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UN POEMA PARA UNA MÚSICA. Letra para un jazz. Àngels Gregori

UN POEMA PARA UNA MÚSICA. Letra para un jazz. Àngels Gregori

UN POEMA PARA UNA MÚSICA
Letra para un jazz

Àngels Gregori

01

Febrero, 2024

© Àngels Gregori, Jazz, Proa, 2023.

Traducción de Enrique Turpin.

La presentación editorial habla de que Jazz es una búsqueda y un homenaje en forma de jam session.

Jazz son las calles de Nueva York y también las de Oliva, la ciudad de los rascacielos donde buscaron una vida mejor algunos familiares y la ciudad valenciana donde nació Àngels Gregori. Como una jam session libre, improvisada, la poeta va encadenando poemas que hablan de su presente personal con otros que reviven episodios del pasado. Jazz es una búsqueda y un homenaje agradecido. La poeta confiesa en forma de versos que su libro de poemas cuenta también de ella: “Y soy también yo, Nueva York, un siglo más tarde, / yendo hasta Ellis Island para remover entre los archivos / y comprar, como un souvenir, el papel que ahora cuelga / en la pared de la cocina de casa y que certifica / la entrada del padre de mi abuelo / a las puertas de la ciudad el 19 de mayo de 1910, / en el momento exacto en que el cometa Halley / atravesaba el cielo de Nueva York.”

Nacida en Oliva (la Safor) el 14 de enero de 1985, Àngels Gregori Parra se dio a conocer en el mundo de la literatura con Bambolines, libro que mereció el Premio Amadeu Oller para jóvenes poetas inéditos en 2003. Ha presidido el PEN Català de 2018 a 2022. Es presidenta de la Fundación Francisco Brines y miembro de la Acadèmia Valenciana de la Llengua. 

Agradecemos la inclusión del poema “Jazz” a Àngels Gregori y a la editorial Proa (Grup 62), de la mano de Josep Lluch Puig.

Letra para un jazz

Oh Dios, dame jazz.

Jazz, jazz, jazz.

¿Cómo creer en ti, si no,

sin pedirte nada a cambio y esperar,

siempre esperar de ti más jazz?

Mientras pronostiquen el tiempo los meteorólogos,

los médicos formulen diagnósticos,

y es imposible decir la verdad y trabajar.

Cuánta soledad, la de las oficinas vacías

en un día de huelga general.

¿Son lo mismo, la utilidad y la función?

En la sala de espera del dentista

Me han pasado las cosas realmente importantes.

¿Exactamente cuántas voces se necesitan

Para rebelarse de una injusticia?

Al final todo es una cuestión de estadística,

Y el dolor más grande ocurre en silencio en cada casa.

En una guerra y en lo que va viniendo después.

Encontrarte por la calle también es una cuestión de estadística.

Los distraídos y los pobres no creen.

Los estadistas tampoco.

Pero Joe DiMaggio fue una suerte de la numerología.

Cada cien años alguien toca el cielo en un templo de hierba.

Diez títulos de campeón en las grandes ligas de béisbol.

Oh Dios, diez. Jazz, jazz, jazz.

Casa es el lugar donde no te has de cuestionar

De arriba abajo cada mañana al despertarte.

No hace falta una misma lengua para no comprenderse.

Aquí tampoco nadie se entiende

Y crecimos juntos llamando árbol al árbol,

Dolor al dolor, cuchara a la cuchara.

A veces la mejor opción es un largo silencio.

Cien años de murmullos y derivas

Mientras van alzándose las galletas en el horno,

y la harina que admita, la harina que admita.

Las proporciones a ojo son una ciencia exacta.

Perdóname, pero he de colgar.

Acaba de pararse un pájaro en la ventana:

Seguramente lo más cerca que estaré jamás del amor.

Mañana habrá quien te espere en algún lugar.

Los pulpos siempre han hecho buen congelado.

La vida terrenal tiene olor de moqueta,

Oh Dios, dame jazz.

© Àngels GregoriFotografia de Jesús Ciscar.

Lletra per a un jazz

Oh Déu, dóna’m jazz.

Jazz, jazz, jazz.

Com creure en tu, si no,

sense demanar-te res a canvi i esperar,

sempre esperar de tu més jazz?

Mentre pronostiquin el temps els meteoròlegs,

els metges formulin diagnòstics,

i és impossible dir la veritat i treballar.

Quanta solitud, la de les oficines buides

en un dia de vaga general.

Són el mateix, la utilitat i la funció?

A la sala d’espera del dentista

m’han passat les coses realment importants.

Exactament quantes veus es necessiten

Per rebel·lar-se a una injustícia?

Al final tot és una qüestió d’estadística,

i el dolor més gros ocorre en silenci a cada casa.

En una guerra i en el que va venint després.

Trobar-te pel carrer també és una qüestió d’estadística.

Els distrets i els pobres no hi creuen.

Els estadistes tampoc.

Però Joe DiMaggio va ser una sort de la numerologia.

Cada cent anys algú toca el cel a un temple de gespa.

Deu títols de campió a les grans lligues de beisbol.

Oh Déu, deu. Jazz, jazz, jazz.

Casa és el lloc on no t’has de qüestionar

de dalt a baix cada matí en despertar-te.

No cal una mateixa llengua per no comprendre’s.

Ací tampoc ningú s’entén

i vam créixer junts trucant arbre a l’arbre,

dolor al dolor, cullera a la cullera.

De vegades, la millor opció és un llarg silenci.

Cent anys de murmuris i derives

mentre van alçant-se els bescuits al forn,

i la farina que admeta, la farina que admeta.

Les proporcions a ull són una ciència exacta.

Perdona’m, però he de penjar.

Acaba d’aturar-se un ocell a la finestra:

segurament és el més a prop que estaré mai de l’amor.

Demà hi haurà qui t’espere en algun lloc.

Els pops sempre han fet un bon congelat.

La vida terrenal té olor de moqueta,

Oh Déu, dóna’m jazz.

© Àngels Gregori, Jazz, Proa, 2023. Traducción de Enrique Turpin.

Interview by: Enrique Turpin.

Febrero 01, 2024

Patricia Brennan Interview Visión Festival (NYC, 2023)

Patricia Brennan Interview Visión Festival (NYC, 2023)

Patricia Brennan Interview
Visión Festival (NYC, 2023)

02

NOVIEMBRE, 2023

El pasado viernes 16 de junio de 2023 tuve el privilegio de entrevistar a una destacada figura del jazz, la percusionista, marimbista y vibrafonista Patricia Brennan. Nos reunimos en el backstage de Roulette, un prestigioso teatro ubicado en Brooklyn, New York en dónde acontecía el Vision Festival, festival de música de vanguardia organizado por Arts for Art.

Pocos momentos antes de su esperado concierto en el festival junto al baterísta Marcus Gilmore, el contrabajista Kim Cass y el percusionista Mauricio Herrera, Patricia Brennan compartió conmigo detalles sobre su último trabajo discográfico «More Touch», lanzado bajo el sello Pyroclastic Records, y mucho más: desde su visión y aproximación musical hasta su historia personal. Esta entrevista nos brinda una mirada íntima a su música y a los artistas que la acompañaron en este destacado proyecto.

In&OutJazz. ¿Por qué elegiste esta formación para tu último proyecto y trabajo discográfico More Touch?

 

Patricia Brennan.  La elección de esta formación está relacionada con dos aspectos importantes. En primer lugar, tiene que ver con mi experiencia como percusionista clásica en México, en la que he estado muy involucrada en proyectos de cuarteto y he trabajado estudiando a compositores como Xenakis, Reich, Stockhausen… entre otros. 

 

Estoy enamorada de la forma en que los percusionistas piensan la música, especialmente los de orquesta, quienes tienen una visión amplia y deben comprender cómo encajar en el panorama general. Mi intención con este proyecto era formar un cuarteto de percusión en formato de jazz. Para ello, elegí a Marcus Gilmore porque lo conocí en 2013 en un ensemble grande, donde pude apreciar su trayectoria y sus influencias en los ritmos afrocubanos y otras tradiciones percusivas. 

