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Aziza

Aziza

by | Jan 19, 2023 | Concert chronicle

Aziza

Lionel Loueke – Chris Potter – Dave Holland – Eric Harland

10

ENERO, 2022

Lionel Loueke, guitarra y voz/ Chris Potter, saxofones/ Dave Holland, contrabajo/ Eric Harland, batería. Villanos del Jazz. Teatro Pavón. Festival de Jazz de Madrid 2022.

 

Texto: Manuel Borraz

Fotografía: Fernando Tribiño

El pasado 8 de noviembre tuve el placer de asistir al concierto de cuatro leyendas vivas del jazz, Lionel Loueke (guitarra y voz), Chris Potter (saxofones), Dave Holland (contrabajo) y Eric Harland (batería) organizado por Villanos del Jazz en el Teatro Pavón bajo el marco del Festival de Jazz de Madrid 2022.

Contadas son las ocasiones en los que grandes instrumentistas e improvisadores se juntan para conformar un jazz en cuyo desarrollo no relate ni haga apología de las altas técnicas que disponen y revelar así un lucimiento personal, sino en el que su cometido sea el de prestar cada una de sus destrezas individuales al servicio y beneficio del proyecto común, creando un espacio colectivo en el que expresarse y aportar a la propuesta en su totalidad, generando la esperada unidad de banda. Aziza representa este caso. 

Aziza es el nombre de este conjunto y proviene de una canción escrita por Lionel Loueke llamada ¨Aziza Dance¨. En Benín, África, lugar del que procede Loueke, el término «aziza» hace referencia a una sobrenatural raza de habitantes del bosque que cuentan con la capacidad de dar consejo espiritual y práctico. Dicha sabiduría queda reflejada en la interacción de sus componentes y fue recogida y elaborada en un álbum producido por Dave Holland, grabado el 14 de octubre de 2016 y editado por el propio sello de Dave Holland, Dare2 Records Label. En el álbum, tal es el reparto equitativo de cada uno de los músicos que constituyen este supergrupo, que cada uno de estos compuso dos temas para el proyecto de los ocho resultantes, conformando un trabajo discográfico con una identidad colectiva. 

Dave Holland ha estado llevando a la música por senderos y direcciones tremendamente interesantes e impredecibles desde 1960. En esta ocasión, Aziza se desenvuelve en un terreno que permite contribuir con libertad el talento e identidad propia de cada miembro, creando un carácter único y expresivo en la mezcla total. Por supuesto y como era de esperar, la velada trajo consigo grandes solos por parte de los cuatro músicos, un sinfín de momentos únicos y un gran despliegue de posibilidades sonoras, demostrando la riqueza de lenguaje por parte de estas auténticas bestias del jazz. Cabe destacar la presencia de Loueke en el proyecto, con una creatividad incomparable, una alta conexión y sensibilidad musical con su tierra natal, una gran versatilidad idiomática y una amplitud sónica y relacional fuera de lo habitual. 

En conjunto, el directo de Aziza es rompedor, salvaje y vibrante, mantiene y juega con la atención del oyente, los cuatro músicos vuelan y se lanzan al vacío, son todo espectáculo y carácter. Ya son múltiples las ocasiones en las que esta banda ha encarado este proyecto en directo, pero todavía no podemos predecir qué le deparará el futuro. Esperamos que no se quede en un encuentro fortuito entre grandes figuras del jazz, sino que expanda su lenguaje a nuevos imaginarios, revelándonos así todas las posibilidades que sabemos que aguarda.

Written by Manuel Borraz

Enero 10, 2022

MoodSwing Reunion: Redman – Mehldau – Mc Bride – Blade

MoodSwing Reunion: Redman – Mehldau – Mc Bride – Blade

by | Jan 12, 2023 | Concert chronicle

MoodSwing Reunion: Redman – Mehldau – Mc Bride – Blade

12

ENERO, 2022

Joshua Redman, saxo tenor/ Brad Mehldau, piano/ Christian McBride, contrabajo/ Brian Blade, batería. 54º Voll-Damm Barcelona Jazz Festival. Palau de la Música Catalana, 26 de octubre de 2022

Texto: Enrique Turpín

Fotos: ©JordiCalvera/ Voll-Damm Festival de Jazz de Barcelona

LAS MÁSCARAS DE LA FORTUNA

Hay una memoria nómada que se activa cuando reconoce lo extraordinario, lo que nos brinda su esencia sin apenas griterío, como esas presencias que no necesitan demostrar nada cuando aparecen en una habitación y todo son caras volviéndose hacia la persona recién llegada. Es lo que muchos llaman encanto pero que no es más que energía concentrada, una suerte de embrujo que avanza al compás de quien lo porta. Sucede con los encuentros que nos hablan de quiénes somos cuando ni nosotros mismos sabíamos de ello, y se impone del mismo modo con que lo hacen las cosas que no imaginábamos necesarias, pero que pronto se vuelven insustituibles y obligadas. Con ellas, nuestra razón de ser cobra sentido. No es exageración. La vida no consiste en otra cosa que en ir descubriendo, acumulando y degustando tales momentos. Si no, a qué Garcilaso, a qué Shakespeare, a qué Rothko, a qué unas Jordan, a qué los tulipanes rosas o a qué una garnacha centenaria.

