Llegó el sábado, aún más intenso que la jornada anterior. Tradicionalmente, en la Jazzweek de Burghausen, este día está dedicado al blues, y las dos bandas que actuaron en el Wackerhalle a media tarde lo demostraron con creces. Primero, la Jimmy Reiter Band, que logró un sonido auténticamente americano, con un timbre vocal que evocaba el blues de John Mayer y una agrupación que respiraba la esencia más pura del género. El público, con sonrisas de oreja a oreja, aplaudía entusiasmado al presenciar en directo una banda que encarnaba el espíritu del blues más tradicional. En segundo lugar, Vanessa Collier, múltiple galardonada en la escena del blues, deslumbró con su poderosa presencia en el escenario y su impresionante capacidad musical. Con su imponente voz, su saxofón alto y su guitarra, desplegó un espectáculo en el que fusionó bluegrass, blues, country y soul, entre otros géneros. Su cuarteto dejó al público boquiabierto, demostrando una versatilidad y energía arrolladoras.

Al caer la tarde, el Wackerhalle ofreció una propuesta más convencional, mientras que el Stadtsaal apostó por una programación arriesgada y vanguardista. Afra Kane, al frente de su cuarteto, desplegó un abanico de estilos siempre enraizados en su herencia nigeriana, aportando una profundidad y frescura inconfundibles. Por su parte, la Fabia Mantwill Orchestra, en la línea de grandes compositoras como Carla Bley o Maria Schneider, llevó la exploración sonora a otro nivel, con la destacada participación del percusionista Rhani Krija como invitado especial asegurando una noche repleta de sonidos inolvidables.

Por otro lado, el Stadtsaal albergó primeramente a Louise Jallu, que ofreció una de las propuestas más vanguardistas del festival con su quinteto, explorando sonoridades innovadoras desde su bandoneón. Su enfoque recuerda a la tradición clásica trasladada a un formato orquestal reducido, con composiciones estructuradas en múltiples secciones y una fuerte carga experimental. Uno de los momentos más sorprendentes de su actuación fue una pieza inspirada en la Sonata en Fa# menor de Robert Schumann, donde transformó elementos de la obra en una reinterpretación moderna. También jugó con sonidos urbanos, como las sirenas de la policía francesa, cuya melodía le evocaba un preludio clásico y sirvió de base para una de sus composiciones. A lo largo del concierto, la influencia de la vanguardia francesa fue evidente en la riqueza tímbrica y el uso de técnicas extendidas en todos los instrumentos. Destacó una poderosa versión del Bolero de Ravel. En su repertorio no faltaron guiños al tango y a Piazzolla, con una interpretación de Oblivion que cerró con una atmósfera melancólica e hipnótica. Jallu, de pocas palabras y con un marcado acento francés, dejó que su música hablara por sí sola. Además, incorporó secuencias de sonidos y grabaciones de voces de compositores, generando una experiencia sonora envolvente que desafió las fronteras entre el jazz, la música clásica y la experimentación contemporánea.

Seguidamente apareció el sexteto RADIOELECTRIC que contaba con la cantante italiana Sabina Sciubba al frente. El baterista, Cyril Atef, manejaba un micrófono con el que grababa loops en vivo, creando capas de percusión a partir de objetos inesperados. Sobre el escenario, una mesa repleta de herramientas de carpintería —martillos, sierras automáticas, taladros— se convirtió en un insólito set de percusión, sumando texturas industriales a la experiencia sonora. El espectáculo transitó entre el free jazz, la experimentación ambiental y momentos de groove con armonías bluesy, incluso dejando espacio para un swing camuflado en la locura sonora. La producción electrónica jugó un papel clave, con una mezcla de sonidos en vivo y procesados que añadieron profundidad y caos controlado al concierto. Sciubba, con cerveza en mano y actitud despreocupada, supo llevar el show con naturalidad, modulando su voz con efectos que amplificaban la sensación de performance. Hubo interacción esporádica con el público —comentarios, movimientos hacia el frente del escenario, elementos de vestuario— todo medido con precisión para mantener el impacto sin excesos. El sexteto mostró una instrumentación diversa, con contrabajo, bajo eléctrico y cello aportando un espectro sonoro amplio, mientras que el guitarrista desplegó un arsenal de guitarras para diferentes matices. La audiencia reaccionó de manera dispar: algunos se dejaron llevar por la experiencia y hasta subieron a bailar, mientras que otros optaron por abandonar la sala. La propia Sciubba calificó a los asistentes como courageous, en un guiño a la valentía necesaria para sumergirse en una propuesta tan radical y sin concesiones.

