Bill Frisell (guitarra eléctrica), Greg Tardy (saxo tenor, clarinete, clarinete bajo), Gerald Clayton (piano, órgano), Johnathan Blake (batería)

Hablar de Bill Frisell es hablar de una de las personalidades más escurridizas, creativas e influyentes en el universo de la guitarra del siglo XX y lo que llevamos del XXI. Convertido desde hace décadas en una auténtica figura de culto, la sombra de Frisell sobrepasa con mucho el ámbito del jazz, convirtiendo al de Baltimore en uno de los guitarristas más reconocidos y versátiles de nuestros tiempos. Admirador a partes iguales de Jimi Hendrix, Bob Dylan o Thelonious Monk, la extensísima y brillante trayectoria de Bill Frisell le ha llevado a acompañar a gente tan dispar y prestigiosa como Elvis Costello, Lucinda Williams, Paul Simon o Marianne Faithful, entre muchos otros; y su personal estilo a las seis cuerdas (cálido, elegante, melódico) ha ido convirtiéndose con los años en un universo propio en el que cohabitan jazz, rock, country, pop, bluegrass o electrónica ambiental. 

Para su tercera visita a Jazzaldia (la primera fue en 1995, como acompañante de Paul Motian, y la segunda en 2021), Frisell se ha rodeado de una banda de auténtico lujo para presentar Four, su más reciente aventura discográfica (tercer trabajo para Blue Note). Formado por reinterpretaciones de composiciones antiguas y por algunas piezas nuevas también, Four destaca a priori por la ausencia de bajo, y por una sensación de calma general en la que el jazz se tiñe de blues y de americana para generar otro gran trabajo en la carrera de un creador imprescindible e inclasificable.

Julian Lage (guitarra), Jorge Roeder (bajo), Joey Baron (batería)

Inspiración, creatividad, frescura, riesgo y elegancia; Julian Lage reune, a pesar de su casi insultante juventud, un compendio de cualidades que le han coronado como uno de los mejores guitarristas de su generación. Así de bueno es. Poseedor de una carrera tan meteórica como brillante, Lage es responsable de 14 discos como solista, y de más de 30 como acompañante de nombres mayúsculos como Nels Cline, Dave Douglas o John Zorn. El estilo de Lage, de sonido brillante y luminoso, se aleja conscientemente del virtuosismo gratuito para poner el foco de atención en la expresión de emociones y texturas; la guitarra de Julian Lage se dedica a dibujar paisajes para hacernos viajar a lugares abstractos llenos de belleza. 

La presentación de View With a Room (Blue Note, 2022), su flamante y aplaudido último disco, sirve de excusa perfecta para poder disfrutar de la propuesta del californiano en Jazzaldia 2023. Acompañado de dos gigantes como Jorge Roeder al bajo y el mismísimo Joey Baron a la batería, Julian Lage reduce a trío el formato completado en su versión grabada por Bill Frisell, para desplegar sobre el escenario un repertorio centrado en explorar las posibilidades orquestales de la guitarra. Ambición, talento y buen gusto; Julian Lage lo tiene todo.

Enrico Rava (fliscorno), Mateo Paggi (trombón), Francesco Diodati (guitarra), Francesco Ponticelli (contrabajo), Evita Polidoro (batería)

Dice Enrico Rava que no puede evitar el vértigo del escenario, ni la capacidad para sorprenderse “con aquellos músicos con los que tengo una misma visión, ya tengan 12 o 90 años”. Esto, dicho por una persona de 83 años, ya sería motivo suficiente para el aplauso y el agradecimiento por la lección de pasión por la vida, pero si además se trata de una pieza indispensable para entender el jazz europeo de las últimas décadas, ese aplauso se convierte, de forma justa y merecida, en un galardón; ni más ni menos que el Donostiako Jazzaldia, la máxima distinción del festival donostiarra. El veterano trompetista de Trieste comparte distinción este año con otras dos leyendas de larguísima trayectoria e influencia; el sudafricano Abdullah Ibrahim (88 años) y el japonés Yosuke Yamashita (81). Dando otra lección de vitalidad, y demostrando que su espíritu creativo sigue inquieto y en una buena forma más que envidiable, Enrico Rava se presenta en el festival armado con un fliscorno y rodeado de una flamante muestra de jóvenes talentos del jazz italiano actual que, bajo el nombre de The Fearless Five (banda bautizada como una de las composiciones más relevantes de Rava), brillan por derecho propio en un ejercicio de homenaje a una figura única e irrepetible de la historia del jazz en Europa.

