Es fácil sentir en un band, como The Cookers, el peso colectivo de la experiencia jazzística recopilada individualmente por cada uno de sus componentes, experiencia bien dispuesta al trabajo en equipo, consolidando así una música y un jazz de espíritu puro, directo,  con profundidad, evocando el sonido de los 60 bajo un marco de hard bop y post bop indiscutible. Se puede escuchar, bajo un enfoque y contexto contemporáneo, trazas de ritmos irregulares y estructuras más complejas a las originales pero siempre brindando un amplio espacio a la improvisación individual y en consecuencia a la libre interacción entre sus miembros. 

Individualmente, han estado en el centro de la escena del jazz post-bop durante décadas, cada uno de ellos cuenta con un sonido profundamente personal y un discurso elaborado que dota a los temas de largos desarrollos sumergiendo al oyente en olas sonoras de diversos matices y aproximaciones. Entre los temas que sonaron durante el directo pudimos apreciar

repertorio de compositores como Wayne Shorter o Freddy Hubbard con temas como The Core,de este último. También hubo proposiciones de temas de los allí presentes tocando Inner Glow y Farewekk Mulgrew del propio George Cables, Croquet Ballet y Capra Black de Billy Harper o Peace Maker y Slippin and Slidin de Cecil McBee.

Que estamos hechos de tiempo es algo que sabe perfectamente Wilkins protegido de Ambrose Akinmusire, y ambos abanderados de la escuela jazzística alumbrada por Jason Moran, uno de los grandes en la sombra. También el cuarteto que lidera desde su sorprendente debut con Omega (Blue Note, 2020), elegido por prestigiosas publicaciones como lo mejor que se ha escuchado en mucho tiempo. Y sin embargo, todavía no podía imaginarse que iba a llegar tan pronto su segundo largo, el portentoso The 7th Hand (Blue Note, 2022), que presentaba por primera vez por tierras españolas, colgando el cartel de ‘no hay entradas’ para uno de los conciertos más esperados del 41 Festival de Jazz de Terrassa, como también ocurriría la noche siguiente con la propuesta de Christian McBride y sus Inside Straight. 

El tiempo, eso que San Agustín sólo alcanzaba a definir siempre que no le preguntaran por él, es lo que el cuarteto neoyorquino maneja con imponente soltura y con insolente verbigracia, pese a su juventud. Después de que saxofonistas de la talla de Kamasi Washington o James Brandon Lewis hayan seguido trabajando en apuestas que reorientaban la tradición hacia caminos que hermanaban lo íntimo con lo colosal, parece que la propuesta de Immanuel Wilkins ha acertado a la hora de combinar los ingredientes personales con los colectivos, aquí entendidos como una sabia comunión entre la solvente escritura jazzística y las expectativas generadas en su audiencia potencial. Así pudo apreciarse esa noche en la Nova Jazz Cava, convertida una vez más en un templo profano donde invocar al panteón de deidades antiguas y futuras. A veces el nombre genera carácter, de ahí que Immanuel imagine su cometido asociado al mesías, al elegido, a ese ‘Dios está con nosotros’ al que responde la etimología del nombre con el que se conoce al saxofonista de Pensilvania afincado en Brooklyn.

Lo primero que se pudo apreciar nada más aparecer Wilkins fueron sus ganas de gustar, un ansia contenida pero ilusionada en tratar de hacer llegar su idea de lo que él entiende por jazz, que no es más que su idea de lo que entiende por música, que no es más que la idea que tiene de lo que significa para él expresar su mundo artístico mediante la gestación y expresión de sonidos. La música no es otra cosa, sólo que de la que participa Wilkins está trufada de tradición afroamericana de primer orden. Bebe sin remilgos tanto de la espiritualidad coltraniana como de la disposición parkeriana, en ambos casos con el mismo poder imaginativo y con formas que encuentran en Julian ‘Cannonball’ Adderley y en el último Charles Lloyd unas de sus referencias más cercanas y productivas. No parecía cómodo al inicio del concierto. Buscaba su espacio. Tímido sobre el escenario, entendía que debía dejar pasar los primeros compases para vertebrar su asalto a la Cava, a pesar de haberse labrado honores acompañando a Gretchen Parlato, Joel Ross, Wynton Marsalis, Gerald Clayton, Solange Knowles o el mismísimo Bod Dylan, entre otros músicos de renombre. Parapetado tras los atriles, con las hojas yendo y viniendo, el cuarteto —en esta ocasión sin el color que otorga la flautista Elena Pinderhugues a algunas de las partes de la suite The 7th Hand—, el cuarteto empezó a dar muestras de lo que se avecinaba con agigantadas lecturas de su primer largo, el aclamado Omega, casi recién salido de la Jiulliard.

