In&OutJazz. ¿Por qué elegiste esta formación para tu último proyecto y trabajo discográfico More Touch?

Patricia Brennan.  La elección de esta formación está relacionada con dos aspectos importantes. En primer lugar, tiene que ver con mi experiencia como percusionista clásica en México, en la que he estado muy involucrada en proyectos de cuarteto y he trabajado estudiando a compositores como Xenakis, Reich, Stockhausen… entre otros. 

Estoy enamorada de la forma en que los percusionistas piensan la música, especialmente los de orquesta, quienes tienen una visión amplia y deben comprender cómo encajar en el panorama general. Mi intención con este proyecto era formar un cuarteto de percusión en formato de jazz. Para ello, elegí a Marcus Gilmore porque lo conocí en 2013 en un ensemble grande, donde pude apreciar su trayectoria y sus influencias en los ritmos afrocubanos y otras tradiciones percusivas. 

Otro factor importante en la realización del proyecto es mi origen mexicano y, en particular, mi conexión con el puerto de Veracruz. Esta localización tiene una cultura, comida y mezcla de personas muy peculiar, muy diferente al resto de México, con influencias españolas como el son jarocho que incorpora el zapateado del flamenco junto con la guitarra y que se ha fusionado con ritmos afromexicanos. En Veracruz, todo el mundo crece bailando salsa y tocando congas. Mi padre incluso tiene un grupo de son cubano, por lo que es parte integral de la cultura veracruzana. 

Yo crecí y viví con esa música, así que era crucial para mí que el baterista no solo fuera un baterista de jazz, sino que también tuviera estas influencias y pudiera adaptarse a todo tipo de estilos. Con respecto a Mauricio Herrera, lo conocí hace mucho tiempo aquí, en Nueva York, aunque no habíamos tocado juntos hasta este proyecto. 

Él y yo tenemos muchos amigos en común de Veracruz y compartimos la fuerte tradición afrocubana de esa región. Quería un experto en percusión que trajera ese tipo de tradición, que estuviera profundamente formado en esas tradiciones y no solo tocara un poco de esto y un poco de aquello. De hecho, hemos tenido muchas reuniones para discutir cómo podemos incorporar esas influencias en mi música. 

La otra razón es que es muy difícil encontrar a un percusionista tan versátil, alguien que pueda desenvolverse en un contexto de free jazz y sepa qué hacer en momentos de estructuras flexibles. 

En cuanto a Kim Cass lo conozco desde hace varios años, y para este proyecto, era necesario encontrar a un bajista que pensara como un percusionista, y Kim tiene un gran sentido rítmico. Kim Cass maneja estructuras rítmicas complejas y es un monstruo tocando el bajo. Puede adaptarse a cualquier tipo de escenario, es fantástico.

In&OutJazz. Utilizas pedales y electrónica en tu música, ¿cuál es tu relación con este mundo sonoro?

Patricia Brennan.  Sí, hago uso de pedales y electrónica. Antes de tocar el vibráfono, también tocaba el piano y una de las dificultades que encontré al pasar al vibráfono fue la falta de profundidad en el registro del instrumento, por ello, quería encontrar una forma de expandir el rango sin cambiar de instrumento. En ese momento, mi vibráfono no tenía motor incorporado, y el precio de agregar un sistema de amplificación era el mismo que el de comprar pedales, así que tomé la decisión de comprar un pedal Whammy y noté que mejoraba la textura del sonido. Lo utilicé en solitario y funcionó, luego lo probé en cuarteto y, a partir de ahí, fui incorporando más pedales a mi configuración. 

Mi enfoque, primero, se basa en encontrar el sonido de manera acústica, y luego amplificarlo, y desde luego intento no usar pedales si no son necesarios o si consigo el sonido deseado de manera acústica, aplicando los pedales como una extensión de mi instrumento. Primero tengo el sonido en la cabeza y luego intento buscarlo. 

He estado utilizando pedales desde 2016 y ha sido como aprender a tocar un instrumento completamente nuevo, lo veo como un set de multi-percusión. Dedico mucho tiempo a probar diferentes configuraciones para encontrar los sonidos que deseo. 

