Esta primera edición del Festival Causa I Efeito O Novo Jazz na Nova acontece como preámbulo del Festival lisboeta Jazz em Agosto. A lo largo de cuatro días (28 junio/2 julio) se presentaron trece conciertos en el Auditorio del edificio de la Universidad Nova de Lisboa, que acoge por primera vez el festival en el marco del cincuenta aniversario de la Universidad. La propuesta musical destaca por su enfoque en el jazz improvisado de vanguardia portugués y proyectos extranjeros relacionados con el sello; la organización del festival cuenta con el criterio de selección de Pedro Costa, dueño de Clean Feed Records. 

Desde la perspectiva de una critico de jazz, un festival es una experiencia intensa; además de los numerosos conciertos por día, hay que contar con los innumerables intercambios y charlas con organizadores, colegas y músicos que conforman la comunidad de jazz reunida para este evento. Una comunidad hermanada con España en la Península Ibérica, raíz que nos une y que nos diferencia del resto.  

Los instrumentos de cuerda han liderado muchos de los proyectos de la programación; entre las propuestas destacadas tenemos la del contrabajista portugués Carlos Bica, figura de referencia en el jazz europeo que presentó dos propuestas interesantísimas y diferentes. Una de ellas: Playing with Beethoven, un álbum recién publicado por Clean Feed, proyecto de aproximación melódica, sutil, electrónica, de libre improvisación, con una formación instrumentista de lujo: saxofón, contrabajo, acordeón y electrónica, a cargo de Carlos Bica, Daniel Erdmann, Joao Barradas, y DJ IIIvibe (Vincent von Schlippenbach), en una redefinición de Beethoven realmente asombrosa. El segundo proyecto, presentado por Carlos Bica, fue un primer encuentro a dúo con la trompetista portuguesa Susana Santos Silva. Por primera vez juntos en un diálogo lírico, libre e improvisado en el que lo individual conserva el peso específico.

Lo que iba a ser un concierto a dúo del acordeonista Joao Barradas y el contrabajista Hugo Carvalhais, por imprevistos ajenos a la programación, fue un grandioso concierto en solitario de música improvisada de Joao Barradas. Barradas es un monstruo inigualable en la construcción de desarrollos melódicos de gran musicalidad; imposible de encuadrar en algún estilo, es un músico de altísimo nivel y creatividad brutal con influencias de la música clásica, contemporánea, jazz y el folklore portugués, además de interesantes colaboraciones en álbumes junto a Greg Osby, Florian Arbenz, Carlos Bica, entre otros, asimismo el último lanzamiento Solo II (Live At Festival D´aix-En-Provence) por Clean Feed. El recital de Joao Barradas circuló en la esfera de la experimentación y la exploración recreando ambientes sonoros complejos. Una exposición conmovedora, bella, mística, de largos desarrollos, juegos de intervalos micro tonales y extenso uso de cromatismos melódicos y armónicos. 

Otro de los proyectos de ejecución y sonido sublime presentados fue The Selva, un trío portugués de cuerdas, electrónica y percusión formado en 2016 y liderado por el violonchelista Ricardo Jacinto, el contrabajista Goncalo Almeida y Nuno Morao a la batería y percusión.  El trío nos mueve hacia la experiencia auditiva acústica-electrónica y el continuo desafío estilístico que circula entre variaciones rítmicas basadas en la repetición. 

Notable contribución el debut del trío de improvisación del saxofonista José Lencastre, el contrabajista Hernani Faustino y Susana Alcorn al timón de un instrumento tan peculiar como la guitarra Pedal Steel, en un concierto de interacciones abstractas en línea con el jazz vanguardia y la libre improvisación. El trío presenta consistentes desarrollos improvisados de manera magistral dentro de estructuras compositivas libres, Manifesto es el nombre del álbum debut del magnífico trío recientemente lanzado por Clean Feed.

Cierre triunfal de festival con dos propuestas. El festival cierra con broche de oro con Sophie Agnel, John Edwars y Steve Noble, trío acústico de piano, que juntos desde hace más de una década se complementan y completan a la perfección (ya publicaron juntos: Meteo 2013 y A

qisseq 2018, Clean Feed). Sophie Agnel, es músico habitual de la Orquesta Nacional de Jazz de Francia que ha seguido una evolución orgánica desde la música clásica hacia el jazz para encontrar en la libre improvisación el terreno abonado. Es descrita con admiración como “parte de una camarilla de élite de herejes del teclado europeo”.  El trío camina entre continuos contrastes, desde la repetición tántrica de un motivo hasta el diálogo fluido, ágil, rápido de intensidad kafkiana; transitando entre equilibrados cambios y desenlaces, entre pasajes densos y profundos seguidos por otros minimalistas que evolucionan hacia la fluidez rítmica.