Cayeron piezas combativas, próximas a las reivindicaciones del Black Lives Matter, como “Ferguson-An American Tradition”, que pronto darían la idea del lugar del que viene y al que se dirige Wilkins y su cuarteto, con un motorizado Kweku Sumbry a la batería que se atrevió incluso a cantar en algunos pasajes de raigambre africana (a él se debe la participación en el último disco del colectivo de percusionistas Farafina Kan Percussion Ensemble). Fueron cuarenta minutos en los que la música no hizo más que alzar el vuelo y servir de lienzo a las intervenciones de los cuatro músicos. Wilkins extrajo sonidos acuáticos de su saxo, propios de las florituras a las que nos tenía acostumbrados James Carter, pero sin caer en sus excesos. Dotadísimo con su instrumento, pronto se pudo apreciar que todos navegaban con rumbo firme, errando pero con la brújula afinada al norte, al objetivo que tenían en mente: asaltar los cielos, aunque esa noche fueran los del local, desde donde los miraba, imaginamos que con la misma admiración y entusiasmo que demostraba el auditorio, el gigante de Joe Henderson en forma de fotografía, desplegada en las alturas, haciendo honor a su estatura artística.

Pensar en un concepto para escribir una suite tiene la dificultad implícita de localizar el balance adecuado para que el resultado sea una pieza final coherente y con sentido de unidad. La intención del autor fue escribir una suite para un cuarteto de jazz aplicado a cuerdas. El concepto no es reforzar la sección rítmica, sino hacer que la sección de cuerdas funcione como un instrumento más.

El proyecto supone un desafío, mayor todavía si existe la libertad creativa para escribirlo. El criterio elegido por el autor fue el de componer música original acerca de Santiago de Cuba. Román Filiú, centrado en el ámbito de la improvisación, con una trayectoria ubicada en la vanguardia, ha conducido la esencia de los géneros musicales santiagueros (como el son y el bolero) de raíces africanas y españolas, hacia un lenguaje contemporáneo; ahora bien, la dificultad radica en establecer los elementos unificadores, entre las pequeñas piezas e interludios que hacen de denominador común y proporcionan una estructura compacta a la suite.

Suite Oriental, así se llama el proyecto de doce piezas originales escritas para saxofón y para el cuarteto de cuerdas de música de cámara español Assai, fundado en 1995.

Además de lograr un sonido elegante con arriesgados arreglos musicales y una gran amplitud de sonoridades y texturas, Román Filiú y el cuarteto Assai mantienen de manera orgánica la esencia de los géneros que representan la música en Santiago de Cuba, si bien, ampliada magistralmente con elementos de jazz contemporáneos de la escena de Nueva York (con referencias de músicos, como Henry Threadgill o Steve Coleman), con los que Filiú ha trabajado.

El repertorio, inspirado en influencias afrocubanas desde un enfoque no tradicional, es variado. Géneros que tienen un lenguaje común, con los que Reynaldo Maceo (primer violín) y Román Filiú se sienten identificados. Escuchamos música de son, montuno cubano, música clásica, balada, tumba francesa tocada con flauta y expresión coral, músicas bailables de las orquestas con las que Filiú tocó en Cuba además del arreglo del bolero La Gloria Eres Tú del autor cubano José Antonio Méndez. Todo ello extrapolado a un lenguaje de jazz contemporáneo.

“Este proyecto forma parte de lo que yo soy, no quería tocar con una sección rítmica, quería probar algo diferente. Ha sido una experiencia muy enriquecedora”, comenta Román Filiú. 

Se aprecia un predominio de los dos violines, el primer violín a cargo del prestigioso Reynaldo Maceo, formado en el Conservatorio de Moscú y director del cuarteto, con el que Román Filiú ha crecido y compartido gran parte de su vida. Destaca también la violinista Gladys Silot. El cuarteto está formado, además, por José Martínez a la viola y Stamen Nikolov, al violonchelo.

 “Hace tiempo que compuse una pieza para un cuarteto de cuerdas y es ahora cuando he visto el momento de escribir el proyecto con la oportunidad de tocar con una formación de esta magnitud”, cuenta Filiú.

El resultado es una pieza de música contemporánea de compases asimétricos, magistralmente interpretada por el cuarteto Assai, y el fraseo impecable de Filiú, recreando un ambiente que oscila entre lo onírico y lo rítmico orquestal.

El proyecto será posiblemente grabado en 2022 con el sello de Filiú, Suona Records (recién formado, junto a Jacobo Rivero y Antonio Trillo), que debuta con la publicación del disco, Inkalimeva, a dúo con Román Filiú e Iván Melón Lewis.