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AIEnRuta-Jazz 2024 Èlia Bastida Trio

AIEnRuta-Jazz 2024 Èlia Bastida Trio

AIEnRuta-Jazz 2024

Èlia Bastida Trio

16

ABRIL, 2024

AIEnRuta-Jazz 2024 Elia Bastida Trío.

Elia Bastida, violín, saxo tenor y voz/ Josep Traver, guitarra/ Joan Chamorro, contrabajo.

Clase, elegancia, sobriedad y respeto por la tradición. La barcelonesa Èlia Bastida conjuga una serie de virtudes y talentos que la colocan sin discusión ninguna entre las voces más interesantes y respetadas del universo del jazz contemporáneo europeo. Sin haber cumplido la treintena, Bastida es una de las mejores violinistas actuales en el mundo del jazz, aparte de brillar también como cantante y saxofonista.

Tras cursar el grado medio de violín clásico e incorporarse con diecisiete años a la Sant Andreu Jazz Band, dirigida por Joan Chamorro, las posibilidades de creación y libertad que los postulados del jazz ofrecían sedujeron a Èlia Bastida, pasando a cantar y a tocar el saxo en las filas de la big band catalana. Desde ese momento, la voz y el saxo se convierten en elementos fundamentales en los conciertos de Bastida, sin abandonar nunca el violín.

Entre las principales influencias del universo creativo de Bastida, según sus propias palabras, se encuentran nombres mayúsculos como Chet Baker, Art Pepper, Sarah Vaughan, Chico Duarte, Elis Regina, Bill Evans, Ella Fitzgerald o Hilary Hahn; y tras haber participado en más de 40 cds y haber tocado, durante su trayectoria en la Sant Andreu Jazz Band, junto a figuras como Scott Hamilton, Joe Magnarelli, Joel Frahm o Dick Oatts; Èlia Bastida también se ha subido a las tablas de escenarios en Suecia, Suiza, Dinamarca, Italia o Francia.

Cinco lanzamientos discográficos atesoran el buen hacer como solista de Èlia Bastida por el momento: “Joan Chamorro presenta Èlia Bastida” (2017), “The magic sound of the violin” (2019), “Meraki” (junto a Carolina Alabau, 2021), “Èlia Bastida meets Scott Hamilton” (2022) y “Tribute to Stéphane Grappelli” (2022).

Encontramos jazz en el repertorio de Bastida, de igual forma que encontramos música clásica, swing o influencias enraizadas en la música tradicional brasileña. Las melodías y la búsqueda constante de nuevas fórmulas que expandan las posibilidades expresivas de sus instrumentos (tanto violín como saxo o su propia voz) llevan a Èlia Bastida a transitar con la misma soltura por el jazz más clásico o por diversos terrenos del folk y la música de raíz tradicional.

Escrito por Ricky Lavado

16 de Abril de 2024

Sound (Des)obediencia Festival 2024

Sound (Des)obediencia Festival 2024

Liubliana, Eslovenia 2024
Sound (Des)obediencia Festival

Del 27 al 30 de

Marzo, 2024

Tomaž Grom, Biliana Voutchkov, Isidora Edwards, Elisabeth Coudoux, Joanna Mattrey, Margaux Oswall, Luka Zabric, Aurelijus Uzameckis, Sabine Vogel, Emilio Gondoa, Taiko Saito, Jan Roder, Michael Griener, Chris Pitsiokos, Sophie Agnel, Joke Lanz, Lê Quan Ninh, Kaja Draksler, Lena Hessels, Andy Moor, Samo Kutin, Marta Warelis, Macio Moretti

Texto: Begoña Villalobos

Fotografía: Marcandrea

El festival comienza en la calle en una de las plazas centrales de Liubliana con una intervención sonora HEREDRUM de tambores no anunciada. Es parte del proyecto de investigación artística Ritmos de Presencia.

El festival de música improvisada de vanguardia y música experimental Sound (Des)Obediencia o (Ne)Poslusno (del 27 al 30 de marzo, 2024), es un evento destacado organizado por Zavod Sploh (Instituto para la interpretación del sonido, la escucha, la observación de la audición) en Ljubljana, la histórica capital de Eslovenia. Se realiza en el Centro Cultural Španski Borci, un edificio homenaje a los combatientes españoles. El nombre del festival refleja acertadamente el contenido del festival, (Des)obediencia Sonora es un espacio de intercambio para experimentación, y la investigación de prácticas musicales fronterizas que se cruzan para explorar los límites del sonido. Es un festival alternativo, horizontal (en el que público y músicos están en la misma planta), influenciado por la escena de libre improvisación y el jazz de vanguardia europeo. El ambiente es colaborativo, de apertura y flexibilidad; invita a la exploración de nuevas formas de expresión artística en una búsqueda de la creatividad musical y está cofinanciado por el Ministerio de Cultura de la República de Eslovenia y el Ayuntamiento de Ljubljana. El comisario y director artístico es el compositor y contrabajista Tomaž Grom, motor indiscutible del evento.

Para seguir en el teatro Španski Borci con DARA Strings, un cuarteto de cuerdas con doble cello, con la violinista y compositora Biliana Voutchkov, figura central, fundadora y curadora del festival DARA Strings. Doble chelo a cargo de la compositora chilena residente en Londres Isidora Edwards, la improvisadora francesa Elisabeth Coudoux y la sobresaliente Joanna Mattrey a la viola (relacionada con Tyshawn Sorey, Henry Threadgill, y John Zorn entre otros). El cuarteto está relacionado con la escena experimental europea, así como con la escena musical improvisada de Nueva York. Con una estructura elaborada de planos y contraplanos de experimentación con el sonido (utilización del arco, percusión, golpes, voz, punteos, staccato, legato) el cuarteto se mueve libremente generando una narrativa de amplias texturas, resonancias intuitivas de contenido complejo con un enfoque vanguardista de composición contemporánea.

