Rodrigo Amado The Bridge
ALEXANDER VON SCHLIPPENBACH / INGEBRIGT HÅKER FLATEN / GERRY HEMINGWAY
Beyond The Margins Live (Trost Records, 2023)

11

Enero, 2024

Rodrigo Amado, tenor saxophone – Alexander Von Schlippenbach, piano- Ingebrigt Håker Flaten, double bass – Gerry Hemingway, drums, voice. Beyond the Margins Live (Trost Records, 2023). “Beyond the Margins”-“Personal Mountains”-“(Visiting) Ghosts”.All compositions by Amado / Schlippenbach / Håker Flaten / Hemingway, except #3 by Albert Ayler

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Danielle Oosterop- Olga Beumer- Geert Vandepoele- Petra Cvelba- Cristina Marx- Geert Vandepoele- Piotr Lewandowski

El saxofonista portugués Rodrigo Amado lleva ya más de dos décadas inmerso en una actividad creativa febril que le ha colocado al frente del panorama de la música libre improvisada y el jazz contemporáneo tanto en Europa como al otro lado del Atlántico.

Es fácil perderse si uno intenta rastrear de forma exhaustiva la trayectoria de Amado; la cantidad de proyectos y grabaciones que atesora en su trayectoria es mareante y escurridiza, y uno de los pocos puntos en común que pueden hallarse a lo largo de su discografía sería el afán continuo por tender puentes comunicativos y creativos con músicos provenientes de las más diversas escuelas, sensibilidades y latitudes. 

Quizás ese empeño internacionalista de su música sirve como inspiración para nombrar a su más reciente proyecto como The Bridge (aparte de ser un guiño/homenaje al icónico disco que Sonny Rollins publicó en 1962). Ciertamente, para su nueva aventura Rodrigo Amado ha reunido a un plantel de lujo que dinamita fronteras: al luso se unen el alemán Alexander Von Schlippenbach al piano, el noruego Ingebrigt Håker Flaten al contrabajo y el norteamericano Gerry Hemingway a la batería. El resultado de esta unión da como fruto una única sesión de grabación en Varsovia en octubre de 2022 que da forma a Beyond The Margins.

Beyond The Margins consiste en casi una hora de música improvisada, dividida en dos composiciones de Rodrigo Amado y una versión de “(visiting) Ghosts”, de Albert Ayler. No hay pautas predefinidas, estructuras claras o premeditación aquí: lo que tenemos entre manos es una avalancha de free jazz contemporáneo que resultará del todo inescuchable para el oído poco entrenado; música de nicho, tan intuitiva y natural como salvaje y mareante. El cuarteto suena como una unidad compacta y sólida, fruto de un nivel brillante de interacción dentro del carácter puramente improvisado y experimental del proyecto, y esa sinergia resulta en un continuo juego de sorpresas, imaginación e inventiva. El piano de Von Schlippenbach suena obsesivo, expansivo en todo momento, y sus interacciones con la forma libre de encarar la improvisación de Rodrigo Amado son lo mejor de un disco complejo y por momentos extenuante. Los más de cuarenta minutos de la titular “Beyond the margins” se convierten en un viaje épico y excesivo que transita por momentos de brillantez y compenetración maravillosos, y por recodos desestructurados que pueden llegar a ser exasperantes; en esa irregularidad reside el espíritu de este disco. “Personal Mountains” supone otro ejercicio de libertad improvisada en el que el saxo de Amado toma las riendas con fraseos de regusto añejo sobre un colchón de ráfagas percusivas. Quizás sea por la duración más contenida de esta composición (unos siete minutos solamente), pero la sensación de concreción que “Personal Mountains” transmite la convierte en la pieza más interesante del disco.

Beyond The Margins no es un disco fácil; no es plato de gusto para todos los paladares y no es un disco para escuchar en cualquier momento. Requiere de predisposición, mente abierta y ganas de dejarse llevar por los terrenos menos cómodos y más aventureros de la música improvisada. Si se enfoca de forma adecuada, es un disco más que notable.

