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Alejandra Borzyk

Alejandra Borzyk

por | Feb 29, 2024 | Interview

Alejandra Borzyk

29

Febrero, 2024

Entrevista © Eric Therer – Fotos © Monday Jr / Roger Vantilt
Bodies – «Bodies

Aunque sólo tiene 27 años, Alejandra Borzyk habla de su vida como músico con una madurez y una lucidez impresionantes. Dividida entre su búsqueda individual de un sonido que tenga sentido y su trabajo con el colectivo «Bodies», no escatima en su siempre vigilante curiosidad. Tanto su música como su enfoque nos parecieron lo suficientemente dignos como para nominarla candidata al I.W.D. de este año.

En esta ocasión, JazzMania fue para… Beer Mania, una especie de cueva de Alí Babá de cervezas especiales en Ixelles, para charlar con una IPA sin alcohol.

 

JazzMAnia ¿Puede resumir su carrera?

Alejandra Borzyk Nací en Lovaina (Bélgica), hija de padre belga y madre española. Cuando tenía seis años, mis padres se trasladaron a España, donde pasé mi infancia. En España tomé clases de piano hasta los 15 años, y luego me tomé un descanso hasta los 18 o 19 años. Me quedé allí hasta los 21 años. A esa edad decidí que quería hacer música. En España los conservatorios de jazz son todos privados. Así que busqué un conservatorio público y me presenté a las pruebas de acceso. Al final me aceptaron en el Conservatorio de Bruselas. En resumen, pasé la mitad de mi vida en España y la otra mitad en Bélgica. Tengo una doble identidad porque no me siento extranjero cuando estoy en España y, a la inversa, no me siento sólo español cuando estoy en Bélgica.

¿Cuándo decidió dedicarse a la música?

Alejandra Borzyk En el fondo, incluso de niña, siempre supe que quería hacer música. Tocaba el piano desde los seis años. Hubo algunos acontecimientos que me hicieron dejarlo cuando era adolescente. Después del instituto quise ser periodista y estudié durante un año. Entonces descubrí el jazz y tomé una decisión. Volví a la música y decidí que lo daría todo y le dedicaría toda mi energía.

¿Cómo se inició en el jazz?

Alejandra Borzyk Escuchar a clásicos como Joe Henderson y Sonny Rollins fueron los dos primeros que me atrajeron por esta música. Luego vinieron John Coltrane, Miles Davis y Billie Holiday, que me acompañaba casi a diario cuando vivía en Madrid.

Cuando escuchas tu propia música, está claro que no sólo está influenciada por el jazz.

Alejandra Borzyk Cuando era pequeña, escuchaba a Queen, Bob Marley, reggae y los grandes clásicos. Al principio de mi formación musical, escuchaba casi exclusivamente jazz, jazz clásico, la tradición. No quería escuchar otra cosa.

Cuando llegué a Bruselas, al K.C.B. (Conservatorio Real de Bruselas – ed.), me sumergí en otras fuentes, mi mente se abrió a otras músicas. Me di cuenta de que el jazz va mucho más allá de la tradición en la que se centra la cultura española. Cuando compongo, vuelvo casi instintivamente a la música clásica, pero al mismo tiempo busco ideas en el pop-rock, intento mezclar, experimentar con combinaciones. Con Bodies estoy en una forma más groovy y estructurada. Cuando toco solo, me gusta más la improvisación libre, experimentar y explorar.

¿Es Bodies un proyecto temporal o está pensado para durar?

Alejandra Borzyk Al principio, Bodies era una forma de presentar mis composiciones y estaba vinculado a mi traslado a Bruselas. Con la excepción de una actuación en el Salon de Silly, nuestros únicos conciertos han sido en Bruselas.

Hasta ahora sólo hemos publicado un álbum. E incluso entonces, dada su duración relativamente corta, es más un e.p. que un álbum (nota del editor: sólo disponible como descarga digital en Bandcamp). Lo grabamos en diciembre de 2022 y lo publicamos en marzo de 2023. Lo presentamos en Jazz Station, donde tuvo muy buena acogida.

Conté con la inestimable ayuda de Lynn Dewitte, encargada de la programación del Brussels Jazz Weekend. Bodies acaba de ser incluido en «Propulsion», un programa de apoyo que nos permitió conseguir una residencia, que acaba de terminar. Esta semana entraremos en el estudio para grabar un segundo EP, que contendrá la segunda parte de nuestro trabajo en directo. Así que hay Bodies para rato.

¿Cómo surgió Bodies?

Alejandra Borzyk Conocí a Elie Gouleme, el batería, en el conservatorio. Mateusz Malcharek, el bajista, es amigo de un amigo. Procede de una comunidad de músicos de Maastricht que se trasladaron a Bruselas. En los teclados, Camille-Alban Spreng, otro amigo del conservatorio, se unió a nosotros en enero y sustituyó a Chae (Chae Yeon Lee).

¿Es el nombre «Bodie» una elección deliberada en relación con el tema del género, que sabemos que le toca muy de cerca?

Alejandra Borzyk ¡El nombre vino después! Al principio pensé que sería más bien un juego de palabras entre «buddies» (amigos) y «bodies» (cuerpos), porque quería subrayar el lado humano de mi enfoque, dejar claro que las personas con las que juego están cerca de mí. Abandoné el juego de palabras, ¡que en realidad era una chorrada! El nombre «Bodies» (cuerpos) se quedó porque está relacionado con la dimensión física omnipresente en mi trabajo, y más aún con el saxofón y las microsensaciones que evoca: cómo interactúa la garganta con el instrumento, cómo te sostienes cuando lo tocas, la posición de los hombros que influye en tu forma de tocar… Cuanto más exploraba mi relación con el cuerpo, más me daba cuenta de que tenía sentido utilizar este nombre.

Como músico de jazz, ¿está implicada en la lucha feminista?

Alejandra Borzyk Por definición, sí. Creo que es importante hablar de género. Pero no creo que sea necesario hablar de ello explícitamente. Desde mi punto de vista, ser músico es un acto feminista en sí mismo. Ahora les toca a los programadores y a los implicados en la industria musical cambiar las cosas allí donde sea necesario….

¿Puede hablarnos de su trabajo en solitario?

Alejandra Borzyk Sólo he tocado dos conciertos en solitario, uno como parte de mi programa de fin de máster en el conservatorio el pasado junio. El otro fue en una casa, por invitación de un grupo de músicos. Mi trabajo en solitario es más experimental, más de performance. Es una exploración. Durante el concierto en el conservatorio, traté la violencia sexual y la violación en particular. Utilicé una canción de protesta de una manifestación en Chile en la que los manifestantes se vendaron los ojos. En el futuro me gustaría probar alguna puesta en escena y utilizar más los medios técnicos más allá del ámbito puramente musical.

La respiración es fundamental en su forma de tocar. ¿Con qué saxofonistas se identifica?

Alejandra Borzyk Me gusta mucho Colin Stetson, cuyo trabajo sigo. También me gustan Anthony Braxton y Bendik Giske.

Tuve la oportunidad de asistir a un taller con una cantante francesa de ópera clásica. Allí descubrí una especie de minimalismo: ¿cómo utilizar muy poco aire para que la nota dure lo más posible? Se trata de dominar el diagrama, un poco como hacen los cantantes.

¿Cuál ha sido su última revelación sonora?

Alejandra Borzyk Peter Evans, ¡sin duda! Le vi y escuché hace poco con su proyecto «Being and Becoming» en un pequeño pueblo cerca de Amberes. La forma en que aborda la dimensión orgánica utilizando únicamente instrumentos acústicos: trompeta, vibráfono, corneta, contrabajo, batería, mientras improvisa, fue realmente impresionante. Alcanzan un estado de trance sónico, muy tribal, como el techno pero sin máquinas, es asombroso…

Este artículo se publica simultáneamente en las siguientes revistas europeas, en el marco de » Giant Steps «, una operación para destacar a las jóvenes músicas de jazz y blues : Citizen Jazz (Fr), JazzMania (Be), Jazz’halo (Be), LondonJazz News (UK), Jazz-Fun (DE), Giornale della musica (IT), In&Out Jazz (ES) y Donos Kulturalny (PL).

