Entrevista a Luca Kézdy

JazzMadrid21

FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE MADRID

01

DICIEMBRE, 2021

Entrevista: Begoña Villalobos y Manuel Borraz

Texto: Manuel Borraz

Luca Kézdy no es una violinista al uso, es una artista peculiar con carácter y gran personalidad, polifacética y con una visión única. Su sensibilidad y escucha atenta se manifiestan en un directo potente y en una adaptabilidad a diversas situaciones, músicos y estilos diferentes. En su paso por Madrid, previo a su participación como artista invitada en una serie de conciertos ofrecidos por Carita Boronska Trío en el Café Central, tuvimos el placer de hablar con ella y entender más sobre su mundo interno, artístico, su pasado y sus motivaciones. A su vez, Carita Boronska nos acompañó en la entrevista y organizó un bonito concierto junto a Nantha Kumar, tablista de música karnática del sur de la India y Sean Clapis, guitarrista de jazz. También contaron con la participación del bajista José Ramón Abella en algunos temas en una propuesta divergente, llena de matices y colores de múltiples lugares del globo.

Kézdy Luca – A szeretet próbája – The Proof of Love

In&Out JAZZ – Es bueno tener una personalidad como la tuya aquí en Madrid, cuentas con una manera de hacer música muy personal y libre, parece que no perteneces a ningún género musical en concreto, pero te adaptas a cualquier músico y situación musical. ¿Cómo ha sido tu relación con la música y tu educación para llegar a este lugar?

Luca Kézdy – Empecé mis estudios de violín clásico a una edad temprana, y, a pesar de mi buena relación con el instrumento, más adelante me decanté por estudiar matemáticas y física. Sin embargo, finalmente acabé estudiando estética y durante este período tuve un interés muy grande por el jazz, sobre todo por la improvisación, que siempre ha formado parte de mí. Sentía la necesidad de ser mejor con mi instrumento y este afán de explorar hizo que desde muy pronto en la universidad tuviera un trío acústico formado porguitarra, darbuka y violín, en él escribía mi propia música. Fue entonces cuando estudié jazz con un profesor de violín y uno de piano simultáneamente y toqué con distintas bandas, siempre con una mentalidad abierta para tocar con cualquiera en cualquier estilo. En muchos géneros musicales diversos he experimentado situaciones estimulantes.

In&Out – ¿Cómo es tu relación con el violín y con la música a día de hoy?

L. K. – El violín es exactamente como yo, este que sostengo entre mis brazos vino a mí a los 12 años y lo conozco como la palma de mi mano. Mi relación con la música es, como para todos los músicos, muy cercana. Cuando toco música me siento en casa. Por ejemplo y como curiosidad, fui capaz de solfear música mucho antes de poder escribir. Siempre he estado rodeada de música debido a que mi madre es pianista clásica y cultivó en mí una buena relación musical, así que podría decirse que la música para mí es como mi lengua materna. Considero que la música es una conversación, lo que prima es la comunicación entre los músicos, escuchar a quien tienes enfrente de forma directa y ofrecer una buena respuesta.

In&Out – ¿De dónde surgió la idea de realizar este concierto?

Carita Boronska – Hace dos semanas tuvimos el placer de participar en la Womex, feria de Oporto, organizada por Babel Arts, compañía para la que ambas trabajamos. Al finalizar uno de los eventos en Womex hubo una jam session en la que nos unimos y disfrutamos de la conexión que tuvimos en el escenario, fue entonces cuando le pregunté a Luca si le gustaría venir de invitada a uno de mis conciertos. La verdad es que no creí que fuera algo que fuera a suceder tan pronto, estoy muy contenta y agradecida de que esté hoy aquí con nosotros.

L. K. – Sí, desde luego, nuestro sello se llama Babel Arts y tiene una serie de eventos llamada Babel Nights. Organizan jam sesssions no solo en Budapest sino en numerosas ciudades de Europa, como por ejemplo Amsterdam, Viena, Barcelona… Disponen de una amplia red internacional, es un sello al que le interesa sobre todo World Music y Jazz. En la afterparty de Womex fue donde nos conocimos, un evento pensado para construir relaciones, que realmente funcionó para encontrar a Carita.

In&Out – Has tocado en muchos tipos de formaciones musicales, a solo, a dúo, en grandes formaciones… ¿En qué tipo de agrupación te encuentras más cómoda, tienes alguna preferencia? 

L. K. – Mi formación favorita es el dúo, en él puedes tener una conversación con una persona y centrar tu atención y escucha exclusivamente en ella. Yo, personalmente, disfruto mucho de este tipo de interacción. 

