THE ATTIC & EVE RISSER

La Grande Crue

20

Diciembre, 2024

The Attic trio, composed of saxophonist Rodrigo Amado, double bassist Gonçalo Almeida, and drummer Onno Govaert, is joined by French pianist Eve Risser for La Grande Crue, a superlative album.

Texto: António Branco jazz.pt

There are moments—and instruments—that change everything. If the saxophone-double bass-drums trio is an institution in the history of jazz, a fertile ground for exploration and freedom, a spark can ignite a process of expanding the spectrum of sonic possibilities and elevating the music to another level. The inclusion of the piano makes “La Grande Crue,” the fourth album by The Attic trio, a necessarily different record from its predecessors, bringing an entirely new dimension to the group’s music in harmonic and melodic terms. Eve Risser, a French pianist and an absolutely essential figure in the creative music of our time, commands a richly nuanced lexicon and exceptional versatility in any context—from solo to orchestra, including trio and quartet.

“The mere fact of incorporating a piano into the equations of improvisation completely changes the kind of energy released by the music, for us and for the listeners,” saxophonist Rodrigo Amado explains to jazz.pt. That was precisely the goal. “We went into the studio without any prior discussion about what we were going to do. The musical communication, as we imagined, was immediate. And Eve’s music acted as a true ‘flood’ of the trio’s music,” he emphasizes. Nothing would ever be the same again, to the point of astonishing the saxophonist himself with how, from then on, he began constructing his own discourse. “I was quite surprised by my language, with a certain harmonic sophistication I had not previously identified in my phrasing.”

This album is also where the group achieves a very particular level of maturity: “I feel this work as our point of maturity, in the sense that we have reached a certain creative coherence and stability, and now we can experiment even more, musically and in organizing alternative formations,” he states. In The Attic trio, the saxophonist—an inescapable name in the most stimulating jazz being made in Portugal and the most internationally recognized national musician in these realms today, constantly in motion—is joined by Gonçalo Almeida, a double bassist and sonic strategist based in the Netherlands, dividing his time among projects like Albatre, The Selva, Ritual Habitual, Spinifex, and Lama, and Dutch drummer Onno Govaert, who also has strong ties to the Portuguese scene through collaborations with Hugo Costa, Luís Vicente, and Marcelo dos Reis. The trio’s self-titled debut in 2017, still with Marco Franco on drums, was an auroral record, yet no less interesting or consistent. It was followed by Summer Bummer in 2019, featuring the current lineup in a live recording at the festival of the same name held in Antwerp, Belgium, and Love Ghosts, recorded in January 2020, just before the pandemic turned our world upside down.

After two magnificent albums—the 2023 debut of The Bridge quartet with Alexander Von Schlippenbach, Ingebrigt Håker Flaten, and Gerry Hemingway in Beyond the Margins, and The Invisible in 2024 alongside Dirk Serries and Andrew Lisle—La Grande Crue, recorded by André Fernandes at Timbuktu studios at the end of July 2023 and mixed by Joaquim Monte and Amado himself, features four improvisations lasting between 10 and 21 minutes, credited to the quartet.

A special mention goes to the wonderful painting by Manuel Amado, the saxophonist’s father and a major figure in 20th-century Portuguese visual arts. The painting is part of A Grande Cheia (The Great Flood), a series of 13 works painted in 1996 and first exhibited at the Calouste Gulbenkian Cultural Center in Paris in 2001. That same year, poet Nuno Júdice wrote a book of poems in dialogue with this series, titled Jogo de Reflexos (Game of Reflections), published in a bilingual edition by Éditions Chandeigne (Paris, 2001). One of these poems, Ângulo (Angle), is reproduced in the liner notes of La Grande Crue:

A reflection of light dies in the summer waters. The algae proliferate in its texture, drinking the window’s last glow. The room encloses me in a white architecture. I breathe a rhythm of drowned sheets. An inner voice announces oval metrics, which I repeat in the monotonous flow of the verse. This light, however, has the structure of melancholy.

