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Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett & The Big Machine. Jupiter Conjunct

Aaron Burnett
& The Big Machine.
Jupiter Conjunct

11

MAYO, 2021

Aaron Burnett, saxo tenor/ Adam O’Farrill, trompeta/ Joel Ross, vibráfono/ Carlos Homs, piano y teclado/ Nick Jozwiak, bajo/ Kush Abadey, batería/ Esperanza Spalding, voz (3, 9). Fresh Sound New Talent Records.

Entrevista y Texto:

Begoña Villalobos

Fotos:

Cedidas por Aaron Burnett

Jazz de vanguardia para otro de los títulos incluidos recientemente en el catálogo de Fresh Sound New Talent Records. Jupiter Conjunct es el título del álbum de nueve temas originales inspirados en el planeta más brillante, Júpiter, escritos por el saxo tenor y compositor Aaron Burnett acompañado por su banda: The Big Machine, es el nombre alegórico del proyecto creado por Aaron Burnett en 2008, que simboliza la unión sonora que existe entre ellos. Jupiter Conjunct, es la continuación del álbum debut de Aaron Burnett, Anomaly, publicado también por Fresh Sound en 2018, que incluye el increíble tema titulado Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine – at The Stone, NYC – July 5 2016

Jupiter Conjunct es un viaje interestelar de libertad e intensidad sonora de música improvisada, en la que Aaron Burnett traza complejas e innovadoras líneas compositivas, expresadas en un lenguaje Avant- jazz contemporáneo, buscando la conexión del Todo a través del sonido. Influenciado por la tradición del jazz, el álbum contiene elementos de la música electrónica, con matices EDM (Electronic Dance Music) concepto que desde 2012 se hizo fuerte en Estados Unidos. La propuesta de Aaron Burnett, de largos y angulosos desarrollos temáticos cuidadosamente elaborados, es arriesgada pero de resultado notable en coherencia y calidad. 

Abre el disco Color Durations, composición de inicio turbador y multiplicidad textural que proyecta la música hacia un espacio sonoro sin límites. Sigue, The Veil, en la que Adam O´Farril y Aaron Burnett inician el tema a una voz con una melodía cargada de tensión que se diluye con la brillantez de Joel Ross  al vibráfono y el espléndido solo de A. Burnett.

 Dos versiones de la pieza Ganymede en colaboración con la multipremiada bajista Esperanza Spalding  que elabora una improvisación vocal palpitante a la par del fraseo colorista de Joel Ross en un diálogo de trompeta y tenor, para acabar en un despliegue de fuerza de toda la banda.

Corey Wilcox & Aaron Burnett – Texture Improvisation – Picassonite.

Aaron Burnett & the Big Machine (2nd set) – at Erv’s, Brooklyn – Aug 3 2017

Callisto es el tema dedicado a Wayne Shorter, protagonizado por la nitidez de Nick Jozwiak al bajo en conexión con la suave y reposada línea melódica de Adam O´Farril. Sigue la pieza titulada IO, impulsada por la energía de los tambores de kush Abadey y el fraseo ágil de Joel Ross.

Ace of Swords es la composición más ligera con un elegante solo al teclado del neoyorquino Carlos Homs. Ether es la pieza, que abre Carlos Homs al Fender Rhodes, de sonido más electrónico. Europa es el interludio de menos de dos minutos inspirado en la música electrónica con un rápido fraseo de Aaron Burnett al saxo.

En Jupiter Conjunct Aaron Burnett & The Big Machine se produce una conjunción muy especial de estrellas que llenan el espacio de ilimitadas capas sonoras. La interpretación del líder, Aaron Burnett, es eléctrica de una potencia y energía desafiantes en todo momento.

Escrito por Begoña Villalobos

11 de Mayo de 2021

conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

Conversation #1- Arbenz/ Mehari/ Veras

Conversation #1-
Arbenz/ Mehari/ Veras

06

APRIL, 2021

Conversation#1 (Hammer Recordings, 2021) Florian Arbenz, batería/ Hermon Mehari, trompeta/ Nelson Veras, guitarra

Texto: Begoña Villalobos

Cuando un músico decide grabar el primer álbum de una serie de doce, nos indica el momento creativo y productivo en el que se encuentra. Esta vez, y para la primera entrega, el baterista suizo Florian Arbenz  líder de este proyecto, reúne al trompetista Hermon Mehari y al guitarrista brasileño Nelson Veras para el álbum de título: Conversation #1 , grabado en Basilea.