La colaboración de Taiko Saito – Jan Roder – Michael Griener es un proyecto excepcional de vibráfono, contrabajo y batería respectivamente. Además de ser tres piezas centrales del jazz de vanguardia en la escena creativa de Berlín han generado una conexión profunda complementándose a la perfección. Una buena tradición de free jazz, creatividad, improvisación y apertura son los elementos comunes. El trío va narrando la historia, bordeando el minimalismo va añadiendo sonidos cuidadosamente tejidos en capas, diferentes planos, timbres, ritmos hipnóticos hasta llegar a una danza de sonidos grandiosa, estratégica y orgánica. Las bellas y apasionadas melodías de una evolucionada Taiko Saito, ganadora en 2023 del JazzPreis de Berlín. A esto se añaden las contundentes líneas al contrabajo del maestro indiscutible Jan Roder como conductor base de la sesión junto a los creativos desarrollos rítmicos del baterista de Nuremberg Michael Griener, que se mueven desde la percusión sutil hasta la sorprendente fluidez rítmica. WALD es el nombre del proyecto del trío grabado y documentado por el sello discográfico de jazz – experimental berlinés Trouble in the East Records. En definitiva Saito- Roder- Griener es un trío sobresaliente.

En el interior cambiamos de sala para escuchar Lands Stages /Sonic Relocations es el proyecto acústico y electrónico de Sabine Vogel (flauta) y Emilio Gondoa (platos/electrónica). Una demostración de arte conceptual improvisado. Un trabajo experimental audiovisual grabado en Paratz Ketzin con improvisadores/artistas de Holanda en residencia improvisando junto con los sonidos-ruidos del sitio (Villa Aurora en Holanda). El objetivo es improvisar, crear juntos en contacto y conexión con los sonidos orgánicos del lugar.

La colaboración de Taiko Saito – Jan Roder – Michael Griener es un proyecto excepcional de vibráfono, contrabajo y batería respectivamente. Además de ser tres piezas centrales del jazz de vanguardia en la escena creativa de Berlín han generado una conexión profunda complementándose a la perfección. Una buena tradición de free jazz, creatividad, improvisación y apertura son los elementos comunes. El trío va narrando la historia, bordeando el minimalismo va añadiendo sonidos cuidadosamente tejidos en capas, diferentes planos, timbres, ritmos hipnóticos hasta llegar a una danza de sonidos grandiosa, estratégica y orgánica. Las bellas y apasionadas melodías de una evolucionada Taiko Saito, ganadora en 2023 del JazzPreis de Berlín. A esto se añaden las contundentes líneas al contrabajo del maestro indiscutible Jan Roder como conductor base de la sesión junto a los creativos desarrollos rítmicos del baterista de Nuremberg Michael Griener, que se mueven desde la percusión sutil hasta la sorprendente fluidez rítmica. WALD es el nombre del proyecto del trío grabado y documentado por el sello discográfico de jazz – experimental berlinés Trouble in the East Records. En definitiva Saito- Roder- Griener es un trío sobresaliente.

Seguimos con el compositor y saxo alto Chris Pitsiokos, un improvisador indefinible por su carácter diferenciador, sonido propio, enfoque único y distintivo de la escena de jazz de vanguardia y la música experimental electrónica. Nacido en Nueva York y con base en Berlín, el multi instrumentista presenta su proyecto acústico- electrónico solo (saxo alto, ordenador, cuatro altavoces y un juego de luces acopladas al sonido). La estructura y el contenido se genera en tiempo real con contrastes dinámicos que van desde silencios y sonidos sutiles hasta corrosivos de ritmo frenético para seguir multiplicando la gama de texturas y timbres. Para ello combina elementos del free jazz, el noise, el jazz experimental, la música contemporánea y electrónica. Chris Pitsiokos es una figura sobresaliente en cuanto a la composición, el sonido y el noise. El foco del set tiene que ver con la atención en la evolución del proceso compositivo. Pitsiokos está relacionado con sellos como Clean Feed Records y Relative Pitch Records entre otros. El último álbum grabado en 2024 es Rhytms and Shifting Poles.

La última noche se presentó el concierto con los participantes, organizados en pequeños grupos, del taller de música guiado por Chris Pitsiokos. Una suite de piezas cortas y composiciones del propio Pitsiokos.

Uno de los platos fuertes del festival fue el proyecto a dúo de la pianista parisina Sophie Agnel integrante de la orquesta de jazz de Francia y reconocida por su enfoque poco convencional que implica técnicas extendidas que incluyen golpear las cuerdas con los dedos para crear elementos percutivos en medio de texturas abstractas, notas, espacios, silencios; También introduce objetos dentro del piano para alterar el timbre y la resonancia. Junto con el tocadiscos Joke Lanz, nacido en Basilea y residente en Berlín, pionero en la escena electrónica independiente y conocido por su enfoque provocativo de la música electrónica y el ruido a través de la experimentación, la distorsión, la modulación y la manipulación en tiempo real. Un encuentro de dos mentes creativas que buscan explorar las posibilidades sonoras generando capas de sonido que van entrelazándose. Su colaboración se basa en la improvisación libre y en la interacción en tiempo real complementándose para crear algo único con elementos de la música Avant Garde, la improvisación libre, la electrónica experimental y el ruido a través de la exploración de texturas, timbres y dinámicas sonoras abstractas.

Lê Quan Ninh es percusionista de formación clásica nacido en Paris dedicado a la creación musical contemporánea y relacionado con la danza. Se dedica a la creación musical contemporánea y la improvisación libre desde principios de los años 1980. En este set solo, se sitúa con un bombo como instrumento y la utilización de diferentes objetos y elementos orgánicos como piedras, piñas, varillas de metal, platos circulares, cuencos de metal, una hoja curva, arco, mazo, etc. Transita desde el mínimo sonido primario hasta la grandiosidad casi orquestal. Para hacer sonidos golpea las piedras de forma repetida, frota, araña, choca, roza, generando resonancias y silencios. Una cuidada intervención y experiencia única para educar el oído y sacar la esencia, lo primario.