This article is co-published simultaneously in the following European magazines, as part of « Giant Steps » an operation to highlight young jazz and blues female musicians : Citizen Jazz (Fr), JazzMania (Be), Jazz’halo (Be), LondonJazz News (UK), Jazz-Fun (DE), Giornale della musica (IT), In&Out Jazz (ES) and Donos Kulturalny (PL).

#Womentothefore #IWD2024

Interview by: JaazMania

Febrero 29, 2024

Alejandra López

Alejandra López

por | Feb 28, 2024 | Interview

Alejandra López

28

Febrero, 2024

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Raúl Alonso

Alejandra López es una contrabajista y compositora española que, con sólo 19 años, es un nuevo talento de la música improvisada. Desde muy pequeña ha estado rodeada de un entorno familiar musical. Ha cursado estudios profesionales de piano clásico y contrabajo. Actualmente cursa estudios superiores de contrabajo en el Real Conservatorio de Madrid. A los 14 años empezó a interesarse por la música improvisada, donde podía expresarse mejor. Desde que Alejandra entró en escena, ha tenido numerosas invitaciones para colaborar con músicos consagrados de la escena jazzística. Influenciada e inspirada por Christian McBride, Esperanza Spalding, Niels-Henning Orsted Pedersen, así como influencias de otros estilos diversos como el neo-soul. Es en la música improvisada donde comienza el proceso de búsqueda de una estructura para todas las ideas. Con un sonido fresco, dulce, potente, brillante y un amplio abanico de ideas y recursos, consigue una profunda transmisión al público.

In&OutJazz ¿Cómo, cuándo y por qué entraste en contacto con el jazz?

Alejandra López Recuerdo que cuando estudiaba en las cabinas del conservatorio, siempre estaba improvisando sobre la pieza que tocaba, se me ocurrían nuevas melodías y
jugaba mucho con la música. Un día, cuando tenía 10 años, le pregunté a mi profesor de piano, que también enseñaba jazz en el conservatorio, si podía enseñarme algo de jazz. Me enseñó a improvisar con el piano sobre los cambios del blues. Este interés me llevó a tomar algunas clases de jazz con profesores de contrabajo como Toño Miguel, Reinier Elizarde y Javier Colina. Algo que influyó en mi acercamiento al jazz fue estar rodeado de músicos y amigos apasionados por esta música. Empecé a ir a jam sessions y conocí a muchos músicos de la escena jazzística de Madrid. Escuché mucha música y aprendí mucho.

In&OutJazz ¿Cómo estructura las ideas, cuál es su idea de estructura en términos de composición?

Alejandra López Tengo muchas ideas. La mayoría de los sonidos y la música que suelo escuchar me inspiran, ya sea una pieza de Chopin o el sonido del metro entrando, incluso las bocinas de los coches me inspiran. Escribo y grabo estas ideas y poco a poco les voy dando forma. Cuando tenía 7 años, empecé a escribir música con un programa informático de notación musical. Escribía melodías y les daba forma según cómo me sonaban. Ahora, con cada canción, intento encontrar una estructura que permita que fluya la energía. Empiezo con muchas partes crudas, así que a veces opto por rondós o rapsodias, pero para concentrar el material de cada canción también busco estructuras más convencionales: Estructuras AABA, por ejemplo, y suelo añadir codas para introducir una nueva idea de cierre.

In&OutJazz ¿Cuáles son tus influencias y qué han aportado a tu forma de tocar y componer?

Alejandra López Mis influencias son muy variadas. Me inspiran compositores clásicos como Debussy, Bach, Beethoven, Brahms, y muchos otros, por las melodías y sensibilidad que me transmiten; contrabajistas como Ron Carter, Esperanza Spalding, Charles Mingus, Niels Henning Ostern Pedersen, Ray Brown, Christian McBride, por su forma única de tocar y técnicas interpretativas. Guitarristas como Pat Metheny, Mike Stern, por su mundo sonoro y su estilo de fusión. Stevie Wonder, por su maestría en la composición y la producción. Erykah Badu y Esperanza Spalding me han influido mucho, son inspiraciones para mí. Intento incorporar un poco de cada uno de estos artistas, entre muchos otros.

In&OutJazz ¿Cuáles dirías que son tus puntos fuertes a la hora de interpretar y componer?

Alejandra López Mis puntos fuertes como intérprete son la energía y el compromiso con el momento y la canción que se está tocando. Cuando salgo al escenario lo doy todo. En cuanto a la composición, diría que busco la espontaneidad.

In&OutJazz ¿Qué entiende por música improvisada y qué aporta a su música?

Alejandra López Aprecio mucho la música improvisada porque se puede ver la individualidad de cada músico y fomenta la escucha entre los miembros del grupo, creando interacción y diálogo espontáneo mientras una persona está haciendo un solo, así como la búsqueda de texturas sonoras. Las habilidades de cada músico se combinan y se ponen en el contexto de un esfuerzo cooperativo.

In&OutJazz ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Alejandra López Actualmente estoy preparando mi primer proyecto en el Café Berlín de Madrid, donde tocaré y cantaré mis propias canciones y algunos de mis estándares de jazz favoritos. Después, actuaré con el quinteto de Abe Rábade en festivales internacionales de jazz en Estados Unidos y Portugal. Y pronto apareceré en varios discos de artistas que admiro mucho. Mientras tanto, continuaré mis estudios de música clásica en Madrid, combinándolos con los de jazz.

Este artículo se publica simultáneamente en las siguientes revistas europeas, en el marco de » Giant Steps «, una operación para destacar a las jóvenes músicas de jazz y blues : Citizen Jazz (Fr), JazzMania (Be), Jazz’halo (Be), LondonJazz News (UK), Jazz-Fun (DE), Giornale della musica (IT), In&Out Jazz (ES) y Donos Kulturalny (PL).

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#Womentothefore #IWD2024

Interview by: Begoña Villalobos

Febrero 28, 2024

JOAO BARRADAS INTERVIEW Festival Causa I Efeito (Lisboa)

JOAO BARRADAS INTERVIEW Festival Causa I Efeito (Lisboa)

por | Feb 8, 2024 | Interview, SIDEBAR

JOAO BARRADAS INTERVIEW
Festival Causa I Efeito (Lisboa)

08

Febrero, 2024

Texto: Begoña Villalobos

Fotos: Nuno Martins

Pocas presentaciones necesita Joao Barradas a estas alturas de curso. El acordeonista y compositor portugués se ha ganado por derecho propio un lugar destacado en la escena jazz internacional actual con numerosos proyectos a sus espaladas en diferentes formatos. La entrevista está relacionada con el último disco grabado por el sello Clean Feed Records, Solo II Live At Festival D,aix-En- Provence. Presentado en el Festival Causa I Efeito (Lisboa, 2023)

 

 

In&OutJazz Es un placer entrevistarte, por fin, después de todos los intentos, jaja. La primera pregunta tiene que ver con el nuevo disco grabado con el sello Clean Feed, Solo II Live At Festival D’Aix-En-Provence . Qué tienes que manejar para hacer un concierto solo de música completamente improvisada.