 

Otro factor importante en la realización del proyecto es mi origen mexicano y, en particular, mi conexión con el puerto de Veracruz. Esta localización tiene una cultura, comida y mezcla de personas muy peculiar, muy diferente al resto de México, con influencias españolas como el son jarocho que incorpora el zapateado del flamenco junto con la guitarra y que se ha fusionado con ritmos afromexicanos. En Veracruz, todo el mundo crece bailando salsa y tocando congas. Mi padre incluso tiene un grupo de son cubano, por lo que es parte integral de la cultura veracruzana. 

 

Yo crecí y viví con esa música, así que era crucial para mí que el baterista no solo fuera un baterista de jazz, sino que también tuviera estas influencias y pudiera adaptarse a todo tipo de estilos. Con respecto a Mauricio Herrera, lo conocí hace mucho tiempo aquí, en Nueva York, aunque no habíamos tocado juntos hasta este proyecto. 

 

Él y yo tenemos muchos amigos en común de Veracruz y compartimos la fuerte tradición afrocubana de esa región. Quería un experto en percusión que trajera ese tipo de tradición, que estuviera profundamente formado en esas tradiciones y no solo tocara un poco de esto y un poco de aquello. De hecho, hemos tenido muchas reuniones para discutir cómo podemos incorporar esas influencias en mi música. 

La otra razón es que es muy difícil encontrar a un percusionista tan versátil, alguien que pueda desenvolverse en un contexto de free jazz y sepa qué hacer en momentos de estructuras flexibles. 

 

En cuanto a Kim Cass lo conozco desde hace varios años, y para este proyecto, era necesario encontrar a un bajista que pensara como un percusionista, y Kim tiene un gran sentido rítmico. Kim Cass maneja estructuras rítmicas complejas y es un monstruo tocando el bajo. Puede adaptarse a cualquier tipo de escenario, es fantástico.

 

In&OutJazz. Utilizas pedales y electrónica en tu música, ¿cuál es tu relación con este mundo sonoro?

 

Patricia Brennan.  Sí, hago uso de pedales y electrónica. Antes de tocar el vibráfono, también tocaba el piano y una de las dificultades que encontré al pasar al vibráfono fue la falta de profundidad en el registro del instrumento, por ello, quería encontrar una forma de expandir el rango sin cambiar de instrumento. En ese momento, mi vibráfono no tenía motor incorporado, y el precio de agregar un sistema de amplificación era el mismo que el de comprar pedales, así que tomé la decisión de comprar un pedal Whammy y noté que mejoraba la textura del sonido. Lo utilicé en solitario y funcionó, luego lo probé en cuarteto y, a partir de ahí, fui incorporando más pedales a mi configuración. 

 

Mi enfoque, primero, se basa en encontrar el sonido de manera acústica, y luego amplificarlo, y desde luego intento no usar pedales si no son necesarios o si consigo el sonido deseado de manera acústica, aplicando los pedales como una extensión de mi instrumento. Primero tengo el sonido en la cabeza y luego intento buscarlo. 

 

He estado utilizando pedales desde 2016 y ha sido como aprender a tocar un instrumento completamente nuevo, lo veo como un set de multi-percusión. Dedico mucho tiempo a probar diferentes configuraciones para encontrar los sonidos que deseo. 

 

Es una exploración profunda que requiere tiempo y dedicación. Cada vez que agrego un nuevo pedal, paso mucho tiempo practicando con él antes de usarlo en presentaciones en vivo. Por ejemplo, hoy no voy a usar un pedal que he tenido por un tiempo porque aún no tengo la relación deseada con él. Además, trato de no planificar demasiado el uso de los pedales, me gusta que sean utilizados de manera completamente improvisada, sin marcas predefinidas.

 

In&OutJazz. ¿Cuál es tu aproximación al free jazz y la improvisación libre?

 

Patricia Brennan.  Muchas piezas de percusión requieren improvisación y en el mundo de la música clásica, muchas piezas comienzan con conceptos de improvisación. Mi concepto de improvisación se desarrolló de manera muy abierta, no se originó en términos de cómo tocar jazz, por ejemplo. Me inspiró mucho Keiko Abe, una marimbista muy importante en este aspecto, quien improvisa todos sus conciertos. Ella utiliza células con diferentes notas, similar al funcionamiento de una partitura de free jazz y yo siempre quise tener esa libertad y pensar en la improvisación de esa manera, interactuar de forma libre. 

 

Comencé con un programa llamado School for Improvisational Music en Brooklyn, dirigido por el trompetista Ralph Alessi. A través de este programa, tuve la oportunidad de escuchar a personas como Vijey Iyer, Ralph Allessi o Tim Barnes entre otros, y eso me introdujo al free. Pero para mí, el enfoque es el mismo, me parece necesario desarrollar los fundamentos, tus instintos y habilidades musicales, y mejorarlos para utilizarlos al improvisar. 

 

A menudo, mis estudiantes me preguntan cómo pueden desarrollar su propia voz en la música, y para mí, eso implica estar siempre conectado con lo que te mueve y ser honesto contigo mismo. Es fácil dejarse llevar por lo que está de moda o seguir a la multitud, pero lo importante es seguir tu propio camino y, en algún momento, desarrollarás tu propia voz. No se trata sólo de desarrollar habilidades técnicas, sino también de ser espontáneo, libre y creativo. Aún estoy tratando de descubrirlo por completo, es como estar en una corriente en el mar y necesitas estar presente y preguntarte constantemente si estás conectado con eso. Es muy fácil desviarse y perder el rumbo.

In&OutJazz. ¿De qué manera abordas el estudio personal?

 

Patricia Brennan.  En mi estudio personal, mantengo la idea de improvisar, pero también me centro en aspectos prácticos y concretos del estudio. Por supuesto, debo realizar ejercicios técnicos, pero lo más importante es tener compromiso con todo lo que hago y abordar mi práctica siempre desde un punto de improvisación. Por ejemplo, si estoy practicando un patrón de golpeo con baquetas, puedo aplicar el patrón 1-2-3-4, pero desde una perspectiva de free improvisation, explorando posibilidades creativas y siempre manteniendo una conexión con la música. Para mí, es crucial que esa parte que le da vida a la música esté siempre presente. Esta mentalidad proviene de mi formación clásica, con la que aprendí a sumergirme en la mente del compositor e intentar comprender la música con una actitud presente y conectada.

 

In&OutJazz. ¿Cuál es tu relación con Arts for Art y cuál crees que es la importancia del Vision Festival?

 

Patricia Brennan.  Arts for Art es una organización con la que me siento muy conectada, y creo que el Vision Festival es de suma importancia. Es un lugar donde músicos que viven la música de una manera similar a la mía se reúnen. Todos ellos tienen una presencia significativa en la escena actual, y piensan de forma creativa. Siento que los músicos que participan en este festival realmente ven la música de esa manera, y eso no es algo que se encuentre todo el tiempo ni en todos los festivales de jazz. El Vision Festival genera un sentido de comunidad y expone tanto al público como a las generaciones más jóvenes a esta música que puede impactar a diversas generaciones e inspirarlas. Es una plataforma vital para la difusión y apreciación de la música jazz en todas sus formas, y creo que su existencia es fundamental para el desarrollo y la preservación de este arte.

 

In&OutJazz.  ¿Cómo has experimentado tu propio crecimiento y desarrollo como mujer líder en el ámbito del jazz y la industria jazzística?

 

Patricia Brennan.  Ha habido muchas mujeres jazzistas y líderes que han contribuido al desarrollo de la igualdad en el jazz. En cuanto a mi propio desarrollo y ser mujer en este ámbito, puedo decir que cuando comencé en la música las cosas eran muy diferentes a como son ahora. Si bien tuve la suerte de contar con el apoyo de muchos de mis maestros aquí en Estados Unidos, una razón importante por la que me fui de México fue el machismo arraigado en la cultura. En México, no podría hacer lo que hago aquí y ser tomada en serio. He luchado mucho para llevar mi grupo a mi país, y uno de los factores es esa cultura patriarcal que, aunque no es intencionado, el machismo está profundamente arraigado.

