El último álbum de Matthew Shipp, New Concepts in Piano Trio Jazz, presenta un nuevo estímulo al panorama del free jazz, mostrando una vez más a un Shipp innovador, en continua búsqueda y con nulo complejo por incluir texturas sonoras provenientes de diferentes galaxias mentales.  Lanzado en 2024 bajo el sello ESP-Disk, el álbum cuenta con Matthew Shipp al piano, Michael Bisio al contrabajo y Newman Taylor Baker a la batería. Este es ya el séptimo trabajo de estudio de esta formación, que ha conseguido, en estos nueve años de trabajo conjunto, algo que es crucial para sonar con el empaque y profundidad que les caracteriza: telepatía.

El álbum destaca por su perfecta combinación entre composición e improvisación, siendo el escenario apropiado con el que el lenguaje musical de Shipp, trabajado durante décadas, baila a sus anchas en ocho magníficas improvisaciones. La composición del álbum tiene que ver principalmente con lo conceptual, con los motivos, las texturas, con los cortes rítmicos y con las dinámicas propuestas por el pianista a sus músicos en diferentes secciones.

Como el mismo Shipp indica en una reciente entrevista: “simplemente empecé a tocar lo que estaba en mi cabeza y les dije a los chicos que saltaran al agua conmigo”. Los tres instrumentistas van hilvanando así, progresivamente, la música que va aconteciendo. El concepto que propone Shipp tiene que ver con la búsqueda del arquetipo del compositor espontáneo, haciendo referencia a autores barrocos como Bach o Bethoven, o a algunos más contemporáneos como los pianistas Cecil Taylor o Keith Jarrett a los que Shipp considera “humildemente” haberse unido en estos últimos años de su carrera musical.

Ser un improvisador, como el mismo Shipp indica, supone decir cosas coherentes en tiempo real. En New Concepts in Piano Trio Jazz, encontramos plasmada esta idea, en él se pueden escuchar, sorprendentemente, algunos cortes melódicos con estructuras firmes como es el caso del Walking deambulante del contrabajo de Bisio en The Function al que se le añaden, a modo de líneas discursivas asimétricas el piano de Shipp y la percusión revoltosa de Baker.  El trío de Shipp, demuestra extrema concentración en todos los cortes y un nivel excepcional de cohesión e interacción.  Esta dinámica es particularmente evidente en temas como Non Circle y Tone IQ, donde el trío navega con facilidad por estructuras complejas y tonalidades cambiantes.

Las narrativas musicales que se siguen entre pieza y pieza son complicadas pero atractivas dando muestra de la maestría técnica y la profundidad emocional que Shipp y su trío desprenden en cada una de sus creaciones. Por ejemplo, Non Circle, presenta un intrincado patrón de batería de Baker que evoluciona hacia una pieza ricamente texturizada con sutiles pasajes de bajo a doble tiempo de Bisio. Mientras tanto, Tone IQ comienza de manera abstracta, abrupta y aleatoria, para posteriormente transformarse en una pieza lírica y tonal que oscila entre la atonalidad y la bitonalidad sin perder su hilo melódico.

New Concepts in Piano Trio Jazz, ilustra la capacidad de Matthew Shipp para traspasar los límites del jazz manteniendo un sonido coherente y fresco, en el que el balance de lo espontáneo y lo crudo que se recoge en las grabaciones en directo mantiene siempre en alto el buen nombre del improvisador, aquel narrador de historias espontáneas que compone su trama en el devenir de lo racional y lo irracional.

Ambiente de club, entrechocar de copas, acústica íntima y esa sensación tan extraña de describir que atesora el carácter único e irrepetible de una experiencia en directo; más irrepetible aún si se trata de una sesión de improvisación libre a cargo de tres titanes del jazz actual.