Joao Barradas Sí, bueno, tocar completamente de la nada es siempre un desafío y nunca es de la nada. O sea, siempre hay alguna idea que está en nuestra memoria que inspira el sentido del concierto. Pero en ese sentido, el término o resultado de ese concierto, no lo sabemos. Yo puedo saber ciertas cuestiones técnicas, como sabía que iba a comenzar con la voz y con el acordeón midi, pero no sabía más. Sabía que íbamos a tener aquel espacio, aquel reverb largo, pero no sabía más. La verdad es que el Solo II es algo curioso porque fue grabado con un ingeniero de sonido con el que llevo trabajando varios años, que es Sergio Millano, y en la prueba de sonido en el Festival D’Aix-En-Provence, nos pasamos casi una hora y media probando y viendo varios sonidos del acordeón midi que yo tenía preparados para ese concierto. Y en este sentido no lo conseguimos. Por lo tanto, yo comencé la primera pieza, el primer momento improvisado, con el midi, pero después la improvisación me llevó a aquel sitio con el acordeón acústico y los restantes 40 minutos son con el acordeón acústico. Es decir, nosotros en tanto en cuanto estábamos pensando ya en la grabación, esperábamos que fuera por un lado más electrónico, que no se consiguió. Pero para ir a la cuestión, esta situación de tocar de la nada o de hacer recitales totalmente improvisados, viene con una necesidad de expresión libre y descubierta en un instrumento que muchas veces está un poco limitado a ciertos cánones. Y de repente estos solos son una oportunidad de salir de una cierta burbuja musical para mí y para mi instrumento. No tener esta obligatoriedad al presentarme en el escenario y en cambio poder improvisar libremente durante una hora.

In&OutJazz Cómo gestionas las ideas cuando improvisas. Cómo seleccionas y organizas hacia dónde vas. 

Joao Barradas En un concierto totalmente improvisado, y no solo, pero principalmente en un concierto totalmente improvisado, tengo la tendencia de aceptar las ideas. Incluso aquellas que en aquel momento para mí no son las mejores, o que yo estoy pensando que no son las mejores las acepto. Si llegan las ideas tendremos que desarrollarlas. De hecho, creo que quizá el concierto Solo II, tiene 4 o 5 ideas como máximo. De hecho, la primera idea que aparece en el primer tema, que es un medio tono y después hay unos cuartos de tono, vuelve a aparecer al final exactamente porque fue la primera idea que me apareció en aquel momento y tengo que conseguir hacer algo con eso. Cuando voy a los standards o a la música formal, escrita de una forma más formal y que tiene un compromiso con la estructura mucho mayor, ahí muchas veces ya tengo alguna tendencia de seleccionar las ideas, de pensar “ok, ya toqué esto, así que voy a olvidarlo y voy a buscar otra mejor”. Pero normalmente, diría por definición, soy un músico que acepta la primera idea.

In&OutJazz Ok, o sea ¿te mueves en base a la intuición?

Joao Barradas Sí, a nivel de desarrollar la improvisación, sí. Después, obviamente, todo el material armónico, rítmico, viene mucho de mi experiencia escuchando música e investigando acerca de lo que hago todos los días y de la música que yo más adoro. O sea, yo intento todos los días aprender piezas, standards, música clásica, que formen mi imaginario musical.

In&OutJazz Ok y por ejemplo, en primera persona ¿Cómo unes esos universos? Lo clásico, el jazz, el folclore portugués…etc. ¿Cómo se une eso?

Joao Barradas Es difícil explicarlo, porque en mi cabeza mi trabajo como músico clásico es una cosa. Y no tiene que ver con mi trabajo como músico de jazz o músico improvisador. Obviamente tiene que ver en el sentido de que yo todos los días trabajo estas músicas y la escucho de una forma conjunta, indistinta y seguida.  O sea, yo no tengo una playlist en Spotify donde hay música jazz, o no tengo una playlist donde hay música clásica, tengo todo de seguido, o sea, no hago una gran diferenciación cuando me pongo a escuchar. En el momento de abordarla y principalmente en el momento de estudiarla, yo, por ejemplo, como intérprete de la música de Bach, no tengo una necesidad de precisión rítmica excesiva. No estoy preocupado si está con un buen tiempo, si está marcado, si está más largo, no tengo esa preocupación. Tengo la preocupación de que la articulación sea la reina, por así decirlo. Pero cuando toco música improvisada y principalmente música formal, santandars o música con algún tipo de ritmo y sobre la que tengo que improvisar, es precisamente lo contrario. Tengo una tendencia a que la idea rítmica y el time-feel sea el rey. O sea, ahí es donde diría que está la principal ruptura con mis dos mundos. Hay un mundo que es hiper rítmico y preciso, y hay otro mundo que es preciso, pero rítmicamente no se comparan, ni siquiera tienen que ver muchas veces.

In&OutJazz Ok. ¿Y qué te gusta más? ¿Con qué te sientes más cómodo? Con formaciones pequeñas, solo, o con formaciones grandes como la Orquesta de Bruselas, la Orquesta Metropolitana de Lisboa. ¿Qué diferentes habilidades tienes que introducir para ir de un concierto solo a tocar con una gran orquesta? ¿Qué diferente aproximación o habilidades utilizas?

Joao Barradas Sí, es una buena pregunta, principalmente porque no solo la formación influye en la manera en que tocamos, sino que muchas veces el propósito también es diferente. Por ejemplo, en ese concierto con la Orquesta de Bruselas, mi papel fue improvisar sobre aquella forma. Por tanto, eran arreglos de la Orquesta de Bruselas conmigo como invitado. Es decir, estructuralmente esa música ya está muy definida y es bastante compleja, principalmente rítmicamente. Por lo tanto, mi papel como músico es colocar cada solo encima de la estructura e ir con la banda. Por ejemplo, si estoy tocando solo, como fue por ejemplo en el festival Causa I Efeito que toqué temas, no toqué totalmente improvisado, sino que toqué standards, ahí sucede una situación que es que como yo estoy solo, con mi mano izquierda y mi propia mano derecha, puedo tener una apertura armónica que no necesito negociar con una sección rítmica o incluso con otros improvisadores. Por ejemplo, si estoy tocando en el trío de Peter Evans por ejemplo, Demian Cabaud puede estar haciendo una estructura y tenemos dos improvisadores que están dentro y fuera de la estructura y de repente tenemos un mundo entre estos dos conceptos que están sucediendo. Por lo tanto, casi una total apertura que va dentro de una forma. O sea, la formación y la propia música principalmente ya nos dice con qué reglas vamos a tocar o qué reglas nos van a regir. En el caso de la Orquesta Metropolitana de Lisboa, en ese CD, estamos hablando de otro lenguaje, estamos hablando de la música de Bach y básicamente volvemos al punto anterior que es que lo que me interesa allí cuando tengo una orquesta de cuerdas ya con cierta dimensión, es que nuestra articulación sea una, la mía y la de la orquesta y que obviamente nuestra respiración, en este caso al ser Pedro Neves, sea el motor de esa música. Pero en todas ellas hay una conclusión diferente, la forma de abordar es siempre diferente y me gusta mucho eso mismo, tocar en diferentes formaciones porque me permite abordar varias situaciones.

In&OutJazz: Ok, ¿cómo has trabajado los micro tonos y la relación con otras músicas modales?

Joao Barradas Es una cuestión bella porque todavía hoy, puedo decirlo de primera mano que estoy trabajando en un acordeón micro tonal acústico. Vamos a empezar a trabajar con él físicamente el día 1 de septiembre, vamos a empezar a afinarlo y básicamente ese acordeón es basado en la versión de micro tonal que tengo para el acordeón midi en el que ya grabé con Aka Moon. Ahora bien, mi contacto con la música con cuartos de tono en micro tonal aparece por la mano de Fabrizio Cassol. Obviamente ya lo había escuchado, ya había visto todos los acordeones con otros tipos de afinaciones, incluyendo con cuartos de tono, pero no era una cosa que me hubiera surgido, incluso porque en esa época no sabía ni entendía cómo podría usar ese mundo para mi música. Y fue solo con Aka Moon, en 2020, cuando Fabrizio me empezó a hablar de este mundo y decidí crear una versión del acordeón midi para poder usarlo. En este momento, la fase en que estamos a trabajar es la siguiente: estamos intentando crear armonías en las que los propios acordes ya tengan cuartos de tono en su estructura, por lo tanto, armonía funcional para improvisación, donde no solo la melodía tenga cuartos de tono, sino que también el voicing tiene que tener cuartos de tono y pensarlo de una forma funcional, como si fuera una canción. Ese es el punto en el que estamos. Y la primera grabación en la que tengo que tocar micro tonos y cuartos de tono es el nuevo álbum de Aka Moon. Y en breve va a salir eso, pero también con acordeón acústico y yo propiamente voy también a hacer algunas cosas para mí, para mi música.