Propuesta más que sobresaliente, como fin de festival, la del trío del trompetista y compositor portugués Luis Vicente, adscrito al free jazz inspirado en las figuras fundacionales de la vanguardia jazzística (Ornette Coleman, Sunny Murray, Albert Ayler). Su colaboración junto a John Dikeman, William Parker and Hamid Drake, le sitúan en primer plano de la escena free internacional.  El discurso de Luis Vicente es libre y contundente;  estructuras de llamada-respuesta a modo de invocaciones al baile, desarrollos orgánicos instigadores a la catarsis de una danza liberadora; con la complicidad  de la sección rítmica (enérgica, equilibrada y versátil) de Chanting in the Name Of (2021, Clean Feed): Goncalo Almeida al contrabajo y Pedro Melo Alves a la batería; una propuesta de jazz contemporáneo como lenguaje universal que conecta con la psique humana; completando el cuarteto al saxo soprano y tenor, como artista invitado e instigador máximo en este ejercicio de liberación, el fascinante maestro Tony Malaby.  Final redondo para un fin de fiesta.

Inaugurado en 1996, el Vision Festival es conocido por ser, cada año, un evento icónico en Nueva York. Desde sus inicios, ha dado voz tanto a artistas consagrados como a nuevos talentos dedicados a la interpretación de la música más allá de los límites establecidos. Después de 27 años, este festival continúa en su máximo esplendor, manteniéndose fiel a su misión original. En la edición de este año, que tuvo lugar a mediados de junio en el teatro Roulette de Brooklyn, se rindió homenaje a dos destacados bajistas: Joëlle Léandre, de Francia y Reggie Workman, de Estados Unidos; por sus notables contribuciones a la música a lo largo de las décadas. A lo largo de los seis días que duró esta edición del festival, se presentaron un total de 28 actuaciones, donde músicos, bailarines, poetas, vocalistas y artistas visuales deleitaron a una audiencia entusiasta y dedicada.

El Vision Festival destacó en esta ocasión por su enfoque en la improvisación libre dentro de un contexto compositivo, presentando una amplia variedad de proyectos que dejaron una profunda impresión en los asistentes. A lo largo de la semana, el festival ofreció una diversidad de propuestas musicales, que abarcaron desde proyectos enraizados en el jazz hasta exploraciones en la improvisación libre.

Entre las propuestas destacadas, el Vision Festival rindió un especial homenaje a Joëlle Léandre, reconocida bajista, por su destacada vida y carrera musical. El Judson Trio, compuesto por Léandre en el contrabajo, Craig Taborn en el piano y Mat Maneri en la viola, cautivó con su profundidad, sutileza y cuidado sonoro inigualables. 

Por otro lado, el Black Host, liderado por el baterista Gerald Cleaver y conformado por Darius Jones en el saxofón alto, Cooper-Moore en el piano, Brandon Seabrook en la guitarra, Dezron Douglas y Brandon López en el contrabajo presentó un enfoque más agresivo, con Cooper-Moore sumido en un estado de éxtasis total y Seabrook tocando su Telecaster con entusiasmo.

Durante el transcurso de la semana, el mítico baterista Hamid Drake -también conocido como Turiya– lideró un proyecto tributo a Alice Coltrane, interpretando cuatro de sus composiciones junto a un vibrante James Brandon Lewis en el saxofón tenor, Jamie Saft en el órgano, Patricia Brennan en el vibráfono, Joshua Abrams en el bajo, y Patricia Nicholson-Parker aportando su palabra hablada y danza. Drake compartió una emotiva historia sobre cómo, cuando era joven, al verla en un directo, Alice Coltrane lo inspiró, influyó y se convirtió en una de las referentes que moldearon su música.

Asimismo, el proyecto More Touch de Patricia Brennan, con la propia Brennan en el vibráfono y la marimba, Kim Cass en el bajo, Marcus Gilmore en la batería y Mauricio Herrera en la percusión, destacó por su belleza y la conexión espiritual que transmitió al público. El arte visual a cargo de Mincho Vega complementó de manera magistral la experiencia sonora.

Otro momento destacado fue la presentación del increíble Matthew Shipp Quartet, liderado por el consagrado Matthew Shipp en el piano, acompañado por Mat Walerian en los instrumentos de viento, Michael Bisio en el bajo y Whit Dickey en la batería. El arte visual a cargo de Dawn Bisio agregó otra dimensión a la enérgica actuación.

