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Tarbaby feat. Oliver Lake Orrin Evans – Eric Revis – Nasheet Waits  Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023)

Tarbaby feat. Oliver Lake Orrin Evans – Eric Revis – Nasheet Waits Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023)

Tarbaby feat. Oliver Lake
Orrin Evans – Eric Revis – Nasheet Waits 
Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023)

16

NOVIEMBRE, 2023

Oliver Lake, alto saxophone I Orrin Evans, piano and vocals on “Blessed Ones” I Eric Revis, double bass I Nasheet Waits, drums I + Josh Lawrence, trumpet I Dana Murray, percussion on “Dance of the Devil Toys”. Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023).

Texto: Ricky Lavado
Foto:
Emra Islek

Primera entrega de Tarbaby en el catálogo de Clean Feed Records, y estreno de lujo gracias a un disco complejo, interesante, escurridizo y rebosante de talento, sensibilidad e imaginación. Tarbaby, el trío comandado por Orrin Evans al piano y completado por Eric Revis al contrabajo y Nasheet Waits a la batería, se unen en esta ocasión para dar forma al expansivo Dance of the Devil Toys al legendario saxofonista Oliver Lake (y legendario es una buena forma para referirse a Lake, que cumplidos los 81 años sigue demostrando estar en un estado de forma creativa e interpretativa envidiable), en un ejercicio de interacción y exploración al que se suman (de forma brillante) el trompetista Josh Lawrence y el percusionista Dana Murray. El resultado roza la excelencia. Casi cincuenta minutos de música libre, emocionante y extraña; abrupta y fracturada por momentos (todo el disco está impregnado de una actitud experimental avant-garde); y suave, refinada, sosegada y profunda en otros. Un recorrido fascinante resultante de la unión de un montón de músicos sobresalientes, que ofrece maravillosas sorpresas en cada recodo.

El propio Orrin Evans nos sorprende con su voz aterciopelada, sobre un elegante y nostálgico acompañamiento de contrabajo y escobillas, para abrir el disco con una emotiva y preciosa versión de “Blessed One The Eternal Truth”, de Trudy Pitts. Curiosa elección para dar comienzo a un viaje que seguidamente nos lleva a dos composiciones de Oliver Lake: “Bonu” es una misteriosa pieza ambiental rescatada del disco a dúo que Lake publicó con William Parker en 2015 (To Roy), mientras que “Bumper” es un derroche de elegancia swing añeja en la que Oliver Lake y Orrin Evans dialogan mediante fraseos de regusto clásico y ejecución perfecta, que poco a poco se van expandiendo en asonancias y quiebros rítmicos que enrarecen el ambiente y resultan tan divertidos como sorprendentes. 

“Dance of the evil toys”, la pieza que da título al disco (compuesta por Eric Revis), ya fue incluida en el disco de Branford Marsalis The Secret Between The Shadow And The Soul, y su desenfreno avant con aires no muy alejados de la cartoon music resulta un soplo de aire fresco y diversión antes de los experimentos ambientales de las brillantes “KE-KELLI”, “House of Leaves” (¿Quizás un guiño a la monumental y pesadillesca novela de Mark Z. Danielewski? Ciertamente, los ambientes asfixiantes de este tema podrían cuadrar con los estados de ánimo febriles en los que esa novela le sumerge a uno), o el ejercicio noir de la hipnótica y ruda “Paix”. La calma y la suavidad vuelven después del infierno de asonancias en el que se convierte “Paix” con la preciosista “Purple”; una de las piezas sobresalientes del disco, en la que Josh Lawrence brilla de manera especial. Las interacciones entre la trompeta de Lawrence y el saxo de Oliver Lake se desarrollan de forma orgánica y armoniosa a lo largo de “Purple” mientras Nasheet Waits y Eric Revis ofrecen un colchón de acompañamiento que derrocha clase y buen gusto. Los juegos avant-garde de “Round Robin” preceden a un final de disco tan inesperado como extrañamente efectivo: una desacomplejada versión de “Sometimes It Snows In April”, de Prince, que se convierte en el broche perfecto para un trabajo redondo.