In&OutJazz Para tu música.

Joao Barradas Exactamente.

In&OutJazz ¿Cómo explicarías la evolución de tu música, a nivel compositivo o a nivel de improvisación?, ¿Cómo avanza?, ¿Hacia dónde va tu música?

Joao Barradas Mi música es extremadamente influenciada por las personas con las que toco. En los últimos años, la influencia de Mark Turner, de Aka Moon, de Peter Evans, de Carlos Bica. Fueron momentos que me han aportado mucho de su mundo musical. Siempre hay un momento en el que nos muestran algo y yo pienso “es exactamente esto”. Por muy diferente que sea de mi música, hay cosas que pienso “quiero hacer esto también” y entonces vengo a casa y empiezo a trabajar. Diría que mi música ha evolucionado hacia algo cada vez más abierto y al mismo tiempo estructuralmente más compleja. 

In&OutJazz Más abierta y más compleja, ¿sí?

Joao Barradas Compleja. En que de repente las formas son un poco más difíciles, pero la forma de abordar es más libre. O al menos, cada músico puede tener formas y aproximaciones bastante dispares de aquellas que serían las mías como compositor. O sea, tengo que estar agradecido de buscar ese tipo de sonido en mi música escrita, pero principalmente, y creo que es la gran cuestión, también en la forma como yo improviso. Creo que cada vez estoy intentando buscar espacio. Esto porque mientras escucho, siento que el acordeón muchas veces es un instrumento que está demasiado presente, muchas veces haciendo poca cosa. Tiene que ver con el timbre, tiene que ver con nuestra idea y nuestra memoria musical con el instrumento. Entonces ha sido, a lo largo de los años, una depuración de cosas que quiero básicamente descartar. Es un proceso divertido, tengo que poner de lado las ideas que no quiero más que incorporar más cosas. Creo que he ido profundizando la cuestión del ritmo, la cuestión armónica a nivel de voicings en el instrumento, más que traer mucha música diferente. Creo que ha sido eso, la música se ha hecho más abierta.

In&OutJazz Quiero preguntarte por Greg Osby y por la grabación de “Direction” con el sello de Inner Circle. ¿Qué conexión hay en tu música con el M-Bass? ¿Hay conexión o no hay conexión? ¿Cuál ha sido la experiencia con Greg Osby? ¿Cómo ha sido el grabar con Inner Circle? 

Joao Barradas Es un cracker

In&OutJazz Es un crack, es un crack, como tú.

Joao Barradas Greg para mí es un mentor. Es un gran mentor, es un gran amigo y, la verdad que estoy muy feliz también porque el día 23 de octubre sale el nuevo álbum de Greg Osby en el que yo toco también.

In&OutJazz Sí, Minimalism

Joao Barradas Conocí a Greg por primera vez en 2008, yo era muy joven, y a lo largo de los años él se fue convirtiendo cada vez más en una figura de mentoría, de convertirse en un mentor. Tuvo un papel muy importante en la cuestión del lenguaje y pensábamos muchas veces, casi en conjunto qué podría ser el papel de un improvisador en cuanto a acordeonista en una música de este momento. Y yo, en mi improvisación, en mi lenguaje, tengo muchas cosas de Greg y de ese movimiento. Del M-Bass, y no solo, desde cuestiones de simetría, cuestiones de desplazamiento rítmico, alguna, ¿cómo es que se llama?, politonalidad, por ejemplo, en el CD, recuerdo que en el concierto que hicimos en el festival de Causa I Efeito, por momentos lo que sucedía era que mi mano izquierda tocaba en un tono y mi mano derecha tocaba en otro. Por ejemplo, la mano izquierda está haciendo el comping en Sol menor, pero mis frases están haciendo las frases en el tono del standard en Do menor, por ejemplo. No viene solo del M-Bass o de Greg Osby, o sea, Martial Solal, el pianista, siempre hizo eso a lo largo de su carrera, tanto interno en otras formaciones como solo. Pero poder tener a alguien tan cercano y que tener la oportunidad de hablar durante horas y durante años estas cuestiones influenciaron en mi música. Incluso recuerdo que hay un solo que ya no sé en qué CD está… debe estar en “Directions”. Pero recuerdo que hay un solo que comienza con una frase de Greg Osby que yo había transcrito hace muchos años y esa frase me quedó en la memoria y está grabada. No recuerdo cuándo, creo que es en “Non Identity”, que es un tema de “Directions”. Por lo tanto, esta influencia de Greg es brutal y obviamente estoy muy feliz de poder ser parte de su nuevo álbum. Para mí es un privilegio asumir su lenguaje con el acordeón, obviamente.

In&OutJazz Ok, muchas gracias.

 

 

Interview by: Begoña Villalobos

Febrero 08, 2024

Tivon Pennicott Interview

Tivon Pennicott Interview

por | Dic 14, 2023 | Interview

Tivon Pennicott Interview

14

Diciembre, 2023

Interview by: Bega Villalobos and Israel Figueredo

Photos: Fernando Tribiño

Translator: José Cabello

On the evening of October 19st, I had the pleasure of interviewing at the highly gifted American tenor saxophonist, composer, multi-instrumentalist, also a key contributor to three Grammy Award winning albums, Tivon Pennicott. 

The interview was done moments before his live quartet, completed with Kenneth Salters, Dean Torrey and Idris Frederick, who all took the stage at the Café Central Club, Madrid 2023. 

In&OutJazz Composer, orchestrator, saxophonist player, multi-instrumentalist, what comes first?

Tivon Pennicott I think in my heart of hearts, I’ve always been a composer well, that’s that’s what I am first. Composer, arranger That’s in my heart. And I love that question because it actually isolates the foundation of who I am. And then of course it’s fun to express myself with these compositions and with an instrument…saxophone, I think I put the most time in it into…but yeah, composer, arranger, saxophonist. Orchestrating, arranging, along all that. So composer first, meaning writing the songs and then the orchestration of that composition second.

In&OutJazz Well, congratulations, this is your first time like band leader here in Europe. Tell us about the tour.

Tivon Pennicott You know, this was, this tour was just to get my feet wet. No pun intended. We were just, the people that I work with, the band members, the management, we just wanted to get our first experience internationally as a leader. So, we put it together, but I was so surprised, pleasantly surprised of the response. So many people showed up in every show. Every show was sold out, if they didn’t say it…there was just no room in any place up until even last night, you know, here in Café Central. So that was a big surprise and I feel it…yeah, it took me, it caught me off guard. I did not expect so much support on my first tour, so. This is all this is always what I wanted to do and this is just the beginning God willing, God willing…

In&OutJazz When you won the Thelonius Monk Competition, would you say that was you’re beginning? 

Tivon Pennicott Yeah, I would say that when I was in that competition it definitely got me, it motivated me to compose more music, write more music and create my first album. You know, I released that album shortly after that competition. Lover of nature. Yeah. The first, so the first album was released…, so the Thelonious Monk competition was 2013 and I was fortunate enough to get in the finals and got your second place, you know, and that, which gave me a lot of motivation for writing my music, posing my music…, but what happened was after I was starting to perform as a band leader locally in New York, Gregory Porter came along and he was also someone I wanted to perform with, to play with. So my, my leader, my artistry, my personal artistry kind of paused in 2014-15 when I started to tour more with Gregory Porter. And I made a conscious decision to do that and Gregory Porter took me all around the world for for several years. And so, but I still have that feeling since right after the Monk competition, you know to do my artistry and I feel like it’s time.