Ambrose Akinmusire
Owl Song (Origami Harvest, 2023)

22

Texto: Ricky Lavado

Foto: Zuzanna Gasiorowska

A estas alturas, pocas presentaciones necesita Ambrose Akinmusire. Una de las voces más personales e importantes del jazz contemporáneo, el californiano de tan solo 41 años ya ha inscrito su nombre con letras doradas en la historia de la música negra norteamericana, gracias a una discografía que quita el aliento y rompe moldes con cada nueva entrega; un corpus creativo apasionante que queda nuevamente engalanado con este excelso y maravilloso Owl Song; una joya de disco para el que Akinmusire se ha rodeado de dos cómplices de auténtico lujo en el que seguramente sea uno de los mejores trabajos de su carrera: Herlin Riley a la batería, y el mismísimo Bill Frisell a la guitarra. Vistos los resultados, esperemos que este trío tenga continuidad, porque lo mostrado en Owl Song es música de un nivel simplemente superior.

Bill Frisell está espectacular en todo momento a lo largo de Owl Song. Instalado hace décadas en el Olimpo de las seis cuerdas, Frisell está a la vuelta de todo y no necesita demostrar nada a nadie; se limita a desarrollar pasajes de un nivel expresivo tan emocional como humilde, y transita de la sencillez del folk a la abstracción cargada de efectos (sus reverbs y ecos marca de la casa) sin ningún afán de protagonismo ni grandilocuencias efectistas. Frisell se dedica a lo esencial, que es dialogar de tú a tú con un Ambrose Akinmusire en estado de gracia, y de ese espíritu colaborativo surge un trabajo en el que ambos se complementan hasta formar una sola voz; al escuchar “Grace” o “Mr. Frisell”, uno querría quedarse a vivir en esas melodías entrecruzadas. 

Por momentos, el trío se deja llevar por melodías de sensibilidad cercana al pop directamente; resulta maravillosa “Weighted corners” y sus arpegios melancólicos y crepusculares; o esa pequeña joya que es “Owl Song 1”, pieza que abre el disco y que asienta el tono general del mismo; en una tesitura a la que Akinmusire no nos tiene acostumbrados y en la que (cero sorpresas) se mueve como pez en el agua. No hay momentos de ruptura en Owl Song, cada composición fluye de modo armonioso completando un viaje que, finalizado el último tema, se antoja inevitablemente insuficiente; este disco te deja con ganas de más, resulta difícil abandonar la sensación de placidez y, si quieren, de trascendencia espiritual que ofrecen estos 42 minutos de brillantez y belleza.

Herlin Riley toma las riendas en “Flux Fueling” con un cabalgue rítmico circular y juguetón en uno de los pocos momentos del disco en el que las percusiones pasan a primer plano; el (brillante) trabajo de Riley a lo largo de Owl Song se centra más en las ambientaciones y las sutilezas encaminadas a crear las atmósferas necesarias para los desarrollos libres de Akinmusire y Frisell; en ese aspecto, la paleta de colores y la cantidad de matices que Riley ofrece en cada composición es simplemente magistral; tras la economía de elementos y el carácter poco intrusivo de las percusiones de este disco se esconde un auténtico maestro (como ejemplos complementarios de brillantez, escuchen las mazas misteriosas de “Owl Song 2” o la rítmica fracturada y expansiva de la espectacular “Mr. Riley”, donde Akinmusire y Riley se aproximan a cadencias de baile con aroma de first line callejera de Nueva Orleans). 

Para cerrar un trabajo prácticamente perfecto, Akinmusire y compañía deciden sumergirse en la abstracción ambiental de “Henya”, composición cargada de misterio y ambientaciones fantasmales con texturas progresivas por momentos (¿recuerdan los ejercicios de psicodelia instrumental de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble o The Mount Fuji Doomjazz Corporation?).

En resumidas cuentas, Owl Song no solamente es uno de los lanzamientos más importantes y brillantes de 2023, sino que supone una nueva cima creativa tanto para Ambrose Akinmusire como para sus cómplices. Qué maravilla compartir espacio y tiempo con artistas como estos tres gigantes, y poder disfrutar de obras con una calidad tan indiscutible y apabullante como este disco.

Aruán Ortiz 
Pastor’s Paradox
(Clean Feed Records, 2023)

29

NOVIEMBRE, 2023

Aruan Ortiz, piano, voz y composición. Don Byron, clarinete, clarinete bajo y voz. Pheeroan Aklaff, batería y voz. Lester St. Louis, cello (1,2,4,5,6). Yves Dhar, cello (3,7). Mtume Gaant, spoken Word (1,4,6). Clean Feed Records, 2023. 