Como cierre del festival, el grupo de la pianista eslovena Kaja Draksler con el proyecto poético (Verdadero o Falso. Texto de Dean Young) y musical creado en el Bimhuis de Ámsterdam 2023 de título Matter 100 que recita Lena Hessels y Andy Moor, con Samo Kutin con la zanfona, instrumento extendido en la música popular europea, los sintetizadores por Marta Warelis, la batería de Macio Moretti y la guitarra eléctrica de Andy Moor. Un proyecto cuidado, complejo y profundo acústico-electrónico de sonidos, ritmos, silencios, voces, sintetizadores, improvisaciones, free jazz, post rock. Un proyecto único y diferente a todo.

Texto: Begoña Villalobos
Marzo, 2024

Festival Internacional de Jazz de Münster  “Shortcut” 2024

Festival Internacional de Jazz de Münster “Shortcut” 2024

Festival Internacional de Jazz
Münster “Shortcut” 2024

30

Enero, 2024

De la mano del afamado director artístico alemán y de la oficina de cultura alemana como cada año, el primer fin de semana de 2024, tuvo lugar el Festival Internacional de Jazz de Münster “Shortcut” 2024 (Alemania).

Texto: Begoña Villalobos

Münster es una ciudad alemana situada en estado de Renania del Norte- Westfalia, conocida como la ciudad de las bicicletas, con un bonito centro histórico y una intensa afición por la música.

La cita fue el sábado 6 de enero en el Théâtre de Münster, punto de encuentro anual para los amantes de la cultura ávidos por escuchar nuevas propuestas de la música improvisada contemporánea. El teatro municipal es un edificio imponente, estratégicamente ubicado en el corazón de la ciudad. Inagurado en 1956 cuenta con un escenario paraboloide en una sala ascendente con tres niveles, una grandiosa cubierta iluminada con farolillos de papel cartón, antiguo símbolo de luz y esperanza, convertido en una tradición. Tiene unas escaleras de caracol que aportan originalidad a la elegancia funcional del edificio que desempeña un papel crucial en la escena artística de la ciudad.

La visión, dedicación y el compromiso con la excelencia artística del director Fritz Schmücker han desempeñado un papel fundamental en la creación de un festival estableciendo este año un programa que refleja la riqueza y la innovación del género y que sirve como plataforma de creatividad para los nuevos talentos. La campanada de apertura bajo la dirección de Fritz Schmücker fue a las 18.00 horas del sábado, así como la retrasmisión en directo del evento por la Radio Difusión Alemana Occidental (WDR Colonia). 

La primera de las propuestas es el trío de la violinista del norte de Italia Anaïs Drago Trío Terre Ballerine, un nuevo talento europeo que transita entre la -música experimental, la libre improvisación, la clásica, la electrónica y la vanguardia jazzística, líder del trío Terre Ballerine, fundado en 2023 junto a Federico Calcagno al clarinete y Max Trabucco a la batería. Un grupo que ha ganado reconocimiento por su enfoque fresco y creativo que se complementa a la perfección mostrando el talento individual y el talento en el diálogo. Los desarrollos sonoros del trío desde diferentes ángulos permiten ver la desbordante creatividad narrativa en el trabajo compositivo de la multi instrumentista, que al incorporar efectos electrónicos a su música, explora los límites de su instrumento; es capaz de mover, girar, apuntar, comprimir y alargar en una improvisación llena de emoción, con una paleta de efectos que va desde sutiles modulaciones hasta impactantes distorsiones, transformando cada nota en una experiencia sonora diferente. El resultado es una música experimental e improvisada con un sonido distintivo, “Corto circuito”. La grabación a dúo de Anaïs Drago con Enrico Rava años atrás se suma a los numerosos premios y reconocimientos. 

La segunda propuesta se caracterizó por su predominante sonido de cuerdas: el cuarteto de Münster “Alchemia Ocean Cuarteto”. Un cuarteto de experimentación sonora de experiencia auditiva única que se mueve entre la vanguardia improvisatoria y la música antigua, compuesto por el gran tubista francés Michael Godard , miembro de la Orquesta Nacional de Jazz de Francia entre otras, al frente del serpent, un instrumento de metal antepasado de la tuba, cuyo nombre deriva de su forma. Michael Godard, con cálidos fraseos melódicos de elegante musicalidad, y armónicos multi fónicos intensos, amplia las posibilidades expresivas del instrumento, introducido en el jazz por él en 1979. Todo ello en colaboración con el baterista suizo Lucas Niggli de enorme versatilidad creativa con una carrera consistente documentada principalmente en el sello suizo Intakt Records. El zanfonista austriaco Matthias Loibner,  con un enfoque innovador en este instrumento de cuerdas crea una atmósfera sonora distinta ampliando las fronteras entre la experimentación y la melodía; junto a él, la pianista griega multi instrumentista Sofia Labropoula, a partir de la música folklorica griega, mediterránea, medieval y la música improvisada y experimental de sonido independiente, añade capas de complejidad a la propuesta musical del cuarteto. 

La última propuesta del festival en el teatro fue el octeto Colour of Sound» de la pianista británica Zoe Rahman, en su estreno alemán. Es un proyecto festivo con sonido de big band y explosión de sonidos bailables:Su álbum de composiciones originales ha sido nombrado uno de los mejores del año por la revista Jazzwise”. La destreza técnica de Rahman, junto con la interacción magistral entre los miembros del octeto, creó una experiencia musical que trascendió las fronteras estilísticas. El ensemble está compuesto por Idris Rahman, al saxo y clarinete, Rowland Sutherland, a la flauta, Mark Armstrong en la trompeta, Camilla George en el saxo alto, Rosie Turton al trombón, Alec Dankworth al contrabajo y Gene Calderazzo a la batería. Para finalizar la jornada, la sala del club Atelier se convierte en el escenario de una jam sesión que reúne a músicos locales e internacionales en un ambiente divertido y cálido.

