El primer día comenzó con Kelby Clark, en formato solo de banjo, con su instrumento de cinco cuerdas. Compositor, improvisador y multi instrumentista nacido en el sur de Georgia y residente en Los Ángeles. Clark parte de la tradición del folk y del banjo del sur de Estados Unidos, incorporando elementos melódicos de la música tradicional india, la improvisación libre y la música experimental, en un trabajo centrado en el timbre y la resonancia. Todo ello como punto de partida para explorar las posibilidades sonoras del instrumento. Su discurso es increíblemente fluido, transformando el material melódico a partir de sonidos sostenidos como base de la improvisación.

El segundo día del ciclo de guitarra americana estuvo a cargo de Hein Westgaard, en formato de guitarra folk solista. Guitarrista, compositor e improvisador noruego afincado en Copenhague, Westgaard presentó un set de composiciones propias arraigadas en la tradición de la guitarra acústica folk, referencias de blues de los años 50 y 60, y de una delicada técnica del fingerpicking, que le permite desarrollar líneas melódicas, bajos y armonías. Su lenguaje parte del songwriting americano para construir piezas de melodías claras, con un fraseo delicado y un pulso relajado con momentos de improvisación. Con una escritura de carácter narrativo, alternó baladas con piezas de mayor impulso rítmico.

El tercer y último concierto del ciclo de guitarra americana estuvo a cargo de Emily Robb, en formato de guitarra eléctrica solista. Guitarrista e improvisadora muy interesante afincada en Filadelfia, Robb desarrolla un lenguaje visceral basado en la experimentación y en la exploración del sonido, en el que pequeñas células melódicas evolucionan mediante variaciones, repeticiones y procesos de deconstrucción hasta desembocar en densas texturas de noise. Su trabajo parte de las raíces de rock y de la improvisación libre. A lo largo del set recurrió a técnicas extendidas, con un sistema de pedales de efectos, el empleo del finger slide metálico para rasgar las cuerdas, el uso del arco, y el feedback, sonido generado por la interacción entre la guitarra amplificada y el amplificador para hacer rebotar el sonido, como elementos estructurales del discurso. El set fue una construcción sonora de creciente intensidad, con un enfoque de saturar el sonido, donde la repetición, el timbre y la resonancia desplazan a la melodía hacia la textura y el sonido en estado puro.

También pudimos asistir a un concierto espontaneo surgido en el momento entre Kelby Clark y Hein Westgaard. Improvisación pura y dura surgida en el momento, vanguardia, técnicas extendidas y el lujo de la creación espontánea en el Claustro del Convento.

La programación del escenario principal, en el Gran Auditorio del CAE de Portalegre, reunió tres proyectos protagonizados por músicos portugueses. El primer concierto estuvo protagonizado por dos referentes de la improvisación actual, la vocalista e improvisadora portuguesa Sara Serpa, asentada en la escena neoyorquina, y el pianista, compositor e improvisador estadounidense Matt Mitchell. El dúo mantiene un grado de compenetración y de escucha excepcional, construyendo un diálogo sólido, lírico y profundamente creativo. Dos artistas situados entre la música de cámara, la creación contemporánea, la experimentación y, por supuesto, la música improvisada. Las composiciones, firmadas por ambos y recogidas en el álbum End of Something, funcionan como estructuras abiertas y flexibles sobre las que desarrollan la improvisación. La escritura parte de pequeñas células melódicas, compuestas sobre un compás, que se repiten, se desarrollan y evolucionan, permitiendo que el discurso avance y se transforme. La música avanza lentamente, con una gran riqueza tímbrica y una escritura llena de matices. Sara Serpa tiene una increíble capacidad de improvisación vocal y un control absoluto de la voz. Improvisa sin palabras con elegancia, sofisticación y sutileza, con un estilo único y diferente. Frente a ella, Matt Mitchell que desarrolla registros minimalistas, precisos, y en transformación. Un proyecto intimista y minimalista, con referencias a Olivier Messiaen y a las escritoras Sonia Sanchez y Virginia Woolf.