El festival también contó con la presencia de artistas visuales y propuestas más audaces, como Mayan Space Station Flight 66. El magistral e icónico William Parker se encargó del bajo, la composición y el arte, mientras que Ava Mendoza brilló en la guitarra, Gerald Cleaver en la batería, Lee Mixashawn Rozie en la mandolina y flauta, Jason Kao Hwang en el violín y Gabby Fluke-Mogul aportó su talento en el violín, creando entre todos, un conjunto verdaderamente único.

Desde proyectos a dúo hasta propuestas grupales en el ámbito de la improvisación libre, el festival ofreció una amplia gama de experiencias musicales. Dave Burrell y Joe McPhee cautivaron al público con su emotiva conversación musical entre piano y saxofón tenor. Al mismo tiempo Brandon Lopez presentó “The Gospel of Sans”, un proyecto con estética propia de la improvisación libre, en el que participaron Zeena Parkins en el arpa, Cecilia López en la electrónica, Mat Maneri en la viola, DoYeon Kim en el gayageum, Gerald Cleaver y Tom Rainey en la batería, y Brandon López en el bajo. Gill Arno contribuyó con una manipulación en vivo de imágenes que complementaron la atmósfera creada por el grupo.

Hear in now Extended ofreció una experiencia auditiva única con Tomeka Reid en el violonchelo, Silvia Bolognesi en el bajo, Angélica Sánchez en el piano y Selina Trepp en videolah crearon un paisaje sonoro que desafió las convenciones y amplió los límites de la música.

A través de la danza, Yasmine Lee, acompañada por Michael Wimberly a la batería, nos transportó a una profunda conexión con África, sumergiéndonos en un viaje musical y cultural profundamente impactante.

El festival culminó con la celebración de Reggie Workman, un bajista legendario que ha dejado una huella indeleble en la música. Acompañado por Odean Pope en el saxofón tenor, Jason Moran en el piano, Jen Shyu en las voces, Elijah Thomas en la flauta, Elizabeth Panzer en el arpa, Tapan Modak en las tablas y Gerry Hemingway en la batería, la Reggie Workman Celebration Band cerró el festival con una actuación magistral llena de energía y virtuosismo.

Podemos gratamente concluir que el Vision Festival de este año fue una celebración de la música y el arte más allá de los límites establecidos, presentando a artistas de renombre internacional y talentos emergentes que dejaron una impresión duradera en el público. Con una combinación única de propuestas musicales, visuales y de danza, el festival demostró una vez más su compromiso con la exploración y la innovación en el mundo de la música.

Hay quien dice que son las piedras las que mejor cuentan la historia, los fósiles que consolidan sentimientos, emociones y vidas a lo largo del tiempo. El Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, inagurado en el año 1912, fue el escenario del Festival Internacional de Cine de San Sebastián hasta 1999 y, en una nueva forma de acumular tiempo y experiencias, es por tercer año consecutivo el espacio elegido por el Festival JazzEñe, el programa propio de la Fundación SGAE, para registrar las tendencias de mayor calado en los cocederos del jazz español. Que los cimientos del Teatro Victoria Eugenia fueran construidos con piedra del Monte Igueldo es una prueba más de que lo material atesora vida cuando hay un espíritu que late al compás, como aquí viene ocurriendo desde la inaugración de la nueva década por parte de un festival autónomo dentro de la programación de Jazzaldia.

JazzEñe es el proyecto formulado por la Fundación SGAE en colaboración con el Ayuntamiento de Donostia y el Festival Internacional de Jazz de San Sebastián, con la idea de dar visibilidad internacional al jazz hecho con acento español. En esta ocasión, ocho son los proyectos seleccionados para esta IX edición, donde se insiste en mostrar el interés por esa tríada obligada para leer bien las señales de los caminos del nuevo jazz que son: los programadores internacionales invitados, los críticos y el público. Con una programación diversa en lo estético, JazzEñe muestra lo que venía a enseñar; esto es, que el nivel creativo del jazz hecho en España no palidece ante otras propuestas geográficas, y que hay un público fiel al festival de Jazzaldia y a encuentros como éste que, con un mimo decente –el precio de la entradas era módico-, persiste en el empeño de empaparse de propuestas de música improvisada.