El colofón del festival llegó el domingo a las 12 a.m. con la presentación del tubista francés Michel Godard al mando del serpent -un instrumento de viento poco convencional en la escena musical contemporánea que hasta el siglo XIX se destinó a la música religiosa – quien se aventuró como solista en el terreno de la improvisación durante treinta minutos en la iglesia de los Domínicos, creando un diálogo musical único ampliando el campo de expresión en  la música improvisada. 

Un final sereno para un fin de fiesta intenso.

Interview by: Begoña Villalobos

Enero 30, 2024

Canarias Jazz Showroom 2023 Yul Ballesteros Interview Sara Lilu Interview XV Muestra de Jazz de Canarias

Canarias Jazz Showroom 2023 Yul Ballesteros Interview Sara Lilu Interview XV Muestra de Jazz de Canarias

Canarias Jazz Showroom 2023
Yul Ballesteros Interview
Sara Lilu Interview
XV Muestra de Jazz de Canarias

21

Diciembre, 2023

Texto: Bega Villalobos

Fotos: Laura Perdomo

A pesar de la distancia geográfica, las Islas Canarias se mantienen como una potencia importante de jazz dentro del territorio español.  Canarias Jazz Showroom es un festival que nace en 2009 para brindar apoyo a la cultura musical insular y a los proyectos de jazz canarios cuya prioridad es la promoción de la cultura musical en las islas y en el resto de Europa. La comunidad nacional de jazz conoce el trabajo titánico de Kike Perdomo que además de ser el productor y el director de esta muestra, es músico, compositor y dirige la Big Band de Jazz de Canarias.

Este año el festival celebró su quinceava edición con una variedad de proyectos de calidad excelente. Los requisitos para la convocatoria anual de la muestra son dos, que los artistas o al menos el líder sea canario y que los proyectos estén editados en el año anterior o en el año de la edición en curso, así se garantiza que sean proyectos locales originales que se encuentran en activo.

El pasado 6 y 7 de octubre tuve el placer de asistir a Canarias Jazz Showroom en Tenerife, isla en la que se encuentra el parque nacional del Teide, un espacio con un importante significado espiritual catalogado como uno de los 12 Tesoros de España además de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. 

Los conciertos se realizaron en el emblemático Auditorio de Santa Cruz de Tenerife, un edificio imponente de hormigón de estilo neo-futurista situado al borde del océano Atlántico, obra del arquitecto Santiago Calatrava.

Fui invitada, junto con el director del festival, a participar activamente haciendo entrega de los Premios Archipiélago de Jazz Canario, premios que reconocen el talento insular en las categorías de Mejor Músico Solista y Mejor Músico Emergente, y el premio homenaje otorgados a la cantante Sara Lilu, al pianista Kevin Diaz, y al grupo Atcheré respectivamente, así como el galardón a Mejor Disco de Jazz Canario otorgado al álbum Alma de Yul Ballesteros Trío.

El 6 de octubre comienza la primera jornada del Showroom con el concierto a dúo de guitarra y piano de Jonay Mesa & Luis Sánchez. El proyecto nace inspirado en el contrabajista y compositor de Gran Canaria Nelson Saavedra. Saavedra empezó a crear agrupaciones de cuerdas, metales y de sección rítmica de jazz para dar vida a su música, y contó con Jonay y con Luis.  “Jonay y yo improvisamos juntos y había una conexión genial y una energía buenísima”, nos cuenta Luis Sánchez, sobrino del histórico guitarrista de jazz de Gran Canaria: Carlos Sánchez.  Jonay compuso una pieza tributo a Saavedra, titulada: Los Mundos Imaginarios de Nelson Saavedra; pieza que se convirtió en un disco grabado en Tenerife, en la casa estudio del bajista y productor Tomás López, y de la pianista Satomi Morimoto. El siguiente concierto fue el de Yul Ballesteros Trio, junto a Carlos Meneses de Gran Canaria al contrabajo, y a Akior Garcia en la batería, los cuales presentaron el trabajo discográfico Alma, en el que se refleja la evolución musical y personal del reconocido compositor y guitarrista Yul Ballesteros.

El segundo día asistimos al concierto de CJS Reunion: Sara Lilu Octet, una banda formada para la ocasión y liderada por Sara Lilu, joven vocalista graduada en el Conservatorio Superior de Música Liceu, considerada una de las voces más talentosas del jazz canario. El grupo está formado por Kike Perdomo, Carlo Pérez, Idafe Pérez, Kevin Díaz, Agustín Buenafuente, Iván Rojas, Carlos Costa y Sara Lilu. El repertorio fue un homenaje a los compositores que han pasado por el festival en ediciones anteriores y la presentación de dos de los temas del próximo disco de Sara Lilu. 

Para finalizar con el concierto de swing clásico del clarinetista Kepa Martínez & The Hot Club Tenerife (Kepa Martinez (clarinete), Yeray Herrera (guitarra), Pablo González (acordeón), Agustín Buenafuente (contrabajo), Filemón Monterola (batería y washboard) en el escenario exterior del hall del Auditorio

Yul Ballesteros Interview
Canarias Jazz Showroom 2023

In&OutJazz Encantada de verte otra vez, Yul. Cuéntanos algo sobre el último álbum, Alma.