El segundo día fue el turno del Lisbon Jazz Sextet, una formación integrada por all stars, todas ellas figuras relevantes y consagradas del jazz portugués, representantes de la historia del jazz en Portugal. Mário Laginha al piano, Mário Barreiros a la batería, Tomás Pimentel, trompeta y Edgar Caramelo al saxofón. El grupo, que reúne distintas generaciones de músicos, incorporadas tras la renovación de la banda con el saxofonista Ricardo Toscano y el contrabajista Francisco Brito, revisita cuarenta años de composiciones. Con un enfoque tradicional y un sonido cercano al de una big band, el sexteto demostró una gran solidez y contundencia en las piezas. El concierto se abrió con una composición de Mário Laginha y fue alternando intensos y fluidos solos de cada uno de los integrantes.

El último concierto en el escenario principal en el CAEP estuvo a cargo de Matriz_Motriz, proyecto del guitarrista y compositor Mané Fernandes, junto al gran pianista João Grilo y tres voces Mariana Dionísio, Vera Morais, y Sofia Sá. Representantes de una nueva generación de músicos portugueses, presentan una propuesta donde la voz es el eje de todo el discurso sonoro. Sin sección rítmica tradicional, las voces asumen la función percusiva y rítmica, mientras la guitarra aporta el centro textural y el piano refuerza el pulso con un tratamiento marcadamente percutivo. La escritura se construye a partir de pequeños bloques musicales que aparecen, se interrumpen y se transforman sin buscar una resolución. Las voces afinadas y tratadas como un único instrumento alternan capas tímbricas, sonidos guturales, creando una continua amalgama de sonidos. La música avanza entre atmósferas oníricas y cinematográficas, punteos largos y graves de la guitarra, con acentos cercanos al rock y variaciones al piano que desembocan en sonoridades rotas. Un proyecto centrado en el sonido, el timbre y la exploración de nuevas formas de construcción musical.

El escenario del Claustro del Convento de Santa Clara acogió los tres conciertos más alternativos del festival, con el foco puesto en la escena de Bergen (Noruega), uno de los principales centros del jazz creativo escandinavo en la última década. Los tres proyectos estuvieron liderados por el saxofonista Aksel Røed, protagonista de las actuaciones nocturnas. La primera de ellas corrió a cargo de Red Quartet.

El primer concierto del Claustro de Santa Clara reunió al Aksel Røed Quartet, formación liderada por el saxofonista noruego junto a Lyder Røed a la trompeta, Ola Høyer al contrabajo y Tore Ljøkelsøy a la batería. El cuarteto presentó composiciones originales con referencias al jazz de los años sesenta. Registrado en su álbum debut, titulado Red Nose Hymn. La música se sostuvo sobre un fuerte pulso compartido y una interacción constante entre los cuatro músicos. Diálogos fluidos entre saxo tenor y trompeta, mientras contrabajo y batería construyeron una base rítmica flexible, alternando momentos de swing, aceleraciones y desaceleraciones que hacían oscilar el tempo como una ola. Improvisaciones de gran intensidad y ecos de blues.

El segundo concierto del Claustro de Santa Clara reunió al dúo Duplexities, formado por el saxofonista Aksel Røed y el baterista Kåre Opheim, uno de los músicos más singulares de la escena noruega por un lenguaje que integra la tradición folk nórdica, el heavy rock y la improvisación libre. El diálogo entre saxo tenor y batería se construye a partir de pequeñas estructuras rítmicas que se repiten, evolucionan y se transforman de manera continua. El saxo desarrolla un fraseo de gran intensidad expresiva, alternando registros extremos, notas largas, inflexiones cercanas al blues y un timbre áspero que oscila entre el lirismo y la ruptura. Frente a él, la batería responde con un trabajo de gran riqueza tímbrica, combinando patrones minimalistas, variaciones constantes y una amplia paleta de recursos percusivos. La repetición de células rítmicas genera una tensión casi hipnótica, mientras aceleraciones, cambios de densidad y una escucha permanente mantienen el discurso en continuo movimiento.

