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Nicholas Payton Interview

Nicholas Payton Interview

Nicholas Payton



MAY , 2024

Not everyone is lucky enough to sit down with someone like Nicholas Payton. In this interview that Nicholas Payton gave us in November 2023, you can see the renowned artist in a personal setting. Mr. Payton, not only talks about music, but also about his philosophy of life, his self-perception, and his opinion on some current situations in the United States.

In&OutJazz How do you define yourself? We see in your posts and in your website that you call yourself The Zen Gangster and we wonder where does this term come from and what does it mean to you?

Nicholas Payton I actually didn’t come up with that, so that’s not a self-definition. Vijay Iyer called me “The Zen Gangster” and I thought it was a bit apropos given my nature. Much like The Savior of Archaic Pop, which a lot of people think I’m calling myself a savior, no, someone else called me that and I adopted it.

Okay, and what does it mean to you to be The Savior of Archaic Pop? That’s a new concept for me, can you explain it?

Well, it’s been one of my monikers for over 10 years. Someone wrote a post about me on a blog site called “The Pop of Yestercentury,” you can look it up. But it was in the wake of the initial post that I made about why jazz isn’t cool anymore; they wrote an article talking about the concepts behind my post and they branded me that. Their theory behind it was that I, in some way, was trying to save pop music by reconnecting it to its roots in Black American music, the genesis of pop music before so-called jazz separated itself from the popular aesthetic. So, again, this was someone else coming up with a name that I adopted, but it wasn’t me calling myself anything.

Interesting. Now, as a creator of the term #BAM, we would like to know what it means to you as a concept. So, let’s start with that, the question is longer, but let’s just start with that, what it means to you as a concept.

Okay, well, I don’t like the term “jazz”. I believe it has racist connotations and roots. So, when I wrote the initial post, a lot of people were like, well, if you don’t call it jazz, what would you call it? And I simply said Black American Music. We live in the age of the internet and hashtags, so #BAM is an acronym for Black American Music. I thought it was a cool way to have somewhat of an onomatopoeic destruction of the word “jazz,” so, #BAM is a declaration of strength affirming the idea of Black American Music.

What has the #BAM concept meant to you on a musical level as a new idea and criticism of what’s established? You are criticizing something that’s already established. What have been some of the consequences for that on a musical level for you? Not consequences in a bad way, but just in general.

I don’t know if there’s been any musical consequences per se. I mean, I’ve had people not want to give me gigs or think I’m angry or racist for saying it, but I mean, I knew before I said it that that was the risk of speaking to this because I’m challenging the status quo. I’m challenging decades long of musical oppression and centuries long of racial oppression. So, I was well aware of what I was doing, and I was willing to accept the consequences for my actions because what I had to say about it is important. And it was also ahead of its time when I started speaking to this. We were in the height of the Obama years, and a lot of people felt maybe that we had crossed over or come past certain racial things. This predated George Floyd, and predated Tamir Rice. It predated Trayvon Martin. It predated Michael Brown and the Black Lives Matter movement. So, in light of all those things, after they happened, over time, the concept of #BAM became more sensible to people. So, I think what happened was perhaps it was before its time, which is strange to me because racial oppression has never gone anywhere. It never dissipated. It just changed forms. But I think to a lot of people, maybe they were under the impression that somehow we had advanced a lot further than we actually had. And I think what I helped uncover is that we are not as advanced as perhaps we thought we were. So…


Then, whereas it seemed like a majority of people did not agree and were against me, fast forward 10 plus years later, I think a majority of people actually understand my point and actually agree. So, it just took time for a lot of people to see, which to me seemed pretty plain and obvious, but it wasn’t, which is why I needed to speak on it the way I did.

Right. Right. That answers the next question, I don’t know if you would like to say something else about it. Do you think your critical and controversial nature has interfered or interferes in the present with your work?

Nothing to add to that. I don’t view myself as controversial. It’s just that we live in a society in which the things I see and the ways I feel tend to be in opposition of a lot of the ways we’ve been taught to think and feel. But I don’t intentionally set out to be controversial. These are ways in which I quite naturally think and feel.

OK, thank you! Could you name some contemporary musicians or artists with whom you have greater musical and conceptual affinity nowadays? This can be related to #BAM, but also personally.

Anybody who’s recorded with me, I would say. Bill Stewart, Vicente Archer, the people who have been playing with me for years. Kats in Butcher Brown, Corey Fonville and Devonne Harris and all of those guys. I like Joel Ross.

Yeah, can you tell us some names with whom you have conceptual affinity? Maybe you haven’t played with them, but you know, they have similar opinions and support the term #BAM.

Well, I don’t judge if people support Black American Music or not. People have a right to feel and label their music as they choose. What I do find important is the idea that people self-label and not think they have to succumb to being labeled. So whatever someone wants to call it, whatever they want to do, I’m open with it. For instance, Christian Scott, who I’ve known since he was a teenager in New Orleans, he calls what he does “stretch music” and that’s cool, but he also doesn’t like the term jazz. Different people have different ways of expressing that. I’m all for that, whatever it is. I just don’t like the term jazz. I find it to be particularly degenerating, derogatory to the music.

I don’t judge if people support Black American Music or not. People have a right to feel and label their music as they choose.

You seem to value creative expression above all, right? With your evolutionary and changing nature. We can see that in your discography, you know, you have so many records of different styles. We came to the conclusion that you prioritize creative freedom above all, do you agree to this or not?

I don’t know. I don’t think creative freedom is more important than, say, having clean water and clean air or having a certain moral character in which people treat one another.

Yeah, okay.