The collaboration with the pianist—someone who had long been on the trio’s radar—introduced, as already noted, a myriad of new solutions to the group’s sound, elevating it to a different level. “Eve is an extraordinary pianist,” emphasizes Rodrigo Amado, citing the trio album she recorded with bassist Benjamin Duboc and drummer Edward Perraud, En Corps – Generation (2017), as well as the Red Desert Orchestra’s Eurythmia, released by Portuguese label Clean Feed in 2022. “She can uniquely incorporate completely abstract, purely sonic cells into a more conventional improvisational discourse, but no less interesting for it,” the saxophonist explains. When they learned that Eve Risser would be performing at Jazz em Agosto at the Calouste Gulbenkian Foundation, the idea of initiating a collaboration immediately began to take shape. “Gonçalo already knew her reasonably well, and Eve agreed right away.”

The trio’s creative modus operandi remained the same—total improvisation. “We all entered a state of total immersion and maximum concentration,” says Amado, who appears here in a state of grace: powerful yet sensitive, shuffling the deck and dealing again, never imposing himself but always seeking to discover more about himself and his relationships with the musicians he judiciously selects for his groups. Gonçalo Almeida and Onno Govaert are monumental musicians who continuously add ideas and propose new paths in an organic, safety-net-free creative interplay nurtured by long-standing complicity.

In the opening track, Corps, the first sounds come from Almeida’s double bass, which, using the bow, immediately creates a solemn atmosphere; the hyper-delicate drums join in, Risser delves into her instrument’s innermost workings, and Amado plays with clarity and a remarkable sense of space. The piece evolves in a gradual crescendo of intensity, with the four musicians interweaving their lines. There’s a section where the saxophone-double bass-drums trio showcases telepathic interaction; at one point, the piano takes on a pivotal role, with very physical notes, and the intensity levels rise considerably. The saxophonist responds with high-octane sound bursts, which progressively allow silence to seep in, leading to a peaceful conclusion.

Peau brings a somewhat more jazz-like ambiance, largely driven by the way Amado conducts the proceedings—breathing and interactive, proacting and reacting; the piano contributes sparse yet decisive chords, and the rhythm section continues to astonish with its intricate clockwork. Risser once again takes center stage, showcasing her angular pianism. Rodrigo Amado resumes with short phrases, which the pianist contrasts with crystalline notes. The piece ends on a lamenting and unsettling note.

Phrase begins as a tour de force for Risser to thoroughly explore her instrument; the other musicians join in—featuring a superb solo by Govaert—and the meters approach the red. The saxophonist introduces a melodic line to which the piano responds sensitively. The piece takes on a somewhat more chamber-like character, with all four instruments engaging in multilayered games of restraint, respecting spaces yet not hesitating to challenge one another. Double bass and drums once again demonstrate their tight-knit tandem. Amado delivers focused, precise phrasing, skillfully playing with intensity levels. The quartet simmers in different geometries until reaching a climax.

Finally, Pierre begins with a nocturnal and mysterious tone (who is Pierre?). The saxophonist whispers, summoning diverse sounds; Almeida returns to the bow with surprising effects, and Govaert plays with astonishing sensitivity. Risser explores various techniques, bringing a palette of harmonic elements that establish multiple levels of articulation with the other instruments. The saxophonist flares up and exits, leaving the piano-double bass-drums trio to boil over; upon reentering, he delivers a soberly majestic discourse, stretching the energy levels to their limit before everything dissolves into silence.

La Grande Crue has the rare ability to genuinely challenge us, to shift our understanding of what music should be, and to change the way we relate to the other side—the creative side of what we hear. It makes us, on this side, active participants in the creative process. And thus, flooded by beauty, it reconciles us with the world.