 

Siendo percusionista, me encuentro en un sector con pocas mujeres, y siempre se ha dado por sentado que no tengo un pase fácil. Tuve que trabajar muy duro para que me trataran como a una igual. Inconscientemente, asumí que eso era así y punto. Cuando vine a Estados Unidos, pensé que tenía que trabajar mucho para ser aceptada a pesar de ser mujer, y realmente no le di muchas vueltas, era algo inconsciente en mí y lo consideraba normal, aunque no debería serlo. 

 

Es bastante triste si lo piensas. Sin embargo, me alegra ver que el número de mujeres en el jazz ha aumentado significativamente. Aunque no tan rápidamente como debería, los cambios importantes en la sociedad están sucediendo y la percepción está cambiando. Se están cuestionando las desigualdades. Espero que en las futuras generaciones las mujeres no sientan que tienen que trabajar diez veces más para obtener el mismo reconocimiento que los hombres.

 

Ahora ya no todas las mujeres se dedican exclusivamente al canto, se están rompiendo los tabúes en cuanto a las profesiones que eligen. Esto es muy positivo. Existe una mayor conciencia y poco a poco las cosas irán cambiando hasta que haya igualdad. Los referentes femeninos son importantes, ya que demuestran que esto es posible. Tuve la suerte de que mi maestro me apoyó y confió en que yo podía hacerlo, pero en muchas ocasiones me dijeron que la percusión no era para mí por ser mujer o que debía tocar el violín o el piano, por ejemplo. Afortunadamente, ya no estamos en esa situación.

 

In&OutJazz. ¿Tienes planes de realizar otro álbum o proyecto en el futuro? ¿Contemplas trabajar con Pyroclastic Records en futuros proyectos? ¿Cuál es tu relación con este sello discográfico?

 

Patricia Brennan.  Tengo dos proyectos en mente. El primero implica al cuarteto con el que estoy tocando actualmente, pero lo ampliaremos a un septeto con tres instrumentos de viento: Jon Irabagon (alto y sopranino), Mark Shim (saxo tenor) y Adam O´Farril (trompeta). Los seleccioné debido a la relación que tengo con ellos. 

 

Me identifico mucho con Adam, tenemos una excelente química y comparte las mismas cualidades que Kim; saben tocar los cambios y lo que sea, pero lo hacen de una manera muy creativa. Jon es un monstruo y puede tocar cualquier cosa, desde el alto hasta el sopranino, y puede tocar tanto de forma convencional como explorando territorios más vanguardistas. Mark, por su parte, tiene el sonido de saxofonista tenor exacto que busco y posee una profundidad espiritual impresionante. Vamos a grabar en septiembre y la idea es que el álbum salga en 2024 a través de Pyroclastic Records. 

El otro proyecto es un dúo electroacústico con mi esposo, Noel Brennan, que grabaremos el próximo año y se lanzará también en 2024. Mi esposo es percusionista y el dúo incluirá turntables y electrónica. Actualmente no tenemos aún un sello discográfico específico para este proyecto, pero hemos lanzado un sencillo y este sería nuestro primer álbum completo. Tal vez lo hagamos con Valley of Search, el sello con el que grabé mi álbum en solitario.

 

Written by Manuel Borraz

Noviembre 02, 2023

Carlos Bica Interview Lava Jazz Festival (Azores)

Carlos Bica Interview Lava Jazz Festival (Azores)

Carlos Bica Interview
Lava Jazz Festival (Azores)

12

OCTUBRE, 2023

En 21 de septiembre en la isla de Pico (Islas Azores) tuve el placer de entrevistar al contrabajista portugués residente en Berlín Carlos Bica, en el Festival Internacional de jazz LAVA, después del concierto a cuarteto en el Auditorio Madalena (Isla de Pico); concierto que abre la IV edición del LAVA JAZZ FESTIVAL.

In&OutJazz: Es una line-up increíble, es la creme de la creme ¿Puedes presentarnos a la banda? 

Carlos Bica: Sí, es una cosa a la que le doy una importancia inmensa. Yo prefiero pensar lo primero en los músicos antes que pensar en los instrumentos que ellos tocan. Muchas veces hay músicos que yo pienso que erran por eso, por decir “Ok, necesito un guitarrista”. Pero yo no quiero un guitarrista, yo quiero un músico, que para el caso toque la guitarra. Yo suelo decir que un músico no puede vestir la piel de un instrumento que toca. O sea, en primer lugar, cuando es un músico, independientemente del instrumento que él toque, que puede ser un buen baterista o un buen guitarrista, pero como músico, la manera con la que escucha, la manera de orquestar, la manera en cómo toca, ¿no?, esto, es más. En primer lugar, es un músico, un músico puede tocar este o aquel instrumento, ¿no? Y es muy importante, yo creo, el casting. Todo empieza por un buen casting. Y bueno, yo tuve la suerte de ir conociendo a estos músicos, así, uno después de otro. Inicialmente, esta formación surgió con un dúo, con otro guitarrista. Después se juntó un saxofonista. En este instante estos dos músicos iniciales ya no tocan en la banda. Y ahora toca Gonçalo Neto en la guitarra, en el vibráfono Eduardo Cardinho, y en el saxofón José Soares. Bueno, yo los conocí…

a Eduardo Cardinho lo conocí en un festival en Alemania, en el que nos pusieron a tocar

juntos, pero yo no lo conocía, ni él a mí, a pesar de ser los dos portugueses. Y fue en un festival en Alemania que nos pusieron a tocar juntos, junto con dos músicos, dos alemanas, y fue así que yo lo conocí. El vibráfono no era un instrumento por el cual yo tenía una gran pasión. Pero ahí está, hay tal cosa como escucharle a él a tocar, a Eduardo Cardinho y decir ¡wow! Y después me imaginé cómo el vibráfono y la guitarra casarían. Es un casamiento perfecto. Y después José Soares toca el saxofón como pocos. Es de un enorme virtuosismo, a pesar de no usar el virtuosismo de una manera barata, ¿no? Pero es increíble, yo creo es impresionante los sonidos que él consigue sacar del instrumento, pero sin nunca ser show-off, ¿sabes? Eso es.

In&OutJazz: Y en cuanto a tu composición, tus composiciones, ¿cómo ha sido la evolución desde el álbum “Azul”?

Carlos Bica: Yo continuo, o intento mantener una imaginación creativa. Es una cosa que es importante en cuanto músico creativo. Practicar regularmente, crear, improvisar, experimentar. Esa curiosidad siempre de descubrir cualquier cosa nueva. Y bueno, yo, la manera en que escribo música es una manera muy intuitiva. Me pongo en un instrumento, un contrabajo o un piano, a pesar de no saber tocar piano, toco y de ahí salen ideas. Y después, digamos que la dificultad está en sentir la energía que un determinado fragmento melódico o rítmico tiene. Y sentir, “ok, esto tiene energía, aquí hay alguna cosa”. Y bueno hay músicas que salen de una vez solo, otras que son solo dos o cuatro compases, pero que yo siento que hay ahí alguna cosa que yo tengo que continuar. Y después, cuando se tiene ese proceso creativo, ese proceso creativo continúa trabajando en el subconsciente. A veces sucede que pienso, escribo cualquier cosa y después, quizás una semana después, escribo otra cosa. No estoy pensando en lo que escribí, pero acaba por ser parte de la música. Porque nació durante el mismo espacio temporal.

 In&OutJazz: ¿Y para ti qué es más importante? ¿La melodía? ¿La armonía? ¿El ritmo? ¿Cómo lo integras?

Carlos Bica: Yo diría que mi fuerte siempre es que soy bueno percibiendo, a pesar o estando abierto a todo lo que pueda haber y vivir, qué es lo mejor para dar en cada momento. Nosotros somos diferentes de los demás. Tengo el hábito de grabar improvisaciones y ensayos. Sé que tengo un fuerte lado melódico. Tengo facilidad en escribir melodías. Pero me gusta todo. Me gusta tocar en situaciones musicales, incluso de improvisación total. Me gusta tocar en el trio “Azul”. Diría que Jim Black es uno de los mejores bateristas del mundo. Es impresionante. Y ese lado rítmico que ofrece es fuera de serie. Me gusta mucho, claro.

In&OutJazz: ¿Cómo defines tu música en primera persona?

Carlos Bica: Indie jazz.