El cierre del ciclo dedicado a la escena de Bergen corrió a cargo del Aksel Røed Trio, junto a Magne Thormodsæter al contrabajo y Tore Ljøkelsøy a la batería. Sin introducciones ni estructuras prefijadas, el trío entró de lleno en la improvisación colectiva, construyendo el discurso en tiempo real a partir de la escucha y la interacción entre los tres músicos. La propuesta priorizó el desarrollo conjunto, la intuición, la fluidez y la respuesta inmediata entre los instrumentos. Las melodías aparecen y desaparecen con libertad, alternando momentos de pulso compartido con densas improvisaciones colectivas donde los tres músicos construyen una única masa sonora. Uno de sus momentos de mayor intensidad fue una composición de Pharoah Sanders, abordada como punto de partida para desarrollar un discurso de crecimiento continuo, improvisación abierta y la búsqueda del trío de nuevas direcciones sonoras.

The first performance of the night was a dialogue between Morris on guitar and Nicole Mitchell on flute. Mitchell’s tasteful use of effects pedals and Morris’ full yet not overly dense accompaniment resulted in gorgeous soundscapes that welcomed the audience into their world. The duo had a very natural interplay, going back and forth, creating waves for each other to ride. The highlight of the set for me was when Mitchell put effects on her own voice, adding a distinctly human element to the already beautiful music. The night was off to a remarkable start.

Next on the bill was a quartet featuring Morris on guitar, Tomeka Reid on cello, Melanie Dyer on viola, and Solomon Caldwell on bass. This all-string ensemble was a celebration of the malleable nature of stringed instruments. Strings can be plucked, picked, bent, bowed, muted, etc., and the group undoubtedly explored the full range of their instruments and instrumentation. Morris had prepared a short suite of motifs that allowed for stunning group improvisation and dynamic variety. Morris dropped out at one point, proving that all great leaders are indeed great listeners. At the end of the suite, I let out a breath I didn’t even realize I was holding.

For the third set of the night, Morris, along with William Parker on bass and Matthew Shipp on piano, proved that they are among the very best groups ever to feature this classic instrumentation. Free music, since its inception, has been criticized by naysayers and nonbelievers for being random noise, notes on top of notes on top of more notes. Morris, Parker, and Shipp’s performance, while undeniably free, was anything but random. Shipp and Morris had a knack for going back and forth with each other, one always carving a niche for the other to fall into. Whether those niches were melodic statements, changes in density, or even consistent pulses, the two were always together, with Parker consistently adding contrast (and never contradicting). The performance was a masterclass in three musicians truly playing together. Focusing solely on the guitar work, Morris kept things fresh and exciting by seamlessly navigating between lush lyrical passages and dense, notey passages. Matthew Shipp, Joe Morris, and William Parker: three pillars of the creative music world and an eternal triangle if ever there was one.

The penultimate performance was a quintet and the first to feature Morris on bass. In many ways, this group evoked the same intense emotion that I felt when I first heard the music of Archie Shepp, Albert Ayler, and late-period Coltrane. Rob Brown and Hery Paz, on alto and tenor saxophones, respectively, blended beautifully atop the rhythm section’s playful foundation. The group had that rare ability to steadily elevate the music and the audience until things reached a fever pitch, and all of a sudden, we were in the stratosphere. Still, instead of plummeting, the music just floated like a feather back down to Earth. There couldn’t have been a better precursor to what we were about to experience with the next and final performance.

As for the final performance of the night, Morris’ octet, consisting of mostly younger musicians, delivered a truly transcendent set of music, the power of which is nearly impossible to impart in writing. The experience, sonically and emotionally, was the musical equivalent of a rocket launch. I consider it among the most exciting performances I’ve ever seen. Each musician was crucial, but Selendis Sebastian Alexander Johnson’s vibraphone and DoYeon Kim’s gayageum work added particularly interesting textures to the group’s sound. In the hands of these young improvisers, the future of creative music is very bright.

In between the trio and quintet sets, there was a screening of Michael Lucio Sternbach’s short documentary on Joe Morris, in which the musician discussed the profound impact of birds on his life and career. I felt this made perfect sense, as the music he and his groups performed seemed to move with the same confidence and sense of cohesion as birds flying in formation. Again, nothing was random.