Grabado en directo en Berlín como punto final a una residencia de cuatro días en el club Au Topsi Pohl, Maua (“flor”, en swahili) muestra al veterano pianista ghanés Pat Thomas liderando ISM; un trío completado por el sueco Joel Grip al contrabajo y el francés Antonin Gerbal a la batería (los tres forman parte a su vez del proyecto Ahmed). Ampliamente conocido por su trabajo junto a Ebo Taylor en los sesenta y setenta del siglo pasado, Pat Thomas conjuga en su laureada carrera las intersecciones creativas entre jazz clásico, avantgarde, experimentación electrónica, highlife, afrobeat y pura improvisación libre. La música de Pat Thomas se convierte en una combinación mágica de habilidades sorprendentes de improvisación y atmósferas inspiradoras y aventureras; siempre hay juego en su forma de componer, siempre hay afán de investigación y ganas de disfrutar; y con Maua todos esos elementos quedan sublimados a la perfección.

Maua es el cuarto trabajo de ISM, con el que han decidido rendir homenaje a la historia del trío de piano, convirtiendo una extensa improvisación y una pieza más breve en un viaje fascinante a través de estilos y sonoridades que rinden pleitesía al hard bop, al free jazz, a los aires latinos y a mil cosas más. En esta ocasión, el carácter improvisado de la sesión no deriva hacia terrenos rupturistas: la experimentación y la libertad desplegada a lo largo de los 41 minutos que dan forma al primer tema del disco (titulado también “Maua”) se convierten en una pieza asombrosamente cohesionada en la que Pat Thomas toma el mando y deja que su imaginación vuele muy, muy alto en un despliegue de creatividad y frescura que deja sin aliento. Grip y Gerbal reaccionan de forma aparentemente telepática a los distintos pasajes e intensidades que Thomas va poco a poco desarrollando, convirtiéndose en un colchón rítmico imbatible. A pesar de no adherirse a estructuras concretas, “Maua” suena como una sola pieza coherente, transitando por diferentes fragmentos de forma orgánica. El juego de dinámicas (un derroche de clase y veteranía) hace que en ningún momento la composición caiga en la repetición o el aburrimiento, y Pat Thomas suena a clásico la mayor parte del tiempo, más centrado en la elegancia y el confort que en los terrenos más abruptos a los que suele entregarse en otras facetas de su trayectoria.

Tras el vendaval que suponen esos más de cuarenta minutos de quiebros y brillantez desatada, el disco se cierra con “Niloo’s Dream”; una pieza suave, deliciosa, casi convencional por momentos, en la que el piano suena incluso romántico, colocado otra vez en el centro expresivo de la composición. “Niloo’s Dream” suena emocionante, añeja e íntima, y supone un recodo de calma y belleza perfecto para cerrar el disco a modo de coda dulce y serena, dejándonos sumergidos en el recogimiento, con una sonrisa de oreja a oreja y satisfechos tras un viaje fascinante por paisajes sonoros preciosos; un viaje que vale la pena experimentar.

Afincado a tiempo parcial entre su Milán natal y Ámsterdam, el clarinetista Federico Calcagno (“el nuevo obispo del mejor jazz italiano”, según All About Jazz) es una pieza imprescindible del nuevo jazz europeo y los terrenos más libres de la música improvisada. Su estilo compositivo es una mezcla entre el jazz vanguardista y la música clásica posmoderna, con especial atención al aspecto rítmico, influenciado por la música clásica india del sur de la India (Carnatic Music) y la música africana.

Ya sea como líder y cerebro creativo de sus numerosas bandas (Liquid Identities, Piranha, The Dolphians, Fade In Trio...), como solista o dirigiendo Habitable Records (un sello independiente que funciona como hogar de una gran cantidad de nuevas voces en el terreno de la improvisación y la música más libre y desprejuiciada); la trayectoria del clarinetista italiano está marcada por una inquebrantable voluntad exploradora del sonido y las posibilidades expresivas de sus composiciones.