 

 

A principios de los años sesenta del siglo XX, Julian “Cannonball” Adderley presentaba a The Young Lions (Vee-Jay, 1961), un grupo de irredentos músicos recién emancipados que respondían a la etiqueta que Irwin Shaw utilizó para su novela homónima de 1948. Parecen palabras que pudieran identificar el signo de los tiempos actuales, pero están escritas en las notas de crédito de aquella grabación seminal en la que participaron Wayne Shorter, Frank Strozier, Lee Morgan, Bobby Timmons, Bob Cranshaw, Albert Heath y Louis Hayes: “Estamos viviendo la era de la glorificación de la mediocridad. Estos son los tiempos en que los adolescentes pueden volverse ricos escribiendo e interpretando canciones mediocres. Cuando un palurdo escasamente alfabetizado con dudoso talento [se refería presumiblemente a Elvis Prestley] puede convertirse en una estrella con ingresos de un millón de dólares, o cuando un tipo epítome del “Chico americano por excelencia” [en su cabeza estaría el presentador Dick Clark] puede pinchar discos con los que los adolescentes bailan y convertirse en una importante personalidad de la televisión. Muchos de nosotros creemos que tales situaciones existen porque nos hemos permitido ajustarnos al pensamiento y la dirección de las masas.” Son palabras, desde luego, muy cercanas a los tiempos que corren. Para los sagaces, pocas cosas se resisten cuando se trata de capturar la esencia de la verdad en tiempos de ignominia, cuando menos en épocas poco amables como la que corre. Obviando el fallo de perspectiva en la elección de las personalidades a las que alude, Cannonball estaba cargado de razón: nada puede objetarse a que en los tiempos que corren la mediocridad tiene carta de naturaleza y campa por sus respetos con la naturalidad de lo inevitable. 

La memoria nómada de la que antes hablaba obró su influjo ya en los primeros compases del reencuentro de este cuarteto de lujo —Joshua Redman, Brad Mehldau, Christian McBride y Brian Blade—, hoy sin parangón en la escena mundial, tanto por influencia como por condición asumida de maestros indiscutibles de sus instrumentos, líderes proteicos y repletos de grandes composiciones en su haber. Todos ellos unidos en su afán por trasladar las enseñanzas del jazz pretérito hacia lugares insospechados, asequibles sin caer en la grandilocuencia del esnobismo o la falsa elocuencia, en un trasvase con tanta fluidez como solidez por los senderos que conducen el jazz del siglo XX al jazz del siglo XXI. Hace casi treinta años de la grabación del enorme Moodswing (Warner Bros, 1994) y el cuarteto, más de dueño que nunca de su arte, ha visto a bien reimaginar una dádiva para sus fieles seguidores en forma de nuevo encuentro y nuevas grabaciones. Al disco original han de sumarse hoy el segundo desembarco de la formación en RoundAgain (Nonesuch, 2020) y, justo a escasas semanas de emprender gira con el proyecto, un colofón para aquellas sesiones de grabaciones, llevadas a cabo en el Nueva York prepandémico durante septiembre de 2019, bajo el título de LongGone (Nosesuch, 2022). Se han reunido para girar en lo que parece una única oportunidad de verlos juntos de nuevo. Con acierto han llamado a la gira A MoodSwing Reunion, donde nos encontramos al cuarteto en plenas facultades y con el aire festivo que nunca les ha faltado unidos ni tampoco en solitario.

La expectación era máxima, con lleno hasta la bandera y un aire risueño en las caras de los asistentes que hacía deparar una velada para atesorar en la memoria. Padres e hijos, abuelos y nietos, amantes y amigos, todos solitarios al fin, de esos que saben permanecer en una habitación sin aburrirse, se dieron cita en el Palau de la Música para rendir homenaje a un jazz que llega a lugares de vanguardia desde motivos populares, haciendo fácil lo que es extremadamente difícil; esto es, convertir en arte inmarcesible unas piezas que pronto se instalan en la memoria musical, en la que la melodía se conjuga con estructuras insólitas por lo asequibles que resultan al oyente, aunque al desmenuzarlas pueda comprobarse que el trabajo compositivo deviene harto complejo. Algo así como motivos que siempre han estado ahí aunque sean de nuevo cuño. Tal vez lo que ocurre es, simplemente, que la presencia de cada uno de los miembros de este cuarteto ya es indiscutible y está presente en muchas de las manifestaciones del jazz contemporáneo. Es lo que sucede con los maestros y su influjo. Aparece donde menos se lo espera, aunque siempre está presente en el ambiente. Tampoco nosotros captamos el aroma del oxígeno pero vivimos gracias a él. Hay cosas que entrañan milagros en su aparente simplicidad. El MoodSwing Quartet es una de esas cosas. Efímero en sus inicios por la propia naturaleza de lo que arde con intensidad hasta la extenuación, se disolvió en un par de años de existencia, pero hoy de nuevo tienen cosas que decir. Y las dijeron, vaya que sí.