In&Out – Santa Diver es tu banda principal, y curiosamente es un trío, ¿nos puedes hablar un poco de ella?

Sí, Santa Diver se trata de mi banda principal y es un trío (risas) como un dúo, pero con batería. Es muy estable la forma de trío, la empecé en el 2006 con Dávid Szesztay, contrabajista, y nos encanta tocar juntos. Para mí, fue un reto y un gran experimento tocar música de ese modo. Al principio tocamos en la escena underground pero tras el segundo álbum encontramos lugares inesperados y fabulosos donde exponer nuestra música. Dávid Szegö, batería de Santa Diver se unió en el 2015. Dávid es muy enérgico y tiene una manera de tocar muy característica, por lo que completa el trío de manera excepcional. Actualmente contamos con cuatro álbumes, todos ellos con la discográfica Babel Arts, así que nuestra relación es muy longeva. Nuestro último álbum, que acaba de salir, se llama Blue Horizon.

In&Out – ¿Cómo llegaste a usar FX y cuál es la influencia que ha tenido en ti la libre improvisación?

L. K. – La improvisación para mí es el mejor juego que conozco, es muy divertido, y si puedo improvisar con otra gente lo es incluso más aún. Improvisar para mí es muy fácil: no tengo que pensar, solo dejo que la música fluya dentro de mí. 

Debido a la naturaleza simple de nuestro trío, me pareció fundamental enriquecerlo con un abanico de colores mayor a través del uso de FX y a su vez también quería acompañar, no solo hacer solos, es decir, no tener que cumplir el rol típico del violín, sino salir de esos parámetros y encontrar diferentes opciones. Formar parte de la banda desde diferentes ángulos: detrás de la banda, acompañando armónicamente… Los nuevos sonidos son muy inspiradores para mí, me abren el espectro a buenas y nuevas ideas.  Por ejemplo, uso un PitchShifter con el que toco armonías, un Delay para crear notas largas y crear capas de sonoridades, distorsión a través de mi pedal Overdrive, con el que tocando el violín y haciendo pizzicati, este se vuelve una guitarra… Sin lugar a dudas en el trío el sonido es más excitante gracias a estos efectos, y, desde luego, el público ha sido el primero en valorar y agradecer el uso de FX.

In&Out – El violín es un instrumento que carga a sus espaldas una larga trayectoria histórica, una tradición y un repertorio amplio y un gran abanico de intérpretes. ¿Tienes alguna influencia violinística?

L. K. – Mi primer gran referente del violín fue Stéphane Grappelli, me parece que es difícil oírlo en mi manera de tocar, pero para mí Grappelli fue revelador. El segundo sería Zoltan Lantos, un violinista húngaro que estudió música karnática en India durante 10 años, conoce la tradición karnática a la perfección y la usa de una manera muy característica. Otro ejemplo de influencia en mí sería Jean-Luc Ponty…

In&Out – ¿Qué proyectos tienes en perspectiva?

L. K. – Ahora estamos girando con nuestro álbum Blue Horizon, hemos tocado en diversas localizaciones y festivales de Europa y este diciembre tocaremos, por ejemplo, en Barcelona, en Jamboree.

Está planeado para febrero hacer un tour en España, estamos cerrando ahora mismo las fechas. Actualmente estoy componiendo nueva música, el material del próximo álbum ya está concluido y a pesar de que podríamos grabarlo ya mismo lo haremos más adelante porque ahora estamos promocionando Blue Horizon.

In&Out – ¿Con qué tipo de músico te gusta tocar?, ¿cuáles captan tu atención?

L. K. – Lo más importante es contar con una audición atenta y escucharse el uno al otro. Yo no tengo ninguna preferencia por un estilo en concreto, para mí lo más importante es escucharse y conversar. De eso se trata la música. Sin esa atención plena solo somos producción y todos podemos hacerlo y reproducirlo, pero en la atención y la escucha es donde radica el buen arte.

In&Out – En el proceso compositivo ¿cuáles son tus influencias? ¿Van más allá de la propia música?

L. K. – Me inspiro mucho en la naturaleza. Si la naturaleza es arte, esta es mi fuente principal de inspiración. Me gusta correr en el bosque, hacer fotos, tengo exposiciones de mis fotos… Cuando nos azoró la COVID no había conciertos, y empecé a escribir mucha música con mi piano, pero más adelante comencé a pintar y este evento fue revelador e inspirador para mí. Voy a ofrecer en el Palace of Arts en Budapest en el 2023 una exposición donde tocaré música sobre Béla Bartók. El objetivo es trabajar con su música, hacer adaptaciones y pinturas sobre esta y exponerlas en conjunto.