Mundus Inversus es el resultado de tres años de trabajo de Federico Calcagno tocando, componiendo y colaborando dentro de la comunidad holandesa del jazz vanguardista y la música improvisada. En palabras del propio Calcagno, este disco sirve como “una reflexión sobre el mundo contemporáneo, caracterizado por acontecimientos rápidos y dramáticos que ponen el planeta patas arriba. Mundus Inversus se refiere al topos figurativo y literario en el que se invierte el orden natural de las cosas y se invierten las jerarquías sociales, conectando imposibilidades”.

Calcagno y su banda crean a lo largo de Mundus Inversus un paisaje sonoro plagado de síncopas, compases extraños y cambios continuos de tempo y compás, pero el conjunto suena extrañamente armónico y coherente. Por muy libre que fluya la música, siempre hay una sensación de compenetración que le otorga al disco una pátina de elegancia exquisita (escuchen el nivel de telepatía creativa que se desarrolla a lo largo de “The other side of silence”, por ejemplo, o el dramatismo oscuro y absorbente de “The hanged man: paralysis”). Cada pieza individual encaja a la perfección en un todo que funciona como un engranaje perfectamente engrasado. Hay espacio para la improvisación, hay desarrollos solistas y exploraciones sonoras abiertas y libres, y hay momentos para el recogimiento y la calma contemplativa. El violonchelo de Pau Sola toma las riendas de la preciosa “Recovery” o de la misteriosa y cinemática “Hieronymus”, mientras que la compenetración rítmica entre Aleksander Sever al vibráfono, Pedro Ivo Ferreira al contrabajo y Nikos Thessalonikefs a la batería resulta una base tan sólida como sorprendente que funciona a la perfección en todo momento (piezas como “Perseverance” ofrecen una sensación de juego que resulta apasionante). Adrián Moncada brilla también con su estilo paisajístico y poco intrusivo al piano, lo que permite volar muy alto al trío de vientos formado por Nabou Claerhout al trombón, José Soares al saxo y el propio Federico Calcagno al clarinete.

Mundus Inversus es un viaje hermoso y sorprendente que nos lleva por terrenos melancólicos, graves, oníricos y expansivos a lo largo de cincuenta minutos de música compleja y profunda que, sencillamente, suenan a gloria.

El trío que desde sus inicios responde a la idea musical de Segurado desea emparentarse con clásicos como Bill Evans (aquel “Waltz for Clarisse” de sus inicios en Tritones y serendipia, FSNT, 2027) o Thelonious Monk (la actual “Suite Acondicionado”), pero con Elfrieda el pianista incorpora a su repertorio grabado los usos y atmósferas de una de las más grandes damas del jazz, la gran Mary Lou Williams, nacida Mary Elfrieda Scruggs: tradición, blues y toques free con los que el homenajeador se siente muy a gusto, correspondido por el resto del trío para la ocasión, donde sobresale la incorporación del infalible Masa Kamaguchi y la continuidad de Santi Colomer, que ya estaba presente en el anterior Hocicology (FSNT, 2019). Desde aquellos primeros años en los que la mirada atenta y clásica de Pedro Salvatierra diera paso al acompañamiento jazzístico de Chema Corvo, hasta su paso por la Musikene donostiarra, donde pudo recibir enseñanzas de Bob Sands, Iñaki Salvador, Chris Kase, Francesc Capella, Joaquín Chacón, Miguel Blanco o Mariano Díaz, entre otros, hasta su llegada a Barcelona, donde en la actualidad está en la nómina docente del Taller de Músics, Luismi Segurado es un valor seguro en el juego bursátil de las músicas improvisadas surgidas en los últimos años. Que haya compartido escenarios y grabaciones con Jorge Rossy, Bob Reynolds o Ramón Cardó no es más que la senda natural por la que transcurre la trayectoria de este afinado músico, al que ya conocen los escenarios del Heineken Jazzaldia.