Por si fuera poco, tras estas magníficas actuaciones, Burghausen daba paso a su emblemática Jazznight: una velada en la que la música se apoderaba de cada rincón del casco antiguo. Clubs, bares, restaurantes y locales de todo tipo acogían hasta nueve propuestas diferentes, abarcando desde el soul, funk y jazz, hasta el blues, ska, Motown y salsa afrocubana. El ambiente era el de una auténtica fiesta itinerante, donde el público podía ir de un sitio a otro, sumergiéndose en un mosaico sonoro que celebraba la diversidad y el poder unificador de la música. Los más entusiastas apenas notaron que la noche se acortaba por el cambio horario y su energía no decayó. La música siguió resonando hasta bien entrada la madrugada.

El domingo, último día del festival titulado Next in Jazz, despidió a todos los asistentes con tres conciertos a media tarde en el Stadtsaal protagonizados por tres tríos: Knobil, PRIM con un invitado especial al cello, Lucas Lauermann, y Antiánima, un trío de mejicanos que levantó a toda la audiencia en un aplauso interminable. La clausura definitiva llegó por la noche en la mítica bodega del jazz, donde primero el trío de Fields y luego los Dixie Dogs pusieron el broche final a una semana inolvidable de música y emociones en Burghausen.

Emmanuelle Bonnet Quartet Emmanuelle Bonnet voz, composición, Alvin Schwaar, piano, Tabea Kind, bajo, Lucas Zibulski, batería. Emmanuelle Bonnet es la brillante cantante y compositora sueca. El proyecto de Emmanuelle Bonnet Quartet se realiza en colaboración con la asociación de música improvisada de Ginebra AMR–Genève. Eso implica compartir la programación en ambos festivales anuales promovidos por cada una de las asociaciones de músicos, así como dos residencias artísticas. La propuesta de Emmanuelle Bonet es precisa y clara, con un equilibrio entre lirismo melódico y la experimentación musical de improvisación libre.

Soma es el trabajo resultado de una semana de residencia artística en Guimares jazz.  con un elenco de músicos especialmente talentosos con José Soares como líder. El proyecto reúne influencias de la música experimental, el noise y la música contemporánea. Un proyecto arriesgado de fragmentos musicales circulares y largas desarrollos introductorios de tensión creciente. José Soares saxofón alto, José Diogo Martins, piano, sintetizador, Omer Govreen, contrabajo João Lopes Pereira, Varvara Tazelaar, artes visuales.

Seguimos con el quinteto del contrabajista y compositor Joao Fragoso. El líder presenta Canta Derrocada, el segundo álbum con esta formación, lanzado con Carimbo Porta-Jazz. Escuchamos contundentes y atractivas líneas de bajo a cargo del líder Joao Fragoso que desatan los aplausos del público. Un trabajo de interesantes desarrollos narrativos, improvisaciones y exploración tímbrica. Con John Almeida  a la trompeta y Albert Cirera  al saxo tenor junto a John Carreiro, a la guitarra y Miguel Rodrigues a la batería.

Continuamos en el salón con el set del DJ Rui Miguel Abreu, crítico musical en activo desde 1989 y que actualmente escribe para la revista Blitz, Expresso y Rimas e Batidas , publicación digital que dirige, además de ser colaborador habitual de la revista internacional We Jazz. Autor de varios programas en Antena 3, entre ellos el programa semanal Notas Azuis centrado en el mundo del jazz contemporáneo.