NGBM Cuarteto son las siglas de Nani García y Baldo Martínez, líderes de uno de los proyectos presentados, que transita la línea más libre de la muestra; con una larga trayectoria juntos como miembros fundadores de Clunia (en un principio a trío junto a Fernando Llorca), uno de los grupos más importantes de la historia del jazz en España, galardonado con el primer premio en el Festival de San Sebastián de1985. Baldo Martínez es un maestro de importante relevancia internacional y uno de los principales líderes del jazz más abierto y vanguardista que se hace en España. Para la muestra en JazzeÑe NGBM Cuarteto lidera el proyecto junto a talentos gallegos como el saxo alto Lois Rivera, y el baterista José Miguel Cabana, con temas compuestos por Nani García y Baldo Martínez como “Isla de Piedra”, “La Travesía”, “Serendipia”, entre otros.

Uno de los momentos más esperados por mí fue el concierto de Gonzalo del Val, uno de los bateristas representantes de la escena contemporánea española, esta vez en formato cuarteto, con nombres de la escena de jazz catalán de larga e importante trayectoria como Raynald Colom, Manel Fortià, y Romain Pilon a la guitarra eléctrica, presentaron el último trabajo discográfico Tornaviaje (Errabal Jazz, 2022), composiciones originales de escritura inspirada en el viaje de los marinos de los siglos XVI y XVII, reconocido como uno de los mejores discos del año 2022, de incursiones libres como “Big Nick”.

Escuchamos proyectos de jazz flamenco, como el cuarteto del percusionista José Manuel Ruiz “Bandolero”, con composiciones de Enrique Rodríguez “Enriquito” a la trompeta, Miquel Álvarez al contrabajo y Alex Conde, al piano; clásicos del jazz, adaptados de manera magistral a su lenguaje, en un encuentro entre flamenco y jazz. Queda en la memoria una versión de “Naima” por bulerías, y lecturas de Duke Ellington y otros, que hicieron las delicias del respetable.

Juan José “Niño Josele” Heredia, maestro indiscutible de la guitarra flamenca presento Galaxias junto a José Heredia al piano y sintetizador, Dany Noel al bajo eléctrico, Miguel Lamas a la batería y Kike Terrón a la percusión. Otra muestra de eclecticismo bien entendido.

La pianista Lucia Rey al frente del trío con Ander García y Alberto Brenes llegaron para poner en pie algunos de los temas del próximo álbum Nómadas; es música de mestizaje con sonoridades del Sur en clave de colombianas gaditanas. Y es que, a veces, la Ñ que asiste en el reconocimiento gráfico de quiénes somos mira indefectiblemente a lo que se fragua en las latitudes más septentrionales de la Península.

El grupo MOVE acaba de grabar el primer álbum de nombre homónimo, a pesar de llevar un tiempo juntos. Se trata de un conjunto de composiciones propias de Íñigo Ruiz de Gordejuela (piano) y de Alberto Arteta (saxo) que, sin un folclore específico al que adherirse, comparten influencias de la tradición jazzística, clásica y folclórica a ritmo de swing. Les acompañan con solvencia contrastada en el empeño Javier Callén (contrabajo) y Miguel Benito (batería).

Alto For Two es el quinteto liderado por la saxofonista alto Irene Reig y Kika Sprangers, nuevos talentos emergentes de la escena de jazz internacional; proyecto de composiciones propias con Joan Monné al piano, Giuseppe Campisi y Marc Ayza.

Carles Margarit Quinteto venía a dar cuenta de No se pierde la señal. Recordando a Joan Margarit. El quinteto catalán en un proyecto en clave de jazz clásico, homenaje al fallecido poeta catalán de verso libre Joan Margarit, Premio Cervantes 2019 y maestro de arquitecturas que trascienden lo material (algo habría podido decir de esas piedras del Monte Igueldo con las que se puso en pie la sede actual del JazzEñe). Con un texto recitado y cantado por Laura Ximó, la apuesta contó con Xavier Algans (piano), Carles Margarit (saxo, dirección musical), Raimon Ferrer (contrabajo), y David Xirgu (batería). 

Decía Joan Margarit que le interesaba la cultura, que lo demás no tenía solución. Tal vez tuviera razón el recordado poeta catalán, pero seguro que hubiese mirado con buenos ojos las propuestas de jazz emergente que descubre en cada edición el festival JazzEñe. Margarit, arquitecto de formación, entendía de empresas sublimes, pues no en vano participó en la construcción de la Sagrada Familia de Barcelona. Por eso habría visto necesaria la apuesta por esta música sin fronteras que es el jazz. Reivindicar la latitud hispánica de las creaciones en este escaparate internacional que es el Jazzaldia es sólo un fragmento del mapa mundial de este idioma por nosotros tan querido, además de una idea valiosa que pide continuidad anual. Desde luego, lo contemplado en esta pasada edición supera con creces esos 181 metros sobre el nivel del mar de la cima del Monte Igueldo. Todavía reververan sus elocuentes piedras en el Teatro Victoria Eugenia.