There’re certain things in terms of living on this planet in this realm that I find to be more important than music. The creative part is just a means for me to utilize the art to speak to those freedoms that we have as beings on this planet. So the music to me is not even the most important thing. It’s what I create and how I make people feel and changing thought. Most of us as beings in this realm, on this planet, are oppressed in some way. We feel some lack of freedom, not necessarily creatively, but just to be ourselves, to think as we want to think, to live as we want to live. The Earth’s natural resources are something that we are forced to pay for, that are commodified and monetized. I don’t think we should have to pay for water any more than we don’t pay for air. To pay for water is as ridiculous to me. The fact that people don’t have access to clean water is more important than if we call music “jazz” or “Black American music.” So the point of art to me is to speak to those socio-political issues. I try to use music and words as a means to speak to our liberation as beings and people on this planet. That’s the most important thing to me.

Okay, can you define what creative freedom means to you?

Well, I think that’s a bit redundant. I mean, it’s the same thing. You can’t be free without being creative and you can’t be creative without being free. But you also can’t have freedom without tradition and form. So, to me, you have to have an understanding of history and lineages and those who came before you to be truly free. Some people want to be free of rules or free of traditions or free of whatever. And to me, that’s not true freedom. There’s only freedom within the context of confines and rules and form. That’s not to say you need to be oppressed to be free. But, in order to be free, one must have some understanding of what the limitations are. It must be contextualized against something. You can’t be free within free. It has to be contextualized against something else, juxtaposed against something that is perhaps more static or less lucid, if you will.

We would like to know what do you think about having become identified as a guru? Guru of this community, guru of the arts. Not that you think this about yourself, but what do you think about people thinking of you this way?

A guru is what a teacher is, is that what you mean by guru?

Yes. For example, we know that you are a professor at Berklee College of Music, what are your real teachings? Besides teaching music, you know, or the scales or whatever. What are some things that your students, when they graduate, need to know according to you?

I mean, yeah, I am a teacher of sorts. I thought it was weird at first, you know, when I first started giving lessons and teaching, because at that time in my, I guess, early, mid 20s, I still very much considered myself a student. And even at 50, I still consider myself a student. But yeah, I think I’ve learned some things along the way. And I think a part of learning things is sharing what you have learned with those who may not have had those experiences, as my elders did for me. So that’s why lineage and tradition is important because it’s important that we share what we find along our journey as a means of helping the music and this artistic community grow. That’s a part of the tradition to me. So, yeah, if some people see me as a guru of sorts, I guess I get that. It’s certainly nothing I necessarily set out to do. But at the same time, it’s something that I proudly step into, a position and a mantle and a responsibility that I accept because there are certain artists or gurus of mine, which many people perhaps don’t have access to because they’re not around in the physical realm anymore. And it’s incumbent upon me to be a link to those people for younger generations through my experiences with them. And not only that, but the things that I’ve learned or the concepts that I’ve been able to develop in my experiences and making mistakes and doing things perhaps the wrong way or not the most efficient way. I’ve learned maybe easier ways to do things, and if something that I’ve learned can help someone younger than me save some time of going through the headaches and the challenges that I’ve been through, then I have no problem sharing that to make their journeys easier with hopes that they can learn something from this information and maybe improve upon it and teach that to someone coming after them. That is the main part of what it is that we do here. The work that I do here is that we share what we’ve learned and hopefully make the journey easier for other people that we share this planet with. To me, I value that above music itself or creative freedom. This is to help one another, make this journey easier.

Yeah, and could you name a couple of teachings or experiences that you’ve had in the past that have changed your life or the vision you had about something? Anecdotes with other artists when you were younger or even in the present?

Sure. We could be here all day doing that.

Just a couple, maybe just one or two.

Nicholas Payton «Smoke Screens» EPK

Yeah, I am getting ready to release my first book, Notes from the Zen Gangster, which should come out some time in the next couple of weeks. And that’s full of anecdotes and stories and things that I’ve learned along the way.

Wow, okay. We will pay attention to that.

Please, thank you.

All right, so how would you define your musical evolution in first person? Your opinion of it since you started until this point.

I don’t know if I would. The only thing that’s really mattered to me is that I’ve evolved.


For me, there is no need to have to define it. It’s been my musical journey. And when I look at it, I can say that I’m proud of my growth, that I have grown. I feel blessed and honored to still be here and to still be creating new things and discovering new things. I feel honored at the great musicians I’ve been blessed to work with and learn from and share with. But I don’t know if I would define it. I don’t know if I can because it’s not over yet. I don’t know if I can while I’m still doing it.

What about all your albums? All of them define a vital and musical period in your life. Could you tell us what period or vital moment are you in now, musically speaking?

Is that the same answer? I don’t know. I’m creating it right now, so it’s hard for me to say what it is while I’m creating it. Once I do the album, that album has a name and that’s usually the end of whatever that is. Once we go on the road and play the music, the music often evolves and that becomes something else. So that album, those recordings are a snapshot in time and can’t be recreated, not even by myself. I can’t recreate those moments. So I don’t really seek to define things or categorize things in that way, which is kind of why I opt for, if this could even be considered a categorization, Black American music because it’s open-ended. I don’t like genre classifications. I don’t like those types of definitions. They’re stifling to me. They stunt growth.

Okay. We are interested in knowing how the idea of celebrating your 50th birthday with the publication of a new album came about.

At the last minute, kind of like everything else I do. When I recorded it, I had no idea when it would come out. I just knew I wanted to get an album out some time this year. Initially, it was supposed to come out on September 9 and the person I had helping me upload it to the portal made a mistake in leaving out some of the guest appearances, so I picked another date. The next closest date that made sense to me was September 26, which was my 50th birthday, but there was no initial plan to release a 50th birthday album. I live my life as a free-flowing, creative form of exploration, moment to moment. I don’t tend to plan these things well in advance.