In&Out – Ayer ya tocásteis el primer concierto aquí en Madrid, ¿cómo fue la experiencia?

C. B. – Fue fantástico, disfrutamos mucho de esta combinación de músicos. Desde hace unos 15 años vengo realizando este proyecto con Nantha Kumar, tocador de tabla oriundo de Bangladesh, con quien grabamos un álbum de chillout basado en música para cine. Fue un proyecto de gran envergadura para el que contamos con más de treinta músicos involucrados. En él participaron muchas cuerdas. Siempre he compuesto música para violines, sobre todo música para cine pero no para proyectos propios y ha sido genial, me alegro de que se haya consagrado en el concierto de hoy. Además, Luca no es solo una violinista, tiene una personalidad excepcional como músico y artista, se adapta de manera maravillosa y la conexión que hemos creado era de los más agradable.

L. K. – Lo disfruté mucho. Al principio, estaba algo nerviosa porque tuvimos poco tiempo para ensayar, pero fue muy buena la adaptación, los músicos son fantásticos y la música me ha encantado. Además, es genial trabajar con una mujer artista, de la talla de Carita Boronska y más aún dentro de la escena jazzística, teniendo en cuenta que, especialmente en este género, las mujeres participan en el jazz casi siempre siendo cantantes. Siempre que he topado con una mujer que toca un instrumento la experiencia ha sido buena. Me encanta poder hacer música en esta ocasión con una mujer tan talentosa.

C. B. – Nunca me sentí como una cantante, siento que estoy expresando música y estoy usando mi voz, pero uso mi voz como un instrumento. 

In&Out – ¿Tenéis pensado seguir colaborando en el futuro?

C. B. – Tenemos que organizarnos todavía, nos estamos conociendo, pero espero que podamos hacer más cosas juntas.

L. K. – En el caso de que Carita esté en febrero en Madrid me gustaría que colaborásemos juntas. De hecho, siempre nos gusta contar con la presencia de un invitado en nuestro trío. Tocamos, por ejemplo, en una ocasión, con Stefano di Battista.

In&Out – En 2016 tocaste un concierto a dúo con el aclamado saxofonista Chris Potter en Nueva York, ¿cómo fue la experiencia?

L. K. – A través del jefe del Instituto Húngaro, quien me ofreció la posibilidad de organizar este concierto, tuve la oportunidad casi surrealista de tocar con Chris Potter en Nueva York. La verdad es que fue fantástico, y lo invitamos a ser invitado en Budapest con mi trío para realizar un concierto en la Academia Liszt, donde cuentan con un gran hall de conciertos. Lamentablemente, tras aceptar la invitación y con todas las entradas ya vendidas para ese gran evento, la noche anterior al concierto Chris tocaba en Italia donde había una manifestación en el aeropuerto que lo retuvo y no pudo llegar para la fecha acordada… Fue una verdadera pena, pero tocaremos en el futuro en otra localización.

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DICIEMBRE, 2020

Jorge Pardo, flauta / Gil Goldstein, piano

Texto: Begoña Villalobos

Fotografía: (Créditos) Retroviseur Productions

Fotografía: Pepe Ainsua

Diseño gráfico y web de inandout-jazz.es: Nuño Conde

Este artículo recoge la entrevista realizada a Jorge Pardo y a Gil Goldstein sobre las sesiones de grabación en Brooklyn.

Brooklyn Sessions es el título del álbum que reúne una de las sesiones grabadas en Nueva York. Este registro de grabación de formación a dúo (flauta y piano) con Jorge Pardo y Gil Goldstein constituye el álbum. La sesión forma parte del documental sobre la vida de Jorge Pardo titulado Trance, producido por Retroviseur Productions, que muy pronto verá la luz. 

Es un álbum histórico por varias razones. Aunque parezca increíble es la primera grabación de música de jazz americana que Jorge Pardo edita públicamente bajo su nombre y también por primera vez graba un disco íntegro con flauta.

Jamboree Jazz Club – Jorge Pardo

Jorge Pardo, toda una eminencia dentro del panorama musical nacional e internacional, es el responsable de vincular la flauta y el saxo con el flamenco. Ha trabajado con Paco de Lucía, Camarón, Chick Corea entre otros. Es Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2015, y Premio a Mejor Músico Europeo de Jazz en 2013. 

Gil Goldstein es un reconocido pianista y compositor ganador de tres premios Grammy. Comenzó con Gil Evans Orchestra en 1980. Ha trabajado con Wayne Shorter, Billy Cobham, Jim Hall entre otros.

