In & Out Jazz Tributo a Chano Domínguez

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DICIEMBRE, 2018

Ficha: SEBASTIÁN DOMÍNGUEZ. Pianista (Cádiz, 1960).

El pianista Chano Domínguez presenta en España sus proyectos más recientes con motivo del cuarenta aniversario.

Fotografías: Ana Zaragoza Bermejo

Es el año de Chano Domínguez; cuatro décadas desde que Sebastián Domínguez (Cádiz, 1960) graba su primer disco como teclista del grupo Cai, dando así comienzo a su carrera profesional; no hay duda de que merecidamente se ha convertido en una de las figuras más respetadas y reconocidas del panorama musical internacional, creando escuela con una larga lista de músicos.

Su aportación al jazz es enorme; a través de un trabajo profundo, ha definido y transmitido su visión particular en un lenguaje único a partir de la música que le ha influido, en especial, la libertad de improvisación del jazz y la riqueza de nuestro archivo flamenco, estilos que están en su background.

CHANO DOMÍNGUEZ / Getxo Jazz 2018

Chano Domínguez reside en Nueva York, y a pesar del ajetreado calendario de giras internacionales, ha presentado en España sus proyectos más recientes. El homenaje desde el Café Central ha sido celebrar su cuarenta aniversario con una residencia en el Jazz Club de treinta días para mostrar su música y sus nuevos trabajos: New Flamenco Sound, su proyecto más eléctrico, junto a Jordi Bonell (guitarra), Ernesto Aurignac (saxo), Pep Pérez Cucurella (bajo), David Gómez (batería); también, acaba de presentar, Spanish Brass, un quinteto de metales con percusión flamenca y piano.

Además de su trío habitual con el contrabajista Javier Colina, complicidad sonora que comienza hace más de treinta años, ha presentado su proyecto New Quartet, con tres músicos jóvenes israelíes residentes en Nueva York.

Nos reunimos con Chano un mediodía en el Café Central para conocer de propia voz su perspectiva de vida después de cuarenta años de prolífica producción musical.

CHANO DOMÍNGUEZ / Agosto 2018 madrid

¿Cómo definirías el proyecto “New Quartet” junto al trío israelí residente en Nueva York compuesto por Hadar Noiberg (flauta), Naam Wiesenberg (contrabajo) y Amir Bar Akiva (batería)?

Hacemos una música muy libre, basada en la cultura de ambos, tocamos música ladina en clave flamenca, música Andalusí.

Los músicos israelíes son músicos que entienden perfectamente la rítmica de la música española, compartimos la misma manera de sentir los ritmos, es fácil trabajar con ellos.

También presenté con Martirio un proyecto sobre la obra de teatro “Bola de Nieve”. Lo siguiente fue la gira por Perú, Ecuador, Chile, Argentina y Brasil a dúo con Paolo Fresu, trompetista italiano.

Chano, ¿cómo es tu vida?

Desde que vivo en EEUU es una diáspora, hoy estoy aquí, mañana allí, me separé hace dos años, he perdido el concepto de hogar. Ahora estoy en Madrid y mi hogar es éste durante tres semanas. 

Procuro sentirme bien, llevo una vida bastante tranquila dentro del desorden que llevamos los músicos; intento rodearme de las cosas básicas, de lo que necesito. Doy gracias a la vida por permitirme seguir tocando y hacer la música que quiero. Lo estoy disfrutando, lo entiendo como un privilegio, tomando mucha conciencia y mucho respeto. Cada vez me siento mejor, más fuerte y concentrado en las cosas que son beneficiosas para mí.

¿Tocas mucho en Nueva York?

No suelo tocar demasiado. Este año he hecho cuatro conciertos en el Lincoln Center, pero hago muchas sesiones en mi casa, además, estoy rodeado de buenos músicos.

Ravi Coltrane es vecino mío, Gil Goldstein, arreglista; Jay Rodríguez saxofonista, me ayudó mucho y me conectó con mucha gente cuando llegue a Nueva York.

Autoridades de jazz. ¿Cómo fue la llegada a NYC?

Cuando llegué a NYC iba a quedarme unos meses en un apartamento de una musicóloga que daba unos cursos fuera, pero repentinamente lo vendió y tuve que buscar en dos semanas una casa. Empecé viviendo en Dumbo una zona muy bonita de Brooklyn en la orilla del río Hudson.

Ahora vivo en Greenpoint. En el edificio vive mucho artisteo con mucha peste a marihuana (risas…). Mi apartamento tiene un sótano donde tengo el piano y la batería y podemos tocar todo el día.

Café Central (Agosto 2018 Madrid).
Ariel Bringuez, Chano Domínguez, Pablo Martín Caminero, Begoña Villalobos

JERRY GONZALEZ- CHANO DOMINGUEZ / Rumba Pa´ Jerry

¿Qué crees que has aportado a la música y al jazz?