Ante el arte de Segurado y su recompuesto trío, mejorado para la ocasión, uno debe postrarse y dejarse llevar. Abandonarse, por ejemplo, a la maravilla de “Mary Lou”, una composición en la que parece haberse espiritualizado la misma Elfrieda y por la que corre sangre cálida, volcánica y tempestuosa como la de la pianista de Atlanta, en un camino que va del stride al free sin solución de continuidad. Asimilados los gestos de quien en sus inicios fuera conocida como Mary Burleigh, el decir de Luismi Segurado se hace enorme hasta desembocar en “Solo”, con la que se cierra el disco. En algo más de siete minutos, el líder desarrolla un discurso con la red de protección que le aportan Kamaguchi y Colomer, tan efectivos como enriquecedores, con el que clama a los cuatro vientos las bonanzas de la genial Mary Lou Williams y, de paso, proponer una nueva aproximación a esta enorme pianista, no siempre valorada con justicia; o, más bien, olvidada con recurrencia. La escucha de Elfreida constata que el arte verdadero acaba abriéndose paso, tarde o temprano, entre el resto de propuestas con las que el mundo de la música trata de dar sentido al mundo. Y si no, a las pruebas me remito: escuchen con atención la hermosa “El Muro de Bornalle” y sabrán a lo que me refiero.

Situado en la intersección entre el jazz experimental y el rock pesado, Luis Lopes es uno de los principales nombres propios de la fértil escena experimental portuguesa, y cuenta con una larga lista de grabaciones discográficas a sus espaldas. En esta ocasión, y bajo el nombre de Abyss Mirrors, junto a Lopes podemos escuchar a Flak (guitarra eléctrica), Jari Marjamaki (electrónica), Travassos (electrónica), Felipe Zenícola (bajo eléctrico), Yedo Gibson (saxo tenor, alto y soprano), Bruno Parrinha (saxo alto y soprano), Helena Espvall (violonchelo), Maria da Rocha (violín) y Ernesto Rodrigues (violín); todos ellos actualmente afincados en Lisboa, cada uno con su propio lastre y bagaje cultural, tanto del jazz, la improvisación libre y la música experimental como la música electrónica y el techno underground.

A lo largo de Echoisms, Luis Lopes y sus Abyss Mirrors ofrecen casi cincuenta minutos de música experimental y rupturista, divididos en siete piezas construidas a base de free jazz, improvisación, música electrónica y experimentos electroacústicos. No hay orden ni estructura aquí, cada pieza es un pasaje instrumental construido sobre una superposición de sonidos (cuerdas, guitarras eléctricas, acoples, saxos, bajos eléctricos y electrónica ruidista. No hay elementos de percusión en ningún momento del disco), sin solución de continuidad ni rumbo definido. Las tensiones entre elementos y sonoridades son la base de Echoisms. La sucesión aparentemente aleatoria de sonidos suena tensa, discordante, llena de aristas incómodas; la vocación ambiental y la huida consciente de cualquier acercamiento entre elementos hace que el disco alcance un nivel de autoindulgencia que convierte la escucha en todo un reto a la paciencia por momentos; el profundo ensimismamiento de cada elemento del conjunto, resultante en un todo deslavazado y fracturado, provoca una sensación de caos que, lejos de funcionar como una suma de cosas interesantes, da más la impresión de ser simplemente una suma de pistas de grabación en las que nadie está pendiente de lo que hacen los demás.

Muchas veces, el elemento de la sorpresa acaba siendo fundamental en este tipo de proyectos, y el sentido de la frescura o la originalidad resultan casi imprescindibles para separar lo verdaderamente rompedor y transgresor de lo que en el fondo no es más que jugar a ser el más raro. Echoisms estaría incluido en la segunda categoría: nada de lo que suena en este trabajo resulta novedoso, todo lo incluido en este disco lo hemos escuchado mil veces antes; ya sea en los experimentos de John Zorn desde finales de los ochenta y a lo largo de los noventa (de Spillane a Naked City, por ejemplo), o remontándonos aún más en el tiempo para citar a influencias absolutas (y manidas hasta la saciedad) como los obligados Sun Ra, Ornette Coleman, el Miles Davis más abstracto o, por supuesto, Stockhausen y Prokofiev.