GODUA  La música del cuarteto, compuesta por Duarte Ventura y Hugo Ferreira, se sumerge en una exploración sonora que busca una identidad propia. Con influencias en el rock, el grupo genera momentos de gran energía liderados por la guitarra y la batería, contrastados con melodías al vibráfono. La tensión crece de manera progresiva. El resultado de este proceso creativo se materializa en el álbum STOP que presentan, editado por Carimbo Porta-Jazz. Con João Fragoso, contrabajo y John Cardita a la batería.

Seguimos con el trío Sonic Tender, de enfoque en la improvisación libre, formado por Guilherme Aguiar al piano acústico, João Carreiro a la guitarra eléctrica y João Valinho a la batería. Registrado por Robalo Music en el álbum debut del trío, Odd Objects. Es un trabajo de exploración sonora abstracta y minimalista donde el sonido se convierte en un territorio de constante descubrimiento. Es un proyecto intrigante y denso de estructuras complejas en las que no existe diálogo entre el trío, privando al oyente de cualquier sensación narrativa o punto de anclaje.

Dentro del Árbol es el notable proyecto a quinteto presentado por Demian Cabaud, un peso pesado en la escena portuguesa. Es un trabajo bellísimo de trayectoria exploratoria marcada por la libertad creativa, y una constante búsqueda de nuevos horizontes sonoros. El proyecto tiene desarrollos narrativos abiertos, contemporáneos con libertad de improvisación con una formación de músicos excelentes, Con João Pedro Brandão, Con José Pedro Coelho, Ricardo Moreno, Demian Cabaud y Marcos Cavaleiro.

El colectivo Ensemble mutante #2 – kaja Draksler es el encargado de clausurar el festival. kaja Draksler, pianista y compositora eslovena, escribió este proyecto para tres voces, cantantes centrales de Portugal, Mariana Dionisio, Sofia Sá y Vera Morais, junto con la trompetista de vanguardia Susana Santos Silva. Es música improvisada, contemporánea con el foco en el diálogo improvisado de las vocalistas. Este colectivo busca un lenguaje híbrido con total libertad interpretativa. El proyecto es un espacio de experimentación y de creación a demanda, mezcla de clasicismo y vanguardia.

Al día siguiente, fue el turno de la cantante Simin Tander y su cuarteto formado por la violinista Harpreet Bansaal, el bajista Björn Meyer (que con sus seis cuerdas lograba suplir la función de cualquier guitarrista con total solvencia) y el baterista Samuel Rohrer. Tander, una vocalista virtuosa, trató su voz como un instrumento, utilizando efectos, percusión vocal y un control técnico impecable. La música osciló entre atmósferas ambientales y estructuras más cerradas, con complejas amalgamas rítmicas en 7 y más números impanres y sonoridades que evocaban tradiciones orientales. Las cues fueron muy marcadas, guiando transiciones entre secciones etéreas y grooves más definidos, siempre envueltas en una densa reverb. El multilingüismo fue clave en la propuesta: alemán, inglés, castellano y recitados envolventes. La presencia del afgano, con extensos pasajes declamados, añadió una carga emotiva y cultural profunda. El trance generado en los momentos más ambientales resultó casi hipnótico, al punto de inducir una sensación de sueño. En contraste, los temas más rítmicos aportaron dinamismo sin perder la atmósfera onírica que definió el concierto. Fue una experiencia inmersiva, donde la voz lideró un viaje sonoro entre lo contemplativo y lo rítmicamente desafiante.