Los últimos trabajos liderados por Florian Arbenz, además de los álbumes con VEIN Trío, siguen la línea de jazz de vanguardia, Convergence (Hammer Recordings, 2020) , álbum a sexteto con Vistel Brothers  y Nelson Veras a la guitarra, y Reflections of the Eternal Line (Hammer Recordings & Inner Circle, 2020) álbum a dúo coliderado junto a Greg Osby.

Conversation #1 es la primera entrega de una serie de doce álbumes o conversaciones, todos ellos con diferentes músicos, en un proyecto de gran envergadura en el que Florian Arbenz pone a prueba su versatilidad, creatividad y buen gusto. El resultado de Conversation #1 es un trabajo impecable de diálogo e intercambio de ideas entre los intérpretes (batería, trompeta y guitarra) como vehículo de expresión abierta y libre de alta calidad en todo el disco.  El proceso de creación surge en la interacción de los músicos prácticamente en tiempo real, en la que el elemento principal son las improvisaciones a tres, en un diálogo suelto y sin restricciones.

Arbenz X Mehari / Veras | Let’s Try This Again (2021)

Con un concepto poliestilístico de jazz de vanguardia, Florian Arbenz junto con Hermon Mehari y Nelson Veras, en una formación inusual (batería, trompeta y guitarra, respectivamente), exploran las diferentes posibilidades sonoras y tímbricas, proyectando una voz compacta de foco conversacional centrado en el sonido en interacción. 

Abre el disco la composición de Florian Arbenz, Boarding the Beat, de estructura abierta. Let´s try Again (H. Mehari) y Dedicated to the Quintessence (composición de F. Arbenz) son dos de las pistas donde se aprecia el predominio de largas y cálidas líneas melódicas de la trompeta del estadounidense Hermon Mehari. Groove A, es una composición de F. Arbenz de concepto más estructurado. Dos baladas, Vibing With Mr. Feldman (F. Arbenz) y Olha María, balada compuesta por C. Jobim, en la que Veras radia una sensible e introspectiva musicalidad armónica y rítmica de raíces brasileñas en conversación con el suave toque de Mehari. Escuchamos una explosión de vitalidad con predominio de los tambores en los temas In Medias Res (de F. Arbenz), Race Face (O. Coleman).  Circle, excepcional tema de Florian Arbenz, de constantes inflexiones expresivas y texturales en una enérgica conversación entre batería, trompeta y guitarra.

Cierra el álbum Freedom Jazz Dance, la melodía clave, composición de Eddie Harris, que Miles Davis convirtió en estándar. En este tema el trío despliega una improvisación libre y abierta con increíbles giros armónicos de espectacular síntesis estética de su conversación.

Written by  Begoña Villalobos

April 06, 2021

Abe Rábade, la semántica del sonido

Abe Rábade, la semántica del sonido

Abe Rábade. 
La semántica del sonido

10

MARZO, 2021

Sorte (2020, Nuba Records) Abe Rábade, piano, composiciones/ Pablo Martín Caminero, contrabajo/ Bruno Pedroso, batería. Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Entrevista y Texto:
Begoña Villalobos

Fotos:
Afonso Sestelo
https://asestelo.com/ 
© Elvira Megías

El pianista y compositor Abe Rábade es un artista en el sentido amplio de la palabra, con formación musical, literaria, poética y filosófica; con una afinada sensibilidad está dedicado a las bellas artes de naturaleza creativa y valor estético. Después de catorce álbumes como líder, incluidas tres obras para grandes formatos y varias producciones poético-musicales, publica Sorte (2020, Nuba Records), título del último álbum para su trío habitual, compuesto por Pablo Martín Caminero al contrabajo y Bruno Pedroso a la batería. Sorte está estructurado en cuatro trípticos que recrean las cuatro partes del día con una total intención de libertad en los solos de los miembros del trío. 

En la entrevista, Abe Rábade nos cuenta las cualidades que revisten el sonido, comparte su experiencia en el proceso de la composición, la interpretación, el tiempo, el orden, el caos. En definitiva, habla del relato que integra el arte de la creación.