Written by Ricky Lavado

Noviembre 16, 2023

LIBA VILLAVECCHIA TRIO Milano Jazz Club

LIBA VILLAVECCHIA TRIO Milano Jazz Club

LIBA VILLAVECCHIA TRIO
Milano Jazz Club

26

OCTUBRE, 2023

Liba Villavecchia (saxo alto), Àlex Reviriego (contrabajo), Vasco Trilla (batería)

Milano Jazz Club, 10 de septiembre de 2023.

 

Texto: Enrique Turpín

Fotos: Oscar García

Un niño pide a su madre que le acompañe al baño. Están tomándose un refrigerio para acumular fuerzas y encarar lo que queda de tarde estival en Barcelona. Bajan unas escaleras que conducen a un subterráneo con senderos que se bifurcan, como le gustaba a Borges imaginar. 

 

Toman uno de esos senderos de forma equivocada —o no, luego se verá— y se topan con un espectáculo insólito para lo que la pareja pudo haber imaginado que pudiera haber sido un extraño hilo musical en los dominios del inodoro. Azorados, sueltan las puertas oscilantes, desandan sus pasos y regresan por donde han venido, porque las urgencias no pueden esperar por cuanta epifanía que se les cruce en el camino. Madre e hijo no saben que sus vidas van a ser otras a partir de ahora, que la sorpresa que vivieron les acompañará de por vida, al igual que la música que lograron apresar por unos instantes, ¿o fue la música la que los apresó a ellos? Desconocían que lo que llegaba a sus oídos era la puesta de largo del último trabajo de Liba Villavecchia Trio, una formación que ha ensanchado los límites de la improvisación jazzística barcelonesa con dos rotundos discos que son de escucha obligada para la cabal comprensión de lo que se cuece a estas alturas del siglo en la Ciudad Condal.

 

 

 

El trío fue fundado en marzo de 2021 y para el año siguiente ya tenían prueba física de su encuentro, a cargo de la siempre inquieta disquera portuguesa Clean Feed. Bajo este cálido cobijo luso han vuelto a unir fuerzas para entregar un trabajo fruto de sus experiencias en ruta, sobre todo, como se encargó de señalar el líder, gracias a la recepción que su propuesta ha tenido en Polonia, donde se sienten como en casa. Al final va a ser el cariño no forzado lo que ayude a labrar destinos comunes en las personas, por si alguien todavía no ha caído en la cuenta. El caso es que tras Zaidín, ahora le llega el turno a Birchwood (Clean Feed, 2023), un homenaje velado a los paisajes polacos por los que transitan, al menos tres veces al año. Así los quieren, así son contratados. Adebules, abedules y más abedules, todos ellos mágicos, salutíferos, como las seis composiciones que componen el disco.

Hechas las presentaciones, el trío empezó a caminar con paso firme, atacando la primera pieza, homónima del trabajo que presentaban. Birchwood (‘madera de abedul’) es un dibujo lleno de aristas y remansos que homenajea a esos árboles que han ido acompañando el paisaje europeo tras lasa ventanillas durante estos dos últimos años. El viaje reposado ayuda a fijar lo vivido en la memoria y da la sensación de que tanto Villavecchia como Trilla y Reviriego han podido hacer acopio de momentos para sumar al álbum de recuerdos. Pronto se nota que entre las fuentes del grupo está Ornette Coleman como manantial fundacional, donde también convergen las enseñanzas de Evan Parker, Roscoe Mitchell o Thomas Chapin, al que rindieron tributo con la composición “Bypass” (de Sky Piece, 2005) del multiinstrumentista estadounidense tempranamente fallecido, revisitada con ímpetu novedoso desde que la presentaran como corte del anterior Zaidín. Tras el furioso desembarco, le llegó el turno a “Lublin”, otro recuerdo a esa hermosa ciudad polaca en la que los tres se encuentran como en casa. Entre ritmos rotos, entrecortes, flujos y melodías fue avanzando el programa. Para entonces, las cartas ya estaban sobre al mesa y la fiesta estaba servida. Con “Zaidín” volvieron a hacer de las suyas y propulsaron la cita para recalar en una pieza inédita, “Bika”, si no entendimos mal, firmada por Reviriego, que ha expandido las posibilidades sonoras de su instrumento del modo en que lo han hecho sus compañeros, con firmeza, riesgo, investigación y valentía: pulsión firme, arcos dolientes, percusión y armadura versátil, con las baquetas y artilugios variopintos de Trilla como aliados experimentales. “Senán” y “Deep Yellow” confirmaron la apuesta del trío, que ha hecho de la expansión sónica de sus instrumentos un artefacto que reivindica lo mejor de la tradición jazzística que los impulsa. Como el abedul, también este trío tiene propiedades diuréticas, desinfectantes, antireumáticas y febrífugas, por lo que la exposición prolongada a la música que emana de ellos socorre incluso ante noticias nefastas, como el inminente cierre del local en el que se colaron por la urgencia aquella madre y aquel hijo despistados. No creo que en la trattoria que pretenden montar sobre sus escombros pueda disfrutarse desde el hilo musical de la alegría con que el respetable degustó Birchwood. Un osado trío al que habrá que seguir la pista, aquí, en Polonia o en Pekín. No se los pierdan. No defraudan.