Interesting, okay Nicholas, we want to know what was your experience with Verve Records and why did you decide to create your own record label?

I enjoyed my time at Verve. It was a long time ago. I mean, the last album I made for them was in 2000, 2001. It was over 20 years ago. I’ve since been at Warner Brothers. I did two albums for them. I did an album for Concord. I started my own label because I grew over having to adhere to someone else’s schedule, which was based on other artists and other releases. I wanted to be able to record and release as many albums as I wanted to without having to get approval and consent from anyone else in terms of how I did that. Even though when I was at Verve, I was very good at developing a sales pitch to get people on board to support what it is I was doing. But I don’t have to create sales pitches anymore. Just like I told you, I decide “Hey, I want to release it on the 9th. Okay, that’s not going to work. I want to release it on the 26th .” I don’t have to pass this decision through someone else. I don’t have to wait months for someone’s release schedule and a publicist and this and that. So many of the inner workings that happen at labels, you have to wait six months for a setup to release an album. I can record an album today, mix it and master it tomorrow, and release it on the third day for the world to hear.

Yeah, that’s important.

That’s why I started my own label, to be able to do it the way I want to do it, when I want to do it.

How many people really want to be free? That’s more the question. It’s not a question of can you be free? I don’t think a lot of people want the responsibility that comes with freedom. That’s the issue.

Yeah, no restrictions. We would also like to know your experience and opinion with the big festivals, clubs, events in general. Do they put limitations on you when they are going to hire you. Do you think they leave artists complete freedom or not?

I don’t know. Every festival, every venue is different. Some venues want to know who’s playing with you, they want to know the concept of the gig. Some venues don’t care and they’re perfectly fine with whomever you bring and whatever you do. Everybody’s different. Ultimately, nobody can make you do something you don’t want to do, so I think every artist has the choice to do what it is they want. Now, you also might have to pay the consequences for that. You have to pay the consequences for your choices or your actions to comply with what you’re being asked to do, or not comply with what you’re being asked to do. At the end of the day, you have to live with your decisions and that’s how I’ve always guided my career. None of these people at a record label or at a venue have to live with your performance. You do, so you have to be happy with it. So yeah, there are no rules as far as how everyone runs their business. Everyone’s different. Some venues, some festivals have a heavier hand and want to have more input than others. So unless we go down the list name by name, festival by festival, we can’t categorize them all as one way or another.

Let’s generalize, do you think it’s more one way or another? It’s just different in each venue or festival or record label? It’s just different every time? There’s no predominant way?

I’m not overly concerned with freedom because no one else controls that. I think to be obsessed with freedom is more problematic than the reality of living your life. It all comes down to how free you’re willing to be responsible for, because with freedom comes responsibility. How many people really want to be free? That’s more the question. It’s not a question of can you be free? I don’t think a lot of people want the responsibility that comes with freedom. That’s the issue.

Okay, that’s a good way of changing the question, right? Focusing on what really is important instead of in the question per se. All right, can you tell us what projects do you have active right now?

A lot. I have a new album I just started recording with Sasha Masakowski That’s going to be the musical companion to the book, Notes from the Zen Gangster and it’ll be my first duo album. It’s also going to be my first drumless album as a leader. And the music is very meditative. The book is coming out of the intense lessons and questions that I’ve had along my journey of studying Zen maybe some 20 years ago. I’m also working on a new project with Otis McDonald. I’ve been working at his studio for the last year or so. Somewhat of an R&B album with me singing through a vocoder. I also have some special guest vocalists that are probably going to be on it as well. But much of it is me singing in the vocoder, which is not something that I’ve done in the past. So that’s a new form of expression for me. When this album is released, it’ll be the third in a trilogy of love-themed, R&B albums. Bitches would be the first, Maestro Rhythm King the second. And this next one that I still haven’t decided the title yet will be the third in that series so far. I have another album that I’ve been working on with Marcus Gilmore that we started at the top of the pandemic. It’s a tribute to the photographic works of Kwame Brathwaite, who was very instrumental in spearheading the Black is Beautiful movement in the ‘60s. We chose photographic works from his archives and composed original songs that sound like the photographs. That’s another project. Then there’s New World Order, which is a trio I have with Sasha Masakowski and Cliff Hines. This is the group that made the Quarantined with Nick album that I did at the top of 2020. On New World Order, we also have some special guests. Christian Sands guested on a song. Joshua Redman guested on a song. Also Butcher Brown guested on a song. So that will come out maybe some time next year. I also have an album, Light Beings that I recorded in 2019 that I was going to release in 2020, but when the pandemic happened I decided to sit on it. I want to get this album out soon. It’s basically a suite of music dedicated to the electromagnetic spectrum. Seven movements, each song is dedicated to a different wave of light. The song Visible Light, which is on my latest album, DRIP, is actually from that Light Beings project. So yeah. And I have maybe 3, 4, 5 other albums that are almost done, that are unreleased, that I want to get out at some point. A lot of things.

Impressive. Very interesting. Can you tell us about the creative process? What inspires you to start a new project? What is this process like? I know it’s different every time but maybe you can tell us the last time you felt this and how was it?

I always feel it. I never turn that faucet off. It stays running, so I don’t look at creativity as something you turn on and off. I keep that tap running and that way I don’t have to think about it. This is why I have more albums than I know what to do with. I’m always recording. I’m always inspired. Life inspires me. That’s what inspires me. Not music. Life inspires me. As I live my life, my life has certain sounds to it. So I write music based on my feelings, or people I meet, or loves that I have or that I’ve lost. All of these experiences go into creating music. And I write all the time. I don’t give myself a schedule to have to write. I don’t need permission to write. Whenever I hear a melody or a rhythm or a set of chords, I record it and I put it down and I develop these ideas. That is my life’s work. That’s what I do. I’m always writing. Whenever I have a thought or an idea, I write it down. And I compile these things. And over a course of 15 years, then you have a book. Over a course of several months or weeks or days, you have an album. So I just keep making things.