REVOLUTIONARY – Angela Davis – Transcribed & harmonized by Abe Rábade

SINCRONÍA 

Tanto el aprendizaje como el desarrollo o relato que se construye en una carrera artística, en este caso, pianística, jazzística, musical, nunca es lineal, ni debe serlo. Pienso que el autoconocimiento de lo que esta sucediendo en tu carrera es muy limitado, lo cual es maravilloso. Los mimbres con los que tienes que lidiar están ocultos y no son muy conscientes. Cuando colaboras con otros músicos surge una nueva dimensión de uno mismo desconocida que amplifica la visión. Por ejemplo, Pablo Martín Caminero, que colabora en mi trío desde hace más de doce años, incluye el ingrediente del flamenco, entonces se abre un vector que tiene un potencial brutal y muy concreto; otro ejemplo, Nordestinas de 2006 es un disco con dos voces de tradición gallega y un piano. Me mandaron, a capela, las versiones de los temas que yo armonicé; el resultado de la obra es un híbrido muy curioso de música lírica gallega cantada con piano. Esa influencia llega y me fuerza, favorablemente, a tocar piano solo en un escenario con dos voces. A veces -mola- tener facilidad para la música, pero también -mola- tener dificultad, ya que las dificultades hacen surgir de ti una parte creativa. Stravinsky tiene la frase maravillosa: “La creatividad aflora con los límites”. 

Los músicos estamos siempre sumergidos en lo simbólico. Lo que se manifiesta cuando estas tocando en el escenario no esta en la esfera discursiva, aunque hay un vector de lo que está sucediendo que es codificable en el discurso de música escrita o en la adjetivación, lo que surge es a nivel anímico; además también existe una dimensión física, de baile, que tiene que ver con la pulsación, con el cuerpo, que necesita de la sincronía. En nuestro caso, hay que situar -a tres- dónde esta la energía y dónde descansa, ya que estamos apelando constantemente a lo emocional, es por eso que la música engancha tanto, es una vía distinta de comunicación.

ORDEN 

Muchas veces, el campo de juego para elaborar una carrera artística depende mucho del contexto que tiene mucho de azaroso y mucho de Sorte, de lo imponderable, de lo que, afortunadamente, no puedes controlar. Conciertos mimbres de los que surgen estas dificultades, o muchas veces de azares neutros salen eslabones en tu carrera que se van encadenando unos a los otros, y vuelvo a la idea de la no linealidad. Puedes planificar lo que quieras, que toda esa planificación saturniana necesita a Urano, necesita del caos, necesita que no haya control. La forma más honesta de contestar a la pregunta sobre mi evolución, es que entiendo que he llegado a un punto en el cual sé que al menos esos dos polos deben de estar dialogando en un concierto y en un disco. El polo de la estructura que encorseta y da forma y el polo de la libertad. En el escenario la obra tiene que ser un organismo vivo, que recoja el pálpito. Hay que tocar lo que aflora. Prometeo y Epimeteo, el orden y el caos, son dos tipos de temporalidad diferente. En el fondo tiene que haber una conciliación, la forma pura no existe. Empiezo a saber que la madurez artística tiene que ver con entender que hay cosas que no se pueden ni se deben controlar. Hay un ingrediente fundamental que tiene que ver con la libertad y con la manifestación de lo que esta pasando en el momento. La idea es que aquello que estudias como algo rígido, lo haces para que en el escenario se suelte y se humedezca. En el fondo es como un baile. Esto no implica que haya falta de rigor; en este disco en concreto me vuelvo loco para montar esto en los conciertos, los obbligatos de piano son complejos.

Abe Rábade | Piano Solo – Vitoria – Gasteiz 2020

ABE RÁBADE TRÍO- «Arabesco da Iria»

ABE RÁBADE TRÍO – «Like Sonny»

RECREACIÓN

Creo que la improvisación en el jazz no existe, existe la variación y la composición en tiempo real. La improvisación en el jazz nace con las Marching Bands, y las tradiciones orales tienen esto. En portugués hay una expresión que dice: Quem conta um conto acrescenta um ponto. La impro es eso.

Si tocas varios palos, como música tradicional, un poco de música clásica, mucho jazz y música experimental, aparece un discurso musical algo más rico y evolucionado como resultado a la integración de estas músicas. Empiezo a entender cómo se integran todas las músicas que llevo palpitando dentro, en el fondo me hace sentir genuino. Lo primero que le llega al público es si lo que vas a tocar es genuinamente tuyo. Eso es algo que va más allá de la música, es el abordaje antes de tocar una nota. Los japoneses lo llaman ki (energía), es lo que acompaña las cosas. Es la actitud, el impulso, la voluntad consciente con la que lanzas algo. El esfuerzo está fuera -antes- de la nota, las teclas son el descanso. Hacer esa codificación de cómo -quiero sonar- tiene que ver con una concepción muy integral de ti.