Es curioso cuando la excelencia se reviste de asequibilidad, y qué lujo cuando se hace viral y acaba siendo tendencia. Así empezó todo. Puntuales e indómitos, como si no hubiera pasado el tiempo. Entre guiños a Mancini (con citas a Pink Panther por medio), Joshua Redman se erigió portavoz del grupo desde los primeros compases del concierto. Sería por el tiempo que hacía que se no los veía juntos, pero todos mantenían un porte de digna naturalidad que auspiciaba la promesa de un acontecimiento sin fisuras, ajeno a todo lo que quedara fuera de la música. Así había de ser y así fue. A todo esto, caí en la cuenta de lo bajo que se sienta Mehldau al piano. Creo que cada vez lo hace más cerca del suelo. Él a lo suyo, a mantener las armonías, a enriquecer como sabe las canciones, a labrar su destino desde la solvencia de lo bien ejecutado y mejor pensado. Él es de esos músicos que sabe cuándo renunciar al primer plano, pese a que aquí hay un cuarteto democrático con el peso repartido. Todos ellos se saben deudores de una tradición, pero no renuncian a seguir la escuela que lleva al umbral de la posteridad, esa que conduce a la epifanía auditiva como regalo del oyente y satisfacción del ejecutante. Aquí, como era de esperar, hubo diversión a raudales. Redman jugó a los sobretonos, pero desde texturas sedosas, casi más difícil que cuando se sopla buscando tsunamis. Es cuando se descubre también que Brian Blade, él tan risueño siempre, toca al bies, como de soslayo, en una suerte de autoescucha para no perderse nada de la fiesta y ofrecer lo mejor de sí mismo, crítico como pocos con su ejecución. Llegó el turno de McBride, que ya tiene un lenguaje propio cuando traslada sus ideas a las cuatro cuerdas de su contrabajo. Es de esos músicos que entiende su trabajo como una misión, la de encumbrar de orgullo el arte de sus ancestros mientras enseña las delicias de los nuevos ritmos.

Joshua Redman barajó indistintamente el soprano y el tenor. En la segunda de las piezas apostó por el soprano, para hacer de “Floppy Diss” (escrita por McBride) una variante juguetona de las composiciones con las que nos sorprende a veces, tanto o más si comparte escenario con el fiel Mehldau (o es al revés, que el fiel es Redman). El caso es que desde bien pronto se acostumbró el auditorio a la estructura de intervenciones de saxo, piano, bajo y batería, por este orden. Blade se dejó ver para recordar por qué estaba ahí, con el resto de grandes, y fue arrollador. Luego se retiró para que el tema se cerrase de traca.  Fue cuando vino el momento de la presentación. El saxofonista tomó la palabra para recordar que hacía exactamente treinta años que había pisado Barcelona por vez primera, una “soulful city” según su parecer (es la ingenuidad del visitante lo que habla), y que ya al año siguiente vino acompañado del resto de jóvenes leones. Atacaron entonces un “Moe Honk” en el que Redman alterno los arpegios con la fiereza de su todavía ímpetu juvenil. Como si fuera una película clásica de espías en la que los buenos se salen con la suya, todos se conjugan para ir en pos de un único fin, tal y como había sido deseo de su compositor, Mehldau: hacer fácil lo difícil, no rendirse al lugar común y, ya puestos, disfrutar de las vistas cenitales de esa maravilla arquitectónica que es el Palau de la Música. Extasiado andaba Redman con la techumbre y los detalles sobre sus cabezas. “Undertow” volvió a mostrar las dotes del saxofonista en lo que concierne a la escritura de canciones memorables. Con ella alcanzaron la hora de concierto, que cerró de nuevo Blade a la batería. Siguieron a lo suyo, con “The Shade of The Cedar Tree”, una temprana composición de McBride de sus años en Verve que también ha tocado con su Big Band y con Inside Straight. Digno heredero de Ray Brown, Milt Hinton y Ron Carter, por señalar unas referencias evidentes en su toque, el contrabajista de Filadelfia sobresale por su pulsión prístina, por un caminar dejando huella y por alimentar la melodía en cualquier altura de su mástil. Sin solución de continuidad, le tocó el turno a “Your Part to Play”, compuesta por Blade, en la que Redman echó a volar y el baterista persiguió ese vuelo con las mazas y un juego de disonancias que, milagrosamente, no lo parecieron en ningún momento. Todo fluye con naturalidad. Asunto peligroso. Luego uno se va a ver otros espectáculos y todos palidecen a la vera de estos cuatro jinetes del Cantar de los Cantares. Y es que no hay aquí apocalipsis ni armagedones, y sí mucho amor por el trabajo bien medido y de noble herencia. Música sensual en cualquiera de los registros y expresiones del grupo, lo suyo es un diálogo con los dioses, o al menos, el intento de recordarles que no lo hicieron tan mal cuando nos dejaron al amparo de las cuevas. Y hasta hoy.