¿Aportado? … ¡No sé! Espero no haberle quitado nada (risas…). ¡Con eso ya vamos bien! Si he aportado algo es la visión particular que yo tengo de canalizar la música que a mí me gusta, eso pasa por el jazz y por el flamenco. El flamenco porque es la música con la que me he criado y el jazz siempre ha formado parte de mí, es la música que más me ha llamado la atención porque es una música improvisada que se puede crear en el momento, por eso me enfrasqué en el jazz. Es lo que he estado estudiando y sigo estudiando.

En tú opinión, ¿cuál es la riqueza del lenguaje de jazz?

El jazz tiene un vocabulario muy extenso para poder expresarme y decir las cosas que yo quiero decir. El jazz te da una visión muy amplia o muchas visiones diferentes de una estructura musical, de una cadencia armónica que te permite crear un montón de nuevos colores y nuevas formas sobre esa estructura. Lo más atrayente del jazz es la capacidad a través de un lenguaje de poder variarlo y recrearlo a tu gusto. Cuando me subo a tocar me gusta no pensar demasiado sino más bien sentir.

¡Eso se trasmite! ¿Ese es Chano, el músico?

Es lo que intento, vender sensaciones. La gente está muy necesitada de sentir, la música es el alimento del alma. Las artes en general. El ser humano necesita de eso; si no, nos volvemos grises y apáticos.

Yo soy el músico que soy porque es la consecuencia de todo lo que yo he vivido. Todas las experiencias en las que yo he participado, que me han hecho ser quien soy y tener el lenguaje musical que tengo.

PAQUITO D’RIVERA CHANO DOMINGUEZ / Quartier Latin.COMPLETO

¿Cómo defines la música que haces? ¿Por qué llega al público?

La música que yo hago, al tener todo el movimiento rítmico de la influencia del flamenco, la hace muy rica y le llega a la gente. Se entiende muy directa en Latinoamérica y en EEUU porque yo toco mucha música americana en clave flamenca. Hay sitios que son menos expresivos, como Alemania. En Asia se vuelven locos.

Esa facilidad que tienes para fusionar flamenco y latino es fascinante ¿Cómo han influido las diferentes culturas en la música?

¡Cómo no! Están tan cerca que pueden convivir juntos. Los músicos latinos y los flamencos viven igual, tienen la misma manera de entender la fiesta, de vivir la calle.

Todo está conectado, la música afrocubana no sería afrocubana sin la influencia de la música española o latinoamericana. El flamenco ha estado muy influenciado por la música latinoamericana. En el flamenco tenemos lo que se llaman Palos de Ida y Vuelta, que comparten claves rítmicas con el otro lado del Atlántico. Son guajiras, colombianas, milongas, habaneras. 

Has tocado con Paco de Lucía, con Wynton Marsalis, etc. ¿Qué experiencias te han influido?

He tocado con muchos músicos y de todos he aprendido y de todos aprendo. Javier Colina, Michael Olivera… acabo de tocar con ellos. 

Spanish Brass, que están tocando mi música; estoy orgullosísimo de que estos grandes músicos estén conmigo en el escenario. He tenido la suerte de subirme a tocar con Paco de Lucia; he aprendido de un montón de grandes músicos como Wynton Marsalis, Jack DeJohnette, Herbie Hancock, Paquito De Rivera, etc. Me siento un privilegiado. 

Se aprende de la actitud de estos músicos, como están en el escenario, como tener voz propia y ellos lo tienen muy claro, saben lo que quieren y suenan a ello.

 CHANO DOMINGUEZ CON BEGOÑA VILLALOBOS

About Bobby Martínez

10

OCTUBRE, 2018

Ficha:

BOBBY MARTINEZ. Saxofonista
(Miami, Florida, Estados Unidos; 1961).

Fotográfias: 

Emilio Ramón Mendez

Jaime Massieu

Con ocasión de la grabación en estudio en el mes de julio del último proyecto a quinteto liderado por Bobby Martínez: “The Overtones” al cual tuve la oportunidad de acudir, InandOutJazz se reúne con él.

Bobby Martínez es un magnífico saxofonista que domina como pocos el arte del swing y del latín jazz formando parte de la historia de la escena de jazz internacional. El saxofonista, compositor y director de Big Band se ha posicionado como una de las figuras pioneras y que más visibilidad ha aportado al Latín Jazz junto a su primo el trompetista Jerry González.

Tiene una mezcla increíble, es americano (nacido en Filadelfia,1961), hijo de cubanos y nieto de gallegos. Un músico disciplinado de sólida formación americana con un extraordinario sentido musical y rítmico, legado de su raíz cubana.