TIEMPO

Componer, tocar en directo, grabar, la divulgación en prensa, es un ciclo y es importante saber observar en qué momento estás. El disco, Sorte, es el fruto de un azar loco de dos semanas de dejar venir composiciones sin parar y pasarlas a limpio al piano. He aprendido que no puedes dominar esos embriones que llegan como una pulsión de creatividad, tienes que saber que esos mimbres valen oro. Después, en un tiempo más epimeteico, tienes que pararte con la capacidad de análisis. Este disco tiene mucho de mi experiencia de obra sinfónica, como la propia estructura, de cuatro cuadrantes en trípticos, buscando asimetrías. La música para formatos más grandes tiene que plasmarse de una forma más pétrea. Me han pasado cosas curiosas, la obra que estrené con la Real Filharmonía de Galicia, Tempos Velados (2017), la había preparado para coro mixto, orquesta sinfónica y piano. Piano concertante integrado en la orquesta, el solista de la obra era el coro. Paul Daniel no quería que fuese tan estructurado y clásico, quería que yo improvisase por encima de la orquesta y me dio esa libertad.  . 

Para mí, lo más importante es el ritmo, el molde más grande es el vector ritmo-dinámica y la fuerza, saber en qué lugar esta la energía concentrada. Aunque lo central es la integración de cada uno de los vectores: ritmo, improvisación y melodía.

Tengo una relación bonita con el tiempo. La música es un arte que va del tiempo.

Cuando empecé a cuadrar y a ordenar Sorte, busqué un referente visual -un símbolo-, y una vez eso estaba claro, lo organicé por la gama del color. Más tarde necesitas testarlo, ese proceso es largo; si puede ser antes de grabar el disco, mejor. 

ESCENA

El escenario es liturgia, no es un simulacro, y hay elementos que solo hay en la liturgia, y que solo se van a resolver ahí. Es bonito sentir que los proyectos tienen vida, tienen un inicio medio mágico, también un momento muy prosaico. Para este disco, Bruno Pedroso y Pablo Caminero vinieron a Santiago para ensayar, tocar y grabar el directo por primera vez en mi casa con algunos colegas invitados, y ver qué cosas había que modificar. Un mes después lo tocamos en el Círculo de Bellas Artes (Madrid), luego lo hicimos en Bangladesh antes del confinamiento y fue genial. Ese fue el test de fuego. Con la pandemia se paró todo y por fin se graba en octubre.

Es bonito ver ese nacimiento, ese cauce de vida y ese final y notar como brotan otros procesos que muchas veces van en paralelo. Tengo varios proyectos en activo, uno a Piano Solo; otro que se llama Lorca Namorado. El trío se mantiene en el tiempo, llevamos doce años juntos. Creo que es imposible que haya cierta longevidad en un proyecto sin tener en cuenta que el factor humano y el factor artístico están vinculados. El factor humano casi es más importante, no te digo que no haya conflicto, el conflicto es inherente a la vida. Cuando hay conflicto es fundamental tener herramientas para mitigarlo e incluso para transformarlo en algo beneficioso.

En el caso de la música es increíble, porque la música es danza que toca el suelo sonando. Es pensamiento que suena. La música es invisible, pero está viva en el aire. Últimamente coqueteo con una definición de música como movimiento intencionado: La música mueve el aire, lo hace vibrar con una intención. La música es pura expresión. El escenario te hace ver cosas, tienes que ser muy crítico contigo y a la vez tratarte con cariño para que haya evolución artística.

Escrito por Begoña Villalobos

10 de Marzo de 2021

Francisco Mela: Mpt Trío

Francisco Mela: Mpt Trío

Francisco Mela:
MPT Trío

13

FEBRERO, 2021

Francisco Mela, batería/: Hery Paz, saxo/ Juanma Trujillo, guitarra (577 Records). Jazz de Vanguardia

 

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Cedidas por Francisco Mela

Después de grabar con Half Note Records

y encabezar varias formaciones como líder, es visible que el baterista y compositor Francisco Mela, es un peso pesado del jazz de vanguardia con una trayectoria más que ascendente y una capacidad creativa desbordante. Acaba de publicar un nuevo álbum a trío compuesto por Hery Paz, y por Juanma Trujillo, dando nombre al trío, MPT, (2021, 577Records).