Yeah, that’s beautiful. Last question. Could you tell us one thing you would like to do and you haven’t done yet?

I don’t know. I guess I won’t know that until I do it. The only thing that stops me from doing certain things is maybe having the money to do it. But I’ve done everything that I want to do, really. I’ve played with most of the people that I’ve wanted to play with. I’ve done most of the things that I want to do. I don’t look for permission. That’s the big thing. I think so many musicians, they look for somebody to give them permission to do something. The artist, to me, does not wait. That’s the difference between an artist and a musician. The artist just does it. They don’t wait for permission. So I consider myself more of an artist. I do the things that I want to do. I seek the opportunities that I want to have and I take the risks necessary to bring those opportunities to light and to create those things. And once you get working on them, then you bring a lot of energy to you. So I don’t sit around and wait for people to give me permission to do what it is that I have the power to do myself.

Thank you Nicholas for this interview with In&Out Jazz.

Thank you.

Escrito por Claudia Tebar

2 de Mayo de 2024

AIEnRuta-Jazz 2024 Èlia Bastida Trio

AIEnRuta-Jazz 2024 Èlia Bastida Trio

AIEnRuta-Jazz 2024

Èlia Bastida Trio


ABRIL, 2024

AIEnRuta-Jazz 2024 Elia Bastida Trío.

Elia Bastida, violín, saxo tenor y voz/ Josep Traver, guitarra/ Joan Chamorro, contrabajo.

Clase, elegancia, sobriedad y respeto por la tradición. La barcelonesa Èlia Bastida conjuga una serie de virtudes y talentos que la colocan sin discusión ninguna entre las voces más interesantes y respetadas del universo del jazz contemporáneo europeo. Sin haber cumplido la treintena, Bastida es una de las mejores violinistas actuales en el mundo del jazz, aparte de brillar también como cantante y saxofonista.

Tras cursar el grado medio de violín clásico e incorporarse con diecisiete años a la Sant Andreu Jazz Band, dirigida por Joan Chamorro, las posibilidades de creación y libertad que los postulados del jazz ofrecían sedujeron a Èlia Bastida, pasando a cantar y a tocar el saxo en las filas de la big band catalana. Desde ese momento, la voz y el saxo se convierten en elementos fundamentales en los conciertos de Bastida, sin abandonar nunca el violín.

Entre las principales influencias del universo creativo de Bastida, según sus propias palabras, se encuentran nombres mayúsculos como Chet Baker, Art Pepper, Sarah Vaughan, Chico Duarte, Elis Regina, Bill Evans, Ella Fitzgerald o Hilary Hahn; y tras haber participado en más de 40 cds y haber tocado, durante su trayectoria en la Sant Andreu Jazz Band, junto a figuras como Scott Hamilton, Joe Magnarelli, Joel Frahm o Dick Oatts; Èlia Bastida también se ha subido a las tablas de escenarios en Suecia, Suiza, Dinamarca, Italia o Francia.

Cinco lanzamientos discográficos atesoran el buen hacer como solista de Èlia Bastida por el momento: “Joan Chamorro presenta Èlia Bastida” (2017), “The magic sound of the violin” (2019), “Meraki” (junto a Carolina Alabau, 2021), “Èlia Bastida meets Scott Hamilton” (2022) y “Tribute to Stéphane Grappelli” (2022).

Encontramos jazz en el repertorio de Bastida, de igual forma que encontramos música clásica, swing o influencias enraizadas en la música tradicional brasileña. Las melodías y la búsqueda constante de nuevas fórmulas que expandan las posibilidades expresivas de sus instrumentos (tanto violín como saxo o su propia voz) llevan a Èlia Bastida a transitar con la misma soltura por el jazz más clásico o por diversos terrenos del folk y la música de raíz tradicional.

Escrito por Ricky Lavado

16 de Abril de 2024

Sound (Des)obediencia Festival 2024

Sound (Des)obediencia Festival 2024

Liubliana, Eslovenia 2024
Sound (Des)obediencia Festival

Del 27 al 30 de

Marzo, 2024

Tomaž Grom, Biliana Voutchkov, Isidora Edwards, Elisabeth Coudoux, Joanna Mattrey, Margaux Oswall, Luka Zabric, Aurelijus Uzameckis, Sabine Vogel, Emilio Gondoa, Taiko Saito, Jan Roder, Michael Griener, Chris Pitsiokos, Sophie Agnel, Joke Lanz, Lê Quan Ninh, Kaja Draksler, Lena Hessels, Andy Moor, Samo Kutin, Marta Warelis, Macio Moretti

Texto: Begoña Villalobos

Fotografía: Marcandrea

El festival comienza en la calle en una de las plazas centrales de Liubliana con una intervención sonora HEREDRUM de tambores no anunciada. Es parte del proyecto de investigación artística Ritmos de Presencia.