Es una exploración profunda que requiere tiempo y dedicación. Cada vez que agrego un nuevo pedal, paso mucho tiempo practicando con él antes de usarlo en presentaciones en vivo. Por ejemplo, hoy no voy a usar un pedal que he tenido por un tiempo porque aún no tengo la relación deseada con él. Además, trato de no planificar demasiado el uso de los pedales, me gusta que sean utilizados de manera completamente improvisada, sin marcas predefinidas.

In&OutJazz. ¿Cuál es tu aproximación al free jazz y la improvisación libre?

Patricia Brennan.  Muchas piezas de percusión requieren improvisación y en el mundo de la música clásica, muchas piezas comienzan con conceptos de improvisación. Mi concepto de improvisación se desarrolló de manera muy abierta, no se originó en términos de cómo tocar jazz, por ejemplo. Me inspiró mucho Keiko Abe, una marimbista muy importante en este aspecto, quien improvisa todos sus conciertos. Ella utiliza células con diferentes notas, similar al funcionamiento de una partitura de free jazz y yo siempre quise tener esa libertad y pensar en la improvisación de esa manera, interactuar de forma libre. 

Comencé con un programa llamado School for Improvisational Music en Brooklyn, dirigido por el trompetista Ralph Alessi. A través de este programa, tuve la oportunidad de escuchar a personas como Vijey Iyer, Ralph Allessi o Tim Barnes entre otros, y eso me introdujo al free. Pero para mí, el enfoque es el mismo, me parece necesario desarrollar los fundamentos, tus instintos y habilidades musicales, y mejorarlos para utilizarlos al improvisar. 

A menudo, mis estudiantes me preguntan cómo pueden desarrollar su propia voz en la música, y para mí, eso implica estar siempre conectado con lo que te mueve y ser honesto contigo mismo. Es fácil dejarse llevar por lo que está de moda o seguir a la multitud, pero lo importante es seguir tu propio camino y, en algún momento, desarrollarás tu propia voz. No se trata sólo de desarrollar habilidades técnicas, sino también de ser espontáneo, libre y creativo. Aún estoy tratando de descubrirlo por completo, es como estar en una corriente en el mar y necesitas estar presente y preguntarte constantemente si estás conectado con eso. Es muy fácil desviarse y perder el rumbo.

In&OutJazz: Es una line-up increíble, es la creme de la creme ¿Puedes presentarnos a la banda? 

Carlos Bica: Sí, es una cosa a la que le doy una importancia inmensa. Yo prefiero pensar lo primero en los músicos antes que pensar en los instrumentos que ellos tocan. Muchas veces hay músicos que yo pienso que erran por eso, por decir “Ok, necesito un guitarrista”. Pero yo no quiero un guitarrista, yo quiero un músico, que para el caso toque la guitarra. Yo suelo decir que un músico no puede vestir la piel de un instrumento que toca. O sea, en primer lugar, cuando es un músico, independientemente del instrumento que él toque, que puede ser un buen baterista o un buen guitarrista, pero como músico, la manera con la que escucha, la manera de orquestar, la manera en cómo toca, ¿no?, esto, es más. En primer lugar, es un músico, un músico puede tocar este o aquel instrumento, ¿no? Y es muy importante, yo creo, el casting. Todo empieza por un buen casting. Y bueno, yo tuve la suerte de ir conociendo a estos músicos, así, uno después de otro. Inicialmente, esta formación surgió con un dúo, con otro guitarrista. Después se juntó un saxofonista. En este instante estos dos músicos iniciales ya no tocan en la banda. Y ahora toca Gonçalo Neto en la guitarra, en el vibráfono Eduardo Cardinho, y en el saxofón José Soares. Bueno, yo los conocí…

a Eduardo Cardinho lo conocí en un festival en Alemania, en el que nos pusieron a tocar

juntos, pero yo no lo conocía, ni él a mí, a pesar de ser los dos portugueses. Y fue en un festival en Alemania que nos pusieron a tocar juntos, junto con dos músicos, dos alemanas, y fue así que yo lo conocí. El vibráfono no era un instrumento por el cual yo tenía una gran pasión. Pero ahí está, hay tal cosa como escucharle a él a tocar, a Eduardo Cardinho y decir ¡wow! Y después me imaginé cómo el vibráfono y la guitarra casarían. Es un casamiento perfecto. Y después José Soares toca el saxofón como pocos. Es de un enorme virtuosismo, a pesar de no usar el virtuosismo de una manera barata, ¿no? Pero es increíble, yo creo es impresionante los sonidos que él consigue sacar del instrumento, pero sin nunca ser show-off, ¿sabes? Eso es.