Su padre era comentarista de jazz así que Bobby nació escuchando y admirando a Lester Young, Charlie Parker, John Coltrane.  Es un enamorado de las grandes orquestas de jazz desde que de muy pequeño escuchaba embelesado la Big Band de un programa de TV.

Su trayectoria se inicia con la música clásica con un saxofonista y violinista cubano de Pinar del Río. A los once años era músico profesional coincidiendo con su etapa en Venezuela.

Después de una sólida formación en clásica, animado por su padre, a los quince años comenzó a estudiar jazz en Dade Community College de Miami bajo la tutela de John Georgini como primer saxo tenor en la Dade Jazz Band triunfando en importantes festivales de jazz del país.

Su carrera profesional se desarrolló como integrante y director de varias bandas legendarias como The Wave, Secret Society, Los Kings, entre otras; ha sido director, arreglista y productor de KC and The Sunshine Band. Ha tocado con prestigiosas figuras imprescindibles e influyentes en la historia de la música como Celia Cruz, Paco de Lucía, Paquito De Rivera, Pat Metheny, Gloria Estefan, etc. Muchos festivales de jazz como el de Montreux, North Sea, New Orleans han contado con su presencia.

BOB SANDS BIG BAND / Bogui Jazz, 16 de marzo de 2014

Bobby, ¿cuándo llegas a España?

Llegué a España en 1998

¿Has vivido en Cuba?

¡No, qué va! He vivido en Miami, mis padres se trasladaron de Filadelfia a Miami. De Miami fui a NYC para perfeccionar técnica con el saxofonista y clarinetista Eddie Daniels; me pasaba todo el día desde que me levantaba hasta que me acostaba estudiando.

En ese momento, ¿Cómo era la temperatura del jazz en NYC?

 En Nueva York había un ritmo frenético, los músicos tenían dos y tres grabaciones diarias. La mujer de un amigo bailarina, de un Show de Broadway “The Chorus Line”, logró colarme en una grabación. Acababa de llegar a Nueva York, fui allí para estudiar pero hice la prueba. En esas grabaciones tienes que leer perfecto y a la primera, me confundí un par de veces y no pasé la prueba. Me puse a estudiar sin parar. Ahora me río recordando la anécdota.

¿Qué músicos de jazz de España se conocían en EEUU?

 El músico español de jazz que se conocía muchísimo era Perico Sambeat, también Tete Montoliu porque trabajó mucho con Dexter Gordon. Jorge Pardo era también renombrado, hay mucho interés por el flamenco. Cuando yo estuve de gira tres meses en EEUU con Paco de Lucía las entradas de todos los conciertos estaban vendidas con mucha antelación, yo ¡flipaba!

Desde tu perspectiva intercultural de vida. ¿Qué opinión tienes sobre la gestión del apoyo cultural al jazz en España?

 Esta feo decirlo pero en España los músicos y el jazz no tienen ningún apoyo, ni financiero ni artístico, en definitiva, no hay apoyo cultural. Eso no es nuevo ¡Dalí, Picasso, desde Albéniz! han tenido que buscar apoyo en otros países. Países en los que existe una mayor inversión cultural para potenciar el jazz con el consecuente apoyo financiero. Aquí no pasa eso.

¿Recuerdas a Kirk Mac Donald? ¡ estabas en el concierto con nosotros!

Si, claro ¡Recuerdo que estaba la representante en España del consulado de Canadá!

 Sí, Canadá. Es el propio gobierno el que le apoya; Canadá se hace responsable de financiar al músico, sus grabaciones, etc.  No hay que irse tan lejos, eso pasa en Holanda y en el norte de Europa. Hay una buena gestión y soporte cultural.

¡Pues vaya pena! El jazz es patrimonio cultural y riqueza exportable.

 Es un tema complicado en España. Mucho tiene que ver con la política y con la economía, es un negocio. Uno de los festivales de jazz más honestos que he conocido que se hacía en España era el Jazz Internacional de Madrid; Javier Estrella fue el creador y lo llevó durante más de veinte años, luego los políticos pensaron que no era buena idea seguir con el festival.

O sea que en España el patrocinio cultural del jazz es más que insuficiente. En tu opinión ¿Cómo es el nivel de músicos de jazz?

 Aquí, ¡hay un nivelazo tremendo!

 Las nuevas generaciones están pisando fuerte. Los hermanos Vistel, Jorge y Maikel Vistel, Javier “Caramelo” Massó, Iván “Melon” Lewis, Daniel Juárez, Roberto Nieva, etc. Todos más que sobresalientes.

Los músicos de jazz que comparten escenario con nosotros en España, sobre todo los que vienen de Nueva York, ¡flipan!  no se imaginaban este nivel.