Yul Ballesteros El proyecto que presentamos ayer es el disco nuevo del trío que se llama Alma. Es un disco que está dedicado a las sensaciones, a los sentimientos. Cada canción habla de un sentimiento, de los que se supone que todos sentimos en algún momento. Es una forma personal de intentar expresar esos sentimientos y hacerlos llegar a los demás. Es un proyecto muy íntimo, con música original. Está interpretada desde un punto de vista de la unidad del trío. Es como utilizar el trío como un solo instrumento. La intención es esa. Es un proyecto que se grabó con Akior García y Tana Santana. Ayer lo presentamos con Carlos Meneses, que también es otro bajista canario muy bueno. Todos ellos son grandes amigos, aparte de grandes músicos. Y eso ayuda mucho a que el proyecto tenga esa personalidad, ese carácter de transmitir. 

In&OutJazz Desde el punto de vista compositivo, ¿cómo se desarrolla el proyecto?

Yul Ballesteros Las composiciones, como te decía, están basadas en sentimientos. Tratar de expresar sentimientos es algo muy personal. Yo utilizo la música. A nivel armónico, hay temas, hay muchas baladas, hay muchos tempos medios, tempos relajados, tempos en los que la gente puede estar sintiendo esas sensaciones. Luego hay otros temas que tienen un carisma un poco más tenso, como por ejemplo Resilience, que es un tema que habla de la resiliencia. En ese tema sí que tienes una armonía más modal, más compleja, con un sonido un poco más ácido, incluso con el uso de distorsiones, de ritmos, de polirritmias, que son más interesantes a nivel conceptual y que llevan también al oyente a salir de la tradición. En ese sentido, intentamos buscar que cada tema tenga un punto diferente en la temática intentando transmitir ese sentimiento, buscando la conexión de algún concepto armónico o rítmico con lo que es la composición y el sentimiento en sí.

In&OutJazz Estás conectado con el festival desde hace 15 años, y con Kike Perdomo has colaborado en varios álbumes. 

Yul Ballesteros Son 15 años ya, y sí, Kike y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo, yo creo que cuando… una de las primeras veces que tocamos fue en Boston, cuando en mi recital de final de carrera lo invité y vino, y fue maravilloso, y pasamos unas semanas juntos allí. Ya nos conocíamos, pero no habíamos intimado mucho, y a partir de ahí, pues, claro, es una persona a la que admiro un montón. Antes de eso yo lo conocía mucho como músico, porque aquí en Canarias Kike es un referente. Hay unos cuantos músicos que son muy importantes para lo que ha pasado en Canarias en la música, y él es uno de ellos; además tiene un montón de ideas, está siempre haciendo cosas, y aparte de la admiración y el referente musical, luego se convirtió en un amigo, es una persona muy cercana, una persona entrañable. Considero que el Showroom es algo necesario, está centrado exclusivamente en artistas canarios. Me parece algo imprescindible para que nos ayude a promocionar todo lo que creamos, que es muchísimo. Hay mucha creación en Canarias, y tener un festival dedicado al jazz, la verdad que es una oportunidad para todos. Yo he estado en un montón de ediciones y estuve desde el principio, y la evolución es a más; cada vez hay más músicos y más producción musical en Canarias. El festival ayuda a que las cosas se puedan presentar en condiciones dignas, esperemos que dure otros 15 años.

In&OutJazz ¿Qué es lo que más te atrae de la música?

Yul Ballesteros La parte que más me gusta de la música es la composición. Me encanta tocar y me encanta escuchar, me encanta todo pero quizá me siento muy atraído por la parte de composición y de los arreglos, y en ese sentido siempre intento hacer cosas diferentes en cada proyecto. El primer disco que saqué lo grabé en Nueva York y fue justamente con la banda con la que estaba tocando en Berklee y fue la música que compuse para mi final de carrera y a partir de ahí (eso era un septeto) siempre he intentado hacer cosas diferentes, el siguiente disco fue a cuarteto, sin piano.

In&OutJazz ¿El primer disco es a septeto?

Yul Ballesteros El primer disco fue en septeto, sí, fue como con trompeta, saxo, con una formación tradicional de jazz, y un estilo más tradicional; el segundo disco fue bastante más moderno, ahí entró Kike también a grabar, también lo grabamos en Nueva York. Después el siguiente disco volví a hacer quinteto, o sea fue evolucionando y probando todos los palos y también he grabado discos solos, he grabado discos con big band, he grabado un poco todo. Esta era la primera vez que grababa a trío y es uno de los formatos que más me gustan y que no sé por qué nunca se había dado el caso y nos apetecía mucho. A mí como compositor y como músico me apetecía mucho hacerlo a trío, además ellos son amigos con los que he tocado muchas veces y pensé, pues qué mejor que encerrarnos una semana en un estudio, dormir allí y pasar todo el tiempo allí y empezar a trabajar sobre las composiciones para llevarlas a un sitio todos juntos y la verdad, no sé que va a ser lo siguiente, creo que será algo diferente. Espero seguir con el trío, sacar algún disco más, pero sí que me gustaría probar más formaciones porque al final creo que es una forma de evolucionar como músico y como persona, te va llevando a sitios que no conoces y te expones a cosas nuevas que te hacen crecer.

In&OutJazz ¿Qué formaciones te faltan?

Yul Ballesteros Me faltan pocas formaciones, tengo discos a dúo también, tengo solo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, me falta un noneto… jaja

In&OutJazz Jajaja, ¡Qué pasada! Yul, muchas gracias por la entrevista, ha sido un placer. 

Yul Ballesteros ¡Gracias a ti!

Sara Lilu Interview
Canarias Jazz Showroom 2023

In&OutJazz Hola, Sara. Es un placer entrevistarte, ¡enhorabuena! ¿Esperabas el premio?

Sara Lilu No tenía ni idea. De hecho, en algún momento leí o vi que iba a haber una entrega de premios. No sabía nada de que otros años habían dado premios. No tenía ni idea; de repente, cuando estaba en el camerino, vi los premios ahí puestos. Y digo “uy, ¿qué es eso?” Y los miré. Y vi que había uno para mí, Dije: “¡Ay, Dios!”

In&OutJazz Todo eso antes de salir al escenario, ¿no?