El festival de música improvisada de vanguardia y música experimental Sound (Des)Obediencia o (Ne)Poslusno (del 27 al 30 de marzo, 2024), es un evento destacado organizado por Zavod Sploh (Instituto para la interpretación del sonido, la escucha, la observación de la audición) en Ljubljana, la histórica capital de Eslovenia. Se realiza en el Centro Cultural Španski Borci, un edificio homenaje a los combatientes españoles. El nombre del festival refleja acertadamente el contenido del festival, (Des)obediencia Sonora es un espacio de intercambio para experimentación, y la investigación de prácticas musicales fronterizas que se cruzan para explorar los límites del sonido. Es un festival alternativo, horizontal (en el que público y músicos están en la misma planta), influenciado por la escena de libre improvisación y el jazz de vanguardia europeo. El ambiente es colaborativo, de apertura y flexibilidad; invita a la exploración de nuevas formas de expresión artística en una búsqueda de la creatividad musical y está cofinanciado por el Ministerio de Cultura de la República de Eslovenia y el Ayuntamiento de Ljubljana. El comisario y director artístico es el compositor y contrabajista Tomaž Grom, motor indiscutible del evento.

Para seguir en el teatro Španski Borci con DARA Strings, un cuarteto de cuerdas con doble cello, con la violinista y compositora Biliana Voutchkov, figura central, fundadora y curadora del festival DARA Strings. Doble chelo a cargo de la compositora chilena residente en Londres Isidora Edwards, la improvisadora francesa Elisabeth Coudoux y la sobresaliente Joanna Mattrey a la viola (relacionada con Tyshawn Sorey, Henry Threadgill, y John Zorn entre otros). El cuarteto está relacionado con la escena experimental europea, así como con la escena musical improvisada de Nueva York. Con una estructura elaborada de planos y contraplanos de experimentación con el sonido (utilización del arco, percusión, golpes, voz, punteos, staccato, legato) el cuarteto se mueve libremente generando una narrativa de amplias texturas, resonancias intuitivas de contenido complejo con un enfoque vanguardista de composición contemporánea.

La colaboración de Taiko Saito – Jan Roder – Michael Griener es un proyecto excepcional de vibráfono, contrabajo y batería respectivamente. Además de ser tres piezas centrales del jazz de vanguardia en la escena creativa de Berlín han generado una conexión profunda complementándose a la perfección. Una buena tradición de free jazz, creatividad, improvisación y apertura son los elementos comunes. El trío va narrando la historia, bordeando el minimalismo va añadiendo sonidos cuidadosamente tejidos en capas, diferentes planos, timbres, ritmos hipnóticos hasta llegar a una danza de sonidos grandiosa, estratégica y orgánica. Las bellas y apasionadas melodías de una evolucionada Taiko Saito, ganadora en 2023 del JazzPreis de Berlín. A esto se añaden las contundentes líneas al contrabajo del maestro indiscutible Jan Roder como conductor base de la sesión junto a los creativos desarrollos rítmicos del baterista de Nuremberg Michael Griener, que se mueven desde la percusión sutil hasta la sorprendente fluidez rítmica. WALD es el nombre del proyecto del trío grabado y documentado por el sello discográfico de jazz – experimental berlinés Trouble in the East Records. En definitiva Saito- Roder- Griener es un trío sobresaliente.

En el interior cambiamos de sala para escuchar Lands Stages /Sonic Relocations es el proyecto acústico y electrónico de Sabine Vogel (flauta) y Emilio Gondoa (platos/electrónica). Una demostración de arte conceptual improvisado. Un trabajo experimental audiovisual grabado en Paratz Ketzin con improvisadores/artistas de Holanda en residencia improvisando junto con los sonidos-ruidos del sitio (Villa Aurora en Holanda). El objetivo es improvisar, crear juntos en contacto y conexión con los sonidos orgánicos del lugar.

La colaboración de Taiko Saito – Jan Roder – Michael Griener es un proyecto excepcional de vibráfono, contrabajo y batería respectivamente. Además de ser tres piezas centrales del jazz de vanguardia en la escena creativa de Berlín han generado una conexión profunda complementándose a la perfección. Una buena tradición de free jazz, creatividad, improvisación y apertura son los elementos comunes. El trío va narrando la historia, bordeando el minimalismo va añadiendo sonidos cuidadosamente tejidos en capas, diferentes planos, timbres, ritmos hipnóticos hasta llegar a una danza de sonidos grandiosa, estratégica y orgánica. Las bellas y apasionadas melodías de una evolucionada Taiko Saito, ganadora en 2023 del JazzPreis de Berlín. A esto se añaden las contundentes líneas al contrabajo del maestro indiscutible Jan Roder como conductor base de la sesión junto a los creativos desarrollos rítmicos del baterista de Nuremberg Michael Griener, que se mueven desde la percusión sutil hasta la sorprendente fluidez rítmica. WALD es el nombre del proyecto del trío grabado y documentado por el sello discográfico de jazz – experimental berlinés Trouble in the East Records. En definitiva Saito- Roder- Griener es un trío sobresaliente.

Seguimos con el compositor y saxo alto Chris Pitsiokos, un improvisador indefinible por su carácter diferenciador, sonido propio, enfoque único y distintivo de la escena de jazz de vanguardia y la música experimental electrónica. Nacido en Nueva York y con base en Berlín, el multi instrumentista presenta su proyecto acústico- electrónico solo (saxo alto, ordenador, cuatro altavoces y un juego de luces acopladas al sonido). La estructura y el contenido se genera en tiempo real con contrastes dinámicos que van desde silencios y sonidos sutiles hasta corrosivos de ritmo frenético para seguir multiplicando la gama de texturas y timbres. Para ello combina elementos del free jazz, el noise, el jazz experimental, la música contemporánea y electrónica. Chris Pitsiokos es una figura sobresaliente en cuanto a la composición, el sonido y el noise. El foco del set tiene que ver con la atención en la evolución del proceso compositivo. Pitsiokos está relacionado con sellos como Clean Feed Records y Relative Pitch Records entre otros. El último álbum grabado en 2024 es Rhytms and Shifting Poles.