Varios de los músicos del panorama contemporáneo de jazz que están liderando proyectos individuales han sido alumnos tuyos. Dani Juárez con un segundo álbum como líder “Neuronal Odd World”, también el primer  trabajo como líder de Roberto Nieva  “Process” editado por  Fresh Sound New Talent  que verá la luz en unas semanas…

Sí, Dani Juarez, Roberto Nieva han sido alumnos míos ¡Tremendos músicos!

“Panorama contemporáneo de jazz”, te gusta ese concepto, ¿Qué piensas del término BAM (Black American Music), lanzado por Nicholas Payton en relación a lo que para ti es el jazz?

No conozco bien los detalles pero creo que tiene que ver con la fricción y el racismo que históricamente ha existido entre músicos de jazz negros y blancos.

Yo entiendo el jazz como un lenguaje más que como un estilo. El jazz como lenguaje sigue siendo el mismo, yo lo utilizo en todos los estilos. Cuando toco latín-jazz utilizo un ritmo latino. El jazz latino para mi es jazz con mucha percusión y con el tiempo marcando el uno y el tres.

¿Qué opinión tienes sobre “Jazz Europeo”?

Tengo mis discrepancias, hay tantas influencias en el jazz, para mí es inaceptable eso que llaman jazz europeo, ¡para mí es Jazz!, en definitiva, “¡o caminas o no caminas!”

En la actualidad hay una industria musical, económicamente muy potente, pero con escasez de musicalidad. Eso tiene que ver, yo creo, con una deficiente educación musical y claro, el escaso apoyo cultural y artístico al jazz no favorece la formación en cultura musical.

¿Te refieres a música “mainstream”?

Siempre he pensado que solo hay dos clases de música: la buena y la mala.

Yo escucho de todo, no soy un forofo exclusivo de jazz. A mí el pie se me mueve con muchas músicas. Me vuelvo loco con la música Funk.

 Escucho a Kapustin, Bach, Beethoven. Tengo una gran biblioteca musical.

¿Qué opinión tienes del “free jazz”?

No, no me gusta. Yo aprendí respetando la estructura, siguiendo la armonía. Algunos han hecho un arte de eso, desde luego. Tenemos un chiste cada vez que un músico se equivoca en un ensayo, que toca notas fuera de la armonía, decimos “esté tocando free”.

John Coltrane es mi gurú pero solo hasta que empezó a tocar free. Yo ya estaba enganchado a Coltrane y ¡eso me dolió! Después apareció Michael Brecker, decían: “es el nuevo Coltrane”.  Tenía catorce años cuando salió “Back to Back” de los Brecker Brothers. Ese disco fue como volver a nacer otra vez.

¿Cómo ha sido la incorporación y evolución profesional al llegar en 1998 a España?

A pesar de haber tenido momentos difíciles, de dificultad económica, me he sentido muy bien acogido y tratado. Cuando llegué a Madrid por primera vez, lo primero que hice fue ir a la sala Clamores, allí estaba tocando Jayme Marques con Tito Duarte, saxofonista, hijo del compositor de boleros cubanos Ernesto Duarte. Tito me dijo que sacara el saxofón y me dio la oportunidad de tocar. Entre el público estaba el guitarrista canario Santi Roque. Por alguna razón enganchamos y esa noche me llevo al café Berlín, al Central. Al mes me llamó para ofrecerme una gira con el cantante canario Caco Senante.

JAZZ TRAVEL BIG BAND & BOBBY MARTINEZ( sax) Songo Bop – Rafael Valencia

Ahora eres profesor en la UAX (Universidad Alfonso X el Sabio), también has sido docente en la Escuela Creativa ¿qué aprenden de ti tus alumnos?

Sí, a los pocos días de mi llegada a Madrid, Miguel Ángel Blanco, de la Escuela Creativa, estaba haciendo un ensayo de profesores para la Big Band, casualmente necesitaban un saxo alto. Hice la prueba y empecé a dar clase. Allí conocí a Bob Sands, a Germán Kucich, etc. Y organicé mi cuarteto de jazz que funcionó muy bien durante dos años.

Yo respeto profundamente la música, intento trasmitir eso. Un respeto, gran parte de la enseñanza del lenguaje es escuchar.  Por supuesto hay que estudiar mucho, tocar mucho, tocar de oído, leer. Doy importancia a los fraseos, terminar bien la frase y a la musicalidad, dejar que la música respire. Yo trato de tocar lo que siento. Un músico pasa por muchas etapas diferentes, sobre todo un músico de jazz. El jazz es una forma de arte que evoluciona con la persona.

John Giorgini decía: “It’s a piece of metal, up to you to make it  sound”.