 

 

Written by Enrique Turpín

Octubre 26, 2023

Kenneth Jiménez, Michaël Attias & Francisco Mela  Caribú (577 Records, 2023)

Kenneth Jiménez, Michaël Attias & Francisco Mela Caribú (577 Records, 2023)

Kenneth Jiménez, Michaël Attias & Francisco Mela 
Caribú (577 Records, 2023)

19

OCTUBRE, 2023

Kenneth Jiménez, contrabajo / Michaël Attias, saxo / Francisco Mela, batería

Caribú (577 Records, 2023)

Texto: Ricky Lavado

Otra joya a sumar en el catálogo de 577 Records. Desde Nueva York, con las raíces firmemente asentadas en los márgenes menos transitados de la música de vanguardia (signifique eso lo que signifique), 577 Records lleva ya más de dos décadas funcionando como hogar y centro de operaciones de las mentes más inquietas de la escena jazzística internacional. Cada nuevo lanzamiento es una sorpresa, y el sello de calidad que la discográfica se ha ganado con el paso de los años nos asegura, como mínimo, una cosa; nunca te dejarán indiferente sus discos.

En esta ocasión, y bajo el nombre de Caribú, 577 Records nos presenta la feliz (y brillante) unión del batería cubano Francisco Mela con el contrabajista costarricense Kenneth Jiménez y el saxofonista israelí Michaël Attias (tres pesos pesados del underground neoyorquino). Caribú es básicamente, como muy bien resumen sus protagonistas, lo que surge al juntar a “tres amigos unidos por su amor compartido por la música experimental”. El resultado, como era de esperar, es excelente.

Todo el disco está impregnado de una atmósfera de diversión, naturalidad y luminosidad que atrapa desde el primer momento. Las composiciones favorecen ese ambiente, obviamente, pero es justo destacar la producción y sonido de Caribú, a cargo del incombustible y siempre sorprendente guitarrista venezolano Juanma Trujillo. Este disco suena muy bien, con una producción sencilla, natural, vacía de artificios y consagrada a capturar la energía espontánea y llena de frescura de tres músicos excepcionales.

El estilo de Francisco Mela es puro instinto, y las baterías de este disco suenan movidas por un impulso primario, desenfadado, mucho más intuitivo que cerebral. No hay sofisticación aparente en la forma de tocar de Mela, ni virtuosismos gratuitos, y en este caso eso ha de considerarse una virtud. La batería y las percusiones de Caribú suenan salvajes e imaginativas, creando un todo de aires tribales que funciona a la perfección con la garganta desgañitada de Francisco Mela de fondo. En opinión de un servidor, esos son los mejores momentos de Caribú: piezas como “Eco”, “Caribú” o “Festejo” se convierten en una suerte de fiesta en la que los vientos desarrollan melodías y ambientaciones de aires tan lúdicos como misteriosos, mientras el contrabajo cabalga incansable con un pulso bop, dejando espacio suficiente para que las baterías y las voces exploten en mil direcciones diferentes. Resulta emocionante e hipnótico oír a Mela repetir una y otra vez “Todos los niños unidos del mundo nos queremos divertir; qué si fuera feliz, qué mundo tan bello”, parapetado tras un muro de rítmica fracturada y libre.