Bill Frisell (guitarra eléctrica), Greg Tardy (saxo tenor, clarinete, clarinete bajo), Gerald Clayton (piano, órgano), Johnathan Blake (batería)

Hablar de Bill Frisell es hablar de una de las personalidades más escurridizas, creativas e influyentes en el universo de la guitarra del siglo XX y lo que llevamos del XXI. Convertido desde hace décadas en una auténtica figura de culto, la sombra de Frisell sobrepasa con mucho el ámbito del jazz, convirtiendo al de Baltimore en uno de los guitarristas más reconocidos y versátiles de nuestros tiempos. Admirador a partes iguales de Jimi Hendrix, Bob Dylan o Thelonious Monk, la extensísima y brillante trayectoria de Bill Frisell le ha llevado a acompañar a gente tan dispar y prestigiosa como Elvis Costello, Lucinda Williams, Paul Simon o Marianne Faithful, entre muchos otros; y su personal estilo a las seis cuerdas (cálido, elegante, melódico) ha ido convirtiéndose con los años en un universo propio en el que cohabitan jazz, rock, country, pop, bluegrass o electrónica ambiental. 

Para su tercera visita a Jazzaldia (la primera fue en 1995, como acompañante de Paul Motian, y la segunda en 2021), Frisell se ha rodeado de una banda de auténtico lujo para presentar Four, su más reciente aventura discográfica (tercer trabajo para Blue Note). Formado por reinterpretaciones de composiciones antiguas y por algunas piezas nuevas también, Four destaca a priori por la ausencia de bajo, y por una sensación de calma general en la que el jazz se tiñe de blues y de americana para generar otro gran trabajo en la carrera de un creador imprescindible e inclasificable.

Julian Lage (guitarra), Jorge Roeder (bajo), Joey Baron (batería)

Inspiración, creatividad, frescura, riesgo y elegancia; Julian Lage reune, a pesar de su casi insultante juventud, un compendio de cualidades que le han coronado como uno de los mejores guitarristas de su generación. Así de bueno es. Poseedor de una carrera tan meteórica como brillante, Lage es responsable de 14 discos como solista, y de más de 30 como acompañante de nombres mayúsculos como Nels Cline, Dave Douglas o John Zorn. El estilo de Lage, de sonido brillante y luminoso, se aleja conscientemente del virtuosismo gratuito para poner el foco de atención en la expresión de emociones y texturas; la guitarra de Julian Lage se dedica a dibujar paisajes para hacernos viajar a lugares abstractos llenos de belleza. 

La presentación de View With a Room (Blue Note, 2022), su flamante y aplaudido último disco, sirve de excusa perfecta para poder disfrutar de la propuesta del californiano en Jazzaldia 2023. Acompañado de dos gigantes como Jorge Roeder al bajo y el mismísimo Joey Baron a la batería, Julian Lage reduce a trío el formato completado en su versión grabada por Bill Frisell, para desplegar sobre el escenario un repertorio centrado en explorar las posibilidades orquestales de la guitarra. Ambición, talento y buen gusto; Julian Lage lo tiene todo.

Enrico Rava (fliscorno), Mateo Paggi (trombón), Francesco Diodati (guitarra), Francesco Ponticelli (contrabajo), Evita Polidoro (batería)

Dice Enrico Rava que no puede evitar el vértigo del escenario, ni la capacidad para sorprenderse “con aquellos músicos con los que tengo una misma visión, ya tengan 12 o 90 años”. Esto, dicho por una persona de 83 años, ya sería motivo suficiente para el aplauso y el agradecimiento por la lección de pasión por la vida, pero si además se trata de una pieza indispensable para entender el jazz europeo de las últimas décadas, ese aplauso se convierte, de forma justa y merecida, en un galardón; ni más ni menos que el Donostiako Jazzaldia, la máxima distinción del festival donostiarra. El veterano trompetista de Trieste comparte distinción este año con otras dos leyendas de larguísima trayectoria e influencia; el sudafricano Abdullah Ibrahim (88 años) y el japonés Yosuke Yamashita (81). Dando otra lección de vitalidad, y demostrando que su espíritu creativo sigue inquieto y en una buena forma más que envidiable, Enrico Rava se presenta en el festival armado con un fliscorno y rodeado de una flamante muestra de jóvenes talentos del jazz italiano actual que, bajo el nombre de The Fearless Five (banda bautizada como una de las composiciones más relevantes de Rava), brillan por derecho propio en un ejercicio de homenaje a una figura única e irrepetible de la historia del jazz en Europa.