Francisco Mela ‘Calipso’ from album ‘MPT Trio Volume 1’ due Jan 15, 2021 via 577 Records

Hace unos años dirigí una jam session en el Why Not Jazz Club (Manhattan, NYC), allí conocí a Hery Paz. Hery me llamó mucho la atención, ya que en su toque demostró que estaba escuchando una tendencia saxofonística que viene del free. Hery Paz es un saxofonista con madurez, ideología y visión. Empezamos a tocar a dúo en mi casa. Más tarde, escuché a Hery Paz con Juanma Trujillo y el proyecto a trío (MPT) empieza a tomar forma (Francisco Mela).

El line-up que compone MPT Trío (Mela, Paz y Trujillo) está formado por el saxo tenor y artista plástico, compatriota de Mela, Hery Paz, una de las figuras sobresalientes en la escena jazzística de NY y por el guitarrista venezolano Juanma Trujillo, que encarnan, con un sello personal tanto a nivel compositivo como interpretativo, el espíritu del jazz de vanguardia. La banda está inspirada en el trío de Joe Lovano, Bill Frisell y Paul Motian.

MPT Trío Volumen1 es un baile sonoro de libertad jazzística con influencias de Free jazz y Avant- Garde; esa es la línea, el estilo por el que nuestro protagonista se ha sentido atraído y cómodo desde el principio, sin olvidar sus raíces afrocubanas que también están presentes en forma de elementos sonoros como campanas y tambores cubanos, evolucionados hacia una música contemporánea creativa.

Hace más de una década Francisco Mela se traslada desde Cuba a Boston para estudiar en Berklee College of Music, fijando su residencia en Nueva York. Como el talento no se esconde fácilmente, en poco tiempo se une al cuarteto de Joe Lovano (2005), al quinteto Us Five y en 2009 forma parte del trío del legendario pianista McCoy Tyner 

Fui muy riguroso respecto a lo que yo quería tocar: jazz. Lo he tomado con seriedad. Me gusta tocar en forma, con tiempos, con compases, con estructuras armónicas-melódicas pero también me gusta tocar libre, tocar sonidos. Después de un concierto en Blue Note, McCoy se despidió de Cecil Taylor y me dijo -yo hubiera querido ser tan free como este señor-. McCoy se sentía free en su interior, su expresión es libre. Después de tocar con él diez años, cuando muere se quedó en mi mente y en mi corazón. Por eso mi siguiente proyecto es un homenaje a McCoy Tyner llamado – Music Frees Our Souls (volumen 1, 2 y 3)-. Es un proyecto de tres LPs con tres pianistas Avant Garde (Matthew Shipp, Cooper-Moore, Leo Genovese) y con el bajista de Cecill Taylor, William Parker Los álbumes los sacaremos a final de 2021 con 577 Records ¿Qué mejor homenaje puedo hacer a McCoy Tyner como agradecimiento al regalo que viví con él? (Francisco Mela).

We play music to free our souls- (McCoyTyner).

Una de mis referencias ha sido y es hasta el día de hoy Roy Haynes, incluso quería ponerme su sombrero. Tengo otros referentes como Andrew Cyrille, Milford Graves, Paul Motian. Roy Haynes me impresionó pero Paul Motian, con su sutileza, me inspiró. Para llegar a un estado mental artístico hay que caminar muchas millas a pie. No sigo clichés, sigo el sonido, es lo que me inspira (Francisco Mela).

McCoy Tyner, Joshua Redman, y Francisco Mela

Joshua Redman, Gerald Cannon, y F. Mela

Joe Lovano, Gerald Cannon, y F. Mela

Hery Paz, Cooper Moore, Francisco Mela, y Juanma Trujillo

Francisco Mela, Chucho-Valdés, y Arúan Ortiz

Craig Taborn, Gerald Cannon, y Francisco Mela

McCoy Tyner, y Francisco Mela

McCoy Tyner, Jeff Levison, y Francisco Mela

Joe Lovano, Esperanza Spalding, y Francisco Mela

Después Mela ha ido consolidándose como compositor con varios álbumes de notoria importancia, todos ellos aclamados por la crítica y por el público; debuta en 2006 con Melao junto a George Garzone Joe Lovano, Leo Genovese, Peter Slavov entre otros. Durante una residencia en el club Blue Note de Nueva York publica su segundo álbum, Cirio (2008, Half Note Records) un directo junto a Mark Turner Jason Moran, entre otros. Tree Of Life (2011, Half Note Records). En 2016 lidera el Trio Crash (Gerald Cannon y Leo Genovese) con el álbum FE, junto al guitarrista John Scofield como invitado especial. Ha tocado y grabado con Kenny Barron, Esperanza Spalding, Aruán Ortiz, Chucho valdes, John Patttucci, Gary Bartz, Paquito D’Rivera, etc. 