También hay momentos para la abstracción en Caribú, con resultados dispares, pero siempre interesantes. “17 White Street”, por ejemplo, consiste en una ambientación etérea y misteriosa construida sobre el sonido de una flauta envuelta en percusiones sutiles y atmosféricas, que por momentos cae en un excesivo ensimismamiento; mientras que los más de ocho minutos de “Lastre y barro” suponen una tormenta de velocidad en la que el contrabajo suena obsesivo, agresivo y amenazador por momentos. 

Caribú demuestra no sólo el brillante momento creativo que atraviesan Jiménez, Attias y Mela; es muestra firme también del buen estado de forma de 577 Records y su puntería habitual para rastrear y publicar trabajos tan creativos y sorprendentes como subterráneos para el gran público. Bien por ellos.

Written by Ricky Lavado

Octubre 19, 2023

Irene Reig AIEnRuta-jazz 2023

Irene Reig AIEnRuta-jazz 2023

Irene Reig AIEnRuta-jazz 2023

20

SEPTIEMBRE, 2023

Texto: Ricky Lavado
Fotos: Lolo Vasco

Hablar de Irene Reig supone acercarse a una de las figuras más completas, interesantes y virtuosas que ha ofrecido el panorama del jazz nacional en los últimos años. La barcelonesa atesora una dilatada y aplaudida carrera que, con cada nueva entrega discográfica, va cimentando un marchamo de calidad y frescura que ha terminado por convertirse en señal distintiva de una creadora tan necesaria como imprescindible en la escena jazzística actual, no solo en España.

Un temprano interés por la música y un más que evidente talento mostrado desde la infancia llevó a Irene Reig a obtener el Grado Profesional de Piano, tras estudiar piano clásico en escuelas y conservatorios como el Oriol Martorell o el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona. Paralelamente, su cada vez más acentuado interés por el jazz le lleva a integrarse como saxofonista y clarinetista en diferentes formaciones, como la Sant Andreu Jazz Band, hasta obtener el Grado de Interpretación de Jazz y Música Moderna en la modalidad de saxo, habiendo sido alumna de Eladio Reinón, Gorka Benítez o Xavier Figueroa, entre otros. A partir de ahí, cada nuevo paso en la carrera de Reig supone un salto cuántico.

El primero de esos saltos le lleva a Ámsterdam, para cursar un máster junto a saxofonistas como Ferdinand Povel, Jasper Blom o Simon Rigter. Durante el transcurso de sus estudios en los Países Bajos, obtiene una beca para estudiar en la Temple University (Filadelfia) con el prestigioso saxofonista y director de la Vanguard Jazz Orchestra, Dick Oatts; y de las experiencias adquiridas en esas estancias, y el conocimiento asimilado en ese tránsito académico, se nutre el primer y brillante trabajo discográfico de Reig, al frente de un innovador quinteto; Views (Discmedi/Blau, 2017). El siguiente paso en la trayectoria de Irene Reig le lleva a liderar el ambicioso e interesantísimo proyecto The Bop Collective; un octeto enraizado en la tradición jazzística de los Jazz Messengers o de Charles Mingus; que bebe del swing, los estándares de Broadway o el bebop. Los dos trabajos publicados hasta la fecha por The Bop Collective, The Bop Collective (Discmedi/Blau, 2018) y Laspis (The Changes, 2019), confirmaban a la banda como una de las revelaciones más interesantes del jazz nacional, a base de temas originales cargados de personalidad y frescura; y de arreglos complejos, instrumentaciones excepcionales, piezas con profundidad en su lenguaje y composición, y una altísima calidad en la interpretación.

Incombustible como siempre, y en un estado de forma creativa envidiable, Irene Reig se incorpora al ciclo AIEnRuta-jazz de 2023, presentando su más reciente proyecto como solista; un trío junto al contrabajista Pau Sala y Joan Casares a la batería. Su primer disco, Mira (The Changes, 2021), es una pequeña delicia de sonidos añejos, pasión y espontaneidad luminosa formada, casi en su totalidad, por un repertorio de composiciones originales. Irene Reig transita con naturalidad por estándares de jazz y swing, recreando al oyente la sensación de estar dentro de un club de jazz, con melodías fácilmente cantables que construyen un interesante diálogo entre tres músicos de un talento excepcional. La formación acumula una importante trayectoria, tras brillar sobre los escenarios del Jamboree Jazz Club, la Nova Jazz Cava de Terrassa, el Festival de Músiques Emergents de Banyoles, The Hermitage (Ámsterdam) o Festival de Jazz de Granollers, entre otros, y se convierte por derecho propio en una de las propuestas imprescindibles del no menos imprescindible ciclo de conciertos AIEnRuta-jazz de este año.