In&OutJazz Yeah, I think so because man you play so nice you…like I was seeing the competition when I was a couple of years ago, it was amazing man you and Godwin Louis one of my favorite saxophonist. 

Tivon Pennicott Oh nice. 

In&OutJazz Yeah. Yeah. Yeah and well, we just want to know how the competition opened the doors for you in the scene.

Tivon Pennicott Definitely, got more, more people knew who I was. Before the competition I was already, I had already recorded with Gregory Porter. I had already recorded with Esperanza Spalding. This is 2010-2011. But as far as my own creativity, you know, I think more of the jazz community knew who I was then and it definitely helped, it definitely helped. I think yeah, I was able to work more and in New York locally and work more in general with my group. Yeah. 

In&OutJazz What’s about your band in this tour?

Tivon Pennicott Yeah, man. So Kenneth Salters, we’ll start with him. He was on my first album Lover of nature. Yeah, he was…, we’ve been good friends and New York companions, New York colleagues since 2010. When I met him in St. Nick’s pub, the same place I met Gregory Porter and all those people, Kenneth and I go way back. He’s a brother and I’m so happy that we are still able to create together to play. We have such a connection and it’s gonna be happening for a long time. Dean Torrey, bassist. Playing he has a very unique style of playing. I require monster ears. You have to have great ears. I require that and Dean is the guy where I remember seeing him in a session. Anything that a piano player plays he’s always on it, right on it, you know, and that caught my attention early on, and when I was in New York just after a gig or something and would hear him at a session. Yeah, he was always one of those guys and he learned my music, he was always there, he was always supporting and willing and Dean is a very important person in my, throughout the whole process of my artistry. And the newest person that I’ve met, the most recent is Idris Frederick. I kind of found him on Instagram. Yeah, so as we move into the new days I saw his playing. I heard us what he was doing. I was like, “wow, sounds amazing”. I just contacted him. But here’s a funny story and we can ask him later if he’s okay with, you know, having this out. Idris has been through a lot through his New York experience. There was one point where his house, his whole apartment burned. All he lost, he lost all of his stuff. He lost everything while, when he first moved to New York and he put out a “Go fund me” campaign to kind of help, to ask for support. And I remember seeing this person and I remember donating, you know, donating to him, not knowing…I just knew he was a musician, you know. And it wasn’t till later, after I talked to him on Instagram. It’s like “Oh cool, yeah”. I’m doing my taxes and I’m like, “wait a minute, ‘donation to Idris Frederick’…are you the same guy that I did?”, and he was like, “Yeah. Yeah, that’s me”. And I thought it was personally a full circle moment of me supporting him and in such a low time and then ultimately inviting him to play with me. And he’s, we talking about monster ears, he can really flow, yeah, he can go, he knows he knows all the colors of the universe, and that’s what I need and I need Dean there to follow the colors of the universe and he has colors himself, and I need a rhythmic master on drums to pump the energy, so these people all together is creating this thing and I hope that we can do so many tours together as a group. Yeah.

In&OutJazz Yeah, we hope so, because you sound amazing I was looking at my friends stories in Netherlands because he was in your concert and the band sounds amazing. Yeah.  

Tivon Pennicott Oh yeah, that’s fun, the Netherlands, there’s a lot of…, I was teaching at the Royal Conservatory in the Hague, and a lot of my students were Spanish, you know, they come from different parts of Spain and yeah. It’s a little Netherlands Spanish connection that’s cool.

In&OutJazz We want to know your experience, like in first person about your album Spirit Garden (New Phrase Records, 2020). how was the process to record, to compose the music? Tell us about that.

Tivon Pennicott Yeah. Well while touring with Gregory Porter each night after a show, I will go to sleep and I noticed like different sounds and melodies and textures just floating in my head, you know, and it was just, it became stronger and stronger over time, and I thought “It’s music, these sounds I have to get it out”. It started to get so intense that I had to figure out how to get it out. And the only way to do that was through large ensemble like some extravagant sound. And so, I tackled it. I just I decided to assemble all the strings together. I had a vision and and a concept, it was all there because I was simultaneously changing my diet and that fueled some of the creative waves in my head when my diets changed, who knows what it was? But it was so strong and I remember I went to Juilliard and I didn’t have much of a budget so I would ask some of the students there, like some of the string players if they would join me and…, yeah, string players. And so I asked if they could join. They would come, and they decided, a lot of them decided to come. My good friend Eugene Park is the concert master. She and I met in New York and she can do jazz and she can do classical on a high level and was able to really lead the string section together. So she helped me with that and I have my right hand man Philip Dizack on trumpet. After spirit, after Lover of nature I decided to go chordless, you know with no piano no guitar. So we did many gigs like that, many shows and while I was touring with Gregory Porter and ultimately the sound of the strings were so strong that I had to combine the sound. Combine Dean’s sound and with the Yasushi on bass and Dominique Sanders on bass and Joe Saylor on drums. That was the group for a while and then combining that with the strings and putting that all together. And it came together for an amazing thing. We did it in a beautiful church, stained-glass windows. We did it on tape analog tape, you know old-school and all in one shot, you know, no, no crazy editing and all that stuff just all in one shot and it felt good, it felt really good. I’m really proud of that project and I’m writing a symphony now. I’m going I’m going more on my I’m writing a symphony. 

In&OutJazz Yeah, I saw the photos, the church and the group. Yeah. Well, we have another question… About the about the pedal effects…yeah, because, yeah for me as a saxophonist is like a new thing to see, you start with the rhythm-machine and play the saxophone, do the bass line, and you start to harmonize…and we want to know what made you to do that, you know, to get at that point to to ask yourself. “Oh wait, I need to try with this stuff”.

Tivon Pennicott Yeah, I’ve always been interested in groove music, you know, we’re talking not just I don’t know, things that make you move. Any rhythms that make you move. The roots of Africa which lead into my roots of being Jamaican, my Jamaican heritage, yeah, both of my parents are Jamaican. So we’re talking like reggae, like all the types of grooves, I don’t know, anything that makes you want to dance. And along with that comes some different sounds too that I wanted more than just saxophone. So I can remember trying to just do that. I would be doing a lot of variations acoustically. So I’d be like just playing saxophone normally, but then kind of making all these extended technique sounds, with the saxophone acoustically. So I did a lot of extended techniques with that but I wanted I needed more, I needed more, I wanted some other options. So I just I was searching for a microphone and talking to my guitar pedal…, guitar friends and what pedals they use and I was gonna try to, you know work that out. Thankfully. There are some really important people that helped me put all this together. I found the microphone which is so unique, it goes inside the neck and it’s like direct in sound. That’s the foundation. That’s what gave me the foundation that I can really do this. Intro mic, by Victor Egea, he created that. Then the knowledge of learning how to use pedals as a horn player. Douglas Levin, he got me started on how to use MIDI how, to set the pedal board up from scratch, my options and he has a thing called horn effects, horn effects that really can guide other horn players who are interested in doing that. And so putting that together, this is this is my sound.  When I write the symphony it’s gonna be part of my sound, doing it it’s gonna be everything all together, you know. I don’t want to tell too much but that’s what it is.

In&OutJazz Okay, that’s all, thank you very much.  Thanks man. 

Tivon Pennicott Thanks for taking you are time out on such a rainy day. 