In&OutJazz: Y en cuanto a tu composición, tus composiciones, ¿cómo ha sido la evolución desde el álbum “Azul”?

Carlos Bica: Yo continuo, o intento mantener una imaginación creativa. Es una cosa que es importante en cuanto músico creativo. Practicar regularmente, crear, improvisar, experimentar. Esa curiosidad siempre de descubrir cualquier cosa nueva. Y bueno, yo, la manera en que escribo música es una manera muy intuitiva. Me pongo en un instrumento, un contrabajo o un piano, a pesar de no saber tocar piano, toco y de ahí salen ideas. Y después, digamos que la dificultad está en sentir la energía que un determinado fragmento melódico o rítmico tiene. Y sentir, “ok, esto tiene energía, aquí hay alguna cosa”. Y bueno hay músicas que salen de una vez solo, otras que son solo dos o cuatro compases, pero que yo siento que hay ahí alguna cosa que yo tengo que continuar. Y después, cuando se tiene ese proceso creativo, ese proceso creativo continúa trabajando en el subconsciente. A veces sucede que pienso, escribo cualquier cosa y después, quizás una semana después, escribo otra cosa. No estoy pensando en lo que escribí, pero acaba por ser parte de la música. Porque nació durante el mismo espacio temporal.

 In&OutJazz: ¿Y para ti qué es más importante? ¿La melodía? ¿La armonía? ¿El ritmo? ¿Cómo lo integras?

Carlos Bica: Yo diría que mi fuerte siempre es que soy bueno percibiendo, a pesar o estando abierto a todo lo que pueda haber y vivir, qué es lo mejor para dar en cada momento. Nosotros somos diferentes de los demás. Tengo el hábito de grabar improvisaciones y ensayos. Sé que tengo un fuerte lado melódico. Tengo facilidad en escribir melodías. Pero me gusta todo. Me gusta tocar en situaciones musicales, incluso de improvisación total. Me gusta tocar en el trio “Azul”. Diría que Jim Black es uno de los mejores bateristas del mundo. Es impresionante. Y ese lado rítmico que ofrece es fuera de serie. Me gusta mucho, claro.

In&OutJazz: Dear Tigran, thank you so much for accepting this interview and for sharing with us some of your time. We are very excited to ask you some questions related to your musical world.

You have always connected your Armenian roots to jazz, and so are a big inspiration for many musicians but you have always followed your true path. Your music is intense, powerful and it has a characteristic beautiful rudeness in it, full of energy and many different worlds in it, inside jazz. How do you relate nowadays with all these different musical worlds that are part of your music?

Tigran Hamasyan: Well, it is a very good question, you have to have an immense focus these days. I feel that every time in history has its own challenges and, at the present moment, we need a direction of where we are going because otherwise you get easily lost, due to the amount of information and distractions we have every second. I feel that these distractions are on a much bigger stage than for example 150 years ago. I believe it is important to filter out all the meaningless stuff of your life; music as well, I am not only talking about social media.

Up until the industrialization we had two kinds of music, with their branches of course; they were religious music and folk music, with obviously different kinds of it inside these two. They were made, played or sung for specific times, festivities or processes, like for example making bread or working times, like work songs or shepherd songs… or lullabies, something almost sacred, meaningful in a way.

Nowadays, you take a taxi or enter a Cafe… and there is music wherever you go and this music has nothing to do with the present moment of your day or with the time you live in or simply to what your head is and where your thoughts are. The thing is, you cannot avoid music because it is everywhere, and therefore the value of music has gone down so much. Also, in most of the places you go, you are almost forced to hear terrible music that you do not want to listen to. What I’m saying is just to take a picture of the difference of each time, so now you need a lot of focus to filter everything out and make the decision of what to listen to. Back in the days this could happen but much less than now.

In&OutJazz: So what do you do to stay focused and keep your attention?