Sara Lilu: Antes de salir, sí, sí, soy muy curiosa y no puedo aguantarme, después vino Kike y dijo: “¿Qué? ¿Ya vieron los premios?, ya saben, son para ustedes”. Me sorprendió un montón, Soy una música improvisadora. La improvisación es una parte muy importante de mi personalidad musical. Siempre lo tengo muy en cuenta. Pero el premio a Mejor Solista, “wow”.

In&OutJazz ¡Enhorabuena! Merecido, merecidísimo, de verdad, merecidísimo.

Sara Lilu Gracias. A Kevin Diaz le dieron el de Mejor Artista Emergente. Y es perfecto. Kevin ahora mismo está tocando con un montón de gente, en un montón de proyectos guapísimos. Desde que le conozco, que lo conozco de hace años ya. No sé si ya se había ido a Barcelona cuando nos conocimos, pero siempre me ha inspirado un montón, de hecho, cuando yo hice las pruebas de acceso para el conservatorio, él me acompañó y, me quedé en su casa. Kevin también ha sido súper cercano.

In&OutJazz Claro, porque él está allí en el Liceu, ¿sí?

Sara Lilu Sí, él estaba en tercero cuando yo entré en primero. Coincidimos dos años allí. Lo conocía de Pro Music, de cuando estaba la asociación Arriba en la Laguna, en Marques de Celada, y de las jams, y también ha tocado un montón de veces con la Big Band de Canarias. 

In&OutJazz Puedes contarnos los proyectos que tienes en mente, esa grabación que vas a hacer, un par de temas en el repertorio de hoy se van a grabar, ¿verdad?

Sara Lilu: Pues dentro de dos semanas grabamos. Tengo varios proyectos diferentes y tengo la suerte de conocer a músicos increíbles en Barcelona, que es donde resido. Ya terminé la carrera y en octubre vuelvo a Tenerife. Aunque los proyectos están más en Barcelona, en Tenerife voy a grabar con un guitarrista: Alexander Peña. Tenemos nuestro dúo desde antes de la pandemia, desde que entramos los dos en el conservatorio, y ahora por fin vamos a grabar lo que llevamos haciendo un montón de años. Vamos a hacer una residencia artística durante seis días, y en los últimos dos días de la residencia vamos a grabar en la casa, todo bastante autogestionado.

In&OutJazz Qué bien, qué bien. Súper íntimo.

Sara Lilu Muy íntimo, muy para nosotros, es como una fotografía de nosotros. Alexander se va a ir vivir a Brasil y queremos grabar antes de que se vaya.

In&OutJazz ¿Dónde grabáis? ¿Esa residencia es financiada o es privada?

Sara Lilu Todo es autogestionado. La casa en la que vamos a estar era una casa de mi familia en San Andrés, ahora es de una mujer que se llama Silvia que tiene una empresa de catering, entonces. Hablé con ella, y le comenté el proyecto y la residencia, y acordamos hacer un concierto para que ella pueda invitar a quien quiera. Queremos reducir los costes al máximo porque no tenemos dinero. Todavía estoy descubriendo el mundo de la promoción, buscando a gente a quien le interese lo que yo hago. Por ahora todo son pasitos chiquititos y autogestionado. Viene un amigo mío ingeniero de sonido, que tiene un estudio que se llama The Bunker Studio y que trabaja con un montón de artistas aquí en la isla. Tengo la suerte de que es un muy buen amigo mío y me hace un precio increíble, trae su equipo, nos graba en la casa.

In&OutJazz ¿Qué opinión tienes sobre el Showroom canario?

Sara Lilu Me parece un festival brutal, recuerdo ver los anuncios de inscripción en Instagram.

In&OutJazz ¿Conocías a Kike Perdomo? 

Sara Lilu Sí, lo conocía de antes y de hecho él había hablado conmigo para hacer el Showroom. También me gustaría inscribirme el año que viene con mi proyecto, espero haber sacado ya el disco o estar a punto de sacarlo. 

In&OutJazz O sea que es el primer disco.

Sara Lilu El que voy a hacer con Xander a dúo de standars es el primero de todo. Pero de mi música y composiciones propias, la idea es grabarlo en marzo, estoy esperando unas subvenciones que pedí al gobierno canario, haré un crowdfunding para poder hacerlo realidad. Será un disco de diez temas para grabar todo lo que llevo componiendo desde hace años y que necesito sacar ya. El Showroom, la verdad que me parece un festival súper chulo para mostrar el talento canario que aquí hay en las islas. Hay muchísimo, muchísimo talento. Y música increíble. Gente que me inspira un montón. No hace falta salir de la isla para tener una calidad musical espectacular. Veo que no hay muchos espacios, por desgracia, donde la cultura se aprecie de la manera en la que se puede apreciar en este festival. Es un problema del país entero: creo que la cultura no es una prioridad en España como lo es en Holanda o en Francia.  Estamos haciendo cantera, claro, poco a poco lo iremos consiguiendo. Estoy segura de que eso va a ir cambiando porque tiene que cambiar.

In&OutJazz Tiene que evolucionar y actualizarse. Muy bien, pues ya está. Muchas gracias.

Interview by: Bega Villalobos

Diciembre 21, 2023

A lo largo de las generaciones: El Festival de Jazz de Newport en 2023

A lo largo de las generaciones: El Festival de Jazz de Newport en 2023

A lo largo de las generaciones: Festival de Jazz de Newport 2023

01

SEPTIEMBRE, 2023

Texto: Steve Dickman

Traducción: Roberto Barahona

Mi tercera vez en el Festival de Jazz de Newport, asistiendo sólo el sábado y el domingo del festival de tres días, me llamó la atención la presencia dominante de un octogenario tras otro y el reverente aprecio de ellos por una multitud y las entradas agotadas. El místico Charles Lloyd (85) llegó temprano el sábado y un funk-upista Herbie Hancock (83) cerró el festival el domingo. Entre medio, escuchamos a Charles McPherson (84) y también a Bob James (83) como parte de la versátil banda Jam Jawn de Christian McBride. El festival fue coronado adecuadamente por Hancock recogiendo su «keytar», un instrumento de mano similar al piano eléctrico, y prácticamente levitando fuera del escenario.