Written by Ricky Lavado

Septiembre 20, 2023

Causa I Efeito Festival, Lisboa 2023 O Novo Jazz na Nova

Causa I Efeito Festival, Lisboa 2023 O Novo Jazz na Nova

Causa I Efeito Festival,
Lisboa 2023
O Novo Jazz na Nova

04

AGOSTO, 2023

Esta primera edición del Festival Causa I Efeito O Novo Jazz na Nova acontece como preámbulo del Festival lisboeta Jazz em Agosto. A lo largo de cuatro días (28 junio/2 julio) se presentaron trece conciertos en el Auditorio del edificio de la Universidad Nova de Lisboa, que acoge por primera vez el festival en el marco del cincuenta aniversario de la Universidad. La propuesta musical destaca por su enfoque en el jazz improvisado de vanguardia portugués y proyectos extranjeros relacionados con el sello; la organización del festival cuenta con el criterio de selección de Pedro Costa, dueño de Clean Feed Records

Desde la perspectiva de una critico de jazz, un festival es una experiencia intensa; además de los numerosos conciertos por día, hay que contar con los innumerables intercambios y charlas con organizadores, colegas y músicos que conforman la comunidad de jazz reunida para este evento. Una comunidad hermanada con España en la Península Ibérica, raíz que nos une y que nos diferencia del resto.  

Los instrumentos de cuerda han liderado muchos de los proyectos de la programación; entre las propuestas destacadas tenemos la del contrabajista portugués Carlos Bica, figura de referencia en el jazz europeo que presentó dos propuestas interesantísimas y diferentes. Una de ellas: Playing with Beethoven, un álbum recién publicado por Clean Feed, proyecto de aproximación melódica, sutil, electrónica, de libre improvisación, con una formación instrumentista de lujo: saxofón, contrabajo, acordeón y electrónica, a cargo de Carlos Bica, Daniel Erdmann, Joao Barradas, y DJ IIIvibe (Vincent von Schlippenbach), en una redefinición de Beethoven realmente asombrosa. El segundo proyecto, presentado por Carlos Bica, fue un primer encuentro a dúo con la trompetista portuguesa Susana Santos Silva. Por primera vez juntos en un diálogo lírico, libre e improvisado en el que lo individual conserva el peso específico.

Lo que iba a ser un concierto a dúo del acordeonista Joao Barradas y el contrabajista Hugo Carvalhais, por imprevistos ajenos a la programación, fue un grandioso concierto en solitario de música improvisada de Joao Barradas. Barradas es un monstruo inigualable en la construcción de desarrollos melódicos de gran musicalidad; imposible de encuadrar en algún estilo, es un músico de altísimo nivel y creatividad brutal con influencias de la música clásica, contemporánea, jazz y el folklore portugués, además de interesantes colaboraciones en álbumes junto a Greg Osby, Florian Arbenz, Carlos Bica, entre otros, asimismo el último lanzamiento Solo II (Live At Festival D´aix-En-Provence) por Clean FeedEl recital de Joao Barradas circuló en la esfera de la experimentación y la exploración recreando ambientes sonoros complejos. Una exposición conmovedora, bella, mística, de largos desarrollos, juegos de intervalos micro tonales y extenso uso de cromatismos melódicos y armónicos. 

Otro de los proyectos de ejecución y sonido sublime presentados fue The Selva, un trío portugués de cuerdas, electrónica y percusión formado en 2016 y liderado por el violonchelista Ricardo Jacinto, el contrabajista Goncalo Almeida y Nuno Morao a la batería y percusión.  El trío nos mueve hacia la experiencia auditiva acústica-electrónica y el continuo desafío estilístico que circula entre variaciones rítmicas basadas en la repetición. 