Texto: Ricky Lavado
Fotos: Holger Thoss

Nuevo disco de Aruán Ortiz y, como viene siendo habitual en su trayectoria, nueva sorpresa mayúscula. El pianista cubano afincado en Brooklyn da un triple salto mortal con su nuevo trabajo Pastor’s Paradox, y afianza una vez más un talento y una forma de entender la composición que por el momento le han hecho transitar con éxito por el jazz vanguardista, la música afrocubana, bandas sonoras, música de cámara, obras para danza, composiciones orquestales, clásica contemporánea y cualquier terreno de la música improvisada de vanguardia. Riesgo, inquietud creativa y una búsqueda constante para desarrollar un lenguaje propio son los rasgos diferenciales de un creador único e imprevisible que, con este Pastor’s Paradox, da otro giro de tuerca a una discografía tan ecléctica como interesante.

Pastor’s Paradox es un huracán de música fracturada, rupturista, capaz de transitar del caos más absoluto a la calma ambiental. Un disco tan repleto de aristas cortantes de free jazz de vanguardia, como de espacios etéreos, contemplativos y misteriosos. Tomando como base de inspiración el legendario discurso de Martin Luther King Jr. en el Lincoln Memorial de Washington DC, hace exactamente sesenta años (sí, el famoso “I have a dream”), Aruán Ortiz concibe su nuevo trabajo como una reflexión acerca de la quiebra moral y ética que atraviesa Estados Unidos a raíz de los asesinatos de George Floyd, Breonna Taylor y tantos otros a manos de la policía. Según Ortiz, las palabras de Martin Luther King Jr. en ese discurso constituyen “Una de las obras maestras de la historia de los discursos. Estudié ese discurso desde diferentes ángulos, particularmente su uso de analogías y cómo integró diferentes aspectos de la literatura en su mensaje. Es sorprendente cuando analizas su estructura”. La faceta de reflexión sociopolítica se complementa con un vendaval sónico que difícilmente dejará a nadie indiferente.

En “Turning the Other Cheek No More” destaca especialmente uno de los mejores hallazgos de Pastor’s Paradox: el trabajo conjunto de Don Byron, Lester St. Louis y Yves Dhar. El dramatismo y la tensión del chelo a cargo de Yves Dhar y Lester St. Louis combinan a la perfección con el colorido del clarinete de Don Byron, en un contraste continuo que funciona de forma brillante a lo largo de todo el disco.  “From Montgomery to Memphis (to April 4th)” se convierte en una cascada de sonidos y texturas que resulta tan inquietante como difícilmente soportable por momentos, con un Pheeroan Aklaff a la batería ofreciendo una clase magistral de control y manejo de las tensiones, la deconstrucción y la exploración expansiva de las posibilidades expresivas de su instrumento. 

Brillan por derecho propio las aportaciones de spoken word a cargo de Mtume Gant (especialmente en “The dream that wasn’t meant to be ours” y “An internal of hope”), en un ejercicio que recuerda inevitablemente al enorme Origami Harvest de Ambrose Akinmusire, si bien el enfoque de Ortiz es mucho menos armónico y estructurado que el de Akinmusire: las composiciones de Aruán Ortiz se mueven en terrenos pantanosos centrados en las tensiones, los ambientes fantasmales y una sensación constante de anticipación que obligan al oyente a estar alerta todo el tiempo. 

Pastor’s Paradox no es una escucha plácida, resulta más bien una experiencia exigente a través de paisajes sonoros que huyen constantemente de estructuras ordenadas o de texturas cómodas, pero es un viaje que vale, y mucho, la pena.