Herbie Hancock tocando keytar,  6 de agosto, 2023

Fotos © Steve Dickman

Orrin Evans, 5 de agosto de 2023

Muchos artistas mencionaron sus actuaciones anteriores en Newport, algunos de ellos  habían tocado allí con Miles Davis y Dizzy Gillespie, entre otros, pero uno se destacó: Joshua Redman señaló que el cuarteto estelar «Redman, Mehldau, McBride, Blade» había tocado su casi primer concierto en la historia exactamente en el mismo escenario en Newport en 1993, hace treinta agostos. Se sentía como si se hubiera abierto un agujero de gusano en el continuo del espacio-tiempo cuando llegamos a escuchar que el ahora afeitado Redman y el canoso Mehldau y sus compañeros de banda suplantan a un set estelar del 93 con uno espectacular en 2023. Ya maestros en ese entonces, este grupo ofrecía impresionantes melodías de blues y jazz directas como Undertow, que contó con solos abrasadores primero de Redman y luego de Mehldau. Como el consumado escritor de jazz Nate Chinen lo puso en su reseña del festival, «Cada miembro de la banda se ha ganado una estatura eminente en los últimos 30 años, cumpliendo o superando su primera promesa. Todos son mejores músicos ahora, con una amplia gama de experiencia y, sin embargo, su lenguaje compartido se extiende desde un núcleo familiar…» Más felicidad directa y explosión fue proporcionada por el exquisito y talentoso quinteto de Orrin Evans, que tocó para una casa llena en una de las carpas de campaña más pequeñas, y de nuevo en el mismo lugar por el trío de piano de Bill Charlap. Quien entrara en este lugar abarrotado estaba a punto de  escuchar una actuación suprema. Evans, un pianista nacido en Filadelfia con una reputación cada vez mayor después de casi 30 años en el negocio, dio un regalo a la audiencia en su afiatado set con la leyenda de la trompeta canadiense Ingrid Jensen, el saxofonista/flautista Gary Thomas (músico de músicos), el bajista Luques Curtis y el baterista Mark Whitfield Jr

Tal Wilkenfeld con Scary Goldings, 6 de agosto de 2023

Charlap, usando gafas oscuras casi más para ocultar su intención que para dar sombra a sus ojos de la oscura luz bajo la tienda, parecía casi desafiante mientras se desplegaba en el escenario. Voló de salida con bravura y sabía exactamente cómo construir energía a través de su set, terminando varias melodías con frases impresionantes y definitivas que sacudían al piano de cola. Un regalo visual y auditivo para aquellos de nosotros que tenemos la suerte de estar sentados de cerca. Scary Goldings trajo un tipo diferente de iluminación, el nombre de una banda de funk eléctrico ultra hip de alto brillo que combina Scary Pockets, un dúo compuesto por Ryan Lerman en guitarra rítmica y Jack Conte en piano eléctrico, que agregó al maestro supremo del órgano funk Larry Goldings. Entre los otros invitados especiales estaban el compañero frecuente del grupo, John Scofield, de 71 años (¡¿pero, a quién le importa?!), y el bajista australiano Tal Wilkenfeld, de 36 años, que ha estado entre la escena del jazz eléctrico (Hancock) y el rock and roll (Jeff Beck, Prince) durante unos quince años. Aunque no tomó un solo, se sintió como si Wilkenfeld mantuviera unido al grupo y empujara un ritmo contagioso a través de una audiencia muy conmovedora. Un informe publicado llamó a Wilkenfeld un «arma secreta». Su conjunto incluía «Profesor Vicario» (Conte dijo que éste había sido el apodo de Miles Davis para Scofield) y «Taco Bell’s Canon».

Jon Batiste con DesZ (Desiree Washington), 5 de agosto de 2023

Jon Batiste abrió nuevos caminos para mí mientras me acercaba a mis hijas de 22 y 20 años. Batiste es uno de los favoritos de ellas y no se decepcionaron, ni yo tampoco. El hombre tiene más talentos de los que incluso Newport es típicamente conocido. Él trajo una gran banda. Trajo una vocalista estelar DesZ (Desiree Washington). Trajo una sección de percusión fuera de serie dirigida por su baterista de toda la vida Joe Saylor y la estrella en ascenso Negah Santos. Pero, sobre todo, trajo una capacidad increíblemente poderosa de conectarse tanto con su banda como con su público. Paseándose por el escenario con su traje rojo ajustado y señalando a la audiencia para elevar la energía cada vez más alto, Batiste comandó una especie de atención y sintonía inusual incluso en los reinos del blues y el soul.

Jon Batiste, 5 de agosto de 2023

Finalmente, Samara Joy. Esta exquisita intérprete y talento generacional, sólo 23 (!!!), creó un espacio nuevo y (de hecho) alegre dentro de la carpa, una carpa que parece que se expandirá y desmontará para cuando termine. Las olas de amor irradiaban de las multitudes que se habían reunido para deleitarse en su extraordinario control vocal, sus pensamientos de reflexión desde sus registros más bajos hasta lo que mis hijas llamaban «tonos de silbido», cada uno perfectamente agudo aunque vertiginosamente alto. Cualquiera que alguna vez haya intentado cantar podría sentirse intimidado por escuchar a Samara Joy en su nivel actual, un nivel que se siente destinado a moverse más alto que cualquier cantante en la historia del jazz, incluidas Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, pero, de nuevo, el canto de Joy fue tan perfecto, tan dulcemente sincopado, tan tonalmente puntual, tan acogedor para los amantes del jazz. La gloria reflejada de las notas bajas perfectamente sostenidas, las notas azules buenas dan escalofrío y los relajantes viajes a los registros superiores. Al final de su set, cuando cantó un par de sus propios estándares recién grabados, ganadores de un Grammy, había una especie de fervor pulsante, elevado y casi religioso. No necesitábamos que Jon Batiste nos dijera, como lo hizo al poner en marcha su inspiradora y totalmente transportadora segunda línea de un set al final del sábado, que «Esto no es un concierto, es una experiencia espiritual». Pero eso ya lo sabíamos.

