-rosaliastyle del momento. De esta forma, las epistemologías en forma de música de los otros, quedan fuera de nuestros oídos. Siendo los otros el ochenta por ciento del planeta. Además, las plataformas de streaming no están disponibles en muchos lugares del sur global, incluyo África, donde sin tarjeta bancaria a la que poder vincular una cuenta, no hay subscripción posible. Sabemos que vender música como datos es un modelo de negocio en el que los que menos ganan son los músicos. Por último, en esto que Z.Bauman llamaba la trampa de las redes (o la cacofonía y exhibición de egos superpuestos), lo que importa no es escuchar, ni ser escuchado. ¿Qué piensas tú sobre estas cuestiones?

OS: El poder de Occidente en la música mundial es tal que no logramos desprendernos de las sonoridades impuestas durante siglos por Europa y EUA (epicentro de la industria musical anglosajona), y ahora también por la onda pop-latina comercial de turno. Es por eso que los ritmos africanos muchas veces son imposibles para algunas tradiciones occidentales que no saben de polirrítmia o de síncopa. El mainstream tiende a homogeneizar, suena todo parecido porque hay que estar en y con lo que se vende. Es uno de los efectos de la globalización en la música. Y los algoritmos trabajan en esa misma dirección. Además, las plataformas como Spotify, Tidal, Apple Music o Youtube, pagan entre 4,5 eur y 12 eur por cada 1.000 escuchas. Lo cual me incomoda bastante. ¿Sabes quiénes son los músicos que tocan cada instrumento de los que oyes? ¿Quién produce el trabajo? ¿Quién hace los arreglos o el diseño de la portada del disco? La música no se hace sola. La música sin esos detalles no sería posible. ¿Por qué no se especifica toda esa información en esas plataformas? Los promotores ahora descubren artistas según los likes que tengan en redes. Hay muchos músicos geniales que no quieren ser esclavos de estar arriba de las social media cada día ni ser influencers de nadie, con lo que quiera que eso signifique. ¿Por qué no se valora la música en nuestra sociedad, a caso puede alguien vivir sin música?. Lo hemos podido comprobar durante la pandemia. Ese es el lugar en que ponemos al arte, a los músicos y a la música. Ahora con la inteligencia artificial, podemos prescindir de los músicos, no los necesitamos, componen las máquinas. Aunque el resultado sea música sin conciencia y sin alma porque los robots y las machine learning de eso todavía no tienen. Respecto a las redes qué puedo decirte, son el fast-everything: la creación de muchas cosas que se evaporan, obras de doce segundos hechas para levantar un WOW!. Desafortunadamente, el punto está en hacerse notar. Todo el mundo quiere reconocimiento al precio que sea. Estamos todos enfermos buscando como ser objeto de observación. Y el jazz no va de eso, ni la filosofía, ni tantas otras cosas importantes para el desarrollo humano. Sin embargo, las redes son la educación del momento. Se publican cosas oscuras y fuera de toda ética de respeto al ser humano y no pasa nada. Las redes posibilitan exponer y vender el producto o tu propia imagen que es de lo que va, pero no estoy convencido de si son una manera efectiva de crear o expandir conocimiento, ni de que tipo de conocimiento o criterio generan. Las redes cazan peces en el mar, y las redes sociales son la voz masiva a veces de la mentira donde todo el mundo es periodista y libre de escribir lo que le apetezca en época de post-verdad. Donde pocos son capaces de pensar fuera de los -ismos y anti-ismos tan en boca de todos desde hace ya demasiado tiempo. Necesitamos una espiritualidad sensible a la justicia social, que nos traiga esperanza superando la inmediatez y las divisiones de los bandos que se han formado, y eso lo puede aportar la música. El glutamato es lo que hace que todos consumamos la misma cosa porque sabe bien. Las redes sociales son eso: la masa. Estamos tan embelesados frente a las pantallas que muchas veces no somos capaces de apreciar la magia de lo único que tenemos, que es la vida. La única e irrepetible. Sigamos pues con nuestro amor al arte y a la música que eso cura y nunca divide, siempre une. Y ya se hará la luz en algún momento.

Nuevo disco: instrumentos de cuerda sin sulfitos añadidos

SA: A finales del pasado junio lanzabas en Le Bal Blomet de París el álbum An East African Journey. Es una travesía musical por ocho territorios africanos, donde continúas explorando el mapa genealógico de la música. Ese viaje a la cuna de la humanidad lo han venido haciendo muchos músicos de todos los estilos desde siempre, y en particular muchos de los padres y madres del jazz. Entre ellos Yusef Lateef, quien estuvo en Nigeria a principios de los ochenta como Senior Research Fellow para estudiar, escribir y enseñar en el Centre for Nigerian Cultural Studies, en Ife. Algo que le marcó profundamente de por vida. ¿Qué enseñanzas te trajiste tú de la que calificas como la tierra madre de todas las músicas?