Vistel Brothers 
Fiesta en el Batey
(Inner Circle Music, 2022)

22

Noviembre, 2023

Jorge Vistel, trumpet I Maikel Vistel, tenor saxophone I Román Filiu, alto saxophone I Reinier Elizarde, double bass I Lukmil Pérez, drums I Yuvisney Aguilar, percussion I Fernando Favier, percussion. Fiesta en el Batey (Inner Circle Music, 2022)

Texto: Ricky Lavado
Foto: Valentín Suárez

Vistel Brothers (Jorge y Maikel; trompeta y saxofón, respectivamente) llevan más de una década sublimando un arte en el que, poco a poco, se han ido convirtiendo en auténticos maestros: el de tender puentes entre el jazz contemporáneo y la música afrocubana, y además hacerlo con suficiente personalidad y creatividad como para haber conseguido un marchamo propio. Su más reciente entrega en esa senda, el flamante Fiesta en el Batey, bebe de la tradición cultural franco haitiana y funciona como homenaje a su ciudad, Santiago de Cuba, y a uno de sus grupos emblemáticos, el Ballet Folklórico Cutumba.

Tras “Puerta de ángel” (una pieza breve en forma de diálogo entre saxo y trompeta que hace la función de introducción suave al disco), arranca la fiesta propiamente dicha con la titular (y espectacular) “Fiesta en el Batey”; una composición construida sobre la cadencia sinuosa de un ritmo Abakuá, en la que brilla el saxofón de Roman Filiu (invitado de excepción) y que supone un ejercicio de contención apasionante por parte del resto de músicos, consagrados a dejar espacio unos a otros para que la canción respire y se convierta en un viaje serpenteante y deliciosamente mareante. Esa misma sensación envolvente, que invita a dejarse ir sin intelectualizar demasiado la experiencia para simplemente disfrutar de forma instintiva, la encontramos a lo largo y ancho de Fiesta en el Batey. La espectacular “Todos” funciona como un mecanismo de relojero en el que cada cencerro, cada clave, cada inflexión de los vientos suman en un todo arrebatador con sensación de juego desenfadado siguiendo un patrón de ritmo Arará; mientras que “Free” supone un cruce de jazz vanguardista con Timba en el que los hermanos Vistel vuelan sobre un colchón de elegancia cortesía de Reinier Elizarde al contrabajo. De hecho, Elizarde ofrece un derroche de talento y solidez a lo largo de todo el disco que merece un aplauso. Uno podría focalizar la atención únicamente en las interacciones rítmicas entre el contrabajo de Elizarde y las baterías de Lukmil Pérez y este disco seguiría siendo apasionante.

Otro de los momentos estelares de Fiesta en el Batey es la obsesiva y adictiva “Congo y Carabalí”: el trabajo a las percusiones de Fernando Favier y Yuvisney Aguilar deja sin aliento, con sus tonos rituales y circulares a modo casi de mantras, sobre los que los vientos de los hermanos Vistel construyen una ambientación de misterio y anticipación. “Infinito” es una clase magistral de suavidad, elegancia y sutileza en forma de balada con tono nostálgico que resulta emocionante y evocadora. El tiempo se detiene llegado este punto y de repente el disco queda suspendido en un lugar para la introspección e incluso para una melancolía bellísima con aires clásicos y hasta cinematográficos. Una delicia de composición.

Tras la hermosa melodía del pasaje breve “Luz”; y del ejercicio de libertad, interacción y cruce de sonoridades de “Palo” (en el que, pese a pertenecer a universos diferentes, los hermanos Vistel y compañía recuerdan por momentos a los trabajos de Bar Kokhba Sextet, allá por los noventa del siglo pasado); el disco se cierra con dos piezas que, otra vez, quitan el hipo. Por un lado, tenemos el bolero “My dream”. Un ejercicio de estilo que, una vez más, destaca por la elegancia y la clase de un grupo de músicos que no sólo tienen un nivel altísimo, sino que entran en estado de gracia cuando se sumergen en las cadencias arrastradas de tradición clásica, como en este caso. Por otro lado, los Vistel y sus cómplices deciden despedir el disco por todo lo alto, con el ritmo frenético y desbocado de “Merengue haitiano”. A ver quién es capaz de quedarse quieto ante esa descarga final de adrenalina.

La fiesta termina arriba, dejándonos extenuados, sonrientes y, sobre todo, agradecidos de haber sido invitados. Discos así alegran la vida.

Tarbaby feat. Oliver Lake
Orrin Evans – Eric Revis – Nasheet Waits 
Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023)

16

NOVIEMBRE, 2023

Oliver Lake, alto saxophone I Orrin Evans, piano and vocals on “Blessed Ones” I Eric Revis, double bass I Nasheet Waits, drums I + Josh Lawrence, trumpet I Dana Murray, percussion on “Dance of the Devil Toys”. Dance of the Devil Toys (Clean Feed Records, 2023).