In&OutJazz: Indie jazz. Hahahaha.

Carlos Bica: Hahaha, es que un crítico una vez escribió algo así, Indie Jazz o algo parecido. No sé bien. Ahora bien, en el fondo de mi música está el resultado de todas mis experiencias musicales. Empecé a tocar con jóvenes, bandas de garaje, jam, rock. Después conocí el jazz en los años setenta, en los míticos festivales de jazz de Cascais, en los que tocó Miles Davis, Ornette Coleman, todos esos músicos que tocaron allí. En esa época, ir a un concierto de esos… La actitud era igual para ir a ver a Genesis o a Yes, o ir al jazz en Cascais. El público era el mismo y esa era bueno. Las personas iban allí porque estaban hambrientas de ver espectáculos artísticos con esa calidad. Empecé a estudiar música a los 18 años. Fue el premio que me dieron mis padres por ir a la universidad. Pero yo no sabía lo que quería estudiar. Pensé que tal vez la psicología era lo más interesante pero no lo conseguí. Entonces me inscribí a geología que es más o menos lo mismo hahahaha. Fue ahí que comencé a estudiar música. Y dije, ok, esto es lo que quiero. Y el contrabajo fue por mera casualidad. Fui a la Academia de Amadores de Música, donde yo estudié. Entré allí, es un día que recuerdo muy bien. Entré en el pasillo principal, escuché la flauta, el violín, el piano, el canto, todos los instrumentos. Fue como entrar en un templo sagrado. Y después, en la banda de garaje que tenía poco tiempo antes de tocar un bajo eléctrico fue así:

– ¿Tocas guitarra?

– Sí, toco.

– Tú coge el bajo que yo toco mejor la guitarra que tú. Tú tocas el bajo.

Y entonces tuve la curiosidad de ir a explorar la sala de contrabajo que en esa época era en el auditorio. Un auditorio pequeño, con buena acústica. Y estaba en el palco, porque había escasez de salas de clase. Y entonces, la sala de contrabajo era en el auditorio, encima del palco. Y entonces, el profesor estaba estudiando, y yo me senté allí. Y fue así:

– ¿Puedo ayudarte?

– Vengo a inscribirme en un instrumento, pero no sé cuál

-¡Ah, sí! ¡Entonces muéstrame tus manos! ¡Tienes buenas manos de contrabajista!¡Hasta mañana!

Y después, en el fondo, estudié música clásica. Mi formación es de música erudita. Y después recibí una beca de estudios, y fui a Alemania a estudiar. Yo quería aprender música, y quería aprender a tocar un instrumento, completamente abierto a todos los estilos musicales, sabiendo que me gustaría tocar música improvisada. Nunca ambicioné ir a una orquesta de música clásica. A pesar de que esa era mi formación. Y, en el fondo de mi música, como ves, tengo el rock de la juventud, la música erudita de mis estudios, y al mismo tiempo siempre el jazz, improvisación. Y mi música es el resultado de todas estas experiencias musicales.

In&OutJazz: ¿Cuál es tu experiencia en el festival, en LAVA JAZZ Festival?

Carlos Bica: Yo nunca había estado en la isla y es verdaderamente un sitio especial. Y es increíble la iniciativa de intentar hacer aquí un festival de jazz porque nunca hubo nada aquí. Creo que es el cuarto año, pero independientemente de eso, no sucede aquí regularmente, pienso yo. Pero bueno, siempre hay que empezar. Ha sido bueno.

In&OutJazz: ¿Qué aporta cada uno de la banda, del line-up? ¿Cuál es la aportación de cada uno?

Carlos Bica: Es difícil decirlo en palabras

In&OutJazz:  Una banda increíble, liderada por ti, por un grande ¿Qué aporta cada uno?

Carlos Bica: Ellos son jóvenes, tienen todos 30 años. Pero no siento eso, no siento esa diferencia de edad que existe entre nosotros. Tocar con esta formación sin batería es un desafío. Porque, y ahora lo comentábamos, cada uno de nosotros es parte de la sección rítmica. Y José Soares en el saxofón hace eso excelente. Muchas veces el saxofonista está por encima. pero la manera como él frasea…Basta una nota en cierto sitio y ya toda la gente percibe y dice “ok, esta es el pulso” O sea, aquí todos nosotros nos ayudamos a sentir la pulsación. Porque, bueno, si tienes un baterista que marca el tiempo es fácil, ¿no? Pero lo que se pretende es que exista un tiempo, una pulsación, que se respira y que muchas veces no se escucha, ¿no es? Es decir, no se escucha, se siente. No se escucha, pero se siente.

In&OutJazz: Qué interesante. Ok, esto ha terminado.

Carlos Bica: Es un placer estar aquí contigo.

In&OutJazz: Para mí también, muchas gracias.

Carlos Bica: Gracias por la entrevista.

Written by Bega Villalobos

Octubre 12, 2023

Tigran Hamasyan  Interview Jazz en el Auditorio (CNDM)

Tigran Hamasyan Interview Jazz en el Auditorio (CNDM)

Tigran Hamasyan Interview

Jazz en el Auditorio (CNDM)

28

SEPTIEMBRE, 2023

On March sixteenth I was honored to interview one of the greatest piano players of our time. After playing in Paris and as part of his tour promoting his latest album StandArt, Tigran Hamasyan came to Madrid on 18th of March with bassist Rick Rosato and drummer Jonathan Piston to offer a concert at Auditorio Nacional de Músicain the framework of the Jazz cycle of the Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), playing his own vision of jazz standards through outstanding and personal arrangements in a virtuosistic, intense and exuberant approach. 

The Armenian pianist carries deep sensibility and a personal understanding of jazz, Armenian folk and rock music among others. Hamasyan is, indeed, one of the main piano references of the international jazz scene nowadays.

In&OutJazz: Dear Tigran, thank you so much for accepting this interview and for sharing with us some of your time. We are very excited to ask you some questions related to your musical world.

You have always connected your Armenian roots to jazz, and so are a big inspiration for many musicians but you have always followed your true path. Your music is intense, powerful and it has a characteristic beautiful rudeness in it, full of energy and many different worlds in it, inside jazz. How do you relate nowadays with all these different musical worlds that are part of your music?

Tigran Hamasyan: Well, it is a very good question, you have to have an immense focus these days. I feel that every time in history has its own challenges and, at the present moment, we need a direction of where we are going because otherwise you get easily lost, due to the amount of information and distractions we have every second. I feel that these distractions are on a much bigger stage than for example 150 years ago. I believe it is important to filter out all the meaningless stuff of your life; music as well, I am not only talking about social media.

Up until the industrialization we had two kinds of music, with their branches of course; they were religious music and folk music, with obviously different kinds of it inside these two. They were made, played or sung for specific times, festivities or processes, like for example making bread or working times, like work songs or shepherd songs… or lullabies, something almost sacred, meaningful in a way.

Nowadays, you take a taxi or enter a Cafe… and there is music wherever you go and this music has nothing to do with the present moment of your day or with the time you live in or simply to what your head is and where your thoughts are. The thing is, you cannot avoid music because it is everywhere, and therefore the value of music has gone down so much. Also, in most of the places you go, you are almost forced to hear terrible music that you do not want to listen to. What I’m saying is just to take a picture of the difference of each time, so now you need a lot of focus to filter everything out and make the decision of what to listen to. Back in the days this could happen but much less than now.

In&OutJazz: So what do you do to stay focused and keep your attention?

Tigran Hamasyan: I carry my headphones all the time to try to not be forced to listen to what I do not want to listen to, or to just make it lower. I like any kind of music, any style, but I like specific things in that style, for example, I love metal but not any kind, I like Meshuggah, Tool…but not all bands of metal and all types of it.

 

In&OutJazz: Have you constantly got to be focused and clear what your identity is, or did it appear at some point?

Tigran Hamasyan: You know what you want to work on in this instant or period of time, right now I am working in this thing and I know that I have to work on this thing, so this will lead to another place and maybe you write a song, and maybe then you do a project, and this will bring you somewhere else… and so on. Maybe one day I record myself and I have different kinds of recordings. I know the process I did and why I came here, I cannot predict where I am going, the only thing I can do is to work on myself and keep up the direction of where do I want to go now, constantly learn from the past and develop, this is the road… it’s a process it’s just to be self-realizing. You have to realize what you are doing and then work and work.