OS: Diría que este disco es un pasaporte hacia el mundo que llevo dentro, que es África. De hecho siempre he pensado que Cuba es una provincia africana. Creo que lo más importante en el proceso de creación de este trabajo fue la escucha mutua, y el respeto por el otro y su trabajo. Buscamos siempre la consideración de la voz personal de cada elemento. En este álbum, lo que se consigue es que cada músico brille con luz propia. Encontramos músicos de instrumentos de cuerda en cada lugar al que fuimos, que es lo quería. Músicos especiales, que vienen de las músicas de raíz. África es más que percusión, este disco va de eso. Descubrimos instrumentos de cuerda melódicos que suenan bien chévere, y grabamos juntos. El viaje fue hace ya unos años, empezó en Antananarivo y acabó en Isla Mauricio. En Madagascar grabamos con Rajery, que toca la valiha y con Monja Mahafay, intérprete de marovany y de lokonga. Fue un sueño poder tocar con él. Dejó este mundo a principios de año, D. E. P. En Etiopía tocamos con Seleshe Damessae el tema más jazzero del álbum, él toca la lira krar. En Sudán compuso Dafaalla Elhag Ali. En Zambia colaboró Abel Ntalasha que también nos dejó el pasado año (tocaba el kalumbu), en Burundi Steven Sogo (umuduri) y en Kenya Olith Ratego (nyatiti). En isla Mauricio, Menwar grabó tocando el ravanne. Y no olvidemos a Steve Argüelles, que vuelve a ser coproductor de este trabajo, como ya lo fue en el disco Mulatos. En este viaje fuimos en busca de la esencia, la cultura, la comida tradicional, porque allí está la historia de todos los pueblos, y ella conecta directamente con la música. Siempre necesito una filosofía detrás de cada creación. No creo por y para puro entretenimiento, necesito que los sonidos representen o expliquen y transporten a un estado o realidad que está claro que cada uno lo traduce según la suya propia. Pienso que el punto de este trabajo está en haber logrado que todas esas voces digan lo que sienten y al mismo tiempo haya consenso, paz, equilibrio, y sobre todo, groove! Algo que los políticos no logran hacer. El resultado es una música orgánica y natural sin sulfitos añadidos, directmente de nuestros ancestros, eso es este disco. Es música que ríe y se mueve constantemente (como la de Cuba), eso que tanta falta nos hace. Lo cierto es que los músicos lo dieron todo. Nos dimos cuenta de que no había nada que añadir al trabajo cuando llegamos al estudio en París. La verdad es que esta música está más allá de mi conocimiento. En realidad esta música solo necesitaba respirar: el plato estaba listo, no le hacían falta muchos condimentos.