Brooklyn Sessions evidencia la fluida sinergia que existe entre ambos.

Gil Goldstein featuring Encuentro acoustic trio playing All of me

InandoutJazz: Habéis colaborado juntos durante mucho tiempo. ¿Por qué decidís grabar un álbum en este momento?

Gil Goldstein: El mundo de la música presenta oportunidades para aquellos que están preparados para conocerlas y esperamos estar a la altura de las ocasiones cuando surgen. Esta fue una de esas oportunidades. Espero que los oyentes aprecien el trabajo que hicimos en nuestro corto tiempo juntos en Brooklyn.

¿En qué momento conoces a Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Conocí a Gil cuando yo tenía dieciocho años. Gil vino a Europa como pianista de Astrud Gilberto y no tenía saxofonista, me llamarón y le conocí. Toqué con él y con la banda de Astrud Gilberto en los festivales de verano. En ese momento Gil y yo empezamos una relación que se ha dilatado hasta nuestros días. Una relación que, aunque no ha sido muy intensa, ha sido perseverante. A lo largo de estos treinta años él ha venido a España recurrentemente y también hemos tocado juntos en el Village Vanguard de Nueva York y otros clubes importantes. 

¿Cómo fue el encuentro con Gil Goldstein para la grabación de Brooklyn Sessions?

Jorge Pardo: El encuentro fue muy emocionante. Nuestro encuentro no tenía previsto ser un disco. Estas sesiones en Brooklyn forma parte del documental titulado Trance. La productora francesa propuso filmarme en Nueva York con algunos de mis colegas y Brooklyn Sessions es el álbum a dúo con Gil Goldstein que recoge una de estas sesiones.

¿Cómo fue la grabación?

Jorge Pardo: Fue un disco hecho a la antigua, grabado en dos horas. Se grabó en un estudio pequeño pero muy coqueto que Gil contrató, con un piano que sonaba de maravilla. Flipo con el sonido del piano de Gil, el tacto y la delicadeza con que lo toca, le saca unos timbres increíbles.

La mañana siguiente fuimos a otro estudio más grande para grabar otra sesión con Mark Guiliana, Edman Castañeda, Matt Garrison y el mismo Gil. Hicimos otras dos sesiones, que muy probablemente están destinadas a ser publicadas próximamente en otro nuevo álbum.

Gil Goldstein: Jorge es una fuerza de la naturaleza, en cada situación musical siempre aporta luz real y respondemos a eso. La luz dentro de él es lo que escuchamos y es lo que atrae a la gente hacia él y hacia su música. 

¿Por qué piensas en Gil para la sesión de grabación? 

Jorge Pardo: De todos los amigos que tengo en Nueva York, Gil es mi colega de hace mucho tiempo y quería tener un encuentro con él. Cuando estuvimos de gira con Astrud Gilberto hicimos una muy buena sesión de estándares y pensé que sería bonito rememorar ese encuentro y hacerlo a dúo.

¿Cuáles son las ventajas y dificultades de tocar a dúo?

Jorge Pardo: Dice el dicho que menos es más. Entre dos instrumentos se crean una amplitud de sonido, unos vacíos, unos silencios y unas insinuaciones, que cuando la banda es más grande, van desapareciendo. La dificultad es precisamente creer y aprender a manejar los silencios y los matices suaves porque son parte de la música, es una de las grandes empresas que todo músico tiene acometer.

Gil Goldstein: Yo siempre prefiero el dúo porque es la forma más directa de comunicarse entre músicos. Es más fácil que dos músicos se conviertan en uno, a que tres, cuatro o cinco músicos logren una unidad. Por supuesto que no es fácil, pero tienes mayores probabilidades.

¿Por qué la elección de estos estándares y no otros?

Jorge Pardo: Cuando me encuentro la primera vez con Gil tocamos estándares. Ahora hacemos una especie de recreación, e insisto, no había nada planeado. En previsión, unos días antes, le envié una lista de veinte o treinta temas para tocar a dúo. Grabamos todo en una toma y el resultado fue los nueve temas que componen el disco.

Gil Goldstein: Los estándares son un lenguaje común entre los músicos del mundo y un gran trampolín para lograr la personalidad dentro de un marco con el que todo el mundo está familiarizado. 

¿Qué destacas de este álbum en el contexto de tu larga carrera como pianista?