CAMILA NEBBIA, LEO GENOVESE & ALFRED VOGEL

Eyes to the Sun (Boomslang Records, 2024)

25

Noviembre, 2024

 Texto: Ricky Lavado

Fotos: Concesión de los artistas

Alfred Vogel no para quieto. El austríaco lleva décadas dinamitando los cimientos del jazz vanguardista más heterodoxo, como batería excepcional y como motor y cerebro de Boomslang Records, sello inclasificable donde los haya y refugio de artistas poco dados a transitar caminos artísticos convencionales. En esta ocasión, su constante actividad colaborativa le ha llevado a sumar fuerzas con la brillante saxofonista, compositora y artista visual bonaerense Camila Nebbia. Los caminos de ambos ya se habían cruzado previamente compartiendo escenario, pero en esta ocasión su más que evidente compenetración artística queda plasmada en una sesión de grabación, completando la aventura con la incorporación de Leo Genovese. El pianista (y en esta ocasión también saxofonista) argentino es un veterano de sobra conocido en el universo del jazz contemporáneo, principalmente por sus colaboraciones con gente como Wayne Shorter, Joe Lovano, Jack DeJohnette o Esperanza Spalding; e incluso ha llegado a grabar, fuera del terreno del jazz, con los mismísimos The Mars Volta.

Si hubiera que establecer algún mínimo común denominador entre Leo Genovese, Camila Nebbia y Alfred Vogel sería quizás el del carácter escurridizo e inclasificable de su concepción de la música improvisada y libre, y Eyes to the Sun da buena cuenta de ello: un disco grabado, mezclado y masterizado en un sólo día en Buenos Aires; sin ensayos previos, sin rumbos trazados ni intenciones claras. El único plan: capturar una sesión de pura improvisación entre tres figuras difíciles de clasificar. El resultado, evidentemente, está a años luz del convencionalismo. Eyes to the sun es una tormenta de música desestructurada, ruidista y fragmentada, con el único objetivo de buscar en todo momento las posibilidades expresivas más extremas de la interacción entre pocos elementos. No hay respiro ni momentos para la calma, los más de cuarenta minutos (divididos en cuatro piezas, la más corta de las cuales supera los ocho minutos) que dura este disco dan forma a una neblina de notas inquietantes, ráfagas percusivas angulosas y furiosas, asonancias constantes y un caos general que roza la cacofonía. Salvo brevísimos momentos en los que la sutileza y el minimalismo le dan un tono más atmosférico o ambiental a la grabación (como en la misteriosa introducción de “Gint”), cada instrumento sigue su propio camino de desorden y estridencia, formando un collage sonoro caótico, arisco, cortante como una cuchilla de afeitar y, en muchos momentos y según esté de ánimo el oyente, exigente hasta el extremo. Conceptualmente, Eyes to the sun podría emparentarse con según qué experimentos de Merzbow, o con las vertientes más rudas de la Música Concreta, mientras que su sonido orgánico y acústico nos remite inevitablemente al free jazz más extremo.

Pese a que que han pasado ya muchas décadas desde que la Música Aleatoria de John Cage o, yendo aún más atrás en el tiempo, el propio Stockhausen, resultara rompedora (lo mismo ocurre con los viajes espaciales de Sun Ra o con las grabaciones seminales de Ornette Coleman o Albert Ayler),  Eyes to the sun no se limita al ejercicio de estilo únicamente; pese a ser un disco en el que prima principalmente la estética, se trata de un trabajo que busca alcanzar una sonoridad concreta y explotarla hasta el extremo, y eso en sí mismo es interesante aunque sólo sea por desubrir cómo de lejos pueden llegar tres mentes tan heterodoxas como las de Nebbia, Genovese y Vogel cuando se ponen a trabajar juntas. Como ejercicio de tensión (y resistencia por parte del oyente), Eyes to the Sun funciona a la perfección.