Sobre aprendizaje y referentes

OS: Soy practicamente un autodidacta. Empecé con Debussy y Bach, que por cierto fue el primer jazzista. Hice la escuela de música clásica en La Habana, de corte ruso, o sea solidez. Realmente le debo la poca técnica pianística que tengo a mi querida maestra Carmen Enciso, que en paz descanse, y a un tiempo de mi vida donde estudiaba muchas horas diariamente. Eso fue en los setenta, cuando estaba haciendo el servicio militar en el Conjunto Artístico de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Cuba. Con ellos estuve en Angola, en el Congo y en Etiopía, en la época en la que los cubanos luchamos en las guerras anticoloniales de África. Un periodo glorioso en lo que a creación musical con sabor cubano en el continente africano se refiere: es el sonido del alma del mundo, por eso siempre regreso a esas músicas, de Mali, del Kongo, de Angola… Un poco más tarde descubrí ya viviendo en Estados Unidos a Don Cherry, quien fuera el pionero de todo esto que alguien etiquetó como world music, un término que en realidad no dice ni significa nada. Sin duda fue el creador de lo que él llamó música multicultural. Su música y su filosofía me abrieron el camino hacia lo que hago, he hecho, y haré. Mi aprendizaje continuó con las enseñanzas de Sun Ra, The Last Poets, Gil Scott-Heron, y The Art Ensemble de Chicago. Y por su puesto con todos los padres y madres del jazz norteamericano en cualquiera de sus formas y momentos. Hay mucho que aprender en la música de McCoy Tyner, Ahmad Jamal o Nina Simone por poner solo algunos ejemplos. También llevo conmigo el rock de Frank Zappa y de Patti Smith a quien admiro. El trabajo de Weather Report, y especialmente el de Andrew Hill, Chick Corea,  Harbie Hancock y Keith Jarret, a quienes considero maestros y guías, ha sido fundamental para mí. Referentes tengo muchos: Joe Zawinul, pionero en el mundo de los teclados electrónicos, por ejemplo, y la luz de Lonnie Smith, quien nos acaba de dejar. En la órbita latina considero a Pancho Quinto un padre junto a los fundadores del jazz latino y del jazz afrocubano: los maestros Bebo Valdés, Arturo Sandoval y Gonzalo Rubalcaba, y por supuesto “Papá” Jesús-Chucho Valdés. Luego llegó el momento en que descubrí las músicas de raíz del mediterráneo, del mundo árabe, de Persia, de la India, de Japón…. Estamos hablando de tradiciones musicales milenarias. Esto de la música es un viaje sin fin y sin retorno, y una escuela contínua. Por supuesto voy a incluir a Hugh Massekela que siempre ha estado y estará en mi lista de referentes, junto con Miriam Makeba, y el resto de artistas africanos: Cheikha Rimitti, Abdhullá Ibrahim, Fela, el maliense Ali Farka Touré, Bonga, Salif Keita, Uhm Khul Thum, Franco Luambo… son tantos, y tan enormes. Humildemente, me considero alumno y huérfano de todos ellos. En esta playlist podemos escucharlos:

Colaborar(e)

SA: En tu trabajo le das mucha importancia a la pluralidad de voces y a la colaboración con otros artistas. Has grabado más de cuarenta discos y llevas tres décadas subido a escenarios de los cinco continentes, así que aquí he de abrir un paréntesis un tanto largo para poder introducir la última pregunta, que es la referente a las colaboraciones. Comentaba Ntone Edjabe en una reciente entrevista que ni Fela ni Miles (dos grandes solistas) tocaron nunca solos, y habla de la necesidad de colaborar en época de hiperindividualismo ”to stay human, to feel beautiful and to bigger things”. En tu caso la colaboración es el camino: has trabajado con músicos de referencia como David Murray, Manu Dibango y John Santos. El disco con Adam Rudolph (Pictures of Soul), es para recordarlo. Perteneces a la generación de músicos que ha hecho de París lo que es hoy París: una de las capitales musicales de las múltiples diásporas que proliferan en el mundo, algo que has hecho junto a otros talentos como Richard Bona, Ray Lema, Tony Allen o Natascha Atlas, con quien trabajaste en MySoul MySpirit. Eres parte del Cuarteto Afrocubano. Has tocado con Marialy Pacheco, y con la violinista Yilian Cañizares con quien grabaste no hace mucho el proyecto Aguas. En La Reunión trabajaste con Danyèl Waro, el maestro de kayamb, y en Guadalupe con Jacques Schwarz-Bart.  Has hecho música con tus admirados Miguel “Angá” Díaz y Jerry González, con el que leíste a Miles en clave afrocubana. También has trabajado con Christina Pato y con Jorge Pardo. Y en Sudáfrica te uniste a Indwe y a Asah. Colaboraciones memorables son las que tienes con los maestros Mino Cinelu, Jaques Morelembaum y Trilok Gurtu, reconocido como uno de los mejores percusionistas de nuestro tiempo. Has tocado con la bahiana Graça Onasile y con el maestro de gnawa Mahmoud Guinia. Montaste un trío innovador junto a Dhafer Youssef y Marc Gilmord, y una banda sorprendente llamada Habana-Detroit con Chris Collin. En Sainte-Máxime te uniste a Creole Spirit, y el resultado fue la unión del vodoo haitiano y la santería cubana. Has puesto a hablar música y enología, y música y gastronomía en un proyecto sobre aromas, sabores y música junto con Josep Roca y Recaredo. Trabajaste a fondo la electrónica con Vj Nahj en tu época en Londres, y siempre mencionas con mucho cariño a los fundadores del jazz latino con quien has grabado: Paquito de Rivera, Carlos “Patato” Valdés, Walfredo de los Reyes y Orestes Vilató. No es de extrañar lo que se oye decir de tí: te llaman el alquimista de la música. ¿Por qué le das tanta importancia al encuentro de identidades musicales diferentes? Cuéntanos para terminar qué proyectos tienes entre manos y con quien sueñas hacer música un día.