Notable contribución el debut del trío de improvisación del saxofonista José Lencastre, el contrabajista Hernani Faustino y Susana Alcorn al timón de un instrumento tan peculiar como la guitarra Pedal Steel, en un concierto de interacciones abstractas en línea con el jazz vanguardia y la libre improvisación. El trío presenta consistentes desarrollos improvisados de manera magistral dentro de estructuras compositivas libres, Manifesto es el nombre del álbum debut del magnífico trío recientemente lanzado por Clean Feed.

Cierre triunfal de festival con dos propuestas. El festival cierra con broche de oro con Sophie Agnel, John Edwars y Steve Noble, trío acústico de piano, que juntos desde hace más de una década se complementan y completan a la perfección (ya publicaron juntos: Meteo 2013 y A

qisseq 2018, Clean Feed). Sophie Agnel, es músico habitual de la Orquesta Nacional de Jazz de Francia que ha seguido una evolución orgánica desde la música clásica hacia el jazz para encontrar en la libre improvisación el terreno abonado. Es descrita con admiración como “parte de una camarilla de élite de herejes del teclado europeo”.  El trío camina entre continuos contrastes, desde la repetición tántrica de un motivo hasta el diálogo fluido, ágil, rápido de intensidad kafkiana; transitando entre equilibrados cambios y desenlaces, entre pasajes densos y profundos seguidos por otros minimalistas que evolucionan hacia la fluidez rítmica.

Propuesta más que sobresaliente, como fin de festival, la del trío del trompetista y compositor portugués Luis Vicente, adscrito al free jazz inspirado en las figuras fundacionales de la vanguardia jazzística (Ornette Coleman, Sunny Murray, Albert Ayler). Su colaboración junto a John Dikeman, William Parker and Hamid Drake, le sitúan en primer plano de la escena free internacional.  El discurso de Luis Vicente es libre y contundente;  estructuras de llamada-respuesta a modo de invocaciones al baile, desarrollos orgánicos instigadores a la catarsis de una danza liberadora; con la complicidad  de la sección rítmica (enérgica, equilibrada y versátil) de Chanting in the Name Of (2021, Clean Feed): Goncalo Almeida al contrabajo y Pedro Melo Alves a la batería; una propuesta de jazz contemporáneo como lenguaje universal que conecta con la psique humana; completando el cuarteto al saxo soprano y tenor, como artista invitado e instigador máximo en este ejercicio de liberación, el fascinante maestro Tony Malaby.  Final redondo para un fin de fiesta.

Written by  Begoña Villalobos

Ago 04, 2023

Vision Festival NYC 2023

Vision Festival NYC 2023

Vision Festival – NYC 2023

03

AGOSTO, 2023

Inaugurado en 1996, el Vision Festival es conocido por ser, cada año, un evento icónico en Nueva York. Desde sus inicios, ha dado voz tanto a artistas consagrados como a nuevos talentos dedicados a la interpretación de la música más allá de los límites establecidos. Después de 27 años, este festival continúa en su máximo esplendor, manteniéndose fiel a su misión original. En la edición de este año, que tuvo lugar a mediados de junio en el teatro Roulette de Brooklyn, se rindió homenaje a dos destacados bajistas: Joëlle Léandre, de Francia y Reggie Workman, de Estados Unidos; por sus notables contribuciones a la música a lo largo de las décadas. A lo largo de los seis días que duró esta edición del festival, se presentaron un total de 28 actuaciones, donde músicos, bailarines, poetas, vocalistas y artistas visuales deleitaron a una audiencia entusiasta y dedicada.

El Vision Festival destacó en esta ocasión por su enfoque en la improvisación libre dentro de un contexto compositivo, presentando una amplia variedad de proyectos que dejaron una profunda impresión en los asistentes. A lo largo de la semana, el festival ofreció una diversidad de propuestas musicales, que abarcaron desde proyectos enraizados en el jazz hasta exploraciones en la improvisación libre.

Entre las propuestas destacadas, el Vision Festival rindió un especial homenaje a Joëlle Léandre, reconocida bajista, por su destacada vida y carrera musical. El Judson Trio, compuesto por Léandre en el contrabajo, Craig Taborn en el piano y Mat Maneri en la viola, cautivó con su profundidad, sutileza y cuidado sonoro inigualables. 