Después del cuarteto de jazz junto a Germán Kucich y Carlis Carli, baterista uruguayo, te centras en la fusión de jazz latino ¿Cómo se consolida ese proyecto con Paquito de Rivera y Pepe Rivero, Georvis Pico…?

Sí, me llamó Paquito de Rivera para proponerme el montaje de la orquesta de Celia Cruz en España con “Passión Cubana” ¡No lo podía creer! Fue cuando conocí a Pepe Rivero, Alain Perez, Georvis Pico, Yuri Nogueira y después formé Latin Elation con Pepe, Alain, Pico y Manuel Machado a la trompeta. Ese grupo tiene dos maravillosos discos grabados con músicos invitados como Paquito DRivera, Alon Yavnai; en el segundo, Latín Elation II, estaba Santi Greco, Perico Sambeat, Israel Sandoval. Ese grupo nos dio mucha visibilidad durante cinco años. Luego todos teníamos nuestros proyectos individuales y no continuamos con ello. En 2016 grabé otro disco fantástico a dúo con Pepe Rivero: “Quizás, Quizás, Quizás” piano cubano y saxo con temas originales y temas cubanos antiguos.

Con Steve Turre y Wendy Peterson

Raynald Colom: Le trompetiste fascinant

23

ABRIL, 2018

Ficha:

RAYLAND COLOM. Trompetista
(Vincens, Francia; 1978).

Foto de cabecera de Adrien H. TILLMAN

Dosis de talento inconformista, vanguardia creativa y profesionalidad estilística, heredero de múltiples y variadas influencias, el sonido de la trompeta con boquilla de madera de Raynald Colom es imprevisible, comunicativo, sofisticado y emocional. Trompetista multipremiado, compositor, productor y endorser de Mauriat, con un estilo abierto, libre y contemporáneo de excelente calidad, se ha convertido en uno de los artistas más fascinantes de la escena musical contemporánea, líder por derecho propio y capaz de crear una atmósfera con un estilo único. 

Raynald Colom (Vincens, Francia; 1978) Con una personalidad carismática, elegante y seductora, es un artista con gran facilidad para conectar y relacionarse con una comodidad sorprendente en diferentes registros sociales y variados estilos musicales que integra de manera excepcional. Ha vivido en París, Boston, Nueva York, Madrid y actualmente en Barcelona.  Ha compartido escenario y realizado proyectos con músicos tan diversos como Manu Chao (gira del álbum Clandestino), Perico Sambeat (en su sexteto), Greg Osby, Nicholas Payton, Randy Brecker, Albert Bover, David Sanchez, Soweto Kinch, Eric Reed, Mulgrew Miller, Al Foster, Louis Stewart, Joel Ross; así como Chano Dominguez, Abe Rábade, Paco Charlin, Antonio Serrano y Luis Salinas, entre otros. Uno de los últimos trabajos de Raynald con el gran Carles Benavent en 2017 corresponde a una grabación en directo en el Jamboree Club de Barcelona compartiendo escenario con Tomasito, Roger Mas y Roger Blavia.

Defensor de la transmisión oral de la música, el trabajo de Raynald está ligado a su identidad familiar. Creció con la música dentro de un entorno con una gran tradición de jazz -lenguaje que ha utilizado desde niño-, y ha transitado por la música clásica, el flamenco, el hip hop y la electrónica. Desde muy pequeño acompañó y formó parte con su padre Philippe Colom (clarinetista y miembro productor de la Orquesta de París con Daniel Barenboim a la dirección) de los ensayos, conciertos y clubes de París donde tomó contacto de primera mano con la última generación de músicos jazzmen.  A través de su madre, Diana Riera, violinista y manager de maestros de jazz, estuvo regularmente en contacto con grandes figuras del jazz. 

Nacido en Francia, apadrinado en España, en conexión con la música negra americana, con Horacio Fumero y Jesse Davis como mentores y Whynton Marsalis, Roy Hargrove y Kenny Barron como maestros, Raynald ha sabido filtrar todas sus influencias y comienza su carrera profesional con esa riqueza ecléctica de calidad que le caracteriza. “De Marsalis he asimilado el rigor, de Hargrove el blues y trabajar junto a Barron es como beber directamente de la fuente.”-Raynald Colom.

Rayland Colom – Fiestas de la Mercè 2017

Fotografía de Adrien H. TILLMAN

“Raynald es como mi hermano pequeño. Hemos trabajado juntos durante muchos años y tengo el placer de trabajar con él en su último trabajo, Steel.

Conocí a Ray cuando era un adolescente mientras estaba de gira con su madre e inmediatamente vi que la música era parte fundamental de su vida. Le he visto perfeccionar su habilidad musical en presentaciones junto a su padre y convertirse en uno de los mejores músicos de su generación, consumado compositor y líder de banda por derecho propio. Raynald encarna el verdadero espíritu del arte al utilizar todas sus experiencias para generar el espacio musical con mente-alma abierta y un entendimiento agudo de todo lo vivido”.

