Hermon
Mehari, Entrevista Y Reseña:
A Change For The Dreamlike

28

ENERO, 2021

Hermon Mehari, trompeta/ Tony Tixier, piano/ Peter Schlamb, piano, vibráfono/ Ryan J. Lee, batería/ Kae Dilla, Rhodes, sintetizador/ DeAndre Manning, bajo/ Hugo LX, batería, producción/ Tesfal Tsehaie, voz/ Karl McComas-Reichl, bajo/ Jeff Hill, batería/ Zach Morrow, producción de batería

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Nancy Pappas, James O´Mara

A Change for the Dreamlike, distribuído por MiRR/ L´autre es el nuevo álbum que el compositor y trompetista, Hermon Mehari realizó durante el confinamiento por la pandemia en Francia, donde reside. El disco se grabó en un granero de la campiña francesa de una forma peculiar, junto a colaboradores cercanos al autor, como Tony Tixier al piano, Peter Schlamb al vibráfono y Ryan J. Lee a la batería. 

El nuevo álbum es una excusa para hacer un repaso del trompetista. Haciendo una retrospectiva de su trayectoria, este músico emergente maestro de la trompeta, crece en la comunidad tradicionalmente musical de Kansas City. Es un prolífico colaborador de la escena internacional de jazz actual, tanto en EEUU como en Europa, y participante activo en el colectivo de música parisina MiRR.

Hermon Mehari – Dreamscapes ft. Hugo LX

Kansas City es un lugar especial porque es uno de los pilares de esta música. Ha habido varias generaciones de músicos que han aprendido unos de otros y han mantenido viva la tradición. Bobby Watson  fue y es una de las mayores influencias musicales para mí. Me tomó bajo su protección y realmente creyó en mí. Poder interactuar con alguien que es parte del “árbol” es muy importante para comprender. Las personas de una generación antes que la mía, también han moldeado mi voz, como Logan Richardson. También mis compañeros como el baterista Ryan J. Lee, el vibrafonista / pianista, Peter Schlamb y el bajista Ben Leifer me han enseñado mucho. Los músicos de Kansas City son con los que me siento más conectado, así que trabajo con ellos tanto como puedo hasta el día de hoy, a pesar de que estoy basado en París. El Medio Oeste ha contribuido al corazón y el alma de esta música, y eso se puede ver en la música de Pat Metheny, Logan Richardson, Bobby Watson, Charlie Parker y muchos otros (Hermon Mehari).

A diferencia de su álbum debut (Bleu), A Change for the Dreamlike es un disco muy personal, como dice el autor, es una especie de diario centrado en el presente, en las visiones, los deseos, fantasías y recuerdos que conforman una mixtape de sueños y conexiones personales. Se nota la raíz africana en su música, sobre todo en su segundo trabajo, el álbum del que nos estamos ocupando, que es más introspectivo que el primero ya que ésta pensado desde otro enfoque y en un momento de reflexión vivido por el músico en el confinamiento.

El sonido de la trompeta, conectado con los ritmos de raíz africana, es el hilo conductor de todos los temas. Shenandoah es el tema que abre el disco, una referencia a la canción popular del S. XIX, un tema que siempre quiso grabar. Let´s Try this Again, tema de ágil conversación entre trompeta y piano con Tony Tixier. En A Conversation with My Uncle, Mehari acompaña la narración de voz de su tío con la trompeta. Eritrea, tema grabado junto con el D.J parisino Hugo LX en la producción de la batería y Peter Schlamb al vibráfono, que colabora en los dos discos de Mehari. El estilo compositivo de Eritrea ésta basado en la música eritrea, siendo un registro a la memoria de su padre, de la historia sobre el camino que su padre hizo como refugiado, durante la guerra entre Eritrea y Etiopía. La balada, All Alone, de trompeta, Rhodes y sintetizador con Kae Dilla. I Cry for Our People registrada con Ryan J. Lee, tiene que ver con el dolor en relación a la diáspora africana. 

La integración de mis raíces africanas, inherentemente ligadas a la cultura afroamericana, es algo inconsciente para mí. La forma en que escucho la música se desarrolló a través de mi educación cultural. Además, he pasado la mayor parte de mi vida estudiando música afroamericana. Yo diría que la única forma en que he incorporado consciente y decisivamente mis raíces ha sido recientemente en mi último disco con las canciones “A Conversation With My Uncle” y “Eritrea”. (Hermon Mehari)

El estilo de Hermon Mehari es contemporáneo, de técnica brillante y una fuerte presencia melódica. Un sonido suave, elegante y profundo. Una delicia para el oído. Destacado recientemente en álbumes como el de Alexis Valet Library of Babel, Electric Tinks de Peter Schlamb, High Skies de Matt Villinger, The Escape de Benjamín Sanz, Power de Hugo KL, por citar algunos. Fue miembro fundador del grupo de jazz Diverse, junto al batería de Ryan Lee y el bajo de Ben Leifer. 