Como no podía ser de otra manera, los escenarios en los que se desarrolla el festival tampoco son los que imaginaríamos; el taller de una antigua locomotora de vapor, la capilla local, un granero, un aserradero y una plataforma a 1650 metros sobre el nivel del mar. Del 10 al 13 de agosto, los afortunados asistentes a la edición de 2023 podrán disfrutar de Billy Martin (el batería de Medeski, Martin & Wood dirigirá para la ocasión a la Bezau Beatz Workshop Orchestra); el guitarrista noruego Stian Westerhus; la música tradicional tanzana de Sinaubi Zawose, la experimentación folk de Hinde o a Miko Innanen y Juhani Aaltonen presentando el proyecto Plop + Junnu, premiado como mejor disco de jazz finlandés en 2023; entre muchas otras propuestas.

Detrás de una propuesta tan sorprendente y valiente está Alfred Vogel, un personaje de energía y creatividad desbordantes, que no teniendo suficiente con ser uno de los baterías más creativos y distintivos del panorama del jazz contemporáneo, además de organizar Bezau Beatz, encuentra tiempo en su día a día para dirigir Boomslang Records, un sello discográfico en funcionamiento desde hace dos décadas. No es baladí resaltar los veinte años en activo de Boomslang; según Alfred Vogel, “el único concepto en Boomslang Records es la buena música, entendamos lo que entendamos bajo ese término”, y en este caso ese término significa un maremágnum de propuestas artísticas concebidas para transitar las lindes entre el jazz moderno más experimental, la electrónica, el mestizaje, la improvisación rupturista y, básicamente, los terrenos menos explorados de la música de vanguardia. 

Viene esto al caso de la apuesta valiente y firme del percusionista suizo Florian Arbenz (Basilea, 1975) de llevar a cabo un proyecto que salta de lo insensato a lo extravagante, pero que es la mirada de un visionario, esa que ve que el empeño merece la pena y, además, traerá réditos importantes para el resto de las vivencias que habrán de acompañar al artista en un futuro que ya está aquí. Begoña Villalobos y Ricky Lavado lo han explicado mejor en estas mismas páginas, pero el empeño es de una ambición que roza lo insolente. Las estrategias son de guerrilla, aunque las armas siguen siendo las del enemigo, donde enemigo es un mercado que ha renunciado a mostrarse permeable a proyectos de largo y hondo calado si no van acompañados de réditos inmediatos. Que les expliquen a Van Gogh, a Vermeer o a Ayler qué es eso de la fama póstuma y los royaltis.