Texto: Ricky Lavado
Foto: Emra Islek

Primera entrega de Tarbaby en el catálogo de Clean Feed Records, y estreno de lujo gracias a un disco complejo, interesante, escurridizo y rebosante de talento, sensibilidad e imaginación. Tarbaby, el trío comandado por Orrin Evans al piano y completado por Eric Revis al contrabajo y Nasheet Waits a la batería, se unen en esta ocasión para dar forma al expansivo Dance of the Devil Toys al legendario saxofonista Oliver Lake (y legendario es una buena forma para referirse a Lake, que cumplidos los 81 años sigue demostrando estar en un estado de forma creativa e interpretativa envidiable), en un ejercicio de interacción y exploración al que se suman (de forma brillante) el trompetista Josh Lawrence y el percusionista Dana Murray. El resultado roza la excelencia. Casi cincuenta minutos de música libre, emocionante y extraña; abrupta y fracturada por momentos (todo el disco está impregnado de una actitud experimental avant-garde); y suave, refinada, sosegada y profunda en otros. Un recorrido fascinante resultante de la unión de un montón de músicos sobresalientes, que ofrece maravillosas sorpresas en cada recodo.

El propio Orrin Evans nos sorprende con su voz aterciopelada, sobre un elegante y nostálgico acompañamiento de contrabajo y escobillas, para abrir el disco con una emotiva y preciosa versión de “Blessed One The Eternal Truth”, de Trudy Pitts. Curiosa elección para dar comienzo a un viaje que seguidamente nos lleva a dos composiciones de Oliver Lake: “Bonu” es una misteriosa pieza ambiental rescatada del disco a dúo que Lake publicó con William Parker en 2015 (To Roy), mientras que “Bumper” es un derroche de elegancia swing añeja en la que Oliver Lake y Orrin Evans dialogan mediante fraseos de regusto clásico y ejecución perfecta, que poco a poco se van expandiendo en asonancias y quiebros rítmicos que enrarecen el ambiente y resultan tan divertidos como sorprendentes. 

“Dance of the evil toys”, la pieza que da título al disco (compuesta por Eric Revis), ya fue incluida en el disco de Branford Marsalis The Secret Between The Shadow And The Soul, y su desenfreno avant con aires no muy alejados de la cartoon music resulta un soplo de aire fresco y diversión antes de los experimentos ambientales de las brillantes “KE-KELLI”, “House of Leaves” (¿Quizás un guiño a la monumental y pesadillesca novela de Mark Z. Danielewski? Ciertamente, los ambientes asfixiantes de este tema podrían cuadrar con los estados de ánimo febriles en los que esa novela le sumerge a uno), o el ejercicio noir de la hipnótica y ruda “Paix”. La calma y la suavidad vuelven después del infierno de asonancias en el que se convierte “Paix” con la preciosista “Purple”; una de las piezas sobresalientes del disco, en la que Josh Lawrence brilla de manera especial. Las interacciones entre la trompeta de Lawrence y el saxo de Oliver Lake se desarrollan de forma orgánica y armoniosa a lo largo de “Purple” mientras Nasheet Waits y Eric Revis ofrecen un colchón de acompañamiento que derrocha clase y buen gusto. Los juegos avant-garde de “Round Robin” preceden a un final de disco tan inesperado como extrañamente efectivo: una desacomplejada versión de “Sometimes It Snows In April”, de Prince, que se convierte en el broche perfecto para un trabajo redondo.

LIBA VILLAVECCHIA TRIO
Milano Jazz Club

26

Liba Villavecchia (saxo alto), Àlex Reviriego (contrabajo), Vasco Trilla (batería)

Milano Jazz Club, 10 de septiembre de 2023.

Texto: Enrique Turpín

Fotos: Oscar García

Un niño pide a su madre que le acompañe al baño. Están tomándose un refrigerio para acumular fuerzas y encarar lo que queda de tarde estival en Barcelona. Bajan unas escaleras que conducen a un subterráneo con senderos que se bifurcan, como le gustaba a Borges imaginar. 