I returned to the festival on Friday night to bear witness to Marshall Allen and The Cosmic Future All-Stars, who played with such palpable vitality that I found myself on the verge of tears. The band – consisting of Marshall Allen on alto saxophone and synthesizer, Darius Jones on alto saxophone, Dm Hotep on guitar, Dave Burrell on piano, Andrew Cyrille on drums, and William Parker on bass – performed a nearly hour-long improvised piece that ebbed and flowed gracefully and never lacked energy. Mickey Davidson’s gorgeous dancing and Kamari Patton’s acid-soaked projections added further depth and meaning to an already unspeakably moving and inspiring musical performance. I left the theater completely rejuvenated. Simply put, it was out of sight!

This year’s theme for the festival was “Art to Resist,” something I’d kept in mind throughout the week. Jazz and creative music have always been widely acknowledged as means of protest and resistance, so what does that mean in 2026? I concluded that in a world that is becoming increasingly calculated and artificial, the music performed at Vision 30 resists mediocrity and artificiality by being radically real and uniquely human. Every sound and sight, meticulously crafted by incredibly skilled human hands and minds, is a celebration of honesty, empathy, compassion, and listening – all things that make us better people. It’s in this pursuit that creative music and art successfully resist and persist.

En otras ediciones, IKFEM ha acogido destacadas propuestas jazzísticas, como la Orquestra Jazz de Matosinhos junto a Perico Sambeat, el memorable concierto a dos pianos de Chano Domínguez y Mario Laginha, la colaboración entre Salvador Sobral y Marco Mezquida, así como actuaciones de artistas como Abe Rábade y Andrés Barrios. Asimismo, durante diez años el festival ha desarrollado masterclass de jazz con reconocidos músicos, entre ellos el pianista Abe Rábade y el organista Juan de la Rubia.

Invitada por Andrea González, directora del festival y presidenta de Juventudes Musicales de España, la propuesta de los Petiscos reunió en esta ocasión a la poeta Chus Pato, Premio Nacional de Poesía por su libro Sonora. La jornada se completó con una cata de vinos en los viñedos Altos de Torona, un enclave excepcional de 74 hectáreas que acogió el concierto de ML Quartet.

ML Quartet es un cuarteto integrado por jóvenes talentos y formación ganadora en 2024 del Concurso de Jazz de Juventudes Musicales de España. Está compuesto por Manuel Luque al contrabajo, Vicente Marín al piano, Joao Martí al saxo tenor y Luis Pérez Villegas a la batería. El repertorio estuvo integrado por música original compuesta por Manuel Luque en los últimos años y recopilada en su álbum debut, Cicatrices.

Junto a su programación artística, IKFEM desarrolla proyectos de innovación social e inclusión cultural, impulsando iniciativas participativas que integran a colectivos diversos y utilizan la música como herramienta de cohesión social, accesibilidad y construcción comunitaria.

El festival abrió con el dúo noruego formado por Nils Økland al violín Hardanger y Sigbjørn Apeland al armonio, en un concierto de dimensión camerística que situó la tradición folklórica nórdica en diálogo con la improvisación contemporánea.

La primera intervención de Steve Swell, figura central de la vanguardia neoyorquina desde los años setenta, fue junto al contrabajista neerlandés Wilbert de Joode, referencia en la escena improvisada europea. Escuchamos un espectacular set de improvisación entre dos grandes. Steve Swell, fiel al concepto de adaptaciones sonoras espontáneas, situó al trombón en el terreno de la exploración radical, utilizó técnicas extendidas (chirridos, raspaduras, deslizamientos expansivos). Wilbert de Joode respondió con golpes percusivos, pizzicatos maestros, armónicos rugosos y rasgados intensos con el arco. Una interacción improvisada, con texturas densas y abiertas construidas desde la composición espontánea conformaron un set sofisticado y profundamente expresivo.

El segundo concierto de Steve Swell fue junto a la baterista de Filadelfia Tracy Lisk, que se mueve en el terreno de la improvisación. Tracy Lisk usa silencios, resonancias, golpes secos, roces de platos y cambios de densidad para empujar o desestabilizar el discurso. Swell al trombón explora multi fónicos, notas quebradas, respiraciones, registros extendidos y ataques de alta densidad. Un set basado en la textura, el riesgo y el contraste en el que la música se crea en tiempo real.