Como no podía ser de otro modo, le llegó el turno al recuerdo del temprano MoodSwing, con el ataque a “The Oneness of Two (In Three)”. Alrededor de veinte añitos rondaban todos cuando Redman compuso la pieza. El saxofonista regresó al soprano y le inyectó un tremendo swing al tema, que hizo que el respetable no se percatara de que ya llevábamos más de hora y media de actuación. Y llegaron entonces los bises, dos, por si todavía quedaban incrédulos en la sala modernista, convertidos en sendas fiestas por el regalo ofrecido y por el recibimiento devuelto. El cuarteto recordó que en eso de los géneros no cabe conclusión, y se descolgaron con una memoria hecha gema musical de lo que supone el bebop bien entendido. Son portentos, los cuatro, sin excepción. Las caras del público así lo atestiguaban. Todos entendimos que estábamos presenciando un concierto histórico. Pocas veces puede vérseles juntos haciendo de las suyas. Cada uno conduce sus propios proyectos y es difícil hacerles coincidir. De ahí que el regalo fuera doble: el obsequio de su presencia y la melancolía por ser sabedores de la fugacidad del acontecimiento. Si Hemingway levantara la cabeza ya no diría aquello de ‘París era una fiesta’; cambiaría sin duda el nombre de la capital gala por el de una Barcelona que se convirtió por unas horas en un vórtice de energía cósmica para que ya a nadie se le ocurra pensar que las revoluciones sólo pueden llevarse a cabo con las armas. Bueno, si las armas son un saxo, un piano, un contrabajo y una batería, a lo mejor hasta yo me apunto al combate. Al salir por las puertas giratorias del Palau, uno no puede por más que reconocer que Cannonball sólo tenía parte de razón. Sí, se viven momentos de ensalzamiento de la mediocridad, pero quedan compensados con espectáculos como los que ofrecieron estos cuatro monstruos —en su etimología primigenia de rarezas, de extraños, de insólitos— del arte jazzístico. Si no regresan, alguien al menos habrá tenido la fortuna de tenerlos muy cerca y la fortuna de que la onda expansiva que provocaron esas dos horas haya interferido en su epigenética para alegría y disfrute de sus contemporáneos. ¿Dijo alguien que no somos afortunados?

Written by Enrique Turpín

Enero 12, 2022

Orquestra Jazz de Matosinhos & Chris Cheek

Orquestra Jazz de Matosinhos & Chris Cheek

by | Jan 8, 2023 | Concert chronicle

Orquestra Jazz de Matosinhos & Chris Cheek

08

ENERO, 2022

Dirección: Pedro Guedes Solista: Chris Cheek

Casa Da Música, 30 noviembre 2022. Oporto, Portugal

Saxofones: João Guimarães, João Pedro Brandão, Mário Santos, José Pedro Coelho, Rui Teixeira/ Trompetas: Luís Macedo, Ricardo Formoso, Rogério Ribeiro, Javier Pereiro/ Trombones: Daniel Dias, Gil Silva, Andreia Santos, Álvaro Pinto, Gonçalo Dias/ Secçión Rítmica: Miguel Meirinhos -piano/ André Fernandes – guitarra/ Demian Cabaud – contrabajo/ Marcos Cavaleiro – batería.

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Valentín Suárez

Oporto se viste de gala para celebrar los veinticinco años en activo de una de las propuestas culturales y educativas más completas e interesantes relacionadas con el ámbito musical de Portugal; la Orquestra Jazz de Matosinhos. Actualmente bajo la dirección artística de Pedro Guedes, la Orquestra Jazz de Matosinhos (OJM), aparte de cumplir el papel de Orquesta Nacional de Jazz de Portugal, es un proyecto multidisciplinar que funciona como institución sin ánimo de lucro con el objetivo de promover la creación, la investigación, la divulgación y la formación en el campo del jazz.

 

 

Muchos son los frentes que la OJM ha ido abriendo en estos veinticinco años de trabajo continuo, y dos los ejes principales de su filosofía: aunar la proyección internacional con un insobornable sentido de la responsabilidad local. Pionera en territorios a menudo inexplorados, la OJM enfoca esos dos grandes ejes (desde dentro y hacia fuera, podríamos decir) mediante el desarrollo de proyectos artísticos diversificados, proyectos de formación y la grabación de jazz portugués. Entre los muchos proyectos auspiciados por la OJM destacan el ciclo Nuevos Talentos del Jazz, en funcionamiento desde 2014, que supone la oportunidad para jóvenes músicos de tocar como solistas al frente de la Big Band; o el Centro de Alto Rendimiento Artístico (CARA), que no es sólo una editorial, sino también un espacio de 800 m2 donde se promueve el diálogo entre arte, ciencia y tecnología, concretamente a través de proyectos multidisciplinares destinados a la investigación y al desarrollo para la creación, disfrute y difusión de contenidos creativos. Este espacio acoge conciertos, ensayos, grabaciones e iniciativas del Programa Educativo OJM; así como la publicación de trabajos discográficos, como el aclamado Jazz in the Space Age (2020), una revisión del histórico álbum de George Russell, grabado en vivo en Casa da Música con João Paulo Esteves da Silva y José Diogo Martins como invitados, y editado digitalmente.

Como Orquesta Nacional de Jazz, la OJM presenta repertorios de todos los estilos y épocas del jazz, con los que se ha convertido en presencia habitual en los escenarios de las principales  ciudades de Europa y Estados Unidos, entre ellas Barcelona (residencia de cuatro años en el Festival Internacional de Jazz Voll Damm de Barcelona), Belgrado, Bruselas, Marsella, Viena, Milán, Boston o Nueva York. En Nueva York, precisamente, la OJM ha realizado residencias en los clubes Birdland, Jazz Standard, Jazz Gallery o Blue Note, y fue la primera formación de jazz portuguesa en participar en un festival norteamericano.