Tigran Hamasyan: I carry my headphones all the time to try to not be forced to listen to what I do not want to listen to, or to just make it lower. I like any kind of music, any style, but I like specific things in that style, for example, I love metal but not any kind, I like Meshuggah, Tool…but not all bands of metal and all types of it.

In&OutJazz: Have you constantly got to be focused and clear what your identity is, or did it appear at some point?

Tigran Hamasyan: You know what you want to work on in this instant or period of time, right now I am working in this thing and I know that I have to work on this thing, so this will lead to another place and maybe you write a song, and maybe then you do a project, and this will bring you somewhere else… and so on. Maybe one day I record myself and I have different kinds of recordings. I know the process I did and why I came here, I cannot predict where I am going, the only thing I can do is to work on myself and keep up the direction of where do I want to go now, constantly learn from the past and develop, this is the road… it’s a process it’s just to be self-realizing. You have to realize what you are doing and then work and work.

In&OutJazz: Do you have time to work on tour?

Tigran Hamasyan: Yes, you make time, there is always time actually if you want to practice. Those who say: “

I don’t have time, I am too tired…” are just telling an excuse. You make time, if it’s your priority it is possible, it just has to be on top of your priority list.

In&OutJazz: Do you still listen to Tool and Meshuggah in your everyday life? Who do you find yourself listening to lately?

Tigran Hamasyan: Yeah, I go to periods, now for example I am more into jazz and classical music but then one month I am into electronica or rock or whatever. Each time I listen to something interesting I try to get it deeper and understand what is going on. Sometimes it influences my music and inspires me to explore, so I guess this is the positive side to excessive music that you can access instantly.

In&OutJazz: Do you feel that something has changed nowadays in relation to how music has been created?

Tigran Hamasyan: Suddenly it is possible to do music without years of development and this has changed everything. There is a lot of information and a lot of incredible things happening and this forces me to know exactly what I am doing and to really work on my stuff on myself, to really be bringing my level up every time I do a project or a performance, because I am competing all the time to the entire world online, in a way.

In&OutJazz: Do you feel you have to be competing to the levels of what other music and genres are doing also?

Tigran Hamasyan: Yes! That is exactly what is happening and there is incredible music out there, so you have to be always working on yourself to get better. I would do it anyways but it makes even more sense now because there is so much information.

In&OutJazz: Do you like the process of pushing yourself to get better?

Tigran Hamasyan: No, I do not at all, I love discovering and looking for things. My parents used to force me to go outside and play concerts when I was a kid because I practiced too much. To practice is not a problem for me, I like practicing and focusing on what I want to do and make music, the problem is to have to go to social media and marketing. Now, I do not do it personally, someone does it for me and talks to record companies and so, I feel fortunate about it. We live in a period in which record companies ask you first how many followers you have and then which music you do.

In&OutJazz: Let’s talk about your journey from World Passion to StandArt.  Which evolution do you think you and your music have had from your first project to your latest?

Tigran Hamasyan: I am trying to be as much aware as possible but I would say compositionally things have developed a lot. Nevertheless, I am the type of guy who always thinks that things are bad and I am degrading so it is difficult to have an objective point of view.

In&OutJazz: After all this time, how is your relationship with piano?

Tigran Hamasyan: I feel great, it is a challenge and joy, suffering and enjoying at the same time. It cannot be only joy, there must also be suffering because that is how you discover new things, you get out of your comfort zone, and you develop. I take the challenge every day, the main thing is to know what you want to develop and the direction you want to have, especially as an improviser it is important to remember what you play and constantly work on a daily basis of what your vision is.

In&OutJazz: How do you work on your vision? Where do you focus your attention?

Tigran Hamasyan: It depends on the moment. Now, I am working on letting things go out of control, working on specific harmonic vision and on dynamics. When you really improvise and let things go and things are flowing it’s easy to get into a habit, like: “I play this and that”, so you always get into the same thing, a collection of habits and you repeat yourself. When we are on tour we play arrangements of jazz standards, for example in the last soundcheck I did not like what I was playing.

Improvising now with Rick Rosato and Jonathan Piston is being a great source of inspiration to find and explore all these ways.  It’s like what you are doing and then what you are doing in this band. Ensemble and individual working.

In&OutJazz: ¿Cómo ha surgido la idea de invitar a Perico Sambeat?  