Brad Jones Trio desarrolló uno de los sets más narrativos y estructuralmente sólidos del festival, con John O’Gallagher al saxofón alto, Brad Jones al contrabajo y João Pereira a la batería. Brad Jones actuó como eje central combinando pulsación rítmica, resonancias graves y uso del arco. O’Gallagher alternó fraseos angulares, micro variaciones melódicas y ráfagas de tensión free, mientras que João Pereira es un baterista preciso, capaz de sostener tanto estructuras abiertas como pulsaciones estructuradas. En el marco de una narración sólida y contemporánea, el trío construyó un set fluido lleno de fuerza.

El concierto en solitario de Gordon Grdina al oud, encargado de inaugurar la jornada del sábado en la Sala de Esgrima, ofreció una propuesta hipnótica, sutil y refinada de sonido profundo y cálido. Desde el oud, el músico canadiense integró la improvisación libre, la tradición persa con oleadas de progresiones, micro variaciones tímbricas y largos desarrollos melódicos.

Depois Das Pecas -After the Pieces, con Fala Mariam al trombón, Bruno Silva a la guitarra eléctrica, Pedro Lourenço y Miguel Abras en bajos eléctricos, desarrolló un set de corte experimental desde la interacción entre trombón y cuerdas amplificadas. Un discurso de micro bloques sonoros, intercambios fragmentados, interrupciones, reinicios constantes, y acumulaciones progresivas de tensión tímbrica. Escuchamos distorsiones y texturas cercanas al noise. El sonido aparece, se deforma y desaparece de manera imprevisible, avanzando hacia breves estallidos y zonas de trance individual. Se prioriza la fricción, la saturación y la ruptura tímbrica sobre el desarrollo melódico. La inclusión final de palabra leída “Music is the best” reforzó el carácter performativo del concierto.

Seguimos con el dúo formado por la saxofonista argentina Ada Rave, residente en Berlín, y la baterista portuguesa Sofia Borges, afincada en Ámsterdam, presentaron un set de enfoque experimental, intenso y energético con pequeñas líneas melódicas y giros inesperados que evolucionaron hacia un discurso abstracto de líneas densas y profundas. La complicidad entre ambas les lleva a grabar su segundo disco a dúo con el sello Relative Pitch Records.

El trío formado por Ziv Taubenfeld al clarinete bajo, Wilbert de Joode al contrabajo y Sun Mi Hong a la batería cerró el festival con un set muy completo y revelador. La musicalidad de Wilbert de Joode se sitúa como eje central, entre los estallidos e improvisaciones de Ziv Taubenfeld y la contundencia de la baterista coreana, figura emergente y clave establecida en la escena holandesa, Sun Mi Hong. El trío continuó hasta llegar a momentos de pulso compartido. Son tres voces de fuerte identidad, lanzadas al vacío en una experiencia conjunta de expresión de libertad musical.

German Jazz Prize: cuando un país decide que el jazz importa (y lo sostiene)

Hay un momento en jazzahead en el que uno entiende que Alemania no considera el jazz una rareza elegante para minorías exquisitas. Lo entiende, con bastante naturalidad, como parte de su política cultural. Ese momento se llama German Jazz Prize.

Celebrado dentro de la feria, este premio representa mucho más que una ceremonia: es una forma de situar el jazz en el lugar que ocupa dentro del ecosistema cultural del país. Aquí no se trata solo de reconocer trayectorias o discos destacados, sino de afirmar que el jazz es patrimonio vivo, espacio de innovación y un lenguaje artístico que merece apoyo sostenido y visibilidad institucional.

En esta edición, figuras como Aki Takase (Premio a la Trayectoria), Rebekka Salomea (Artista del Año), Phil Donkin (Álbum del Año), Sullivan Fortner (Artista Internacional) o Johnathan Blake (Álbum Internacional) reflejan una escena diversa, conectada y reconocida. En total, 22 categorías que dan cuenta de la amplitud del sector y de una voluntad clara de abarcarlo en toda su complejidad.

Pero hay un detalle que explica mucho del modelo: la dotación económica.

