Víctor de Diego Haize Berriak Review

El cuarteto formado por Roger Mas al piano, Giuseppe Campisi al contrabajo y Andreu Pitarch a la batería funciona desde esa lógica de interacción abierta. No se trata de músicos acompañando a un líder, sino de una formación concebida desde la afinidad estética y la escucha mutua. De Diego compone precisamente pensando en eso: no en conceptos abstractos o narrativos previos, sino en los músicos concretos con los que va a tocar. Las piezas nacen habitualmente de grooves, células rítmicas, líneas melódicas o dinámicas de interacción que después encuentran una identidad más definida en el ensayo y en el escenario. Los títulos llegan más tarde, casi como una forma de asociar emocionalmente la música con personas o lugares significativos.

Eso explica que temas como El tigre de Rekalde esté dedicados a su padre, aunque la composición no haya sido concebida inicialmente como retrato musical de nadie. Se abre así el disco con una estructura que remite al hard bop, aunque tratada desde una perspectiva más abierta. El diálogo inicial entre saxo y piano marca desde el principio una voluntad de contención y de construcción progresiva del discurso. No hay urgencia por imponer tensión; el interés reside más en el desarrollo interno del tema y en cómo cada improvisación se inserta orgánicamente en la forma.

Amatxu, dedicada a su madre, explora el terreno de la balada. Aquí De Diego trabaja con uno de sus registros más eficaces: la administración del silencio, el fraseo largo y una expresividad que evita deliberadamente cualquier exceso sentimental. El resultado es una pieza íntima, sostenida también por un trabajo particularmente delicado del piano.

Sabiñe, dedicada a su nieta, introduce un giro rítmico más dinámico. La composición evoluciona hacia una pulsación con resonancias latinas, permitiendo que la batería y el contrabajo amplíen el campo de interacción. El desarrollo improvisatorio mantiene, sin embargo, la lógica general del álbum: claridad formal y prioridad de la cohesión sobre el virtuosismo.

En Collserola, quizá la pieza más atmosférica del repertorio original, De Diego parece interesarse por la idea de paisaje sonoro. La composición se mueve con mayor libertad estructural y permite al cuarteto explorar espacios de menor densidad, donde la respiración colectiva se convierte en elemento central del discurso.

Es, sin embargo, en las reinterpretaciones donde el disco plantea sus decisiones más interesantes.

La versión de Syedaas Song Flute, de John Coltrane, evita conscientemente la imitación del original y opta por una lectura más contenida, menos centrada en la intensidad espiritual del modelo y más en sus posibilidades melódicas y tímbricas. De Diego no intenta dialogar con el Coltrane más monumental, sino con su dimensión más lírica. El resultado es una versión que gana en transparencia, aunque sacrifica parte de la tensión emocional que define la composición original. La batería de Pitarch, con sus cambios de textura y acentos desplazados, introduce aquí algunos de los momentos más abiertos del disco.

All The Things You Are, de Jerom. Kern y Oscar Hammerstein, probablemente uno de los estándares más revisitados del repertorio jazzístico, se presenta desde una aproximación respetuosa pero no conservadora. La exposición del tema mantiene intacta su reconocible arquitectura armónica, mientras que las improvisaciones exploran con naturalidad sus posibilidades sin necesidad de deconstrucción radical. Especialmente destacable es el trabajo de Campisi, cuyo solo introduce una perspectiva melódica particularmente sólida y equilibrada.

En Where Are You, de Jimmy McHugh y Harold Adamson, De Diego vuelve al terreno de la balada, esta vez enfrentándose a un repertorio inevitablemente asociado a grandes voces instrumentales del jazz tenor. Su lectura evita cualquier dramatización excesiva y apuesta por un sonido depurado, casi austero, que encuentra en Roger Mas un interlocutor ideal. Más que reinterpretar el estándar, el cuarteto parece examinarlo desde dentro, prestando atención a sus resonancias emocionales sin alterar sustancialmente su identidad.

El cierre del álbum con Ara Nun Diran (Nere Amatxurentzat), canción tradicional vasca de José María Iparraguirre, introduce una dimensión distinta dentro del conjunto del álbum. Aquí la relación entre jazz y material popular se resuelve desde el respeto estructural y la ampliación tímbrica. El uso del arco por parte de Campisi añade densidad expresiva, mientras el cuarteto evita convertir la pieza en simple exotismo identitario. Más bien se plantea como una integración natural de la memoria cultural dentro del discurso contemporáneo del álbum.

Así, Haize Berriak destaca por su capacidad para mantener una tensión constante entre intimidad y apertura. El disco avanza sin artificios, permitiendo que cada pieza encuentre su propio tempo emocional y que el cuarteto desarrolle una narrativa basada en la confianza mutua más que en la exhibición individual. Hay una sensación de equilibrio poco frecuente: las composiciones conservan una gran claridad estructural sin perder espontaneidad, y las reinterpretaciones dialogan con el repertorio desde la naturalidad, evitando tanto la reverencia excesiva como la reconstrucción forzada. El resultado es un álbum sobrio y cuidadosamente articulado, donde la coherencia interna termina siendo su rasgo más convincente.