Pedro Guedes: Yo creo que la orquesta tiene que tener también…, tiene que tener un papel dentro de la península ibérica y en el fondo, pensamos que Perico es uno de los nombres mayores de jazz español. Un hombre con una experiencia tremenda fantástica. Comenzamos por grabar varios autores que son referencias del jazz y que, de alguna forma, no habían tenido en los últimos tiempos su música grabada. Comenzamos con José Eduardo, nuestro contrabajista portugués y después pensamos en una persona como Perico, con la experiencia que ya tiene con la música y que ya tenía inscrita para con la Big Band, para lanzarle el desafío de venir a grabar con nosotros. Tenemos aquí así, felizmente y es casi una bendición un sitio absolutamente extraordinario con condiciones fantásticas y que no deben ser sólo un instrumento o para los músicos de jazz portugués. También debe ser y queremos asumir que esto es un es un instrumento para el mundo, pero especialmente para la península ibérica, y que eso es muy importante y que las personas puedan disfrutar. Y entonces la idea fue invitar a Perico, porque ya teníamos trabajado, o sea… conozco a Perico desde los años 90 en el club, las primeras conversaciones…, en fin, y desde entonces hemos mantenido contacto. Recientemente trabajó con nosotros también en un proyecto que era acerca de la música de Ornette Coleman y claro, es fundamental tener también grabado aquí así la música de este nombre mayor de jazz europeo y mundial. Sería muy importante y aún por encima la gente adora el rigor que Perico impone el detalle…, en fin, estamos aquí para conseguir lo que pienso que será un buen disco y una justa fotografía de lo que Perico representa con buena música, bien tocada, bien grabada. Por eso, en fin, estamos para conseguir eso. 

Perico Sambeat: De echo hicimos una colaboración hace… ¿10 años? ¿En la Casa de la Música? 

Pedro Guedes: Tocaron tu repertorio y después otro repertorio que tú…es verdad.  

In&OutJazz: Orquesta de Matosinhos y Perico Sambeat, ¿hace 3 años? 

Perico Sambeat: ¿Diez? 

Pedro Guedes: Más. Oye, fue antes de irnos a tocar…, poco tiempo antes de irnos a tocar con Lee Konitz en el Carnegie Hall. 

Perico Sambeat: ¿Cuántos años hace de eso? ¿En qué año fue eso?  

Pedro Guedes: 2007, 2008.  

Perico Sambeat: Hace 15 años. 

In&OutJazz: ¿No está grabado? 

Perico Sambeat: No.  

Pedro Guedes: Ese repertorio era sobre todo de compositores españoles o arreglos de temas tuyos. Era un repertorio de compositores españoles que tú viniste aquí a hacer. Esta es la primera vez que tuvimos para tocar la música toda escrita por… 

Perico Sambeat: Pero no sé si toda la música era mía o también había de Luis Vidal y demás gente. No lo recuerdo bien. Un tío de Madrid, Miguel Blanco. ¡Claro, claro! Luis Vidal sí, había varios. Amargós, aunque al final Amargós no pudo.  

In&OutJazz: Muy bien. Cambiando de tema. Lleváis cuatro días ensayando y grabando temas propios y originales, ¿cuál es la experiencia en los estudios de grabación de la orquesta (CARA -Centro de Alto Rendimiento-)?  

Perico Sambeat: Ensayando tres. La música es compuesta por mí sí y arreglada, sí. Hemos ensayado tres días y grabamos dos. El último del tercero grabamos uno de los temas. Y bueno el estudio es espectacular como dice Pedro. Para mí es una honra y una alegría estar tocando con esta gente y haber tenido este proyecto en el que llevo trabajando un año y medio o algo así. Es la primera vez que hago un disco de Big Band, bueno en tan poco tiempo. La verdad es que es mucho tiempo, pero el primero me costó cinco años así que éste este ha sido rápido dentro de lo que…, yo soy muy lento, muy lento.  Pero es satisfactorio a todos los niveles. Él, cuando me…, él me ofreció que grabase aquí cualquier cosa y yo pensé “a ver grabó este proyecto, el otro…”, y claro luego pensé “a ver yo me tengo que aprovechar al máximo de mis amigos y aprovechar al máximo es utilizar la Big Band”. No tenía nada escrito, pero como era hace un año y pico dije “me pongo a ello”.  Ha sido un trabajo muy arduo la verdad. He estado mil horas, pero es fantástico. Es lo mejor que podía haber hecho. Tomé la mejor decisión posible y estoy felicísimo. Y el estudio que comentabas pues, en la península ibérica es de los mejores o el mejor.  Una sala tan grande y que suene bien, con estos medios y con los micros que tiene…, es espectacular, me siento muy afortunado.  