Los premios principales del German Jazz Prize están dotados con 10.000 euros por categoría, mientras que el premio a la trayectoria alcanza los 15.000 euros. En conjunto, el programa reparte más de 300.000 euros, financiados por el Gobierno Federal alemán a través de su política cultural. No es solo un reconocimiento simbólico: es un apoyo real que impacta directamente en la sostenibilidad de las carreras.

Alemania no está sola en este enfoque. En otros países europeos: Francia, Países Bajos o los países nórdicos, el jazz también cuenta con estructuras sólidas de apoyo: circuitos de salas, redes de festivales, programas de movilidad internacional y marcos de reconocimiento específicos. No es tanto una cuestión de volumen como de continuidad.

En España, la situación es distinta, aunque no por ello menos interesante. La escena es rica, activa y con una identidad muy marcada: festivales consolidados, músicos de enorme nivel y una capacidad creativa que no deja de crecer. Quizá lo que todavía está en desarrollo es un sistema de reconocimiento institucional tan específico y visible como el que se observa en otros contextos europeos.

Más que una carencia, puede entenderse como una oportunidad. Porque ver cómo funciona un modelo como el alemán no invita tanto a la comparación como a la reflexión: qué herramientas podrían adaptarse, qué estructuras podrían reforzarse y cómo seguir acompañando a una escena que ya existe y que tiene mucho que decir.

Premios como el German Jazz Prize no solo celebran el presente: ayudan a construir futuro. Generan estabilidad, visibilidad y, sobre todo, tiempo, ese recurso tan escaso y tan necesario para cualquier músico.

Y sí, viendo lo que ocurre en Bremen, uno no puede evitar pensar que ojalá en España contáramos con algo similar.

Comenzamos con el cuarteto del baterista y compositor portugués Miguel Rodrigues que presenta Antídoto, su segundo trabajo discográfico, en el concierto inaugural del pre-festival, en el escenario de la Asociación Porta-Jazz, con José Soares, saxofón tenor, André Fernandes, guitarra y Demian Cabaud al contrabajo. Abordan un repertorio construido sobre estructuras abiertas y sintéticas, donde la melodía es el eje organizador del desarrollo. Los materiales, breves y definidos, activan dinámicas de interacción que favorecen la reformulación continua y la amplitud tímbrica del discurso, a través de la improvisación.

Para continuar con AMR–Genève (Suiza) Associazione per la Musica Improvisata, fundada en 1973, con el proyecto WDCA (We Don’t Care About…) fundado en 2021. Presenta una formación en formato de gran ensemble concebida como un colectivo de solistas y compositores. La propuesta se sitúa en el terreno de la música improvisada con una sección de vientos en primer plano y una sección rítmica continua. El trabajo integra elementos del jazz afroamericano, la música improvisada y prácticas de la vanguardia, a partir de materiales abiertos. Manteniendo un nivel de energía sostenido y expansivo el ensemble se caracterizan por un alto grado de interacción, alto nivel de energía, una circulación flexible de los roles solistas y una capacidad de adaptación a distintos conceptos. Con Florence Melnotte, piano, Anthony Buchlin, trombón, John Menoud, saxofón alto, Gregor Vidic, saxofón tenor, Ludovic Lagana, trompeta, Brooks Giger, contrabajo y Nelson Schaer, batería.

Comenzamos la 16ª edición del festival PortaJazz en el Teatro Rivoli con Summer School, proyecto a trio liderado por José Vale, a la guitarra y efectos especiales, junto a Gil Silva, al saxo tenor y soprano, y Gonçalo Ribeiro en la batería. Un proyecto notable de música experimental inspirado en composiciones de Thelonious Monk y la atonalidad libre de Ornette Coleman desde una práctica claramente noise. Las melodías angulares, y las armonías desestabilizadoras articulan un discurso rítmico, donde la calma se fractura de forma abrupta en explosiones de noise. Rasgados de guitarra con resonancias rock-punk y efectos electrónica bien dosificados, dialogan con sobreagudos extremos del saxo. El trío avanza hacia fragmentos de jazz tradicional para inmediatamente someterlos a procesos de desestructuración. Es una propuesta sólida, lúcida y orgánica.