En el ecuador del festival, tras la actuación de Tander y compañía, aparecieron Monika Muc (saxo alto), Kamila Drabek (contrabajo), Patrycja Wybrańczyk (batería) y Kateryna Ziabliuk (piano).  Desde Polonia, amigas de mucho tiempo, este cuarteto cullo nombre, O.N.E significa “ellas” en polaco, nos dejó a todos pensativos y boquiabiertos. Con un sonido de cuarteto acústico claramente maduro y bien logrado, el concierto fue una explosión de energía y libertad musical, con una propuesta audaz, donde el free jazz y el groove modal se entrelazaron con una fluidez impresionante. Desde el inicio, comenzaron con una sección completamente libre, con rubato pero con una dirección clara y una intensidad arrolladora. La baterista, al presentar en inglés, explicó el significado del nombre: “O.N.E means ‘they girls’.” El segundo tema, compuesto por la saxofonista, mantuvo la misma esencia Ornette-iana: una introducción libre que desembocó en un groove modal sólido, con el piano marcando un comping abierto y el bajo y la batería perfectamente empastados. El saxo, con una melodía minimalista y poco definida, se sostuvo más en la textura del groove que en líneas melódicas convencionales. Tocaron sin partituras, intercambiando tutti y solos con una naturalidad asombrosa. En algunos momentos, saxo y bajo doblaron líneas al unísono, mientras que las transiciones entre secciones groove y free fueron totalmente orgánicas. A pesar del carácter rubato de muchas partes, las cues surgieron con precisión, evidenciando un nivel de escucha y ensayo excepcional. Jugaron con los códigos del jazz con irreverencia y humor: citaban swing, ragtime y bossa solo para desarmarlos en una explosión atonal y completamente compuesta. En varios pasajes, dejaron el piano fuera y tocaron en formato de trío, explorando el time no changes al estilo de Ornette. Cada una de ellas presentó al menos una vez, mostrando de nuevo el espíritu colectivo del grupo. Fue un concierto lleno de frescura, riesgo y una compenetración que dejó claro que O.N.E es una de las propuestas más vibrantes y sólidas de la nueva generación.

La noche del sábado la culminó una propuesta completamente distinta: un quinteto británico de Glasgow, CORTO.ALTO, con un sonido joven y eléctrico, donde la estructura, la precisión y la producción moderna fueron clave. Dos son los claros líderes del conjunto: Liam Shortall que consigue tocar trombón, teclas, pedales de efectos, modulares y bajo eléctrico al mismo tiempo, y Graham Costello que reparte notas paradisíacas y ritmos envolventes en su set de batería que recuerda a maestros como Chris Dave. Completan el quinteto el saxofonista Mateusz Sobieski, el guitarrista James Mackay y el teclista Fergus McCreadie. Consiguieron desplegar un sonido influenciado por el neosoul subdividido, el drum&bass y el jazz progresivo, en la línea de Chris Dave, R+R=NOW o Chief Adjuah. Todo estaba meticulosamente arreglado, sin espacios para el free, pero con espacio para solos dentro de estructuras definidas. Grooves complejos y subdivididos, ejecutados con una precisión impresionante y que recordaban también al sonido de Sungazer o Butcher Brown. Uno de los momentos más destacados fue su versión de Kendrick Lamar, reinterpretada con una sensibilidad jazzística y una producción de alto nivel. Con un sonido moderno y pulido, la banda logró un equilibrio entre la sofisticación del jazz fusión y la energía del groove contemporáneo, cerrando la noche con una propuesta sólida.

Dos noches estupendas fueron seguidas de una matineé deliciosa a cargo de dos propuestas completamente diferentes entre sí. Y es que, sin duda alguna, el festival ha logrado integrar todo tipo de músicas.

Primero actuó el North Sea String 4tet, con George Dumitriu y Pablo Rodríguez a los violines, Yanna Pelser, clara líder del cuarteto, a la viola y Thomas van Geelen al cello. El concierto combinó ambientes envolventes y un uso magistral de técnicas extendidas, creando una experiencia inmersiva donde el sonido y el silencio jugaron un papel igual de importante. Los solos fueron turnados de manera orgánica, mientras el resto del grupo aportaba acompañamiento sutil y texturas en constante transformación. La mezcla de estilos fue especialmente llamativa, incorporando elementos contemporáneos sin perder la esencia camerística del cuarteto de cuerda. Uno de los aspectos más destacados fue el uso de epítetos sonoros, donde cada timbre y cada pausa parecían estar cuidadosamente elegidos para amplificar la expresividad de la música. Más allá de su destreza técnica, los músicos transmitieron una energía cercana y humilde, dejando una impresión cálida y auténtica en el público.