La última noche se presentó el concierto con los participantes, organizados en pequeños grupos, del taller de música guiado por Chris Pitsiokos. Una suite de piezas cortas y composiciones del propio Pitsiokos.

Uno de los platos fuertes del festival fue el proyecto a dúo de la pianista parisina Sophie Agnel integrante de la orquesta de jazz de Francia y reconocida por su enfoque poco convencional que implica técnicas extendidas que incluyen golpear las cuerdas con los dedos para crear elementos percutivos en medio de texturas abstractas, notas, espacios, silencios; También introduce objetos dentro del piano para alterar el timbre y la resonancia. Junto con el tocadiscos Joke Lanz, nacido en Basilea y residente en Berlín, pionero en la escena electrónica independiente y conocido por su enfoque provocativo de la música electrónica y el ruido a través de la experimentación, la distorsión, la modulación y la manipulación en tiempo real. Un encuentro de dos mentes creativas que buscan explorar las posibilidades sonoras generando capas de sonido que van entrelazándose. Su colaboración se basa en la improvisación libre y en la interacción en tiempo real complementándose para crear algo único con elementos de la música Avant Garde, la improvisación libre, la electrónica experimental y el ruido a través de la exploración de texturas, timbres y dinámicas sonoras abstractas.

Lê Quan Ninh es percusionista de formación clásica nacido en Paris dedicado a la creación musical contemporánea y relacionado con la danza. Se dedica a la creación musical contemporánea y la improvisación libre desde principios de los años 1980. En este set solo, se sitúa con un bombo como instrumento y la utilización de diferentes objetos y elementos orgánicos como piedras, piñas, varillas de metal, platos circulares, cuencos de metal, una hoja curva, arco, mazo, etc. Transita desde el mínimo sonido primario hasta la grandiosidad casi orquestal. Para hacer sonidos golpea las piedras de forma repetida, frota, araña, choca, roza, generando resonancias y silencios. Una cuidada intervención y experiencia única para educar el oído y sacar la esencia, lo primario.

Como cierre del festival, el grupo de la pianista eslovena Kaja Draksler con el proyecto poético (Verdadero o Falso. Texto de Dean Young) y musical creado en el Bimhuis de Ámsterdam 2023 de título Matter 100 que recita Lena Hessels y Andy Moor, con Samo Kutin con la zanfona, instrumento extendido en la música popular europea, los sintetizadores por Marta Warelis, la batería de Macio Moretti y la guitarra eléctrica de Andy Moor. Un proyecto cuidado, complejo y profundo acústico-electrónico de sonidos, ritmos, silencios, voces, sintetizadores, improvisaciones, free jazz, post rock. Un proyecto único y diferente a todo.

Texto: Begoña Villalobos
Marzo, 2024

Immanuel Wilkins Quartet

Immanuel Wilkins Quartet

Immanuel Wilkins Quartet

Immanuel Wilkins (s), Micah Thomas (p), Tyrone Allen (b), Kweku Sumbry (d)


ABRIL, 2022

Immanuel Wilkins (s), Micah Thomas (p), Tyrone Allen (b), Kweku Sumbry (d) 

41º Festival de Jazz de Terrassa-19 de marzo de 2022

Texto: Enrique Turpin
Fotos: Valentín Suárez

Todavía sorprende el hecho de que echemos a correr para alcanzar un tiempo que parece que se nos escapa, cuando en verdad vivimos en él. Somos tiempo, no es simplemente que lo tengamos o no, sino que formamos parte de él, estamos en él y no existe modo de desligarse de su influjo. “En la música, el tiempo es cuestionable. Con ella se puede desafiar la noción de qué es el tiempo y cómo sientes el tiempo”, ha declarado Immanuel Wilkins (Filadelfia, 1998). Como decía Woody Allen a propósito de los ingredientes de la comedia, también nosotros somos una mezcla de tragedia —la de sabernos mortales— más tiempo. Así que el tiempo nos conforma y nos ofrece la sustancia para progresar en él y seguir siendo nosotros, a pesar de que se trate de un nosotros que cambia en cada latir del corazón y en cada inspiración.



Que estamos hechos de tiempo es algo que sabe perfectamente Wilkins protegido de Ambrose Akinmusire, y ambos abanderados de la escuela jazzística alumbrada por Jason Moran, uno de los grandes en la sombra. También el cuarteto que lidera desde su sorprendente debut con Omega (Blue Note, 2020), elegido por prestigiosas publicaciones como lo mejor que se ha escuchado en mucho tiempo. Y sin embargo, todavía no podía imaginarse que iba a llegar tan pronto su segundo largo, el portentoso The 7th Hand (Blue Note, 2022), que presentaba por primera vez por tierras españolas, colgando el cartel de ‘no hay entradas’ para uno de los conciertos más esperados del 41 Festival de Jazz de Terrassa, como también ocurriría la noche siguiente con la propuesta de Christian McBride y sus Inside Straight

El tiempo, eso que San Agustín sólo alcanzaba a definir siempre que no le preguntaran por él, es lo que el cuarteto neoyorquino maneja con imponente soltura y con insolente verbigracia, pese a su juventud. Después de que saxofonistas de la talla de Kamasi Washington o James Brandon Lewis hayan seguido trabajando en apuestas que reorientaban la tradición hacia caminos que hermanaban lo íntimo con lo colosal, parece que la propuesta de Immanuel Wilkins ha acertado a la hora de combinar los ingredientes personales con los colectivos, aquí entendidos como una sabia comunión entre la solvente escritura jazzística y las expectativas generadas en su audiencia potencial. Así pudo apreciarse esa noche en la Nova Jazz Cava, convertida una vez más en un templo profano donde invocar al panteón de deidades antiguas y futuras. A veces el nombre genera carácter, de ahí que Immanuel imagine su cometido asociado al mesías, al elegido, a ese ‘Dios está con nosotros’ al que responde la etimología del nombre con el que se conoce al saxofonista de Pensilvania afincado en Brooklyn.