Jesse Davis

Saxofonista, mentor de Colom

Si hacemos un recorrido rápido por su trayectoria discográfica, resaltamos que en 2004 el sello Fresh Sound New Talent edita su primer álbum, My Fifty One Minutes (premiado como Álbum del Año 2005 por la revista Enderrock), con Jesse Davis al saxo.  De 2001 a 2005 es premiado como Mejor Trompetista del año por AMJM. En 2006, Colom se sitúa al frente de la élite de la escena flamenca como primera trompeta solista tras el trabajo Mi forma de vivir con el cantaor de flamenco Duquende. Ha tocado junto a el Piraña, Jorge Pardo, Carles Benavent, Roger Blavia, Guillermo McGill y Tomasito, entre otros artistas. Su segundo álbum en 2007 llamado Sketches of Groove (Fresh Sound New Talent), junto a Abe Rábade, Tom Warburton, Marc Ayza, Roger Blavia, Martí Serra, Raul Reverter, Philippe Colom, David Soler, Joan Diaz, José Reinoso, Antonio Serrano.

De su etapa vivida en Harlem, Nueva York, de la mano de Aruan Ortiz y Eric Mc Phersonn fruto de una sofisticada vida nocturna, Raynald se sumerge en el mundo neoyorkino de los clubes de jazz y graba con dos grandes del flamenco, Chicuelo y La Tremendita, Evocation (2009): un álbum soberbio en el que las notas largas de la trompeta nos conectan con el lamento profundo del cante jondo en una equilibrada fusión de jazz, flamenco e improvisación. El álbum se presentó en el festival internacional de Vitoria-Gasteiz y en Montreal. Fue premiado como Mejor Disco de Jazz Español (2010) por Cuadernos de Jazz y Premio Puig-Porret (2010) a Mejor Artista y Mejor Producción, reeditado por Jazz Village. “Evocación marcará historia en el mundo de la música al exhibir con éxito como el flamenco y el jazz contemporáneo se abrazan de manera natural con un lenguaje fluido”. -Aruan Ortiz.

Duo Rainald Colom y Aruan Ortiz

En 2012 registró con Jazz Village el álbum Rise (Disco Revelación en Jazz Magazine) en el que cumple el sueño de tocar con una orquesta de cuerda, la Eclectic Colour Orchesta, donde se recrea de manera magistral en los interludios orquestales, junto con Rashaan Carter, Aurúan Ortiz, Jure Pukl y Rudy Royston, además de invitados como Philippe Colom, Roger Blavia, Cory Rhythm y Sofia Rei.  “Grabamos en Nueva York, otro disco atípico llamado Rise donde Raynald mezcló magistralmente el jazz de vanguardia, sonidos originarios del flamenco, el hip-hop y hasta una orquesta de cuerdas, con una sobriedad estilística de una coherencia y un cuidado de altísimo nivel”- Aruan Ortiz.

“Rise” Teaser

Hablamos con Aruan Ortiz (pianista cubano): “Nos conocimos en Barcelona en el trío del gran contrabajista argentino Horacio Fumero. Horacio tenía la idea de formar un trío de contrabajo, piano y trompeta con este joven que sonaba como Freddy Hubbard, decía. Desde entonces hemos compartido giras, grabaciones, ensayos y muchas conversaciones de música. He colaborado en su disco Evocación y en Rise. Ray tiene una comodidad impresionante navegando por estilos tan dispares que hace de él un rara avis dotándolo de una voz distintiva, personal y sobresaliente en su instrumento. Admiro la facilidad con que su mente y sus oídos siempre están abiertos para nuevas sonoridades y tendencias; tenemos química y compenetración creativa y en el escenario una comunicación casi telepática. “. 

Con Raynald Colom a la trompeta, el pianista cubano Aruan Ortiz en colaboración con contrabajista americano Michael Janisch lanza en 2013 el extraordinario álbum a quinteto Banned in London Live (Whirlwind Récords): una grabación en directo en Londres junto con figuras de reconocimiento internacional como el saxofonista Greg Osby y el baterista Rudy Royston, con muy buenas críticas por la prensa especializada de Estados Unidos. El álbum es magnífico, de una brillantez y vanguardismo excelente. “La interpretación es de clase mundial, el ambiente de la sesión de improvisación es palpable, evoca el quinteto de Miles Davis de 1960. Es un álbum de jazz hasta los huesos”.-John Fordham, The Guardian UK. “Un genial ejercicio en la exploración de la profundidad y la percepción que revela una nueva y brillante relación entre música y matemática… Impresionante.»-Ron Hart, The Observer.