Written by  STEVE DICKMAN

Sept 01, 2023

Fresh Sound Ensemble: Common Treads o cuando el hilo se hace madeja.

Fresh Sound Ensemble: Common Treads o cuando el hilo se hace madeja.

Fresh Sound Ensemble:
Common Treads o cuando el hilo se hace madeja.

22

JUNIO, 2023

Alex Merritt (saxo tenor), Steve Fishwick (trompeta), Sam Braysher (saxo alto), Adele Sauros (saxo tenor), Ronan Perrett (saxo alto y clarinete), Michael Chillingworth (saxo tenor y clarinete bajo), John Turville (piano), Tom Ollendorff (guitarra), Conor Chaplin (contrabajo), Jay Davis (batería).

Jamboree (BCN), 27 de mayo de 2023

Texto: Enrique Turpin

Fotos: Joel Codina

Se dice pronto. Cuarenta años. Cuarenta. Cuatro décadas. Ocho lustros. Quince mil días, semana arriba, semana abajo (1983-2023). Y todo con un propósito, el que sirve de lema al logo de la trompeta que mira a la derecha y contiene en sus filigranas arquitectónicas la palabra Jazz. Cuarenta años manteniendo vivo el género, decíamos, y treinta desde que apareciera la primera referencia de su sección contemporánea, esto es, Fresh Sound New Talent. Todos sabemos que por el sello han ido dejando su saber grandes figuras de la escena actual, fagocitadas muchas de ellas por las discográficas de referencia señera en la historia del jazz, con Blue Note a la cabeza, de Robert Glasper a Ambrose Akinmusire, de Brad Mehldau a Nasheet Waits, y tantos y tantos que tan felices nos han hecho y nos siguen haciendo.

Pensando en celebrar la efeméride, Jordi Pujol propuso a jóvenes músicos emergentes de la escena londinense que se embarcaran en un proyecto cooperativo que diera cuenta del estado de la cuestión al tiempo que sirviera de homenaje a estos años de alegrías compartidas. El resultado ha sido Common Threads (FSNT-645), de un espléndido Fresh Sound Ensemble dirigido por Alex Merritt, que produjo y coordinó el programa. Involucró asimismo a Steve Fishwick (tp), Sam Braysher (as), Ronan Perrett (as, cl), Alex Hitchcock (ts, ss), Michael Chillingworth (ts, b-cl), John Turville (p), Tom Ollendorff (g), Conor Chaplin (b), Jay Davis (d), además de invitar a la saxofonista finlandesa Adele Sauros (ts) para que dejara huella de su talento en la grabación, destinada a mostrar al mundo el alcance de la nueva generación de refrescantes músicos británicos, con los que Pujol había colaborado estrechamente en los últimos tiempos.

La puesta de largo llegó con su concierto barcelonés. Los programadores del mítico local de la Plaza Real, en complicidad con el disquero, propusieron una jornada inicial en la que el Ensemble se escindió en pequeños combos donde apresar el talento de los miembros de un modo más directo y nítido, en aras de una comprensión cabal de lo que se había armado para el doble aniversario de la discográfica madre y su filial. Tras una rueda por la flor y nata inglesa, más una jam que iba a dejar volar a cada uno de los participantes en el evento, la jornada de cierre suponía la confirmación de que los estímulos bien marcados y los entusiasmos definidos y engrasados dan como resultado conciertos redondos como el que pudo verse en Jamboree. Así fue. Desde un buen principio, Merritt hizo de maestro de ceremonias, presentando, espoleando, recreando in situ las piezas originales que se escribieron para la ocasión, orquestadas para dejar constancia de las mejores armas de los componentes, todos ellos unidos por una suerte de ‘hilos comunes’, de trabazón generacional que pide nuevos encuentros en lo sucesivo. Pequeños apuntes de genio llegaron de la mano de Adele Sauros, la convidada de Helsinki, lo mismo que Michael Chillingworth, Alex Hitchcock y el propio Merrit, todos ellos al tenor, mientras que los altos corrían a cargo de Ronan Perrett y Sam Braysher. Entraban, salían, se reordenaban y ejecutaban sin demasiadas fanfarrias mentales. Lo simple, si bueno, dos veces bueno (lo breve lo imponían cada uno de los pases de la tarde). La trompeta de Steve Fishwick se compaginaba a la perfección con la guitarra de Tom Ollendorff, y todo casaba sin pugna ni desengaño con la rítmica que formaban el contrabajo de Conor Chaplin y la batería de Jay Davis. Sabemos que hubo piano, honesto, prístino, en las teclas de John Turville, pero su presencia fue testimonial, dado que en la formación juegan un papel muy destacado los vientos…, también los que traían ciertos aires distintos a los colectivos que últimamente andan dando lo suyo los de la Union Jack de tendencias afrocentristas. Aquí todos eran caucásicos, lo que en estos tiempos es una forma como otra de estar marcado, o de significarse frente a tantos colectivos fractalizados.

Lo dicho, un concierto redondo de un disco redondo para una causa redonda. Enrique Vila-Matas hablaba de acabar de una vez por todas con los números redondos. Si la redondez sirve para montar espectáculos agraciados como el de Common Threads, bienvenida sea. El caso es que supo a poco.

Written by Enrique Turpin

Junio 22, 2023

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