Toman uno de esos senderos de forma equivocada —o no, luego se verá— y se topan con un espectáculo insólito para lo que la pareja pudo haber imaginado que pudiera haber sido un extraño hilo musical en los dominios del inodoro. Azorados, sueltan las puertas oscilantes, desandan sus pasos y regresan por donde han venido, porque las urgencias no pueden esperar por cuanta epifanía que se les cruce en el camino. Madre e hijo no saben que sus vidas van a ser otras a partir de ahora, que la sorpresa que vivieron les acompañará de por vida, al igual que la música que lograron apresar por unos instantes, ¿o fue la música la que los apresó a ellos? Desconocían que lo que llegaba a sus oídos era la puesta de largo del último trabajo de Liba Villavecchia Trio, una formación que ha ensanchado los límites de la improvisación jazzística barcelonesa con dos rotundos discos que son de escucha obligada para la cabal comprensión de lo que se cuece a estas alturas del siglo en la Ciudad Condal.

El trío fue fundado en marzo de 2021 y para el año siguiente ya tenían prueba física de su encuentro, a cargo de la siempre inquieta disquera portuguesa Clean Feed. Bajo este cálido cobijo luso han vuelto a unir fuerzas para entregar un trabajo fruto de sus experiencias en ruta, sobre todo, como se encargó de señalar el líder, gracias a la recepción que su propuesta ha tenido en Polonia, donde se sienten como en casa. Al final va a ser el cariño no forzado lo que ayude a labrar destinos comunes en las personas, por si alguien todavía no ha caído en la cuenta. El caso es que tras Zaidín, ahora le llega el turno a Birchwood (Clean Feed, 2023), un homenaje velado a los paisajes polacos por los que transitan, al menos tres veces al año. Así los quieren, así son contratados. Adebules, abedules y más abedules, todos ellos mágicos, salutíferos, como las seis composiciones que componen el disco.

Hechas las presentaciones, el trío empezó a caminar con paso firme, atacando la primera pieza, homónima del trabajo que presentaban. Birchwood (‘madera de abedul’) es un dibujo lleno de aristas y remansos que homenajea a esos árboles que han ido acompañando el paisaje europeo tras lasa ventanillas durante estos dos últimos años. El viaje reposado ayuda a fijar lo vivido en la memoria y da la sensación de que tanto Villavecchia como Trilla y Reviriego han podido hacer acopio de momentos para sumar al álbum de recuerdos. Pronto se nota que entre las fuentes del grupo está Ornette Coleman como manantial fundacional, donde también convergen las enseñanzas de Evan Parker, Roscoe Mitchell o Thomas Chapin, al que rindieron tributo con la composición “Bypass” (de Sky Piece, 2005) del multiinstrumentista estadounidense tempranamente fallecido, revisitada con ímpetu novedoso desde que la presentaran como corte del anterior Zaidín. Tras el furioso desembarco, le llegó el turno a “Lublin”, otro recuerdo a esa hermosa ciudad polaca en la que los tres se encuentran como en casa. Entre ritmos rotos, entrecortes, flujos y melodías fue avanzando el programa. Para entonces, las cartas ya estaban sobre al mesa y la fiesta estaba servida. Con “Zaidín” volvieron a hacer de las suyas y propulsaron la cita para recalar en una pieza inédita, “Bika”, si no entendimos mal, firmada por Reviriego, que ha expandido las posibilidades sonoras de su instrumento del modo en que lo han hecho sus compañeros, con firmeza, riesgo, investigación y valentía: pulsión firme, arcos dolientes, percusión y armadura versátil, con las baquetas y artilugios variopintos de Trilla como aliados experimentales. “Senán” y “Deep Yellow” confirmaron la apuesta del trío, que ha hecho de la expansión sónica de sus instrumentos un artefacto que reivindica lo mejor de la tradición jazzística que los impulsa. Como el abedul, también este trío tiene propiedades diuréticas, desinfectantes, antireumáticas y febrífugas, por lo que la exposición prolongada a la música que emana de ellos socorre incluso ante noticias nefastas, como el inminente cierre del local en el que se colaron por la urgencia aquella madre y aquel hijo despistados. No creo que en la trattoria que pretenden montar sobre sus escombros pueda disfrutarse desde el hilo musical de la alegría con que el respetable degustó Birchwood. Un osado trío al que habrá que seguir la pista, aquí, en Polonia o en Pekín. No se los pierdan. No defraudan.