Por todo ello Francisco Mela se ha ido configurando como una de las personalidades más atrayentes en la escena del jazz de vanguardia de Nueva York, por su lenguaje particular de libertad creativa y la calidad rítmica que le caracteriza.

La primera entrega (Vol.1) de MPT Trío la conforman ocho composiciones originales de jazz de vanguardia. Abre el álbum Calypso, una composición fantástica de Juanma Trujillo, que comienza con un largo solo de percusión preludio de una fluida conversación con el saxo. Vino, excelente composición en 5/8 de Mela, sin fraseo establecido, entre batería, saxo y guitarra. Suite For Leo Brouwer, es un homenaje de Mela al compositor cubano de orquesta sinfónica Leo Brouwer, música con la que Mela creció. Naima, tema inspirado en su hija. Los temas, Sustain y Whisper, están compuestos por Hery Paz.

 

He tocado con grandes maestros que me han inspirado no solo musicalmente sino también en cuanto a conceptos vitales. Cuando pregunté a Larry Grenadier qué estaba trabajando en ese momento, me dijo: – Estoy estudiando cómo no tocar lo que no me gusta escuchar de mi-. Mark Turner dijo algo parecido (Francisco Mela).

Hoy, todo lo que escucho de lo que toco me hace estar cómodo. Ese es el estado mental que andaba buscando desde hace años. Estoy en el camino para seguir mi proceso (Francisco Mela).

Francisco Mela – «Vino» (Ancestros)

Escrito por Begoña Villalobos

13 de Febrero de 2021

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso Quartet: Out (2020)

Alexis Alonso
Quartet: Out (2020)

04

FEBRERO, 2021

Alexis Alonso, piano/ Ciro Hernández, cello/ Roberto Amor, batería/ Moisés García, contrabajo/ 

Invitados: Ralph Alessi, trompeta/ Seamus Blake, saxo tenor/ Pedrito Martínez, percusión/ Paula Toral, violín/ Fran Rodríguez, saxo tenor/ Oscar Hernández, trompeta

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Aarón S. Ramos / Sergio Méndez 
©Auditorio de Tenerife / Miguel Barreto

Habitual en las nominaciones a mejores artistas/discos de Jazz en diferentes y prestigiosos premios desde hace ya unos cuantos años (Premios MIN, Premios Canarios de la Música, Festival Fimucité), el tinerfeño Alexis Alonso ha ido poco a poco labrando una carrera asentada en la huida constante del inmovilismo con el pulso firme de un corredor de fondo, aunando el reconocimiento de crítica y público con cada nuevo paso dado.

©Auditorio de Tenerife / Miguel Barreto

Alexis Alonso Quartet – Videopromo «OUT» (new album 2020)

Con unos orígenes anclados en el Rock y en el Jazz como multi-instrumentista en May Day, Siglo XXI o Nine Seconds Quartet y una destacada trayectoria como compositor de bandas sonoras, Alexis Alonso ha ido afianzándose como una de las figuras más interesantes en el panorama del Jazz contemporáneo a base de una labor incansable en la búsqueda de nuevos caminos por los que dar rienda suelta a la fuerza expresiva del piano, envolviéndose en diferentes formatos y enfoques de la composición con cada nueva entrega de su discografía y apostando por lo multidisciplinar y lo audiovisual en su concepto del directo.

Si tuviéramos que establecer una línea de unión para definir los rasgos generales presentes en los diferentes trabajos que Alexis Alonso ha ido presentando en estos últimos años, la búsqueda de la belleza y la emoción sería seguramente una de las pocas características constantes. Alonso siempre aboga por el lirismo y la emotividad a la hora de encarar sus composiciones: la experimentación y la búsqueda de nuevas formas expresivas nunca se manifiestan desde la tensión, la incomodidad o el rupturismo, ya sea desde el intimismo melancólico de sus dos excepcionales discos de piano solo (El Paisaje y The Birth of Time, de 2014 y 2016 respectivamente) o desde el caleidoscopio creativo de su actual cuarteto. 