Lo primero que se pudo apreciar nada más aparecer Wilkins fueron sus ganas de gustar, un ansia contenida pero ilusionada en tratar de hacer llegar su idea de lo que él entiende por jazz, que no es más que su idea de lo que entiende por música, que no es más que la idea que tiene de lo que significa para él expresar su mundo artístico mediante la gestación y expresión de sonidos. La música no es otra cosa, sólo que de la que participa Wilkins está trufada de tradición afroamericana de primer orden. Bebe sin remilgos tanto de la espiritualidad coltraniana como de la disposición parkeriana, en ambos casos con el mismo poder imaginativo y con formas que encuentran en Julian ‘Cannonball’ Adderley y en el último Charles Lloyd unas de sus referencias más cercanas y productivas. No parecía cómodo al inicio del concierto. Buscaba su espacio. Tímido sobre el escenario, entendía que debía dejar pasar los primeros compases para vertebrar su asalto a la Cava, a pesar de haberse labrado honores acompañando a Gretchen Parlato, Joel Ross, Wynton Marsalis, Gerald Clayton, Solange Knowles o el mismísimo Bod Dylan, entre otros músicos de renombre. Parapetado tras los atriles, con las hojas yendo y viniendo, el cuarteto —en esta ocasión sin el color que otorga la flautista Elena Pinderhugues a algunas de las partes de la suite The 7th Hand—, el cuarteto empezó a dar muestras de lo que se avecinaba con agigantadas lecturas de su primer largo, el aclamado Omega, casi recién salido de la Jiulliard.

Cayeron piezas combativas, próximas a las reivindicaciones del Black Lives Matter, como “Ferguson-An American Tradition”, que pronto darían la idea del lugar del que viene y al que se dirige Wilkins y su cuarteto, con un motorizado Kweku Sumbry a la batería que se atrevió incluso a cantar en algunos pasajes de raigambre africana (a él se debe la participación en el último disco del colectivo de percusionistas Farafina Kan Percussion Ensemble). Fueron cuarenta minutos en los que la música no hizo más que alzar el vuelo y servir de lienzo a las intervenciones de los cuatro músicos. Wilkins extrajo sonidos acuáticos de su saxo, propios de las florituras a las que nos tenía acostumbrados James Carter, pero sin caer en sus excesos. Dotadísimo con su instrumento, pronto se pudo apreciar que todos navegaban con rumbo firme, errando pero con la brújula afinada al norte, al objetivo que tenían en mente: asaltar los cielos, aunque esa noche fueran los del local, desde donde los miraba, imaginamos que con la misma admiración y entusiasmo que demostraba el auditorio, el gigante de Joe Henderson en forma de fotografía, desplegada en las alturas, haciendo honor a su estatura artística.

Lo de Immanuel Wilkins es pura fiereza estatuaria. Marca con una equis bajo sus pies el lugar desde el que desarrollar su andadura con el instrumento y se mantiene ahí durante largos pasajes improvisados, con algún paréntesis para beber agua —estos músicos jóvenes no dan muestras de coquetear con las drogas— o para limpiar gafas y frente de transpiraciones. Y sí, hubo sangre, sudor y lágrimas. La sangre por la calidez de la acogida y por el flujo ardiente de música, el sudor del trabajo tenso y aguerrido, las lágrimas por hacerse tan cortas las más de dos horas que duró el concierto de estos jóvenes de ambición bien medida. Traen consigo un concepto al que se aplican con esmero y pasión. Lo mejor de todo, que lo pasan de maravilla en el empeño, y el público con ellos, todo sea dicho. La primera mitad del concierto se movió entre algo de especulación conceptual pautada, bastante melodía mántrica gracias al fuego cruzado entre el pianista Micah Thomas y el saxo de Wilkins, al que luego se uniría el bajo hipnótico de Tyrone Allen, a falta de la precisión sensible del ausente Daryl Johns, otra de las sorpresas de este cuarteto de ensueño.

El segundo set marcó un cambio de estrategia, puesto que el grupo retiró los atriles, se recogieron el cabello, se deshicieron de las americanas y el verde le ganó la batalla en la iluminación al azul, con lo que la velada apuntaba a la esperanza, más si cabe tras el primer pase. Así fue. El lenguaje del bebop se apoderó de la sala y el respetable agradeció el gesto con vítores y salvas admirativas, porque ya se sabe que cuando se pisa terreno conocido, el espectáculo gana adeptos y reduce la tensión. Ya habría tiempo de tensar el ambiente al final del concierto, cuando los cuatro de Wilkins abordasen el final de la suit, con un Lift que convirtió la sala en lo que todo el mundo entiende que es el jazz cuando no lo han escuchado jamás atentamente, un ruido criminal al que siguen cuatro esnobs afectados que se sienten orgullosos en su ensimismamiento. Y, claro, no fue el caso. The 7th Hand convocó al mismo dios al que alude la lectura del título (la sexta mano sigue siendo humana, pero la séptima ya es divina). Lo humano se trastocó en divino, y fueron muchos los que vibraron con una suerte de rapto místico, mientras una copa de vino los anclaba a tierra para recordarles que seguían siendo mortales.