 

In&OutJazz: Do you have time to work on tour?

Tigran Hamasyan: Yes, you make time, there is always time actually if you want to practice. Those who say: “

I don’t have time, I am too tired…” are just telling an excuse. You make time, if it’s your priority it is possible, it just has to be on top of your priority list.

 

In&OutJazz: Do you still listen to Tool and Meshuggah in your everyday life? Who do you find yourself listening to lately?

Tigran Hamasyan: Yeah, I go to periods, now for example I am more into jazz and classical music but then one month I am into electronica or rock or whatever. Each time I listen to something interesting I try to get it deeper and understand what is going on. Sometimes it influences my music and inspires me to explore, so I guess this is the positive side to excessive music that you can access instantly.

 

In&OutJazz: Do you feel that something has changed nowadays in relation to how music has been created?

Tigran Hamasyan: Suddenly it is possible to do music without years of development and this has changed everything. There is a lot of information and a lot of incredible things happening and this forces me to know exactly what I am doing and to really work on my stuff on myself, to really be bringing my level up every time I do a project or a performance, because I am competing all the time to the entire world online, in a way.

 

In&OutJazz: Do you feel you have to be competing to the levels of what other music and genres are doing also?

Tigran Hamasyan: Yes! That is exactly what is happening and there is incredible music out there, so you have to be always working on yourself to get better. I would do it anyways but it makes even more sense now because there is so much information.

 

In&OutJazz: Do you like the process of pushing yourself to get better?

Tigran Hamasyan: No, I do not at all, I love discovering and looking for things. My parents used to force me to go outside and play concerts when I was a kid because I practiced too much. To practice is not a problem for me, I like practicing and focusing on what I want to do and make music, the problem is to have to go to social media and marketing. Now, I do not do it personally, someone does it for me and talks to record companies and so, I feel fortunate about it. We live in a period in which record companies ask you first how many followers you have and then which music you do.

 

In&OutJazz: Let’s talk about your journey from World Passion to StandArt.  Which evolution do you think you and your music have had from your first project to your latest?

Tigran Hamasyan: I am trying to be as much aware as possible but I would say compositionally things have developed a lot. Nevertheless, I am the type of guy who always thinks that things are bad and I am degrading so it is difficult to have an objective point of view.

 

In&OutJazz: After all this time, how is your relationship with piano?

Tigran Hamasyan: I feel great, it is a challenge and joy, suffering and enjoying at the same time. It cannot be only joy, there must also be suffering because that is how you discover new things, you get out of your comfort zone, and you develop. I take the challenge every day, the main thing is to know what you want to develop and the direction you want to have, especially as an improviser it is important to remember what you play and constantly work on a daily basis of what your vision is.

 

In&OutJazz: How do you work on your vision? Where do you focus your attention?

Tigran Hamasyan: It depends on the moment. Now, I am working on letting things go out of control, working on specific harmonic vision and on dynamics. When you really improvise and let things go and things are flowing it’s easy to get into a habit, like: “I play this and that”, so you always get into the same thing, a collection of habits and you repeat yourself. When we are on tour we play arrangements of jazz standards, for example in the last soundcheck I did not like what I was playing.

Improvising now with Rick Rosato and Jonathan Piston is being a great source of inspiration to find and explore all these ways.  It’s like what you are doing and then what you are doing in this band. Ensemble and individual working.

In&OutJazz: In a way, StandArt is very traditional, and probably the most traditional coming from you. How did the idea of Standard come across and why did you choose jazz standards and not your own creations as before?

Tigran Hamasyan: I have been playing standards since I was ten maybe, so I always knew that someday I would give a homage to where my roots begin, because I started with jazz and rock. The reason that I chose jazz is because I love improvising. Even when I tried to make some rock songs I did not like to write things down, I loved to make them up.

 

In&OutJazz: Do your compositions come from improvisation?

Tigran Hamasyan: Yes, they always start initially with improvisation. I always had the realization that I wanted to do jazz standard at a moment. I got to a point where I could put all the ideas that I have developed over the years into the jazz standards, which contain great beautiful melodies.

There are specific songs to which I have a specific emotional connection and memories, these songs have a lot of meaning for me and that’s why I wanted to do the project. I loved putting my rhythmic and harmonic ideas on the standards, they are like folk music and you never get tired and stop exploring folk music.

 

In&OutJazz: Why did you choose StandArt as your album’s name?

Tigran Hamasyan: I named the album StandArt because sometimes we feel that there are just standards that are there and we forget that they are also forms of art, some of them a high level of art, really deep with melodies that are timeless.

I have a friend, Gaguik Martirosyan, who is an Armenian painter and paints Parisian scenes, like different outside locations, cars, geometrical forms, etc. He watches the outside world and he paints it in his own way, with a tremendous personal way. This was also a huge influence on me and an inspiration to call this StandArt, Gaguik Martirosyan and I are basically doing the same thing, looking at things that we do everyday that became standards but revisiting and reimagining them.

 

In&OutJazz: In the album you recorded and made collaborations with amazing artists like Ambrose Akinmusire, Joshua Redman or Mark Turner. Also, this record is based on a trio with Matt Brewer and Justin Brown. Why did you choose both the formation and the musicians involved in the project?

 

Tigran Hamasyan: Well, I knew Justin since college years, and I played in some L.A. jam sessions with him. Also, I know Ambrose Akinmusire because he was studying in the same facilities where I went in L.A. I guess this is the California connection. When I wanted to do this record of standards, Justin Brown came to my mind. I always followed what he was doing with Ambrose Akinmusire and Thundercat. Justin has incredible energy and ears; it is comfortable to play with him because he would never play something that distracts you but at the same time, he is constantly providing flowing immense energy that comes directly at you. But this energy is not getting in the way and is distracting. I must be faceless and say that I have a good intuition for finding members for projects. If I listen to a person and I feel the energy I know instantly if it’s going to match. This, I guess, was the same that happened with Matt Brewer and the rest of components of StandArt.

 

In&OutJazz: On this occasion you are touring and coming to Madrid with Rick Rosato and Jonathan Piston, how is it to work with them?

Tigran Hamasyan: They both are unbelievable players, with amazing ears, it’s working fine. They are pushing me to create and think differently, which I find great.

 

In&OutJazz: You said previously in your life that Vahagn Hayrapetyan, who was a student of Barry Harris, came to Armenia and changed your life, showing and teaching you jazz. Did you have a mentor in Armenian music who introduced you to this folk tradition? And, how did you get in contact with this music?

 

Tigran Hamasyan: Actually, I did not have a teacher of Armenian folk music or any other folk music. I discovered it through jazz, through musicians like Jan Garbarek, John Coltrane, Keith Jarrett… I heard that these people were using a vocabulary that is different from bebop, like, for example, Jan Garbarek. When I listened to him for the first time I thought this is very nice but is outside my comfort zone, it’s not inside bebop vocabulary, he has folk music influences and much more. So I decided to check folk music vocabulary and I realized that I have my own tradition as well. 

Then I got a book of Armenian folk compositions called ¨Armenian folk composition¨, which is the main book that is studied in the conservatory when you go to the folk faculty. I transcribed a lot of Armenian folk music, apart from solos of Coltrane and Chick Corea. That is how I got out of bebop and I discovered other music because I realized that I cannot treat folk music with bebop harmonies, this is not possible, so I had to find another solution, and this brought me to different habits and ways of using harmonies. The world of post-bop, with more open structures, and world music, suddenly made sense to me, classical music like Shostakovich, Prokofiev, Ravel, Debussy, or Armenian composers.

 

In&OutJazz: The mixture between Armenian folk music, jazz and rock happened through time in an unexpected way, as a natural consequence of your development or was it something you were looking for?