Alexis Alonso Quartet – Last Minute (Live / Festival Canarias Jazz & Más Heineken 2018)

La inclusión del violonchelo a manos de Ciro Hernández como inusual cuarto elemento en el cuarteto de Alexis Alonso ya supuso una nota de color distintiva y extremadamente efectiva en el anterior disco de Alonso, IN (2018). Dos años después, a modo de continuación lógica o como complemento perfecto a aquel disco, nos encontramos en OUT con una formación (completada por la batería de Roberto Amor y el contrabajo de Moisés García) sólida y eficaz que funciona con precisión de relojero y que consigue llevar las composiciones del pianista canario a diferentes planos de brillantez y emotividad en un verdadero cóctel de influencias, sensibilidades y texturas que funciona a la perfección. 

OUT suena expansivo, ambicioso, brillante y luminoso. Música grande. Hay clasicismo, como en la romántica y emocionante apertura del disco con Walking on the Water o en su no menos romántico cierre con Resurrection; hay espacio para el juego (el pulso casi drum’n’bass de Roberto Amor en Grooving Dance, los aires arabescos de la impecable Mudejar Place o el colorido latin de las percusiones de Pedrito Martínez en Blue Trip, por ejemplo), hay hueco para colaboraciones de lujo (presten atención a la trompeta de Ralph Alessi en 60 Seconds of Beauty y, sobretodo, al saxo de Seamus Blake en Serengueti, uno de los mejores temas de OUT) y hay, sobretodo, el talento desbocado de un pianista en estado de gracia.

OUT supone un viaje de algo más de una hora a través de un montón de ambientes, paisajes y estados emocionales que hay que disfrutar con calma y atención, huyendo de intelectualizaciones y con la mente y el corazón bien abiertos.

 Permítanse el placer de bucear en este disco, créanme cuando les digo que es una experiencia que vale la pena.

Escrito por Ricky Lavado

04 de Febrero de 2021

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Hermon Mehari, Entrevista Y Reseña: A Change For The Dreamlike

Hermon
Mehari, Entrevista Y Reseña:
A Change For The Dreamlike

28

ENERO, 2021

Hermon Mehari, trompeta/ Tony Tixier, piano/ Peter Schlamb, piano, vibráfono/ Ryan J. Lee, batería/ Kae Dilla, Rhodes, sintetizador/ DeAndre Manning, bajo/ Hugo LX, batería, producción/ Tesfal Tsehaie, voz/ Karl McComas-Reichl, bajo/ Jeff Hill, batería/ Zach Morrow, producción de batería

 

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Nancy Pappas, James O´Mara

A Change for the Dreamlike, distribuído por MiRR/ L´autre es el nuevo álbum que el compositor y trompetista, Hermon Mehari realizó durante el confinamiento por la pandemia en Francia, donde reside. El disco se grabó en un granero de la campiña francesa de una forma peculiar, junto a colaboradores cercanos al autor, como Tony Tixier al piano, Peter Schlamb al vibráfono y Ryan J. Lee a la batería. 

El nuevo álbum es una excusa para hacer un repaso del trompetista. Haciendo una retrospectiva de su trayectoria, este músico emergente maestro de la trompeta, crece en la comunidad tradicionalmente musical de Kansas City. Es un prolífico colaborador de la escena internacional de jazz actual, tanto en EEUU como en Europa, y participante activo en el colectivo de música parisina MiRR.

 

 

Hermon Mehari – Dreamscapes ft. Hugo LX

Kansas City es un lugar especial porque es uno de los pilares de esta música. Ha habido varias generaciones de músicos que han aprendido unos de otros y han mantenido viva la tradición. Bobby Watson  fue y es una de las mayores influencias musicales para mí. Me tomó bajo su protección y realmente creyó en mí. Poder interactuar con alguien que es parte del «árbol» es muy importante para comprender. Las personas de una generación antes que la mía, también han moldeado mi voz, como Logan Richardson. También mis compañeros como el baterista Ryan J. Lee, el vibrafonista / pianista, Peter Schlamb y el bajista Ben Leifer me han enseñado mucho. Los músicos de Kansas City son con los que me siento más conectado, así que trabajo con ellos tanto como puedo hasta el día de hoy, a pesar de que estoy basado en París. El Medio Oeste ha contribuido al corazón y el alma de esta música, y eso se puede ver en la música de Pat Metheny, Logan Richardson, Bobby Watson, Charlie Parker y muchos otros (Hermon Mehari).