El prestigio alcanzado en estos veinticinco años ha llevado a la Orquestra Jazz de Matosinhos a publicar numerosos y laureados discos, como Orquestra Jazz de Matosinhos invita a Chris Cheek (Fresh Sound New Talent, 2006); Portology (Omnitone, 2007), con Lee Konitz; Our Secret World (WomMusic, 2010), con Kurt Rosenwinkel; o Moras y Frambuesas (Universal Music, 2011), con Maria João. 

Para celebrar un hito tan meritorio como dos décadas y media de excelencia creativa y formativa, nada como volver a los orígenes. La creación de un repertorio original fue uno de los primeros y más destacados objetivos de la OJM, a partir de las composiciones de sus directores musicales: Pedro Guedes y Carlos Azevedo (dos nombres ineludibles en la transformación del panorama jazzístico luso); y qué mejor manera de honrar ese espíritu que ofreciendo un concierto de excepción, para el que la OJM contó de nuevo con la presencia del mismísimo Chris Cheek. De esta feliz ocasión ha surgido también la grabación de un disco conmemorativo, grabado el 1 de diciembre en el estudio CARA.

Written by Ricky Lavado

Enero 08, 2022

Ingrid Laubrock INTERVIEW

Ingrid Laubrock INTERVIEW

by | Dec 5, 2022 | Interview

Ingrid Laubrock
Interview

05

DICIEMBRE, 2022

Entrevista: Begoña Villalobos / José Cabello Llano

Fotos: © Valentín Suárez

 

In the evening of November 21 st, I had the pleasure of interviewing one of the most creative musicians of her generation. The German saxophonist Ingrid Laubrock.  

The interview was done one day before her live performance with, Andy Milne, the Canadian pianist, at the Fernán Gómez Theater, within the Madrid International Jazz Festival 2022

 

In&Outjazz: Hello Ingrid, welcome to the interview, thank you for coming.The interview is for In&OutJazz Magazine.  So very excited for having you and sending you these following questions. So I should start with the first one. I saw that during the pandemic you recorded duo series. Is that what you’re going to bring here to Madrid tomorrow with Andy Milne. Is that how it’s said? I think so. 

Ingrid Laubrock: Actually I started the duo series I think in 2017 o 2018. So it’s a series I’m recording for Intakt Records over maybe…, spaced out over a decade. So the first record was with Aki Takase, the second one with Kris Davis and Andy Milne was the third installment. So, you know, hopefully we keep going, yeah, over another like five or six years, spread out. But yeah, Andy is the person I’m bringing…

Tomorrow right? And like, on the different series of duets that you just said and you have recorded, what does Andy Milne…, like what’s his contribution, like his personal contribution?

I think for every player is very different and I’m deliberately trying to pick people who I, who have a really…have a personality and are great pianists and composers. To me, Andy was

the person…, like I didn’t know Aki Takase really well before I played, before I recorded, but I had played a concert with her already. With Kris Davis I have a long long relationship, and with Andy I did not have this relationship, I knew him personally but not as a…, I had never played with him. So it wasn’t much more…, you know? I trusted my instict…

Yeah!

…That this was going to work well because I knew him as a person, he’s a really great guy, I like his music and I like his thoughtfulness. He to me is more steeped maybe in the jazz tradition

Okay, nice!

Although Kris is too. And he just brings a really…, there’s a sense of adventure and also he has such beautiful ways of harmonizing melodies, of harmonizing improvisation which I really

love, and a great rhythmic proportion aswell

Yeah!

And on top of that he uses, he has a very subtle and beautiful way of using piano preparation which I’ve always really enjoyed

Nice

And one of the concerts that I saw him perform was with his quartet with Benoit Delbecq and two japanese koto players whose names I can’t remember right now. And it was just a, there was a subtlety to it that I really, I thought it was beautiful

Yeah, nice. So can you tell me something about the duos that you’ve recorded with Tom Rainey? He’s a drummer right? It’s different from recording with a pianist right? Like, the interaction is different…

Sure…I mean. You’re basically monophonic as an instrument, right? As a melodic instrument when you play with drums. So you have to come up with different solutions. We Recorded over the whole pandemic, what we tried to do is to include a lot of compositions by friends or by people that we knew, so it felt a little bit like…We would bring our friends into the room and rehearse with them because we were so cut off from everybody in New York. So there was a sense of…, like…, we’re working on our friends music or we’re working on composer’s music that we adore, but we’re trying to find adaptations for this unusual duo, because that was what we had. That was the only possibility of playing music that we had, and it was really fun and moving for us, moving kind of creative…excercise in a way you know? To adapt large scale pieces and just play them on drums and saxophone. It was a good creative endeavor in a way, not to try and find out solutions of making something different every week

Very nice, yeah sure. Well, I think I know a few more people that do this kind of format, this duo format. I’m thinking right now of Ben Wendel. I don’t know if you’ve seen those “Standards with friends” sessions, but he also does duos, but it’s a different concept for sure. So, personally, how would you describe the biggest challenges and difficulties when approaching your music in this format of a duo?