 

Interview by: Bega Villalobos and Israel Figueredo

Diciembre 14, 2023

Patricia Brennan Interview Visión Festival (NYC, 2023)

Patricia Brennan Interview Visión Festival (NYC, 2023)

por | Nov 2, 2023 | Interview, Posts

Patricia Brennan Interview
Visión Festival (NYC, 2023)

02

NOVIEMBRE, 2023

Texto: Manuel Borraz

Fotos: Eva Kapanadze

El pasado viernes 16 de junio de 2023 tuve el privilegio de entrevistar a una destacada figura del jazz, la percusionista, marimbista y vibrafonista Patricia Brennan. Nos reunimos en el backstage de Roulette, un prestigioso teatro ubicado en Brooklyn, New York en dónde acontecía el Vision Festival, festival de música de vanguardia organizado por Arts for Art.

Pocos momentos antes de su esperado concierto en el festival junto al baterísta Marcus Gilmore, el contrabajista Kim Cass y el percusionista Mauricio Herrera, Patricia Brennan compartió conmigo detalles sobre su último trabajo discográfico «More Touch», lanzado bajo el sello Pyroclastic Records, y mucho más: desde su visión y aproximación musical hasta su historia personal. Esta entrevista nos brinda una mirada íntima a su música y a los artistas que la acompañaron en este destacado proyecto.

In&OutJazz. ¿Por qué elegiste esta formación para tu último proyecto y trabajo discográfico More Touch?

 

Patricia Brennan.  La elección de esta formación está relacionada con dos aspectos importantes. En primer lugar, tiene que ver con mi experiencia como percusionista clásica en México, en la que he estado muy involucrada en proyectos de cuarteto y he trabajado estudiando a compositores como Xenakis, Reich, Stockhausen… entre otros. 

 

Estoy enamorada de la forma en que los percusionistas piensan la música, especialmente los de orquesta, quienes tienen una visión amplia y deben comprender cómo encajar en el panorama general. Mi intención con este proyecto era formar un cuarteto de percusión en formato de jazz. Para ello, elegí a Marcus Gilmore porque lo conocí en 2013 en un ensemble grande, donde pude apreciar su trayectoria y sus influencias en los ritmos afrocubanos y otras tradiciones percusivas. 

 

Otro factor importante en la realización del proyecto es mi origen mexicano y, en particular, mi conexión con el puerto de Veracruz. Esta localización tiene una cultura, comida y mezcla de personas muy peculiar, muy diferente al resto de México, con influencias españolas como el son jarocho que incorpora el zapateado del flamenco junto con la guitarra y que se ha fusionado con ritmos afromexicanos. En Veracruz, todo el mundo crece bailando salsa y tocando congas. Mi padre incluso tiene un grupo de son cubano, por lo que es parte integral de la cultura veracruzana. 

 

Yo crecí y viví con esa música, así que era crucial para mí que el baterista no solo fuera un baterista de jazz, sino que también tuviera estas influencias y pudiera adaptarse a todo tipo de estilos. Con respecto a Mauricio Herrera, lo conocí hace mucho tiempo aquí, en Nueva York, aunque no habíamos tocado juntos hasta este proyecto. 

 

Él y yo tenemos muchos amigos en común de Veracruz y compartimos la fuerte tradición afrocubana de esa región. Quería un experto en percusión que trajera ese tipo de tradición, que estuviera profundamente formado en esas tradiciones y no solo tocara un poco de esto y un poco de aquello. De hecho, hemos tenido muchas reuniones para discutir cómo podemos incorporar esas influencias en mi música. 

La otra razón es que es muy difícil encontrar a un percusionista tan versátil, alguien que pueda desenvolverse en un contexto de free jazz y sepa qué hacer en momentos de estructuras flexibles. 

 

En cuanto a Kim Cass lo conozco desde hace varios años, y para este proyecto, era necesario encontrar a un bajista que pensara como un percusionista, y Kim tiene un gran sentido rítmico. Kim Cass maneja estructuras rítmicas complejas y es un monstruo tocando el bajo. Puede adaptarse a cualquier tipo de escenario, es fantástico.

 

In&OutJazz. Utilizas pedales y electrónica en tu música, ¿cuál es tu relación con este mundo sonoro?

 

Patricia Brennan.  Sí, hago uso de pedales y electrónica. Antes de tocar el vibráfono, también tocaba el piano y una de las dificultades que encontré al pasar al vibráfono fue la falta de profundidad en el registro del instrumento, por ello, quería encontrar una forma de expandir el rango sin cambiar de instrumento. En ese momento, mi vibráfono no tenía motor incorporado, y el precio de agregar un sistema de amplificación era el mismo que el de comprar pedales, así que tomé la decisión de comprar un pedal Whammy y noté que mejoraba la textura del sonido. Lo utilicé en solitario y funcionó, luego lo probé en cuarteto y, a partir de ahí, fui incorporando más pedales a mi configuración. 

 

Mi enfoque, primero, se basa en encontrar el sonido de manera acústica, y luego amplificarlo, y desde luego intento no usar pedales si no son necesarios o si consigo el sonido deseado de manera acústica, aplicando los pedales como una extensión de mi instrumento. Primero tengo el sonido en la cabeza y luego intento buscarlo. 

 

He estado utilizando pedales desde 2016 y ha sido como aprender a tocar un instrumento completamente nuevo, lo veo como un set de multi-percusión. Dedico mucho tiempo a probar diferentes configuraciones para encontrar los sonidos que deseo. 

 

Es una exploración profunda que requiere tiempo y dedicación. Cada vez que agrego un nuevo pedal, paso mucho tiempo practicando con él antes de usarlo en presentaciones en vivo. Por ejemplo, hoy no voy a usar un pedal que he tenido por un tiempo porque aún no tengo la relación deseada con él. Además, trato de no planificar demasiado el uso de los pedales, me gusta que sean utilizados de manera completamente improvisada, sin marcas predefinidas.

 

In&OutJazz. ¿Cuál es tu aproximación al free jazz y la improvisación libre?

 

Patricia Brennan.  Muchas piezas de percusión requieren improvisación y en el mundo de la música clásica, muchas piezas comienzan con conceptos de improvisación. Mi concepto de improvisación se desarrolló de manera muy abierta, no se originó en términos de cómo tocar jazz, por ejemplo. Me inspiró mucho Keiko Abe, una marimbista muy importante en este aspecto, quien improvisa todos sus conciertos. Ella utiliza células con diferentes notas, similar al funcionamiento de una partitura de free jazz y yo siempre quise tener esa libertad y pensar en la improvisación de esa manera, interactuar de forma libre. 

 

Comencé con un programa llamado School for Improvisational Music en Brooklyn, dirigido por el trompetista Ralph Alessi. A través de este programa, tuve la oportunidad de escuchar a personas como Vijey Iyer, Ralph Allessi o Tim Barnes entre otros, y eso me introdujo al free. Pero para mí, el enfoque es el mismo, me parece necesario desarrollar los fundamentos, tus instintos y habilidades musicales, y mejorarlos para utilizarlos al improvisar. 

 

A menudo, mis estudiantes me preguntan cómo pueden desarrollar su propia voz en la música, y para mí, eso implica estar siempre conectado con lo que te mueve y ser honesto contigo mismo. Es fácil dejarse llevar por lo que está de moda o seguir a la multitud, pero lo importante es seguir tu propio camino y, en algún momento, desarrollarás tu propia voz. No se trata sólo de desarrollar habilidades técnicas, sino también de ser espontáneo, libre y creativo. Aún estoy tratando de descubrirlo por completo, es como estar en una corriente en el mar y necesitas estar presente y preguntarte constantemente si estás conectado con eso. Es muy fácil desviarse y perder el rumbo.

In&OutJazz. ¿De qué manera abordas el estudio personal?