TRESPASS TRIO feat. SUSANA SANTOS SILVA

Live in Oslo (Clean Feed Records, 2023)

22

Octubre, 2024

Trespass Trio feat. Susana Santos Silva. Live in Oslo (Clean Feed Records, 2023). Martin Küchen, saxofón. Per Zanussi, contrabajo. Raymond Strid, batería. Susana Santos Silva, trompeta.

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Concesión del artista

Bajo la dirección del saxofonista sueco Martin Küchen, Trespass Trio es una formación con largo recorrido que desde hace muchos años ya se ha ganado por derecho propio ser una de las piezas claves del jazz nórdico de las últimas décadas. Junto a Küchen, el trío está completado por el batería sueco Raymond Strid y el contrabajista noruego Per Zanussi. Abanderados de la sobriedad, la frialdad y la elegancia; y habituales en el catálogo de Clean Feed Records (tanto Trespass Trio como otros diversos proyectos de sus miembros); resulta interesante la decisión del trío de colaborar con la trompetista portuguesa Susana Santos Silva, una de las voces más personales, interesantes y en continua metamorfosis creativa que ha ofrecido la vanguardia del jazz europeo y la música experimental en los últimos años.

Grabado en directo en la edición de 2018 del festival Noruego Blow Out Festival, Live In Oslo recoge cinco composiciones pertenecientes a anteriores lanzamientos de Trespass Trio, con la suma de Susana Santos Silva como aporte de sonido moderno al enfoque old school habitual del trío sueco/noruego. Una vez escuchado el disco, resulta imposible no envidiar a los afortunados que asistieron a dicha actuación, porque el resultado es sencillamente brillante.

Live In Oslo es un disco asentado en la tradición, que suena clásico y atemporal a la vez. No hay disrupciones modernas ni aventuras experimentales a lo largo de esta grabación; la combinación de Trespass Trio con Susana Santos Silva suena a cuarteto tradicional, como si fuera una formación con décadas de interacción a sus espaldas. En este Live In Oslo encontramos elementos de swing e incluso aromas de blues por momentos (como en la maravillosa “Sounds & Ruins”), así como melodías bellísimas e improvisaciones explosivas (“In Tears”). Hay ambientaciones sombrías y melancólicas, cercanas a un lamento, como en la inicial “A desert on fire, a forest”; una pieza apasionante en la que trompeta y saxofón se unen en una especie de canto fúnebre sobre las cuerdas del contrabajo de Per Zanussi. La compenetración entre Zanussi (esta vez tocando con arco) y el tremendo trabajo rítmico de un Raymond Strid en estado de gracia tras la batería, brilla especialmente en la cinemática y espiritual “The spirit of Pitesti”; mientras que el cuarteto derrocha clase, sinergia y compenetración perfecta al entregarse al frenetismo bebop de “A different Koko”, una relectura libre y expansiva de Charlie Parker.

Juegos veloces e inventivos de llamada y respuesta entre la sección de vientos (tanto Martin Küchen al saxo como Susana Santos Silva a la trompeta están espectaculares en todo momento), cambios constantes de tempo y ritmo en la base rítmica, subidas y bajadas de intensidad, concreción cuando toca y libertad improvisada cuando es requerida… Live in Oslo parece documentar, más que un simple concierto, una celebración de los códigos clásicos del jazz por parte de cuatro talentos que dejan sin aliento y que funcionan a la perfección uniendo esfuerzos. Ojalá esta formación no se quede en lo anecdótico y podamos disfrutar de más música maravillosa en el futuro como la recogida en este excelente disco.

BALDO MARTÍNEZ SEXTET

Música Imaginaria (Karonte, 2024)

21

Octubre, 2024

Baldo Martínez Sextet. Música Imaginaria (Karonte, 2024). Baldo Martínez, contrabajo. Lucía Martínez, batería. Juan Sáiz, flauta, saxofón. Andrés Coll, vibráfono. Joao Barradas, acordeón. Julián Sánchez, tromepta.