Para cerrar esta edición de 2025, la elección de la programación fue el Marcin Wasileski Trio. Un trío polaco formado por su líder al piano, Slawomir Kurkiewicz al contrabajo y Michal Miskiewicz a la batería. Veteranos en la música (acaban de celebrar su trigésimo aniversario en 2024), ofrecieron una actuación elegante y profundamente expresiva. Su capacidad para tocar en rubato con una sincronización impecable creó momentos de gran belleza y fluidez, con una riqueza armónica que sumergió al público en una atmósfera envolvente. El repertorio incluyó tanto composiciones propias como piezas de enfoque más funcional, destacando una versión refinada de Actual Proof de Herbie Hancock, interpretada con precisión y personalidad. En un momento especial, compartieron su deseo de estar “crazy for love”, aportando un toque humano y cercano a su propuesta. En conjunto, fue un concierto cuidadosamente elaborado, lleno de sensibilidad y con una interacción impecable entre los músicos, reafirmando la esencia del trío clásico con un enfoque contemporáneo.

La 14ª edición de WINTERJAZZ COLOGNE reunió un cartel caracterizado por la diversidad del género, con una predominancia por lo vocal como instrumento principal. seleccionado, diseñado para reflejar la amplitud y diversidad del género. La combinación de jóvenes talentos emergentes y subrayó el compromiso del festival con la promoción de nuevas perspectivas y la conservación de un legado musical vibrante en un espacio abarrotado de gente.

Comenzamos con el proyecto del chileno Pablo Sáez Surensemble que utiliza la batería y la electrónica como pilares para construir paisajes sonoros de fusión creativa, riqueza rítmica y lirismo melódico que refleja las diferentes influencias de sus integrantes: Jens Böckamp (saxofón, flauta), Álvaro Severino (guitarra), Norman Peplow (piano), André de Cayres (bajo).

Each Vagabond es el proyecto experimental a dúo de Julia Ehninger y Florian Herzog centrado en la voz y lo electrónico Utilizando sintetizadores modulares, cajas de ritmos, efectos y voz que fusionan elementos de pop, jazz y música electrónica.

En el club Z dos tríos, uno el de Philipp Czarnecki: PC ENERGETIC es el trío del guitarrista y compositor Philipp Brämswig, junto a Jonathan Ihlenfeld Cuniado y a Marc Ayza a la batería. Sonido urbano con riffs de guitarra rockeros y funky.

Con un enfoque más experimental el trío Ingen Navn liderado por la saxofonista Inga Rothammel la música fluye entre melodías oníricas, momentos de gran energía rítmica. Con Rocco Romano (guitarra), Hendrik Eichler (batería). Su enfoque libre y sin restricciones se refleja en su nombre, Ingen Navn (sin nombre, en noruego), resaltando su compromiso con la autenticidad y la expresión emocional ilimitada. Con un álbum debut, Elewha (2023), nominado al Premio Alemán de Jazz 2024.

En el escenario del restaurante escuchamos a la artista multipremiada cantante, escritora de canciones y productora germana-filipina Ray Lozano. Con su estilo único conquistó al público. Su debut fue en 2023. Pairing Mode … Connected “significa conectarnos entre nosotros. Con todo lo que es y con todo lo que no es”, escribe la cantautora. La propuesta de Ray Lozano navega entre el soul, el jazz, el funk y elementos de la música electrónica. Con una voz cálida, carismática y profunda nos muestra un estilo único. Con Gabriel “Sir Pryce” Denhoff, Fritz Dinter, Lukas Berg-Rohwer  

Interesante proyecto de la escena joven de Colonia a cuarteto liderado por el saxofonista Julius van Rhee de composiciones originales y fluidas, improvisaciones de virtuosismo técnico y sensibilidad artística. Texturas armónicas sofisticadas de Leon Hattori al piano, mientras que Nico Klöffer y Alexander Parzhuber construyen una base rítmica dinámica, marcada por una profunda interacción y sincronía para hacer fluir las improvisaciones de Julius van Rhee con libertad. El resultado es un sonido cohesivo que refleja tanto el respeto por la tradición jazzística como la búsqueda de nuevos horizontes sonoros.