En colaboración con Improdimensija (Lituania), colectivo dedicado a la improvisación libre y al free jazz, se presenta el proyecto Leaking Pipes: Littorina Saxophone Quartet, que reúne a Maria Faust, saxofón alto, Mikko Innanen, saxofón alto, sopranino y barítono, Fredrik Ljungkvist, soprano y tenor, y Liudas Mockūnas, sopranino, soprano y saxofón bajo, todos ellos son figuras centrales de la escena báltica y nórdica contemporánea. La formación trabaja exclusivamente con saxofones de distintas tesituras, generando un campo polifónico amplio que abarca desde el sopranino hasta el saxofón bajo. La ausencia de sección rítmica desplaza el eje hacia la polifonía. El proyecto se basa en materiales abiertos y desarrollo colectivo, con especial atención a la densidad sonora, la articulación tímbrica y la interacción en tiempo real. Se sitúan en el límite entre estructuras formales escritas y libertad improvisada.

En el escenario principal del Teatro Rivoli, Mané Fernandes, guitarrista, compositor e improvisador presenta sQuigg: playground_etiQuette, trabajo que consolida su perfil como compositor dentro de la escena experimental. Fernandes centra su lenguaje inspirado en las múltiples músicas de tradición afroamericana con procedimientos derivados de la electrónica y el uso de sampler. Se inscribe en una escena experimental que él mismo vincula a una estética post-beat. El proyecto se configura en torno al trío de guitarra, contrabajo y batería, con la guitarra situada como centro rítmico y textural. La escritura se construye a partir de estructuras minuciosas en las que el ritmo funciona como eje organizador de la armonía. La formación se amplía con José Soares al saxofón alto, que aporta mayor definición melódica. La incorporación de las voces de Almut Kühne y Mariana Dionísio introducen un trabajo vocal centrado en la articulación tímbrica y la superposición de capas. Ricardo Coelho suma percusión expandida y vibráfono, ampliando el campo sonoro hacia registros repetidos, junto a José Diogo Martins, piano, sintetizador, Luca Curcio, contrabajo, sampler y Simon Albertsen, batería y sampler.

Ursa Maior es un proyecto concebido originalmente para la 15ª edición del Festival Porta-Jazz y desarrollado posteriormente como dispositivo colectivo del ensemble de la asociación. Reúne a más de treinta músicos vinculados a Porta-Jazz en una formación que refleja la dimensión comunitaria. En esta edición, el eje conceptual se centra en la voz como materia sonora compartida. Todos los participantes incorporan su voz al discurso musical, configurando una estructura performativa donde el sonido, el gesto y el movimiento se integran. La acción se organiza en torno a un piano situado en el centro, que actúa como núcleo espacial y acústico. Los músicos se desplazan, se agrupan y reconfiguran en el espacio, generando un lenguaje visual que acompaña al desarrollo sonoro. Las voces van desde el murmullo hasta la proyección articulada. El resultado es una performance coral de gran escala. Con voces de Afonso Silva, Almut kühne, Ana Luísa Marques, André Silva, Antón Quintela, Beatriz Vieira, Clara Lacerda, Gil Silva, Gonçalo Ribeiro, Hugo Ferreira, Inês Gouveia, Joana Raquel, João Alves, João Fragoso, João Pedro Brandão, João Pedro Dias, João Próspero, João Silva Araujo, Josué Santos, Luís Castro, Mané Fernandes, Marco Coelho, Mariana Vergueiro, Miguel Meirinhos, Nuno Trocado, Pedro Molina, Rafael Gomes, Ricardo Coelho, Ricardo Moreira, Rui Catarino, Teresa Costa, Vera Morais, Xavier Nunes, Zé Stark.

Continuamos en el salón de café del teatro, con el set del DJ Rui Miguel Abreu, crítico musical en activo desde 1989, editor de la revista  Rimas e Batidas, además de ser colaborador habitual de la revista internacional We Jazz y autor del programa en Antena 3, Notas Azuis centrado en el mundo del jazz contemporáneo. Para continuar con el set de Pedro Tenreiro en una sesión de improvisación.