In the duo format in general?

Yeah

Well, I mean, you have to generate a lot right? As a saxophone player, you’re basically playing a lot and the two duo partners have to be in an intense conversation. There’s no…, you

can’t really, I mean obviously you can leave space and not play but you have to be engaged at a very very high level of concentration, there’s a high level of concentration needed and in a way, creativity, and I love it because it’s so intimate and you can…, and also so open in a way, you have all these solutions because there’s just one…or all these paths that you can potentially go to because there’s only person to interact with

Yeah, sure.

So you’re not that fixed, you know? In terms of, we have to absolutely stick to this arrangement beacuase there’s twenty people that are following the same arrangement. You have a much more “effort-looseness” of the freedom with this kind of formation

Yeah, definitely. And in the other side you’ve also written a lot of music for large ensembles and big bands I think. So how’s that possible? How do you approach that other format?

Well, I haven’t really written for big band, like I maybe have one big band piece. But I have composed for orchestra and large new music ensembles. It’s something that I’ve been interested in for a while and just spent time devoloping over the last ten years. It’s just a sound I love being in, and there’s so much detail in this music. Like when you compose for musicians like that, it forces you to think a lot about detail. Where is the sound on in an instrument, dynamics, rhythm, you know? So to me it’s like a very, almost a spiritual…, spiritual is the wrong word I think, but almost a work where I collect myself, I’m with myself, I’m examining my own tastes, and my own rhythmic feel et cetera. And I can translate it into the more improvise music

Yeah, very nice. Actually according to improvisation, I read that Jason Moran has called you an improvisational visionary. What are your thoughts in such a…

That’s nice of him hahaha

What are your thoughts on that statement?

Well, you know?, it’s very nice of him. I have played with Jason a few times and I love playing with him. He’s a wonderful musician and conceptualist and, you know, fearless, and just super spirited and great guy. I’m honored that he said something like that about me hahaha

And how would you describe your musical evolution in these two decades, as an improviser?

As an improviser? I mean, it’s just like one of those things that I think you just grow gradually. Sometimes you grow and then you stay on a “plato” for a while, and then sometimes you grow faster, there is different rates of growth, but for me it’s always been like I’ve always seen myself as a sort of eternal student who’s hopefully getting better and learning the entire time. It has nothing to do with school or nothing to do with…, it’s just got to do with life.

And sometimes you learn life lessons that inform your expression, your musical expression. Sometimes you learn technical things, sometimes you learn about composition, there’s different strains of the whole music thing that eventually come together, or that come together throughout your life I think.

And that’s how I see myslef. I see sometimes I compose a lot, that informs my playing. Sometimes I’m put in a situation where I’m a side-person for somebody who writes some really amazing and challenging music, so I have to learn something, some new skills to be able to deal with that. And I’m, I like to be open and put myself into situations where I’m learning

And when you write, or you compose, what’s the method that you follow? Cause you were saying before that one of Andy Milne’s, let’s say highlights, is that he harmonizes in your improvisations in a very nice way. You have this improv situation going in your tunes, but you also have like a very detailed composition right?

Yeah, I write quite detailed

Yeah, so what’s your method? Do you write all by yourself and then bring it that to the rehearsal with the other guy or how do you work?

Usually yes. Like, usually that’s how I compose with…, for say like a project like this. I write at the piano mostly, specially if a piano player is involved. I write mostly on the piano. Sometimes on the saxophone if I feel, if the content is more melodic, like if it’s really coming from a melody, even if I write it on the piano, I play it on the saxophone, because that opens new possibilities or either avenues usually. But yeah, I usually bring the music in as, like finished, and then we work on it.

If something doesn’t work…, or I’ll send it to the musician in flagrante and say “please tell me if something is not working or something, or something could be easier or better in your instrument”, you know? I also work with some new music groups where I workshop the music.

So I’ll send them fragments and I ask them to play through them or I meet up with them and ask them to play through them. And they quite often…, just hearing it in the room gives you new ideas or gives you knew possibilities and…, so I personalize it for those musicians. You know I’m always wanting to change things…

Interesting, interesting, yeah, cause listening to your music I was shocked and wow, how does this person write this music? How does she approach it? Very nice, very nice!

Two last questions. Could you tell me something about your relationship with Arts for Art?

Arts for Art? Yeah, they’re really lovely hand hardworking organization. Based, led and runned by Patricia Nicholson Parker and William Parker. They are mostly there to promote free jazz, free improvised music, black free improvised music, and they have been around for a long time, they’re incredibly supportive, and really really active, and just great people

Yeah, sure! What are you into right now? Hearing, listening, what are the records your listening to right now?

Oh wow, to be honest, what’s happening right now is that I’m writing actually a classical piece for a piano trio, so piano, chello and violin. So I’ve been checking out a bunch of piano trios

Okay, wait, classical trios?

Yeah, like one by Ravel, one by Morton Feldman, Anthony Cheung, just, actually a lot of them, like…, the chellist send me a big footer of music to check out, and I’ve been sort of, just listening to that a lot

Very nice, that’s a surprise. Okay, one last question. How’s your experience being with Intakt Record Label?