In&OutJazz: Retomando el tema de la escritura, ¿Cuál ha sido la complejidad? ¿Qué complejidad ha habido en la escritura de…? 

Perico Sambeat: Bueno no ha habido una complejidad especial comparada con mis otros discos o con mi manera de escribir. Mi manera de escribir ya es compleja en sí porque intento escribir la música que a mí me gusta escuchar y me gusta escuchar música más bien densa, bella, lírica. No sé cómo decirte. Soy bastante exigente porque por ejemplo si armonizo una melodía y después hay solos y luego vuelve la melodía, que es algo que a veces no hago para no repetir, nunca utilizo la misma armonización al final. Es una cosa muy fácil y muy rápida. Pero yo cuando escucho Big Bands que hacen esto, es como decir “eso, ya lo he escuchado”. Es el doble de trabajo, coger y volver a arreglar todo de nuevo. Intento que haya interludios en todos los temas, que nos lleven a otro lugar, para que sean así como viajes. Claro, toda esa es la música que me gusta escuchar, pero requiere mucho más trabajo.  

In&OutJazz: ¿Cambia la perspectiva en base a ser solista respecto a dirigir y a componer para una Big Band? ¿Hay una mayor amplitud de expresividad o de registros?  

Perico Sambeat: Bueno, estoy un poco acostumbrado, pero es mucho trabajo. Dirigir y solear es un poco complicado a veces porque estoy tan enfocado en que todo suene bien, que el equilibrio de las voces vaya perfecto, en que la afinación…, y de repente tengo que hacer un solo, es como… “aterriza”. Hago el solo, y después digo, “¿dónde estoy? Ah, sí, que ahora viene tal sección”. No es fácil, para mí no me resulta fácil. Estoy acostumbrado, la verdad, y lo hago felicísimo. No sé. Lo hago lo mejor que puedo. 

In&OutJazz: Desde las primeras composiciones de Big Band, del disco de “Voces y Flamenco Big Band”, de 2018 y 2015, ¿qué evolución compositiva ha habido hasta llegar a…? 

Perico Sambeat: Bueno, es una pregunta que no sé si debería contestar yo, o técnicos, o musicólogos. Yo escribo lo que me gusta y lo que me apetece. Pero claro, escuchándome atrás, la verdad es que veo que…, me repito mucho, quiero decir que hay motivos, hay armonías, hay giros melódicos que son recurrentes y recurrentes en mi manera de escribir. 

Pedro Guedes: ¿En tu carácter? 

Perico Sambeat: Sí, está en mi carácter, pero claro, como improvisador también. Me escucho y el sonido, dices “claro, este soy yo porque toco así, hablo de esa manera”, cada uno es como es. Y eso está bien también porque te identifica, para bien o para mal.

In&OutJazz: Da identidad, ¿sí? 

Perico Sambeat: Sí, la verdad es que sí. Intento…, a la hora de escribir, intento que la…, o sea, dentro de la complejidad y la intelectualidad que tiene esta música, siempre intento que mis composiciones tengan un punto de lirismo y de belleza natural, que no sea tan intelectual. Ya te digo que la parte intelectual está ahí, pero a veces es una lucha, a veces empiezo a escribir y digo “uf, déjate, déjate, vamos a hacer algo más sencillo”. Y canto y lo que canto lo escribo. Esto es algo que también he aprendido a lo largo de los años, me fío más de la intuición que de la parte más intelectual. 

In&OutJazz: qué importante es la Intuición.

Perico Sambeat: De todas las maneras, en este proyecto, como he estado tanto tiempo escribiendo, he tomado algunos caminos que no había tomado hasta ahora. Sobre todo, en uno de los temas que he escrito de forma más clásica y menos vertical. Más horizontal, que es casi la primera vez que lo he hecho en mi vida y, de hecho, suena bastante clásico.