Por otro lado, el Black Host, liderado por el baterista Gerald Cleaver y conformado por Darius Jones en el saxofón alto, Cooper-Moore en el piano, Brandon Seabrook en la guitarra, Dezron Douglas y Brandon López en el contrabajo presentó un enfoque más agresivo, con Cooper-Moore sumido en un estado de éxtasis total y Seabrook tocando su Telecaster con entusiasmo.

Durante el transcurso de la semana, el mítico baterista Hamid Drake -también conocido como Turiya– lideró un proyecto tributo a Alice Coltrane, interpretando cuatro de sus composiciones junto a un vibrante James Brandon Lewis en el saxofón tenor, Jamie Saft en el órgano, Patricia Brennan en el vibráfono, Joshua Abrams en el bajo, y Patricia Nicholson-Parker aportando su palabra hablada y danza. Drake compartió una emotiva historia sobre cómo, cuando era joven, al verla en un directo, Alice Coltrane lo inspiró, influyó y se convirtió en una de las referentes que moldearon su música.

Asimismo, el proyecto More Touch de Patricia Brennan, con la propia Brennan en el vibráfono y la marimba, Kim Cass en el bajo, Marcus Gilmore en la batería y Mauricio Herrera en la percusión, destacó por su belleza y la conexión espiritual que transmitió al público. El arte visual a cargo de Mincho Vega complementó de manera magistral la experiencia sonora.

Otro momento destacado fue la presentación del increíble Matthew Shipp Quartet, liderado por el consagrado Matthew Shipp en el piano, acompañado por Mat Walerian en los instrumentos de viento, Michael Bisio en el bajo y Whit Dickey en la batería. El arte visual a cargo de Dawn Bisio agregó otra dimensión a la enérgica actuación.

El festival también contó con la presencia de artistas visuales y propuestas más audaces, como Mayan Space Station Flight 66. El magistral e icónico William Parker se encargó del bajo, la composición y el arte, mientras que Ava Mendoza brilló en la guitarra, Gerald Cleaver en la batería, Lee Mixashawn Rozie en la mandolina y flauta, Jason Kao Hwang en el violín y Gabby Fluke-Mogul aportó su talento en el violín, creando entre todos, un conjunto verdaderamente único.

Desde proyectos a dúo hasta propuestas grupales en el ámbito de la improvisación libre, el festival ofreció una amplia gama de experiencias musicales. Dave Burrell y Joe McPhee cautivaron al público con su emotiva conversación musical entre piano y saxofón tenor. Al mismo tiempo Brandon Lopez presentó «The Gospel of Sans», un proyecto con estética propia de la improvisación libre, en el que participaron Zeena Parkins en el arpa, Cecilia López en la electrónica, Mat Maneri en la viola, DoYeon Kim en el gayageum, Gerald Cleaver y Tom Rainey en la batería, y Brandon López en el bajo. Gill Arno contribuyó con una manipulación en vivo de imágenes que complementaron la atmósfera creada por el grupo.

Hear in now Extended ofreció una experiencia auditiva única con Tomeka Reid en el violonchelo, Silvia Bolognesi en el bajo, Angélica Sánchez en el piano y Selina Trepp en videolah crearon un paisaje sonoro que desafió las convenciones y amplió los límites de la música.

A través de la danza, Yasmine Lee, acompañada por Michael Wimberly a la batería, nos transportó a una profunda conexión con África, sumergiéndonos en un viaje musical y cultural profundamente impactante.

El festival culminó con la celebración de Reggie Workman, un bajista legendario que ha dejado una huella indeleble en la música. Acompañado por Odean Pope en el saxofón tenor, Jason Moran en el piano, Jen Shyu en las voces, Elijah Thomas en la flauta, Elizabeth Panzer en el arpa, Tapan Modak en las tablas y Gerry Hemingway en la batería, la Reggie Workman Celebration Band cerró el festival con una actuación magistral llena de energía y virtuosismo.

Podemos gratamente concluir que el Vision Festival de este año fue una celebración de la música y el arte más allá de los límites establecidos, presentando a artistas de renombre internacional y talentos emergentes que dejaron una impresión duradera en el público. Con una combinación única de propuestas musicales, visuales y de danza, el festival demostró una vez más su compromiso con la exploración y la innovación en el mundo de la música.

Written by  Manuel Borraz

Ago 03, 2023

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