Gil Goldstein: Honestamente, mi carrera como pianista se ha diluido un poco por mi carrera como arreglista, acordeonista y también por mi forma de tocar el Fender Rhodes. Uno de los primeros discos que hice fue un dueto con Pat Martino y era solo guitarra y Fender Rhodes. Pensé que tal vez ese instrumento hubiera sido una buena opción para este álbum, pero Jorge sintió que el piano era una mejor opción y acepté. Me siento afortunado de tener más de un instrumento en el que expresarme, al igual que Jorge con la flauta y con el saxo tenor y soprano. Es una suma de posibilidades y de texturas.

I Loves You Porgy · Jorge Pardo · Gil Goldstein · George Gershwin

Existe una notable complementariedad en un disco a dúo y en concreto en este, entre piano y flauta. En tu opinión ¿cuál es la magia que hace que ese tipo de interpretación sea un éxito?

Gil Goldstein: No sé si son particularmente esos dos instrumentos o el hecho de que yo respeto el sonido de la flauta y él respeta el sonido del piano y presentamos los instrumentos de la manera más clara para que se convierta en parte de la textura. En realidad, podrían ser dos instrumentos diferentes. Depende de los jugadores, encontrar los registros correctos y organizarlos en consecuencia. 

Jorge Pardo: Pues sí, porque no hay arreglos escritos. Es un encuentro a bote pronto. A pesar de que nos conocemos, llevábamos cinco años sin tocar juntos y mucho más sin haber tocado estos temas. Esta complementariedad que dices es instantánea porque surge en un momento concreto, aunque existe una predisposición que viene de mucho tiempo atrás, que en definitiva tiene que ver con conocer el sonido del otro.

El sonido es brutal, se percibe la complicidad.

Jorge Pardo: Sí, sí. El sonido te atrapa y es cuando se nota que está grabado de forma natural, no está regrabado, ni prácticamente editado. Está tal cual. Esa sensación ésta presente.

¿Cómo es Gil Goldstein?

Jorge Pardo: Es un tipo extraordinario, a parte es amigo mío. Tiene una gran personalidad y ha sabido potenciar a otros artistas. Un sideman muy cotizado porque va desde Miles Davis pasando por la orquesta de Gil Evans, Pat Martino, Pat Metheny, Sting, por nombrar a algunos.

Todo el disco ésta grabado con flauta, ¿cómo decides esto?

Jorge Pardo: Cuando la sesión empezó a planearse fue uno de mis pensamientos. Decidí grabar solo con flauta porque pensé que hay miles de sesiones con saxo pero no tantas con flauta. Lo viví como un reto bonito, además nunca había hecho un disco entero de flauta. 

¿Qué es lo que pactáis antes de empezar a grabar?

Jorge Pardo: Una de las pocas cosas que hablamos antes de sentarnos cada uno con su instrumento fue hacer un disco de estándares de jazz clásico, pero no con un enfoque de temas largos, sino con un par de coros. Nos repartimos cada introducción y cada solo. La idea era conservar la estética de la época, en la que la técnica de grabación obligaba a hacer temas de cuatro o cinco minutos, no más largos.

No os alejáis mucho de la melodía real de los estándares.

Jorge Pardo: Para mí la idea no era afrontar los temas haciendo grandes solos virtuosos. Era más bien decir los temas, incluir en la interpretación tu propia visión. Todo es improvisación, pero la forma no son solos al uso de lenguaje de jazz.

Gil Goldstein: Creo, al igual que Jorge, que la melodía original es sagrada y también la naturaleza básica de la armonía. No me gusta cuando los músicos manipulan las intenciones del compositor y cambian la naturaleza de la melodía y de la armonía. Entonces deberían escribir sus propias composiciones. Cuando tocas las composiciones de otro, debes retener la esencia de esa canción, pero puedes darle una nueva luz. 

¿A qué te refieres cuando hablas de dar una nueva visión o cómo dice Gil de aportar una luz nueva?

Jorge Pardo: Gil y yo, a pesar de que coincidimos en lo esencial, nos dejarnos llevar por el sonido, eso es común a todos los músicos del mundo. Gil tiene su bagaje y yo tengo el mío, muchas veces son estéticas aparentemente diferentes, pero a mi juicio están tan bien conectadas y tan bien dichas que no escuchas dos estilos diferentes, sino que escuchas un estilo, que cada uno hace a su manera y eso no es solo una suma, es una multiplicación.

Brooklyn Sessions es la primera grabación que edito públicamente con música de jazz americana. Puntualmente había hecho a mi manera (por bulerías) alguna versión de varios temas de jazz pero nunca lo había hecho en sus versiones más originales. Publicar estándares de jazz era una obligación que tenía con mi gente y conmigo mismo, es curioso después de tantos años.