Horst Hansen Trío, es una banda de jazz, música de baile de sonido triunfal. Manfred, Hans-Dieter Zimmermann, Otto, Sebastian “Heinz” Ascher y Eberhardt. Mezclan tradición jazzística y modernidad, explorando estilos que van desde el jazz clásico hasta influencias más contemporáneas como el funk, el rock y elementos de música experimental.

En el club Jaki, el trio de la clarinetista, improvisadora y compositora Shabnam Parvaresh líder de la banda Sheen Trio junto a Ula Martyn-Ellis (guitarra), Philipp Buck (batería). La unicidad de Sheen Trio radica en su habilidad para alternar con fluidez entre la improvisación y las composiciones estructuradas, integrando elementos del jazz, música experimental y texturas sonoras contemporáneas con la combinación de clarinete bajo y efectos electrónicos con la guitarra y batería logrando un resultado exploratorio y novedoso.

La propuesta del cuarteto se centra en la interpretación de composiciones originales y arreglos innovadores que permiten a Anette von Eichel mostrar su expresividad vocal general y su capacidad para narrar historias a través de la música. En 2024, Anette fue nominada al Premio Alemán de Jazz en la categoría “Vocal” por su trabajo musical. La interacción entre los músicos es un elemento clave, con el piano de Sebastian Sternal de armonías evocadoras, el bajo de Henning Sieverts añadiendo profundidad melódica y la batería de Jonas Burgwinkel proporcionando estimulantes texturas rítmicas.

En un formato en solitario, el pianista de Colonia Jan Alexander construye capas armónicas de texturas sonoras improvisadas mientras que sus samplers y sintetizadores introducen matices electrónicos que interactúan de manera fluida con su interpretación al piano y al Rhodes. Su enfoque combina la improvisación del jazz con elementos de música electrónica. Música electroacústica.

Con una energía contagiosa y una habilidad para reinventar el lenguaje del jazz, Shreefpunk + Sean Payne, la banda se funda en 2003 por Matthias Schriefl (trompeta, fliscorno, trompa, tuba, acordeón, voz) en 2003 de enfoque irreverente y original se posiciona en la intersección de jazz vanguardia y punk. Alex Eckert (guitarra, ukelele, voz), Alex Morsey (bajo, tuba, voz), Sebastian Merk (batería), y Sean Payne (saxofón, teclado) como invitado especial.

El cuarteto vocal OVO, formado por las voces de Eva Swderski, Liv Sindler, Patricia Skof y Flora de Geus, ofrece una experiencia única de música a capela que combina precisión técnica con una expresividad extraordinaria. Su repertorio abarca desde piezas tradicionales reinterpretadas hasta composiciones contemporáneas

Moritz Schuster (saxofón, electrónica), Mathias Höderath (teclado), Thomas Esch (batería), componen el trío de hiperjazz Batiq Babes, originario de Colonia. Un concierto vibrante de espíritu experimental donde la música electrónica y el jazz se fusionaron con hip-hop, trap y house en un despliegue sonoro de paisajes atmosféricos y enérgicas improvisaciones.

SUMMIT Quintet, liderado por la bajista y compositora Ursula Wienken, ofrece un viaje sonoro que fusiona las tradiciones de la MPB brasileña, la profundidad lírica polaca y las influencias afroamericanas. Con música electroacústica y vocal-instrumental, el quinteto crea un paisaje rítmico y emotivo. Ursula Wienken (bajo, composición), Merle Böwering (voz), Leon Hattori (Fender Rhodes), Adrian Gallet (saxofón), Simon Bräumer (batería)