El concierto buscó la deriva hacia la parte central del último largo de Wilkins, con lo que cayeron composiciones meditativas como “Fugitive Ritual, Selah”, “Shadow” y “Witness”, donde se echó en falta la maestría de ese prodigioso bajista que es Daryl Johns. Habrá que preguntarle cómo lo pasó Tyrone Allen para defender con orgullo torero los quince minutos de improvisación que se marcó Wilkins en “Lighthouse”. Suerte de Kweku Sumbry, con quien tan bien se entiende el bravo saxofonista, a estas alturas ya despojado de la tensión inicial, pese a que jamás se olvidase de la discreción. Porque, habrá que decirlo ya, se trata de un líder que busca permeabilizarse con sus compañeros, no sólo imponerse gracias a sus dotes musicales. Hay amabilidad en sus gestos y todo fluye como en una familia bien avenida. Con el bis llegó el obligado solo de batería, hasta que el cuarteto enfiló el final como mejor logra expresarse, con esa medida tomada a los pasajes hipnóticos que lograron su propósito, a veces hirientes, por momentos catárticos, pero siempre sensibles: hacer que el público comulgase con el proyecto de Immanuel Wilkins. Sólo faltó que alguno de los presentes gritase “Aleluya”, tras dos horas de jugar con el tiempo, dilatarlo, comprimirlo, suspenderlo, hasta adueñarse de él y, dentro de esa libérrima elasticidad temporal, a nosotros con el grupo. 

Es ese mismo público que, tras cuarenta y una ediciones, conoce las bonanzas de uno de los mejores festivales de club que pueden disfrutarse en estos momentos. Por el auditorio se movían abuelos junto a sus nietos, padres con sus hijos, hijos con sus amores, haciendo gala de uno de los logros de los promotores del jazz egarense, que no es otro que envolver a la ciudad al son de la música improvisada año tras año, más allá de los confines del propio festival. La ciudad vive el jazz como pocas, y la cultura jazzística de los aficionados se muestra en la naturalidad con la asumen la diferencia de propuestas que se proyectan y con el entusiasmo con el que siguen lo que a todas luces son momentos de dicha. Si hay suerte, tenemos Immanuel Wilkins para rato. Crucemos los dedos.




Written by Enrique Turpin

Abril 04, 2022

Adele Sauros Quartet – I Paint You (Fresh Sound New Talent, 2021)

Adele Sauros Quartet – I Paint You (Fresh Sound New Talent, 2021)

Adele Sauros Quartet – I Paint You 

(Fresh Sound New Talent, 2021)


MARZO, 2022

Adele Sauros (t), Toomas Keski-Säntti (p), Vesa Ojaniemi (b), Tuomas Timonen (d), Tomi Nikku (tp), Max Zenger (as), Kasperi Sarikoski (tb)



Texto: Ricky Lavado
Fotos de: Sonja Vainionpāä

El estreno de la saxofonista finlandesa Adele Sauros en la serie New Talent de Fresh Sound Records no hace más que reafirmar dos hechos incontestables: el buen ojo del sello barcelonés para rastrear las figuras más interesantes del jazz actual y la revelación constante que supone asomarse a la escena jazz nórdica. Juventud, talento y nuevas posibilidades expresivas son los tres pilares sobre los que se sustenta la colección New Talent, convertida desde hace años en un sello de calidad tan fiable como siempre sorprendente, y el impecable debut de Adele Sauros con I Paint You es un acierto más a sumar en el imprescindible catálogo de Fresh Sound Records.



Da un poco de vértigo observar la trayectoria de Adele Sauros teniendo en cuenta que acaba de cumplir 32 años; habitual del circuito de festivales de jazz a lo largo y ancho de toda Europa, su impronta brilla por derecho propio en sus dos discos como solista (It’s who I am, de 2014, y My spontaneous mind, de 2016), así como en su participación en los fantásticos e inclasificables trabajos de folk, jazz vanguardista y pop del proyecto Katu Kaiku (en el que militan también el contrabajista Mikael Saastamoinen y el batería Erik Fräki). 2020 supuso de alguna manera el año de confirmación de Adele Sauros como uno de los talentos más explosivos de la escena jazz nórdica más joven con la publicación de los debuts de Superposition (con el batería Olavi Louhivuori, la saxofonista Linda Fredriksson y Mikael Saastamoinen al contrabajo) y JAF Trio (junto al contrabajista Joonas Tuuri y el batería Frederik Emil Bülow), ambos publicados en el interesantísimo sello de Helsinki We Jazz Records: dos discos excepcionales en los que Sauros brilla como intérprete excelente y compositora inquieta y versátil.  Un año después, el talento de la finlandesa quedaba más que confirmado con el excepcional y bellísimo I Paint You; una muestra indiscutible de jazz clásico dotado de una elegancia y una energía bienintencionada tan refrescante como arrebatadora.

I Paint You

En palabras de la propia Adele Sauros, I Paint You es la historia de las experiencias hermosas y dolorosas que a menudo acompañan a un viajero”. Compuesto a modo de diario durante 2018 y 2019, I Paint You narra el tiempo que Sauros pasó viviendo en Londres. Una luminosidad reconfortante atraviesa el álbum de forma transversal, otorgando a cada tema un poso de serenidad y reposo, de melancolía incluso, que convierte la escucha en un ejercicio de calma e introspección altamente disfrutable. Música sosegada y elegante en tiempos frenéticos, algo que se agradece en los días que corren. No hay experimentación ni ánimos rupturistas aquí: Adele Sauros se ciñe al sonido y la concepción tradicional del jazz, y dota a sus composiciones de una intención melódica de poso postbop y majestuosidad añeja que permite a cada elemento brillar en un juego continuo donde la libertad expresiva está siempre al servicio del tema, lejos del artificio o el virtuosismo gratuito. No hay fuegos artificiales en este disco; hay clase, buen gusto, respeto por la tradición y la voz propia de una creadora a la que vale mucho la pena conocer.



Written by Ricky Lavado

Marzo 29, 2022

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