Intakt Records? Oh great, they’ve been supporting me since 2008, they’re like one of the few record companies I think that have survived, in a kind of meaningful way, right, that they still create a lot of music, but they don’t overextend either, they know what they’re doing.

They have become friends, they have become like a family really, and, yeah, so, you know, they reléase music by artists that they trust, so they don’t mess with your music. They let you get on with it.

Yeah, it’s always greatful yeah!

I’m pretty happy to have them as a general support. They’re also very open to let you release on other labels, as long as it fits in with their programm and you’re not abusing

I’m thankful too for their job.

Yeah hahaha, I will tell them that!

And for being able to listen to artists like you are. Thank you very much.

Well I hope I get to see you there and it was nice to meet you

Yeah, I hope that too. Very nice. Thank you for being. It’s been awesome to have you and to meet you.

Written by Begoña Villalobos

Diciembre 05, 2022

Steve Coleman INTERVIEW

Steve Coleman INTERVIEW

by | Dec 4, 2022 | Interview

Steve Coleman
Interview

04

DICIEMBRE, 2022

Entrevista: Begoña Villalobos / José Cabello Llano

Fotos: © Valentín Suárez

 

In the evening of November 18 st, I had the pleasure of interviewing one of the the basic development pivot of the M-Base Collective concept, and one of the most important pioneer artist that runs through contemporary black music. The Chicago alto saxo Steve  Coleman 

The interview was done moments before his live Steve Coleman & Five Elements “MDW NTR”, along with Kokayi , Jonathan Finlayson, Anthony Tidd, and Sean Rickman, at the Conde Duque Auditorium , within the Madrid International Jazz Festival 2022

 

In&Outjazz: Hi Steve, nice to meet you, great pleasure! Welcome to the interview!  Would be why are you more sympathetic to the term “spontaneous composition” rather than the term “jazz”?

Steve Coleman: I mean, there’s many many musicinas that don’t like the term “jazz”. It goes back to Duke Ellington, Max Roach and all those guys so it didn’t start with me. We just don’t feel like that word is representative of the music. What do you mean when you say “jazz”? Do you mean Louie Amstrong? Do you mean Kenny G? There’s so many music that’s so far appart and they call them all “jazz” that the term is useless. It just doesn’t mean anything.

What about the term “spontaneous composition”?

Because, the big part of our music, is that the “spontaneous composition” is a big…, is amajor element. The spontaneous part. And it is composition, you know? So it’s just a descriptive term.

According to this topic, we find that two main elements of your music are rhythmic structures and the energy. And you’re always seeking change and spontaneity through these elements. What is the meaning of energy and rhythmic structures for you?

Well I mean, in music of the african diaspora rhythm is one of the main elements, you know? So I’m just part of that tradition. It’s not something that I created, but it’s something that was happening before, before I came along. So all my mentors, all the people who taught me, who I admired, the older people, it was important for them, and so I just come into this tradition. Those things are not things that I created myself. They’re things that were already in existence before I was even born.

And so it’s just part of a culture, like flamenco, like japanese snow music, like indonesian music. These is all traditions, different traditions. And so the things that are important for the different people in different places happen beacuse of culture. It’s not really because of music, it’s beacuase of culture. Cause see, rhythm is important for us in basketball, in boxing, in all of these things, it’s not just music. So I happen to be a musician, so yeah, for me I express music, but Mohamed Ali expresses boxing and it’s the same principle, it’s the same thing. And many people think that it’s special on the music, but no, it’s everywhere.

It’s in the way that people walk, the way they talk. It’s in all of that. And the music comes from that. It’s not the other way around. It’s the culture first and then the music is coming out of it, of the culture.

And so, what’s the lesson that the culture gives music in terms of change? How do you take change into music?

Well, I mean, I think that change is the natural state of humans, I mean, just look at human society. Look at what’s happening in the last hundred years or the last two hundred years, it’s a lot of change you know.

Or the last couple of days

Yeah, yeah, yeah, I mean there’s a lot to happen, so change is happening all the time and we’re just expressing it in music. I prefer to express this music than war or some other destructive kind of thing, or fucking up the climate or the planet or something like that, but

change is happening there too. It’s happening in politics, it’s happening everywhere. So we just we express this in music. We happen to be musicians, so all these things are coming out of this music. But we’re still human, so the same things that happen with other humans happen with us. You know? Sometimes I go on stage, I have a stomachache or I have a problem with something…

That also takes and important role in how you play?

Sure, sure, because the music is coming from us.

Very nice

Yeah, yeah

And according to this, how important is the intuition?

Well, again, that’s again in human, you know? Quality for humans, intuition…It’s al important, intuition, dreams, what you inhert from the people who came before you, like you DNA and all this, all of this things play a role. But intuition…I don’t think of inuition and logic as really separate things, for me it’s like a holistic kind of thing. Because whatever created people gave you all of this ability. You have te ability for inuition, you hace the ability for logic, you have the ability to dream, so I think you’re supposed to use all of these, this is what was given to you, these abilities. I mean, your not a mosquito right? You’re a human so…

So intuition is not that it is different from the planned structure of the tune you guys are playing. Both things take an important role?