El asunto se explica rápido: la pandemia y el confinamiento ofrecieron espacios de reflexión insólitos hasta entonces. En el caso de Arbenz, el resultado fue la imposición personal de reconocer su trayectoria y desandar los pasos que lo han conducido a ser uno de los percusionistas más intrépidos y diplomáticos —en el sentido aglutinador y negociador del término— de la escena europea. Se impuso la grabación y publicación de una docena de discos salidos de ese estado de cosas. Lo de guerrilla viene por la actitud, lo de la capacitación viene de la comprensión del mercado, lo que conduce inexorablemente a la autoproducción y a la autoedición. Si además se cuenta con un estudio como los HammerStudios de Basilea, un auténtico centro creativo donde la improvisación campa por sus respetos, como se le ha de suponer a un buen jazzman, la batalla está servida. Habrá que decir que las incursiones de Arbenz y los suyos van ganando la partida sin atisbo de duda. La eternidad siempre tiene la última palabra, desde luego, pero la intuición, la experiencia y algo de suerte trabajada vienen a confirmar una previsión que no parece errada. Y si no que se lo pregunten a cada uno de los invitados a estas Conversation Series, a punto de echar el cierre tras nueve entregas con los más diversos invitados, venidos de todos los rincones del planeta para propiciar una diálogo que encuentra la trascendencia en lo colaborativo. Por Basilea han pasado viejos amigos y héroes de la infancia de Arbenz, de la talla de François Moutin, los hermanos Vistel, Hermon Mehari, Heiri Känzig, Nelson Veras, Tineke Postma, João Barradas, Jim Hart, Rafael Jerjen, Wolfgang Puschnig, Oren Marshall, Michael Arbenz, Kirk Lightsey, Domenic Landolf, Tibor Elekes y la Conversation #9, que es la que nos ocupa, con la aparición Arno Krijger al órgano y la esperadísima presencia del ubicuo y siempre sorprendente Greg Osby a los saxos, a la espera de la última tríada discográfica que ponga cierre al proyecto.

La estrella, en cualquier caso, es Greg Osby (St. Louis, 1960), “uno de los modernistas punteros del post-bop de la escena jazzística”, a juicio de Nate Chinen. Florian Arbenz confiesa que Greg Osby “tiene un lugar especial en mi vida musical. Él fue el primer ‘real cat’ que creyó en mí como músico y nuestra historia de tocar juntos se remonta a 1998. Además, nuestros aniversarios coinciden el mismo día, compartimos el mismo sentido del humor, lo que probablemente sea también una razón por la que todavía giramos regularmente”, como señala el líder del trío en los créditos del disco. Greg Osby, de hecho, ha ejercido durante mucho tiempo como ‘ojeador’ para JMT Records (antes de que pasara a ser Winter & Winter) desde los años en los que frecuentaba el M-Base junto a Steve Coleman y Gary Thomas, hasta que se convirtió en pieza fundamental para el avance hacia la contemporaneidad de Blue Note. El disco que todos recordamos es New Directions (Blue Note, 1999), una grabación llevada a cabo para celebrar los sesenta años de la discográfica, que sentaba las bases de lo que empezaba a ser el resurgir de un jazz que reinventaba el pasado desde una perspectiva integradora, un vehículo de largo alcance para la expresión personal de jóvenes músicos dotados a la par en virtuosismo instrumental y en concepción artística —Mark Shim, Stefon Harris, Jason Moran, Tarus Mateen, Nasheet Waits y el propio Greg Osby— a partir de los estándares de la casa de la nota azul. Un disco que marca el devenir de esta novena conversación musical propuesta por Arbenz.

Como en New Directions, en Conversation #9: Targeted se da una integración natural entre la tradición y la vanguardia, que es el secreto para que una creación perviva en el tiempo y aspire a convertirse en clásico, si además le ampara la suerte que suele socorrer a los audaces, como reza el adagio virgiliano. Casi cuarenta minutos de verdadera efervescencia creativa, resuelta desde la comprensión mutua entre cada pieza del trío y su avance orgánico propiciado por el motor de la fluidez de ideas compartidas y nutrido y engrasado con la experiencia personal atesorada por Osby, Arbenz y el sorprendente Arno Krijger (Terneuze, Países Bajos, 1972). El organista, más cercano a Kit Downes que a Jimmy Smith, más a Larry Young que a Don Patterson, más a Larry Goldings que a Charles Earland, más cercano al fin a John Medeski que a Delvon Lamarr, llega el último a la fiesta y se hace indispensable para entender en toda su complejidad el monumento sonoro que ha creado este grupo heterodoxo, al que el mismo Florian Arbenz califica de inusual. Así lo demuestra en “Seven Steps to Heaven”, una pieza a dúo entre él y el baterista que se convierte en uno de los momentos cumbre del disco, en un alarde de confluencias e intersecciones entre los ritmos rotos y la melodía universal puesta en pie por Víctor Feldman para Miles Davis en su largo homónimo de 1963.