Tigran Hamasyan: One thing I realized was that to be able to compose and improvise over folk music, first, I have to make it a part of my music vocabulary. Not every song that I compose has an Armenian influence of course, I have my way to decide if a song has an Armenian influence or not. I realized that the only thing I can do to improvise folk music is to find information about the harmony and melodies inside the folk music and not outside sources. I could understand outside sources and have knowledge of outside sources, but still have to go to the folk melody itself and find harmonies and create harmonies based on that mode in which the folk song is written. And perhaps find innovative new ways of dealing with the mode and expanding it. In other words, it cannot be nice jazz that you put above the folk song and call that an arrangement. You need a deeper thought on it and need years to develop this kind of relation with folk music. You need to know the folk music in a deep manner, in a way in which when you compose you are actually creating new folk music. It’s like flamenco culture, you learn it and you live it and then you compose in that world. You have to be in the tradition and then you start speaking that language. Afterwards you start writing your own.

 

In&OutJazz: Do you also play with Armenian folk musicians? 

Tigran Hamasyan: Yes, I do, but I try to limit myself as I like playing Armenian folk music but I don’t like doing projects with Armenian folk musicians because I don’t want to use that sound, as there are so many musicians that are just bringing folk instruments. It instantly sounds like ‘cliché’ but, to me it’s important to pay Armenian music but play with modern instruments.

 

In&OutJazz: Which is the next project you have in mind?

Tigran Hamasyan: There is something huge coming next year, actually my most ambitious project, it’s going to be intense… so get ready!

 

In&OutJazz: You are one of the main references, many young musicians listen to your music when they approach and learn jazz, would you give any advice to young generations?

Tigran Hamasyan: I would tell them to stay focused on what you want to do and maintain yourself on it. Think in terms of the vision that you have, thinking can be negative and too much is bad, but it is important to know which direction you are taking, and to stay true to that, because there are lots of distractions. Do not spend time on stupid Facebook or Instagram, and spend that time thinking about projects, listening and analyzing music, and practicing, practicing and practicing. If you have the talent and you love music more than anything else then you have to show that you love it more than anything else… and the way you show it is by practicing.

 

In&OutJazz: Thanks for your time. It has been a pleasure having the chance to talk with you today. 

Written by Manuel Borraz

Septiembre 28, 2023

Perico Sambeat & Orchestra Jazz Matosinhos Interview

Perico Sambeat & Orchestra Jazz Matosinhos Interview

Perico Sambeat & Pedro Guedes: Orchestra Jazz Matosinhos – Interview

14

SEPTIEMBRE, 2023

Entrevista: Begoña Villalobos  

 

En mayo de 2023 tuve el placer de asistir a la sesión de grabación del nuevo álbum de la Orquesta de Jazz de Matosinhos con Perico Sambeat, en el estudio de grabación CARA en Matosinhos (Oporto). Fue un placer enorme formar parte de ello; entrevistar a Perico Sambeat y a Pedro Guedes (director de la orquesta) para In&OutJazz. Fue una charla genial.

In&OutJazz: ¿Cómo ha surgido la idea de invitar a Perico Sambeat?  

Pedro Guedes: Yo creo que la orquesta tiene que tener también…, tiene que tener un papel dentro de la península ibérica y en el fondo, pensamos que Perico es uno de los nombres mayores de jazz español. Un hombre con una experiencia tremenda fantástica. Comenzamos por grabar varios autores que son referencias del jazz y que, de alguna forma, no habían tenido en los últimos tiempos su música grabada. Comenzamos con José Eduardo, nuestro contrabajista portugués y después pensamos en una persona como Perico, con la experiencia que ya tiene con la música y que ya tenía inscrita para con la Big Band, para lanzarle el desafío de venir a grabar con nosotros. Tenemos aquí así, felizmente y es casi una bendición un sitio absolutamente extraordinario con condiciones fantásticas y que no deben ser sólo un instrumento o para los músicos de jazz portugués. También debe ser y queremos asumir que esto es un es un instrumento para el mundo, pero especialmente para la península ibérica, y que eso es muy importante y que las personas puedan disfrutar. Y entonces la idea fue invitar a Perico, porque ya teníamos trabajado, o sea… conozco a Perico desde los años 90 en el club, las primeras conversaciones…, en fin, y desde entonces hemos mantenido contacto. Recientemente trabajó con nosotros también en un proyecto que era acerca de la música de Ornette Coleman y claro, es fundamental tener también grabado aquí así la música de este nombre mayor de jazz europeo y mundial. Sería muy importante y aún por encima la gente adora el rigor que Perico impone el detalle…, en fin, estamos aquí para conseguir lo que pienso que será un buen disco y una justa fotografía de lo que Perico representa con buena música, bien tocada, bien grabada. Por eso, en fin, estamos para conseguir eso. 

Perico Sambeat: De echo hicimos una colaboración hace… ¿10 años? ¿En la Casa de la Música? 

Pedro Guedes: Tocaron tu repertorio y después otro repertorio que tú…es verdad.  

In&OutJazz: Orquesta de Matosinhos y Perico Sambeat, ¿hace 3 años

Perico Sambeat: ¿Diez? 

Pedro Guedes: Más. Oye, fue antes de irnos a tocar…, poco tiempo antes de irnos a tocar con Lee Konitz en el Carnegie Hall

Perico Sambeat: ¿Cuántos años hace de eso? ¿En qué año fue eso?  

Pedro Guedes: 2007, 2008.  

Perico Sambeat: Hace 15 años. 

In&OutJazz: ¿No está grabado? 

Perico Sambeat: No.  

Pedro Guedes: Ese repertorio era sobre todo de compositores españoles o arreglos de temas tuyos. Era un repertorio de compositores españoles que tú viniste aquí a hacer. Esta es la primera vez que tuvimos para tocar la música toda escrita por… 

Perico Sambeat: Pero no sé si toda la música era mía o también había de Luis Vidal y demás gente. No lo recuerdo bien. Un tío de Madrid, Miguel Blanco. ¡Claro, claro! Luis Vidal sí, había varios. Amargós, aunque al final Amargós no pudo.  

In&OutJazz: Muy bien. Cambiando de tema. Lleváis cuatro días ensayando y grabando temas propios y originales, ¿cuál es la experiencia en los estudios de grabación de la orquesta (CARA -Centro de Alto Rendimiento-)?  

Perico Sambeat: Ensayando tres. La música es compuesta por mí sí y arreglada, sí. Hemos ensayado tres días y grabamos dos. El último del tercero grabamos uno de los temas. Y bueno el estudio es espectacular como dice Pedro. Para mí es una honra y una alegría estar tocando con esta gente y haber tenido este proyecto en el que llevo trabajando un año y medio o algo así. Es la primera vez que hago un disco de Big Band, bueno en tan poco tiempo. La verdad es que es mucho tiempo, pero el primero me costó cinco años así que éste este ha sido rápido dentro de lo que…, yo soy muy lento, muy lento.  Pero es satisfactorio a todos los niveles. Él, cuando me…, él me ofreció que grabase aquí cualquier cosa y yo pensé “a ver grabó este proyecto, el otro…”, y claro luego pensé “a ver yo me tengo que aprovechar al máximo de mis amigos y aprovechar al máximo es utilizar la Big Band”. No tenía nada escrito, pero como era hace un año y pico dije “me pongo a ello”.  Ha sido un trabajo muy arduo la verdad. He estado mil horas, pero es fantástico. Es lo mejor que podía haber hecho. Tomé la mejor decisión posible y estoy felicísimo. Y el estudio que comentabas pues, en la península ibérica es de los mejores o el mejor.  Una sala tan grande y que suene bien, con estos medios y con los micros que tiene…, es espectacular, me siento muy afortunado.  

In&OutJazz: Retomando el tema de la escritura, ¿Cuál ha sido la complejidad? ¿Qué complejidad ha habido en la escritura de…? 

Perico Sambeat: Bueno no ha habido una complejidad especial comparada con mis otros discos o con mi manera de escribir. Mi manera de escribir ya es compleja en sí porque intento escribir la música que a mí me gusta escuchar y me gusta escuchar música más bien densa, bella, lírica. No sé cómo decirte. Soy bastante exigente porque por ejemplo si armonizo una melodía y después hay solos y luego vuelve la melodía, que es algo que a veces no hago para no repetir, nunca utilizo la misma armonización al final. Es una cosa muy fácil y muy rápida. Pero yo cuando escucho Big Bands que hacen esto, es como decir “eso, ya lo he escuchado”. Es el doble de trabajo, coger y volver a arreglar todo de nuevo. Intento que haya interludios en todos los temas, que nos lleven a otro lugar, para que sean así como viajes. Claro, toda esa es la música que me gusta escuchar, pero requiere mucho más trabajo.  