BluRum13

Raynald, en la actualidad padre de una niña, disfruta de una etapa de madurez personal y artística. Haciendo alarde de su eclecticismo, vuelve a la primera línea como líder lanzando su actual proyecto, Steel, que posee un estilo experimental, personalísimo y vanguardista diferente de sus proyectos anteriores. Para este proyecto, Raynald cuenta con músicos de primera fila como Jesse Davis y Logan Richardson que imprimen colores y texturas diferentes al proyecto; así como el rapero y productor estadounidense BluRum13 therealblurum13 que, con una letra potente y políticamente cargada, mantiene la tradición de MC (Maestro de Ceremonias). En el proyecto también colabora el multifacético Nicholas Dominic Talvola, fotógrafo responsable de adaptar imágenes a los temas que componen el álbum. Steel se presentó en el Festival Jazz en Marciac (Francia) a quinteto con Tito Bonacera al bajo eléctrico, Antonio Torres Vega, José Benitez a la batería y con la incorporación de David Soler al pedal steel guitar.

Nicholas Dominic Talvola nos habla acerca de él: “Raynald es un apasionado, un luchador. Me hablaron de él por primera vez en 2004 en Colombia, me decían: ¡Tienes que escucharle, es una bestia! La primera vez que nos vimos en el café Royale de Barcelona pensamos: “ what the fuck?!”, en esa época nos parecíamos mucho. Ray es como mi hermano gemelo. Con la trompeta tiene un tono increíble y mucha calle, una fuente de inspiración para mí. Le tengo en muy alta estima”.

“A Ray le gustaba mi estilo y me pidió que le escribiera una canción. La canción se llamaba «Steel» y se convirtió en el proyecto. «Steel» se trata de la apropiación sin reconocimiento. Se trata de cómo todos quieren las creaciones de los oprimidos, pero nadie quiere ser el oprimido; Mi participación en Steel, como estadounidense negro, hace que el proyecto sea una colaboración, en lugar de una apropiación. Junto con el marco, traigo legitimidad y autenticidad al proyecto”-BluRum13

Kumar Sublevao-Beat 

21

NOVIEMBRE, 2017

Ficha:

KUMAR SUBLEVAO-BEAT (La Habana, Cuba 1983). Músico, compositor, productor de música urbana contemporánea afrocubana.

Foto de cabecera Thomas Griffith

Con un directo explosivo, salvaje, de sonido jazzy, Kumar siempre sorprende con el fuego de su rap improvisado de manera instantánea. 

Hablar de Kumar, es hablar de exuberante energía afrocaribeña en estado puro. Su potencia creativa, poco conformista e innovadora lo define dentro de un estilo de música experimental que le empuja a explorar nuevas vías de expresión.

Sobre ritmo hip-hop, este músico multinstrumentista construye e improvisa fraseos e instrumentaciones de jazz, proyectando un sonido expresivo e hipnotizante en su directo. En una escena Hip, Kumar se sitúa delante de la audiencia recitando (rapeando) versos repentinos sincopados a ritmo de eclécticos beats sampleados, intercalando percusión con instrumentos étnicos africanos (kalimba, TalkingDrum), acústicos y digitales, logrando una sonoridad personal de Kumar Sublevao-beat.

Fotografía de Aki San en el tour de Japón 2015

Dasari Kumar Mora comenzó su carrera en La Habana dentro del movimiento Hip-hop de finales de los años 90. Con una voz profunda, rota y acento afrocubano es uno de los cantantes de rap más representativos de la escena cubana, abanderado de Havana Cultura. Con influencias del afro-jazz, la electrónica y la música tradicional cubana, este artista representa parte de la nueva ola de músicos extremadamente talentosa.

«El sonido de la calle» Video oficial

© RS Fotografias

Película de Barrio, 2008 (LP Universal Music Spain), con una gran acogida por parte de la crítica internacional y el público. Se presentó en numerosos festivales de jazz. El primero en Europa, en Montreaux Jazz Festival (Suiza), Patakin, 2012 (Bismusic). Puro hip-hop afrocubano donde la percusión y los cantos tienen un papel protagonista, en el que colaboran Ariel Bringuez, Dreiser Bunbale y Harold López Nussa. En 2014 realiza un LP editado solo en vinilo Sub-Elevation (Scioué Scioué Proudactions). Una producción contemporánea con un sonido afro-jazz hip hop compuesto por Kumar en colaboración con Julio Carbonell, Carlos Sanduy y los raperos Blurum13, Core Rhythm.

El próximo trabajo: Afrikun, gestado e inspirado en diferentes partes de África, es un proyecto de carácter experimental y espiritual en colaboración con Machete Horns y un dúo de multinstrumentistas “Daniel Allen y Regis Molina”, que profundiza en la investigación de la música africana utilizando la percusión como parte central y distintiva. En Kenia se gesta el tema “Kikuyo Breakfast” en el que colabora el pianista afrocubano Omar Sosa @ y la cantante Daime Arocena@, diva negra de jazz afrocubano.