A diferencia de su álbum debut (Bleu), A Change for the Dreamlike es un disco muy personal, como dice el autor, es una especie de diario centrado en el presente, en las visiones, los deseos, fantasías y recuerdos que conforman una mixtape de sueños y conexiones personales. Se nota la raíz africana en su música, sobre todo en su segundo trabajo, el álbum del que nos estamos ocupando, que es más introspectivo que el primero ya que ésta pensado desde otro enfoque y en un momento de reflexión vivido por el músico en el confinamiento.

El sonido de la trompeta, conectado con los ritmos de raíz africana, es el hilo conductor de todos los temas. Shenandoah es el tema que abre el disco, una referencia a la canción popular del S. XIX, un tema que siempre quiso grabar. Let´s Try this Again, tema de ágil conversación entre trompeta y piano con Tony Tixier. En A Conversation with My Uncle, Mehari acompaña la narración de voz de su tío con la trompeta. Eritrea, tema grabado junto con el D.J parisino Hugo LX en la producción de la batería y Peter Schlamb al vibráfono, que colabora en los dos discos de Mehari. El estilo compositivo de Eritrea ésta basado en la música eritrea, siendo un registro a la memoria de su padre, de la historia sobre el camino que su padre hizo como refugiado, durante la guerra entre Eritrea y Etiopía. La balada, All Alone, de trompeta, Rhodes y sintetizador con Kae Dilla. I Cry for Our People registrada con Ryan J. Lee, tiene que ver con el dolor en relación a la diáspora africana. 

La integración de mis raíces africanas, inherentemente ligadas a la cultura afroamericana, es algo inconsciente para mí. La forma en que escucho la música se desarrolló a través de mi educación cultural. Además, he pasado la mayor parte de mi vida estudiando música afroamericana. Yo diría que la única forma en que he incorporado consciente y decisivamente mis raíces ha sido recientemente en mi último disco con las canciones «A Conversation With My Uncle» y «Eritrea». (Hermon Mehari)

Hermon Mehari – All Alone ft. Kae Dilla

El estilo de Hermon Mehari es contemporáneo, de técnica brillante y una fuerte presencia melódica. Un sonido suave, elegante y profundo. Una delicia para el oído. Destacado recientemente en álbumes como el de Alexis Valet Library of Babel, Electric Tinks de Peter Schlamb, High Skies de Matt Villinger, The Escape de Benjamín Sanz, Power de Hugo KL, por citar algunos. Fue miembro fundador del grupo de jazz Diverse, junto al batería de Ryan Lee y el bajo de Ben Leifer. 

En términos de trompeta, la mayoría de mis influencias más fuertes no son trompetistas. Siempre he gravitado más hacia el saxofón y la voz. En términos de sonido, tengo un tono menos metálico, un poco más dulce y redondo. También refiné (sigo refinando) mi sonido a través de lo que se considera «pedagogía clásica» (un término engañoso), al haber estudiado en el conservatorio y seguir buscando el consejo de los más grandes productores de sonido de trompeta. Dicho esto, por supuesto que me han influido los trompetistas fuera del ámbito clásico, en particular Clifford Brown, Miles Davis, Louis Armstrong, Nicholas Payton y Ambrose Akinmusire. Escuché a Ambrose, hace más de doce años por primera vez, me abrió los oídos a muchas posibilidades diferentes con la trompeta. (Hermon Mehari)

El álbum presentación como líder de Hermon Mehari, titulado Bleu (2017), es un trabajo compositivo sobresaliente. La banda que selecciona para el primer álbum a su nombre, grabado en sexteto, es un desfile de figuras de primera línea, como Aaron Parks (piano, teclados), Logan Richardson (saxofón alto), Peter Schlamb (vibráfono), Ryan J. Lee (batería), Rick Rosato (bajo)

En la actualidad tengo algunos proyectos en los que se estoy trabajando al mismo tiempo: un dúo con el pianista de Florencia Alessandro Lanzoni, un dúo con Peter Schlamb, un proyecto de cuarteto analógico inédito con Peter, Ryan Lee y Ben Leifer, y mi seguimiento de » Bleu «. (Herman Mehari).

Hermon Mehari Plays «I’ve Grown Accustomed To Her Face» (feat. Aaron Parks)

Escrito por Begoña Villalobos

28 de Enero de 2021

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