In&OutJazz: ¿Cambia la perspectiva en base a ser solista respecto a dirigir y a componer para una Big Band? ¿Hay una mayor amplitud de expresividad o de registros?  

Perico Sambeat: Bueno, estoy un poco acostumbrado, pero es mucho trabajo. Dirigir y solear es un poco complicado a veces porque estoy tan enfocado en que todo suene bien, que el equilibrio de las voces vaya perfecto, en que la afinación…, y de repente tengo que hacer un solo, es como… “aterriza”. Hago el solo, y después digo, “¿dónde estoy? Ah, sí, que ahora viene tal sección”. No es fácil, para mí no me resulta fácil. Estoy acostumbrado, la verdad, y lo hago felicísimo. No sé. Lo hago lo mejor que puedo. 

In&OutJazz: Desde las primeras composiciones de Big Band, del disco de “Voces y Flamenco Big Band”, de 2018 y 2015, ¿qué evolución compositiva ha habido hasta llegar a…? 

Perico Sambeat: Bueno, es una pregunta que no sé si debería contestar yo, o técnicos, o musicólogos. Yo escribo lo que me gusta y lo que me apetece. Pero claro, escuchándome atrás, la verdad es que veo que…, me repito mucho, quiero decir que hay motivos, hay armonías, hay giros melódicos que son recurrentes y recurrentes en mi manera de escribir. 

Pedro Guedes: ¿En tu carácter? 

Perico Sambeat: Sí, está en mi carácter, pero claro, como improvisador también. Me escucho y el sonido, dices “claro, este soy yo porque toco así, hablo de esa manera”, cada uno es como es. Y eso está bien también porque te identifica, para bien o para mal.

In&OutJazz: Da identidad, ¿sí? 

Perico Sambeat: Sí, la verdad es que sí. Intento…, a la hora de escribir, intento que la…, o sea, dentro de la complejidad y la intelectualidad que tiene esta música, siempre intento que mis composiciones tengan un punto de lirismo y de belleza natural, que no sea tan intelectual. Ya te digo que la parte intelectual está ahí, pero a veces es una lucha, a veces empiezo a escribir y digo “uf, déjate, déjate, vamos a hacer algo más sencillo”. Y canto y lo que canto lo escribo. Esto es algo que también he aprendido a lo largo de los años, me fío más de la intuición que de la parte más intelectual. 

In&OutJazz: qué importante es la Intuición.

Perico Sambeat: De todas las maneras, en este proyecto, como he estado tanto tiempo escribiendo, he tomado algunos caminos que no había tomado hasta ahora. Sobre todo, en uno de los temas que he escrito de forma más clásica y menos vertical. Más horizontal, que es casi la primera vez que lo he hecho en mi vida y, de hecho, suena bastante clásico. 

In&OutJazz: ¿Qué características diferenciadoras tiene la Orquesta de Matosinhos en relación a otras orquestas? 

Perico Sambeat: Bueno, es una Big Band estable y eso se agradece muchísimo. Están acostumbrados a tocar juntos y se conocen muy bien. Ayer hice un ensayo de sección con los trombones y se nota que llevan tocando juntos mucho tiempo y mantienen la onda piramidal y el primer trombón los lleva y suenan. Eso da gloria. No es cuatro que se han juntado, no. Estos creo que tocaron aquel repertorio. Por lo menos tres de ellos. La chica, no. Pero los otros tres creo que estuvieron hace 15 años. Una barbaridad. Y también esta banda tiene un puntito más contemporáneo que otras orquestas que tocan un poco más tradicional. Las escenas más abiertas y más free aquí funcionan súper bien. Creo que eso es la diferencia respecto a otras Big Band españolas. Cuando hay que tocar tradicional también tocan de maravilla. Pero tienen el punto ese ahí que me encanta. 

In&OutJazz: ¿Y qué opinión tienes de los músicos que componen la orquesta? 

Perico Sambeat: Bueno. Hay algunos que son viejos conocidos y viejos amigos. El batería que está grabando que es Mario Barreiro es una leyenda. He tocado con él durante años y años con Bernardo Sassetti y con Carlos Barreto. Es como un hermano para mí. Tocar con él es una alegría increíble; y Pedro es un tenor a quien admiro muchísimo desde hace… Hay un montón de gente que toca súper bien. También hay muchos jovencitos que no conocía de nada. Como los dos gallegos, los trompetistas gallegos que tocan increíble. Los trompetistas, no conocía ninguno.

In&OutJazz: Ricardo Formoso 

Perico Sambeat: Sí, alguna chica. 

Pedro Guedes: Susana 

Perico Sambeat: Sí, hace mucho tiempo. Y bueno, tampoco conocía al batería que es de la joven generación y súper promesa, tiene súper talento. Son todos grandes músicos. Está fabuloso. 

In&OutJazz: ¿Y cuándo vamos a escuchar esto en Madrid? ¿En España? 

Pedro Guedes: Mañana. No, mañana grabamos ¡jajaja!. El lunes

Perico Sambeat: Cuando tú nos consigas conciertos ¡jajajaja!

In&OutJazz: ¡jajaja!. 

Pedro Guedes: Perico fijó aquí un punto importante. De hecho, la idea fue así. “Perico, ven aquí a grabar lo que tú quieras. Lo que tú quieras”. Y él anduvo pensando hasta que llegó a la idea. “Pedro, quiero hacer coreografía, por favor”. Eso es verdad. Tenía que olvidarme de eso. 

Perico Sambeat: Es verdad. Fue una buena escuela. 

Pedro Guedes: Una buena escuela. Acertada. 

Perico Sambeat: Sí, es una oportunidad que no todo el mundo tiene, y me siento muy feliz, blessed de haber tenido la oportunidad. Sí, sí, sí. Y bueno, sobre eso de tocar en España, a ver si hay alguna oportunidad de pasar algún concierto, sería maravilloso. En España o en Portugal. 

Pedro Guedes: Tú pagas la orquesta y luego…

Perico Sambeat: Venid todos aquí. Sí, sí, sí.

In&OutJazz: Jajaja! muy bien, pues ya estamos. 

Pedro Guedes: Es un placer trabajar con este hombre. 

Perico Sambeat: Mi querido Pedro. Muchos años que nos conocemos. 

Pedro Guedes: Es un placer. Es un gran músico. 

Perico Sambeat: ¡Qué alegría!

In&OutJazz: Yo estoy muy agradecida por la invitación, además Perico es uno de mis músicos favoritos. Es un grande de España. ¡Ay, ay, ay! 

Pedro Guedes: ¡Toma! 

In&OutJazz: Es una alegría estar aquí en primera fila y estoy muito agradecida por ser parte de todo esto. 

Perico Sambeat: Claro, eso debe de ser una experiencia increíble.

In&OutJazz: Sin duda. Me llena de satisfacción.

Pedro Guedes: La intimidad. Sentirlo. 

In&OutJazz: Eso es. Estar inside … en la grabación es ¡lo más!

Perico Sambeat: Los cambios, cuando te has puesto los cascos que escuchabas al batería. “Ahora sí”. 

In&OutJazz: Y el Fender. 

Perico Sambeat: El Fender me encanta. Es muy buen músico, muy bueno. Muy jovencito. 

In&OutJazz: Muy joven. Veinte años. 

Pedro Guedes: Veintitrés. 

Perico Sambeat: Veintitrés es viejo ya. 

Pedro Guedes: Ya no es un Young Lion

Perico Sambeat: No sé quién me decía, “tú fuiste de joven promesa a triste realidad” jajajaja. Qué horror. Fabuloso. Mañana tres temas más. Uno con Barreiros. 

In&OutJazz: Jajaja. Son ocho temas, ¿sí? 