Afrikun Fusion Festival

Fotografía de Aki San en el tour de Japón 2015

Omar Sosa (Compositor cubano, líder de banda y pianista de jazz). Pionero en integrar el sonido jazz con ritmos africanos, latinos, percusiones y letras de rap, con una extensa producción y siete nominaciones Grammy.

Omar nos comenta acerca de Kumar:

 “El jazz es libertad y Kumar es un músico libre, eso lo hace ser también un jazzista”

“Compartir música con Kumar fue una bella experiencia llena de libertad. La tradición afrocubana forma parte integral de su proceso creativo, con su trabajo acerca la música a las nuevas generaciones, su autenticidad y cercanía a las raíces hace que su lenguaje este impregnado de tradición y contemporaneidad, lo que hace que sea una voz fresca y futurista. Un creador en el más amplio sentido de la palabra, sus líricas te hacen entrar aún más en un mundo de espiritualidad y raíz afrocaribeña, afro universal”

“Kumar es la evolución del artista urbano nacido en la realidad cubana de los últimos 30 años en la Habana. Subleavo-Beat con el seudónimo que le conocí representa una generación de músicos cubanos internacionales, con un sonido nutrido de la raíz y el legado cultural afrocubano, reúne la riqueza tímbrica que ofrece la tecnología en la música electrónica.

En su obra vemos la poesía social, la rima comprometida con la síncopa del rumbero, la complejidad estructural de su universo composicional, el despliegue melódico sobre el mantel multidimensional de los continentes a su espalda. El carisma de este artista, la sintaxis que establece en su lenguaje musical, le convierte en un fenómeno inspirador, regando esencia creativa por doquier…

El Menor de Mantilla, el Afrochán, el Mandinga, el Productor, Rapero, Kalimbero, representa el punto álgido del arte creativo de la Cuba de hoy, el virtuosismo de la calle habanera, la forma musical del cubano más universal… ”

Ariel Bringuez

Saxofonista y compositor

Transmitiendo la señal live

El trabajo de Kumar ha sido distinguido en 2004 con la nominación a los Premios Lucas, en 2006 Mejor Álbum Rap/Hip-Hop y Premio a la Popularidad (Festival Cuerda Viva), en 2010 Película de Barrio Mejor Álbum de Rap/Hip-hop (premios Cubadisco, Cuba), Patakin en 2012 nominado a Mejor Álbum Rap/Hip-Hop (Premios Cubadisco). Ha colaborado con artistas de la escena del jazz nacional e internacional como Perico Sambeat, Ariel Bringuez, Omar Sosa, Gilles Peterson, Ivan “Melón” Lewis, Henry Cole, y Harold Lopez Nussa, entre otros grandes. Tocando en Asia, América, África y Europa.

Como muestra de su versatilidad, en la actualidad integra simultáneamente los proyectos de ManExMaquina, Electrorumbaiao, Sandunguismo Ilustrado, Mandinga Session y Afrikun.

A punto de publicar Batanba, primera producción conjunta con Grío Nino Galissa. Esta producción cuenta con batás, vientos y arreglos cubanos fusionados con electrónica, dejando fuera las percusiones africanas y los djembes.

Grio Nino Galissa (cantante, compositor de Guinea Bissau), Embajador de la cultura africana, pionero en hacer sonar la Kora por todo el mundo conservando el sonido del pueblo mandinga. Nos comenta:

 “Kumar, con su inspiración de frescura, contribuye a la evolución de la música contemporánea africana, entre el África de ayer y el de hoy. Es un soñador de antepasados y raíz afrocubana, pionero, hace cuatro años cuando coincidimos por primera vez, de la música fusión electrónica y tradicional afrocubana. 

La propuesta de colaboración conjunta es la apertura a la herencia musical de influencias afrocubanas como vehículo que une culturas y rompe barreras”.

Afrochan (Kalimba) video koboku

“Kumar es otra “ener-guía” de aquellas que habitan en estos cuerpos repletos de sueños aún por vivir. Almas errantes que buscan vibraciones que resuenen con la búsqueda del ser, otras que vibran dejándose llevar por el “son sabrosón de la sandunga”. Este mago de la vibración, mantiene un iluminado equilibrio entre la emoción y la razón. Las máquinas al servicio de las raíces espirituales, creando, produciendo, promoviendo y compartiendo una frecuencia universal de amor incondicional. Kumar emana la luz que alumbra el templo del sentimiento.”

Roberto Pacheco

Trombonista, compositor y creador de Musilabus