En términos de trompeta, la mayoría de mis influencias más fuertes no son trompetistas. Siempre he gravitado más hacia el saxofón y la voz. En términos de sonido, tengo un tono menos metálico, un poco más dulce y redondo. También refiné (sigo refinando) mi sonido a través de lo que se considera “pedagogía clásica” (un término engañoso), al haber estudiado en el conservatorio y seguir buscando el consejo de los más grandes productores de sonido de trompeta. Dicho esto, por supuesto que me han influido los trompetistas fuera del ámbito clásico, en particular Clifford Brown, Miles Davis, Louis Armstrong, Nicholas Payton y Ambrose Akinmusire. Escuché a Ambrose, hace más de doce años por primera vez, me abrió los oídos a muchas posibilidades diferentes con la trompeta. (Hermon Mehari)

El álbum presentación como líder de Hermon Mehari, titulado Bleu (2017), es un trabajo compositivo sobresaliente. La banda que selecciona para el primer álbum a su nombre, grabado en sexteto, es un desfile de figuras de primera línea, como Aaron Parks (piano, teclados), Logan Richardson (saxofón alto), Peter Schlamb (vibráfono), Ryan J. Lee (batería), Rick Rosato (bajo)

En la actualidad tengo algunos proyectos en los que se estoy trabajando al mismo tiempo: un dúo con el pianista de Florencia Alessandro Lanzoni, un dúo con Peter Schlamb, un proyecto de cuarteto analógico inédito con Peter, Ryan Lee y Ben Leifer, y mi seguimiento de ” Bleu “. (Herman Mehari).

Hermon Mehari Plays “I’ve Grown Accustomed To Her Face” (feat. Aaron Parks)

Interview with Michael Janisch, “World Collide” album

09

NOVIEMBRE, 2020

Michael Janisch, bass/ Rez Abbasi, guitar/ Jason Palmer, trumpet/ John O’Gallagher, altosax/ Clarence Pen, drums/ Guests:  Andrew Bain, drums /John Escreet, keys/ George Crowley, tenor sax.
Worlds Collide (2019, Whirlwind Recordings).

Escrito por Begoña Villalobos

With a dozen albums behind him, Michael Janisch (1979, Ellsworth, Wisconsin, US) releases his latest record entitled Worlds Collide (2019, Whirlwind Recordings), an electroacoustic album of original material recorded at Abbey Road Studios in London, which combines contemporary jazz, strongly influenced by London and New York trends. The album was recorded with Rez Abbasi on guitar, Jason Palmer on trumpet, John O’Gallagher on alto sax, Clarence Pen on drums and features guests such as Andrew Bain on drums, John Escreet on keyboards, and George Crowley on tenor sax.

Michael Janisch – Worlds Collide – [Album Trailer] – Abbey Road Studio 3

Michael Janisch is a bassist, producer, and owner of Whirlwind Recordings, one of the leading independent jazz labels.

World Collide performed in Spain with a powerful British band composed of Nathaniel Facey on alto sax, George Crowley on tenor sax, Rick Simpson on piano, and Shaney Forbes on drums.

Can you tell us about the specific influences and jazz trends for the new album, for example, from London and New York?

The London scene, and especially the current scene, is heavily influenced by Afrobeat, with many musicians citing Fela Kuti as a starting point.  Naturally from hanging out and learning from musicians who have this as part of their history and lineage it’s found its way into my own music.  An Ode to a Norwegian Strobe features a quite common Afro Beat rhythmic pattern throughout, but I’ve sort of morphed that into 9 beats rather than the much more commonly heard 4 beats per measure.  I was listening to some interesting Grime beats that I was introduced to by some London friends, and I really liked some of the grooves, especially the urgency of the drum patterns, and thought ‘let me do something that references this energy but has my own spin on it.’  So that part is coming out of London influence and myself being immersed in that scene for over 15 years now.  As an American who spent most of my life learning from the masters of this music and still being very active performing with people Stateside, this influence is just natural and forms the foundation of all my music.

Where are you from?

I am from near Minneapolis, a place called Ellsworth, Wisconsin, it is a small town right on the Mississippi river in the north, in the middle of the states. I lived in Boston while at Berklee for 3 years, and New York for just under 2 years but have spent now most of my adult life in London, England.

Can you tell us about the various elements of your work?

I always balance structure and improvisation; it is something I have always done, I always think about both a lot. I don’t think I’ve changed much; it is just different styles; I love writing and I love letting the band play, I have been like that my whole life. It has been a very consistent goal of mine.

Sometimes some of the songs are written with so many details that the band says ‘oof, this is hard’ so this is why in other songs I just make a simple melody and let them go. You know: you make them work and then you let them play because I love both worlds. 

How do you combine owning one of the most prestigious independent jazz labels with your role as a musician?

Well, thank you for saying that, but the label was originally just a way for me to release my own music on my own terms. Whirlwind is a lot of work but it gives me great pleasure as I love running it, and it also provides an extra source of practical income so that I can do what performing I want to do on my own terms.  I can just do the shows and tours I want to do and run my label, and most importantly be home a lot, so I can see my kids grow up! 

‘Frocklebot’ – Michael Janisch

‘Freak Out’ – Michael Janisch