 

Patricia Brennan.  En mi estudio personal, mantengo la idea de improvisar, pero también me centro en aspectos prácticos y concretos del estudio. Por supuesto, debo realizar ejercicios técnicos, pero lo más importante es tener compromiso con todo lo que hago y abordar mi práctica siempre desde un punto de improvisación. Por ejemplo, si estoy practicando un patrón de golpeo con baquetas, puedo aplicar el patrón 1-2-3-4, pero desde una perspectiva de free improvisation, explorando posibilidades creativas y siempre manteniendo una conexión con la música. Para mí, es crucial que esa parte que le da vida a la música esté siempre presente. Esta mentalidad proviene de mi formación clásica, con la que aprendí a sumergirme en la mente del compositor e intentar comprender la música con una actitud presente y conectada.

 

In&OutJazz. ¿Cuál es tu relación con Arts for Art y cuál crees que es la importancia del Vision Festival?

 

Patricia Brennan.  Arts for Art es una organización con la que me siento muy conectada, y creo que el Vision Festival es de suma importancia. Es un lugar donde músicos que viven la música de una manera similar a la mía se reúnen. Todos ellos tienen una presencia significativa en la escena actual, y piensan de forma creativa. Siento que los músicos que participan en este festival realmente ven la música de esa manera, y eso no es algo que se encuentre todo el tiempo ni en todos los festivales de jazz. El Vision Festival genera un sentido de comunidad y expone tanto al público como a las generaciones más jóvenes a esta música que puede impactar a diversas generaciones e inspirarlas. Es una plataforma vital para la difusión y apreciación de la música jazz en todas sus formas, y creo que su existencia es fundamental para el desarrollo y la preservación de este arte.

 

In&OutJazz.  ¿Cómo has experimentado tu propio crecimiento y desarrollo como mujer líder en el ámbito del jazz y la industria jazzística?

 

Patricia Brennan.  Ha habido muchas mujeres jazzistas y líderes que han contribuido al desarrollo de la igualdad en el jazz. En cuanto a mi propio desarrollo y ser mujer en este ámbito, puedo decir que cuando comencé en la música las cosas eran muy diferentes a como son ahora. Si bien tuve la suerte de contar con el apoyo de muchos de mis maestros aquí en Estados Unidos, una razón importante por la que me fui de México fue el machismo arraigado en la cultura. En México, no podría hacer lo que hago aquí y ser tomada en serio. He luchado mucho para llevar mi grupo a mi país, y uno de los factores es esa cultura patriarcal que, aunque no es intencionado, el machismo está profundamente arraigado.

 

Siendo percusionista, me encuentro en un sector con pocas mujeres, y siempre se ha dado por sentado que no tengo un pase fácil. Tuve que trabajar muy duro para que me trataran como a una igual. Inconscientemente, asumí que eso era así y punto. Cuando vine a Estados Unidos, pensé que tenía que trabajar mucho para ser aceptada a pesar de ser mujer, y realmente no le di muchas vueltas, era algo inconsciente en mí y lo consideraba normal, aunque no debería serlo. 

 

Es bastante triste si lo piensas. Sin embargo, me alegra ver que el número de mujeres en el jazz ha aumentado significativamente. Aunque no tan rápidamente como debería, los cambios importantes en la sociedad están sucediendo y la percepción está cambiando. Se están cuestionando las desigualdades. Espero que en las futuras generaciones las mujeres no sientan que tienen que trabajar diez veces más para obtener el mismo reconocimiento que los hombres.

 

Ahora ya no todas las mujeres se dedican exclusivamente al canto, se están rompiendo los tabúes en cuanto a las profesiones que eligen. Esto es muy positivo. Existe una mayor conciencia y poco a poco las cosas irán cambiando hasta que haya igualdad. Los referentes femeninos son importantes, ya que demuestran que esto es posible. Tuve la suerte de que mi maestro me apoyó y confió en que yo podía hacerlo, pero en muchas ocasiones me dijeron que la percusión no era para mí por ser mujer o que debía tocar el violín o el piano, por ejemplo. Afortunadamente, ya no estamos en esa situación.

 

In&OutJazz. ¿Tienes planes de realizar otro álbum o proyecto en el futuro? ¿Contemplas trabajar con Pyroclastic Records en futuros proyectos? ¿Cuál es tu relación con este sello discográfico?

 

Patricia Brennan.  Tengo dos proyectos en mente. El primero implica al cuarteto con el que estoy tocando actualmente, pero lo ampliaremos a un septeto con tres instrumentos de viento: Jon Irabagon (alto y sopranino), Mark Shim (saxo tenor) y Adam O´Farril (trompeta). Los seleccioné debido a la relación que tengo con ellos. 

 

Me identifico mucho con Adam, tenemos una excelente química y comparte las mismas cualidades que Kim; saben tocar los cambios y lo que sea, pero lo hacen de una manera muy creativa. Jon es un monstruo y puede tocar cualquier cosa, desde el alto hasta el sopranino, y puede tocar tanto de forma convencional como explorando territorios más vanguardistas. Mark, por su parte, tiene el sonido de saxofonista tenor exacto que busco y posee una profundidad espiritual impresionante. Vamos a grabar en septiembre y la idea es que el álbum salga en 2024 a través de Pyroclastic Records. 

El otro proyecto es un dúo electroacústico con mi esposo, Noel Brennan, que grabaremos el próximo año y se lanzará también en 2024. Mi esposo es percusionista y el dúo incluirá turntables y electrónica. Actualmente no tenemos aún un sello discográfico específico para este proyecto, pero hemos lanzado un sencillo y este sería nuestro primer álbum completo. Tal vez lo hagamos con Valley of Search, el sello con el que grabé mi álbum en solitario.

 

Written by Manuel Borraz

Noviembre 02, 2023

Carlos Bica Interview Lava Jazz Festival (Azores)

Carlos Bica Interview Lava Jazz Festival (Azores)

por | Oct 12, 2023 | Interview, Posts

Carlos Bica Interview
Lava Jazz Festival (Azores)

12

OCTUBRE, 2023

Texto: Bega Villalobos

Fotos: Filipe Lemos

En 21 de septiembre en la isla de Pico (Islas Azores) tuve el placer de entrevistar al contrabajista portugués residente en Berlín Carlos Bica, en el Festival Internacional de jazz LAVA, después del concierto a cuarteto en el Auditorio Madalena (Isla de Pico); concierto que abre la IV edición del LAVA JAZZ FESTIVAL.

In&OutJazz: Es una line-up increíble, es la creme de la creme ¿Puedes presentarnos a la banda? 

Carlos Bica: Sí, es una cosa a la que le doy una importancia inmensa. Yo prefiero pensar lo primero en los músicos antes que pensar en los instrumentos que ellos tocan. Muchas veces hay músicos que yo pienso que erran por eso, por decir “Ok, necesito un guitarrista”. Pero yo no quiero un guitarrista, yo quiero un músico, que para el caso toque la guitarra. Yo suelo decir que un músico no puede vestir la piel de un instrumento que toca. O sea, en primer lugar, cuando es un músico, independientemente del instrumento que él toque, que puede ser un buen baterista o un buen guitarrista, pero como músico, la manera con la que escucha, la manera de orquestar, la manera en cómo toca, ¿no?, esto, es más. En primer lugar, es un músico, un músico puede tocar este o aquel instrumento, ¿no? Y es muy importante, yo creo, el casting. Todo empieza por un buen casting. Y bueno, yo tuve la suerte de ir conociendo a estos músicos, así, uno después de otro. Inicialmente, esta formación surgió con un dúo, con otro guitarrista. Después se juntó un saxofonista. En este instante estos dos músicos iniciales ya no tocan en la banda. Y ahora toca Gonçalo Neto en la guitarra, en el vibráfono Eduardo Cardinho, y en el saxofón José Soares. Bueno, yo los conocí…

a Eduardo Cardinho lo conocí en un festival en Alemania, en el que nos pusieron a tocar

juntos, pero yo no lo conocía, ni él a mí, a pesar de ser los dos portugueses. Y fue en un festival en Alemania que nos pusieron a tocar juntos, junto con dos músicos, dos alemanas, y fue así que yo lo conocí. El vibráfono no era un instrumento por el cual yo tenía una gran pasión. Pero ahí está, hay tal cosa como escucharle a él a tocar, a Eduardo Cardinho y decir ¡wow! Y después me imaginé cómo el vibráfono y la guitarra casarían. Es un casamiento perfecto. Y después José Soares toca el saxofón como pocos. Es de un enorme virtuosismo, a pesar de no usar el virtuosismo de una manera barata, ¿no? Pero es increíble, yo creo es impresionante los sonidos que él consigue sacar del instrumento, pero sin nunca ser show-off, ¿sabes? Eso es.