Perico Sambeat: Ocho, sí. Con el octavo me pelé. Hace un mes estaba en pánico. Digo “no me da tiempo, no me da tiempo”. Pero sí que me dio. Fabuloso. Pero le di muchas vueltas. Era una suite de tres partes y no me gustaba. Al final quité la del medio un trocito de la primera lo puse al final un trocito de esta y quedó perfecto. Increíble. Qué milagro. Pensando y pensando al final encuentras soluciones. La inspiración no existe. La inspiración es el due date. La fecha y el minuto. 

In&OutJazz: Vale. Esa es otra de mis preguntas. La inspiración, no existe. Bueno, o está integrada, ¿no? La fecha final, pero… está integrada en la vida, ¿sí? En tu vida como compositor

Perico Sambeat: Como compositor me ha pasado alguna vez que he pasado una etapa que he tenido poco trabajo, poco que pensar y tal. Iba en el coche y se me ha ocurrido una melodía, una armonía. Y me ha venido la inspiración. Una noche bebido hace mil años. Pero eso me ha pasado dos o tres veces. Todas las demás es al piano. Pum, ¿qué puede ser? Y llevas dando vueltas y aquí apuntas y no te gusta y vienes al día siguiente. “Ah, pues no está mal, pero esto no”. Y continúas y así día tras día al final lo tienes todo. Si esperas que todo eso te llegue de repente, andas muy mal. Él lo sabe también. Hay que trabajar, trabajar. 

In&OutJazz: ¿Y como solista encuentras más recursos expresivos con una orquesta detrás? 

Perico Sambeat: Como solista no, la verdad. Yo toco más o menos lo mismo inspirado por lo que me viene. Recursos expresivos los tengo los míos y utilizo unos u otros dependiendo de cuál es la inspiración. Claro, tocando esta onda. He hecho solos debajo de los backgrounds y me inspiran cantidad. Los oigo y es como que me elevo y digo “wow qué orquestal”. Y claro, tocas distinto quieras o no. 

In&OutJazz: ¿Tocas distinto? 

Perico Sambeat: Un poquito inspirado por lo que tienes alrededor. Sí, a mí me encanta tocar en Big Band. Es más orquestal. Adoro la armonía. Estoy enamorado de la armonía. La melodía también, pero la armonía es lo que siempre me ha envuelto. Hay una armonía tan densa que me lleva a este sitio, a este otro. Me encanta, me encanta. 

In&OutJazz: Muy bien, pues ya está todo. 

Perico Sambeat: Fabuloso, Pedro Guedes. Qué alegría, joder. Va a quedar muy bien, trabajamos mucho. 

Pedro Guedes: Va a quedar muy bien. Ya está. Ya está, Perico. 

In&OutJazz: Ya está hecho, ya está. 

Pedro Guedes: Ya está, ya está casi. Pero sí, sí, ya está.  El sonido ya está ahí. El sonido. Ya está. Ya está. 

Perico Sambeat:: No habla del sonido como producto físico, sino del sonido particular de lo que queremos expresar. 

Pedro Guedes: Ya está aquí. 

In&OutJazz: Ya está aquí. Ya está registrado. 

Pedro Guedes: Eso es lo más importante, porque cambia de proyecto a proyecto, encontrar el sonido que sea más correcto para la música que estamos tocando. Perico solo ha hecho tres ensayos. Ha creado el sonido con el sonido de la banda y el sonido que tenía en su mente. Tú creas un sonido único y lo tenemos.  

In&OutJazz: You got it. Sí. Genial. Enhorabuena, ¡yeahhh! Vamos a hacernos una foto juntos. 

Written by Begoña Villalobos

Septiembre 14, 2023

Festival Causa/Efeito O Novo Jazz na Nova  Lisboa. 2023

Festival Causa/Efeito O Novo Jazz na Nova Lisboa. 2023

Festival Causa/Efeito
O Novo Jazz na Nova Lisboa. 2023

16

JUNIO, 2023

Texto: Ricky Lavado

En el marco de las celebraciones de su 50 aniversario, la Universidad Nova de Lisboa presenta un festival de cuatro días en el Campus de Campolide con una cuidada selección de algunos de los músicos de jazz más innovadores del panorama portugués, así como figuras de renombre internacional, entre el 28 de junio y el 1 de julio. Concebido con la doble función de diagnosticar los caminos del nuevo jazz y de mostrar el jazz portugués experimental a críticos y programadores nacionales e internacionales, el Festival se realizará en los espacios de la Universidad (Rectoría y Colegio Almada Negreiros) y se propone como catalizador para el diálogo entre la cultura de innovación de NOVA y su trabajo de investigación y experimentación en la práctica artística. El Festival incluye actividades con periodistas y programadores nacionales e internacionales, y con estudiosos del Jazz, mostrando la labor de investigación de NOVA mediante charlas, conferencias y mesas redondas. También incluye un concierto didáctico, diseñado para el público más joven y las familias, potenciando el descubrimiento de sonidos desconocidos.

Durante cuatro días, la capital lusa será escenario de una serie de conciertos y actividades de todo tipo que pivotarán conceptualmente en torno a cuestiones como el estado actual del jazz y sus efectos y ramificaciones, la presencia femenina en la escena jazzística internacional, o la improvisación con instrumentos inverosímiles en muchos casos (en los escenarios de Causa/ Efeito sonarán acordeones, música electrónica, pedal steel o claqué, entre mil otras cosas).

La propuesta ya suena interesante de por sí, pero además cuenta con una garantía de calidad que pocos eventos en el panorama del jazz europeo se pueden permitir: la programación del Festival Causa/Efeito corre a cargo de Pedro Costa, responsable de Clean Feed Records y agitador cultural inquieto y siempre interesante. 

Bajo la dirección de Costa, Causa/Efeito contará con encuentros inéditos e interesantísimos, como el de la trompetista Susana Santos Silva (considerada por la revista Downbeat como “una de las improvisadoras más apasionantes del mundo”) con el veterano y reputado contrabajista Carlos Bica, que actuará en el festival por partida doble (también se acompañará del acordeonista Joao Barradas, el saxofonista Daniel Erdman y DJ Illvibe en un espectáculo de redescubrimiento del legado de Beethoven). Precisamente, Joao Barradas protagonizará otro encuentro estelar al actuar por primera vez junto al contrabajista Hugo Carvalhais, en lo que promete ser una demostración única e irrepetible de improvisación libre por parte de dos de las figuras más talentosas de la escena jazzística portuguesa actual. También hay cabida en el cartel para propuestas frescas y sorprendentes, como el estreno en Portugal de “One Small Step”, un proyecto de claqué único en el mundo, así como el concierto para familias del quinteto liderado por Isabel Rato.

Según la organización, de este festival “saldrán pistas de futuro, innovación, descubrimiento y sorpresa”, y justo eso es lo que promete la presencia en el cartel del proyecto MOVE, surgido de la sinergia creativa entre los brasileños Yedo Gibson (saxofón) y Felipe Zenicola (bajo) con el portugués Joao Valinho (batería); o el trío de cuerdas, electrónica y percusión The Selva, con el chelista Ricardo Jacinto, el contrabajista Gonçalo Almeida y Nuno Morao a la batería. Los elementos de innovación y sorpresa caracterizan también las propuestas de Luís Lopes y su proyecto Abyss Mirrors, que presentarán su aplaudido disco “Echoisms” (con diez músicos sobre el escenario y guiños a Stockhausen, Prokofiev e incluso Ornette Coleman); o las interacciones entre los portugueses Jose Lencastre (saxofón) y Hernani Faustino (contrabajo) con la virtuosa del pedal steel Susan Alcorn. El gigante de la escena neoyorquina de música improvisada Tony Malaby actuará acompañado del trío liderado por el trompetista Luis Vicente en lo que se espera que sea uno de los platos fuertes del festival; y la pianista suiza Margaux Oswald unirá fuerzas con el saxofonista danés Jesper Zeuthen en otro cruce creativo prometedor y esperado. Otra de las citas ineludibles de Cause/Efeito será el concierto de la francesa Sophie Agnel, una de las pianistas más interesantes del terreno de la clásica contemporánea, junto al virtuoso contrabajista John Edwards y el solicitado batería Steve Noble

Portugal coronándose, una vez más, como una de las principales mecas actuales de la música libre y el jazz más arriesgado. 

Written by Ricky Lavado

Junio 16, 2023

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