Ah, you ….how we play? Well the best analogy I can give for what the way we play is talking, because language is the thing that I model the music after. So just like we have a conversation and I’ve never had this conversation before with somebody else because you’re saying things to me that other people have never said, and I’m answering to you the other thing you know? But we’re using the same words, the same phrases, we have a language…etc. The music is kind of like this. Every night is like a different conversation but there is a language. If there’s no a language we would not be able to understand each other. If we just take a musician off the street and bring him on the stage is not gonna be the same, because he doesn’t speak the same language. He has his music, but it’s like saying Catalan, English, Urdu, these are different languages, they all sound, but they’re different languages, they have a different syntax, and what things mean and things like this. In one language “ah” might mean one thing and “ah” might mean something else in China, you know?

That’s also the beauty of languages

Yeah sure, it’s like you have all this variety and everything, so whenever you see a group of musicians that have been together for a long time, they usually develop a kind of language that they’re able to speak with each other. So I think of it as language a lot. For me it’s like

conversation. Each concert is like a different conversation.

How do you keep your creativeness going for three decades?

Three decades…, it’s been long in three decades, yeah. I started this group in 81, so it’sbeen fourty one years,

Four decades…

Yeah hahaha, and I’m going for Duke Ellington’s record. Duke Ellingon had his orchestra together for fifty years. I’m trying to…I have nine more years haahahaha.

And how do you keep your creativeness going? Your inspiration and all that kind ofstuff?

I mean, sometimes I don’t. I can’t say that for every moment it’s been like this, sometimes you get depressed, sometimes you get down, you have bad months, bad years even. I mean, this pandemic year, 2020, was very difficult for a lot of people. A lot of musicians you know. Some musicians even stopped playing.

And you understand that in terms of changes also?

You know what I’m saying, it’s the same question, either you do or you don’t. Either you don’t keep going, or you do keep going. And we’re all going to the same place. Everybody is gonna diesooner or later. But you just keep going until that point happens. Is the same thing to music. The music for me is not separate than life. Is a part of my life, it’s like eating, drinking, shitting, you know, it’s just a part of life. It’s become a part of me, I don’t think this separate. I don’t say “now I’m going to do some music”. All the time in my head, even when I’m eating is the going on. So, I don’t know, it’s not a separate thing, so it would be like me asking you “how do you keep going?”. Yo don’t think about not keep going, you just keep going you know?

And what meaning does MDW NTR have for you?

Oh that stuff’s…your talking about that from the record. That stuff’s egyptian. The words look like that because they didn’t use vowels when they wrote their language. I mean there were no vowels used. So for example if they were to write “heru”, if you write it “h-e-r-u” today, they would just write ir “h-r”, without the “e” and without the “u” and everything. So that’s why the words look like that. So this is “medu neter”.

Yeah, we found that the meaning of that is, that they were referring to they’re writing language and…

Exactly, sacred writing or beautiful writing or something like that

Or God’s Word

Words of God yeah

Or divine Word

That’s good you did your research hahahaha

Well, but it’s very interesting cause you were saying before that we’re all gonna die sometime

Sure, it’s definite

But there are different approaches to like, this reality actually. You can approach it in like a more spitirual way. So maybe you were like going through that way of thinking about…

Yeah, well, a lot of the way I think about the music, I’ve been into ancient egyptian stuff for a long time, since the late 80’s or 90’s or something like this, so for a long time. You’ll see this a lot in a lot of my albums and saying things like this you know? It’s a little more exagerated on this album but it’s there a lot. Even in the albums of the 90’s there was all these “heru” and “mayat” and all these terms of stuff like that. So it’s not a new thing, it’s something that’s been there for I would say thirty years, at least, since at least 91 or something like this. Because it’s on,

I mean Dimitri you know it’s on all these albums, I made those, in the 90’s, BMG albums.

Yeah, definitely, that’s also a big part of life.You are one of the most influential musicians for the new generations of jazz musician, what do you have to say about this?

I mean, I think a lot of this is, I won’t say accident, but it’s just a matter of when you wereborn. Because if you notice, the people who were influenced by Charlie Parker were all younger than him. Nobody older than him was really influenced by him. The people who are influenced by John Coltrane were younger than him. So, after you start getting ten years beyond when I wasborn that’s when you start to see the guys being influenced by me. Some of it I think, and it’s not just me, I mean, Mark Turner has people, he’s influenced people, there’s other people too you know, Geri Allen, is a great piano player, she had a lot of piano players were influenced by her. Me and Geri were born in a certain time, and so we influenced the certain generation who’s come behind us. And then those people will influence generations that come behind them. It’s a chain that keeps going you know. So it’s not…, when you say there are people influenced by me is usually because they were born after me. And yeah, you do have a choice, you could be influenced by me or you could be influenced by Wynton Marsalis and other guys like my contemporary. Of course you have a choice but we all have influenced a certain generation and then they will all influence a certain generation. You might see Joel Ross and guys like this influenced by us, that’s because they’re much younger. That’s all that there is. And also, most of these people we used to teach. You know? I mean when they were like…, I met the trumpet player here when he was thirteen years old, and he’s fourty now.

I think we’re done, thank you very much Steve. Have a great gig.

Written by Begoña Villalobos

Diciembre 04, 2022

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