In&OutJazz: Y en cuanto a tu composición, tus composiciones, ¿cómo ha sido la evolución desde el álbum “Azul”?

Carlos Bica: Yo continuo, o intento mantener una imaginación creativa. Es una cosa que es importante en cuanto músico creativo. Practicar regularmente, crear, improvisar, experimentar. Esa curiosidad siempre de descubrir cualquier cosa nueva. Y bueno, yo, la manera en que escribo música es una manera muy intuitiva. Me pongo en un instrumento, un contrabajo o un piano, a pesar de no saber tocar piano, toco y de ahí salen ideas. Y después, digamos que la dificultad está en sentir la energía que un determinado fragmento melódico o rítmico tiene. Y sentir, “ok, esto tiene energía, aquí hay alguna cosa”. Y bueno hay músicas que salen de una vez solo, otras que son solo dos o cuatro compases, pero que yo siento que hay ahí alguna cosa que yo tengo que continuar. Y después, cuando se tiene ese proceso creativo, ese proceso creativo continúa trabajando en el subconsciente. A veces sucede que pienso, escribo cualquier cosa y después, quizás una semana después, escribo otra cosa. No estoy pensando en lo que escribí, pero acaba por ser parte de la música. Porque nació durante el mismo espacio temporal.

 In&OutJazz: ¿Y para ti qué es más importante? ¿La melodía? ¿La armonía? ¿El ritmo? ¿Cómo lo integras?

Carlos Bica: Yo diría que mi fuerte siempre es que soy bueno percibiendo, a pesar o estando abierto a todo lo que pueda haber y vivir, qué es lo mejor para dar en cada momento. Nosotros somos diferentes de los demás. Tengo el hábito de grabar improvisaciones y ensayos. Sé que tengo un fuerte lado melódico. Tengo facilidad en escribir melodías. Pero me gusta todo. Me gusta tocar en situaciones musicales, incluso de improvisación total. Me gusta tocar en el trio “Azul”. Diría que Jim Black es uno de los mejores bateristas del mundo. Es impresionante. Y ese lado rítmico que ofrece es fuera de serie. Me gusta mucho, claro.

In&OutJazz: ¿Cómo defines tu música en primera persona?

Carlos Bica: Indie jazz.

In&OutJazz: Indie jazz. Hahahaha.

Carlos Bica: Hahaha, es que un crítico una vez escribió algo así, Indie Jazz o algo parecido. No sé bien. Ahora bien, en el fondo de mi música está el resultado de todas mis experiencias musicales. Empecé a tocar con jóvenes, bandas de garaje, jam, rock. Después conocí el jazz en los años setenta, en los míticos festivales de jazz de Cascais, en los que tocó Miles Davis, Ornette Coleman, todos esos músicos que tocaron allí. En esa época, ir a un concierto de esos… La actitud era igual para ir a ver a Genesis o a Yes, o ir al jazz en Cascais. El público era el mismo y esa era bueno. Las personas iban allí porque estaban hambrientas de ver espectáculos artísticos con esa calidad. Empecé a estudiar música a los 18 años. Fue el premio que me dieron mis padres por ir a la universidad. Pero yo no sabía lo que quería estudiar. Pensé que tal vez la psicología era lo más interesante pero no lo conseguí. Entonces me inscribí a geología que es más o menos lo mismo hahahaha. Fue ahí que comencé a estudiar música. Y dije, ok, esto es lo que quiero. Y el contrabajo fue por mera casualidad. Fui a la Academia de Amadores de Música, donde yo estudié. Entré allí, es un día que recuerdo muy bien. Entré en el pasillo principal, escuché la flauta, el violín, el piano, el canto, todos los instrumentos. Fue como entrar en un templo sagrado. Y después, en la banda de garaje que tenía poco tiempo antes de tocar un bajo eléctrico fue así:

– ¿Tocas guitarra?

– Sí, toco.

– Tú coge el bajo que yo toco mejor la guitarra que tú. Tú tocas el bajo.

Y entonces tuve la curiosidad de ir a explorar la sala de contrabajo que en esa época era en el auditorio. Un auditorio pequeño, con buena acústica. Y estaba en el palco, porque había escasez de salas de clase. Y entonces, la sala de contrabajo era en el auditorio, encima del palco. Y entonces, el profesor estaba estudiando, y yo me senté allí. Y fue así:

– ¿Puedo ayudarte?

– Vengo a inscribirme en un instrumento, pero no sé cuál

-¡Ah, sí! ¡Entonces muéstrame tus manos! ¡Tienes buenas manos de contrabajista!¡Hasta mañana!

Y después, en el fondo, estudié música clásica. Mi formación es de música erudita. Y después recibí una beca de estudios, y fui a Alemania a estudiar. Yo quería aprender música, y quería aprender a tocar un instrumento, completamente abierto a todos los estilos musicales, sabiendo que me gustaría tocar música improvisada. Nunca ambicioné ir a una orquesta de música clásica. A pesar de que esa era mi formación. Y, en el fondo de mi música, como ves, tengo el rock de la juventud, la música erudita de mis estudios, y al mismo tiempo siempre el jazz, improvisación. Y mi música es el resultado de todas estas experiencias musicales.

In&OutJazz: ¿Cuál es tu experiencia en el festival, en LAVA JAZZ Festival?

Carlos Bica: Yo nunca había estado en la isla y es verdaderamente un sitio especial. Y es increíble la iniciativa de intentar hacer aquí un festival de jazz porque nunca hubo nada aquí. Creo que es el cuarto año, pero independientemente de eso, no sucede aquí regularmente, pienso yo. Pero bueno, siempre hay que empezar. Ha sido bueno.

In&OutJazz: ¿Qué aporta cada uno de la banda, del line-up? ¿Cuál es la aportación de cada uno?

Carlos Bica: Es difícil decirlo en palabras…

In&OutJazz:  Una banda increíble, liderada por ti, por un grande ¿Qué aporta cada uno?

Carlos Bica: Ellos son jóvenes, tienen todos 30 años. Pero no siento eso, no siento esa diferencia de edad que existe entre nosotros. Tocar con esta formación sin batería es un desafío. Porque, y ahora lo comentábamos, cada uno de nosotros es parte de la sección rítmica. Y José Soares en el saxofón hace eso excelente. Muchas veces el saxofonista está por encima. pero la manera como él frasea…Basta una nota en cierto sitio y ya toda la gente percibe y dice “ok, esta es el pulso” O sea, aquí todos nosotros nos ayudamos a sentir la pulsación. Porque, bueno, si tienes un baterista que marca el tiempo es fácil, ¿no? Pero lo que se pretende es que exista un tiempo, una pulsación, que se respira y que muchas veces no se escucha, ¿no es? Es decir, no se escucha, se siente. No se escucha, pero se siente.

In&OutJazz: Qué interesante. Ok, esto ha terminado.

Carlos Bica: Es un placer estar aquí contigo.

In&OutJazz: Para mí también, muchas gracias.

Carlos Bica: Gracias por la entrevista.

Written by Bega Villalobos

Octubre 12, 2023

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