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Juan Fran Ese, Elvira Megías, Erre de Hierro, Antonio Torres

Dicen de Baldo Martínez que “en su contrabajo habitan todas las escuelas”, y por muy desorbitada que parezca la frase, resulta bastante más ajustada a la realidad de lo que parece. La entrega más reciente del incombustible compositor ferrolano nos llega de la mano de Karonte Records y lleva por título Música imaginaria. Se trata de un disco concebido al amparo del Festival de Jazz de Vitoria, creado gracias a una residencia artística auspiciada por el festival, y muestra del envidiable estado de gracia creativa en el que se encuentra el contrabajista, por un lado, y del importantísimo papel que los festivales juegan cuando no se limitan a programar conciertos, sino también a ofrecer infraestructuras para generar sinergias colaborativas entre artistas. En este caso, la sinergia que da forma a Música imaginaria representa un viaje casi perfecto por la geografía ibérica: a los gallegos Baldo Martínez y Lucía Martínez (batería) se unen el saxofonista y flautista cántabro Juan Sáiz, el vibrafonista ibicenco Andrés Coll, el acordeonista portugués Joâo Barradas y el trompetista granadino Julián Sánchez.

Cualquier persona familiarizada con la discografía de Baldo Martínez sabe que siempre es interesante y enriquecedor asomarse a cada nuevo capítulo de una carrera caracterizada por la excelencia (sí, así de bueno es), y en este caso la formación de sexteto elegida por el gallego viene a ser un all stars de la escena del jazz contemporáneo europeo actual. Viendo a los responsables de Música imaginaria, uno ya da por hecho que el material va a ser de calidad, pero en esta ocasión no se trata simplemente de un muy buen disco hecho por grandes músicos: este álbum es una de las obras más completas e indiscutibles que han surgido en este país en muchos, muchos años.

El sexteto excepcional comandado por Baldo Martínez nos ofrece una hora de música maravillosa, repleta de desarrollos sorprendentes y emocionantes, en forma de composiciones que vuelan libres y se van desplegando hacia caminos de una belleza arrebatadora. Todo es elegante aquí, todo suena emocional y cuidado hasta el extremo, todo encaja de una manera extraña y casi mágica en un collage improbable de jazz contemporáneo, improvisación libre y sonoridades deudoras del folklore. Todo es orgánico, natural y armonioso: hay luz en todo momento. Música imaginaria es un trabajo completísimo en el que vibráfonos, acordeones, fiscornios, marimbas y flautas se entrelazan de forma festiva, bella e imaginativa en torno a elementos más convencionales de la tradición del jazz como el saxo, la batería, la trompeta o el contrabajo para crear una obra fascinante, original, adictiva desde la primera nota y totalmente escurridiza a la hora de buscar etiquetas para intentar definirla.

Cada momento de este disco es un derroche de talento y creatividad que quita el hipo: el pulso juguetón y saltarín de “A través del muro”, en el que la banda se muestra exuberante en arreglos y explosividad tímbrica, o la solemnidad y dramatismo de “Gaia” (uno de los momentos en los que Baldo Martínez, generoso en todo momento a lo largo del disco, se pone al frente y nos regala una clase magistral de expresividad y emoción convirtiendo su contrabajo en un quejido misterioso antes de que la flauta de Juan Saiz haga despegar la pieza hacia la estratosfera); el ambiente mágico y soñador de las marimbas y vibráfonos de Andrés Coll en “Ruliña y su mundo”, con el acordeón de Joâo Barradas entregado al intimismo y a la melancolía; la belleza casi desarmante de “Luz de marzo” y sus fraseos de saxo desbordantes de clasicismo y elegancia; la abstracción desestructurada que poco a poco deriva en groove de “Todos fuera”; el misterio ambiental y brumoso de “Live in Oviedo” como cierre de disco, con la voz de Lucía Martínez resonando de fondo como lamento ancestral… El nivel creativo e interpretativo es altísimo en todo momento en este disco, y aunque no hay eslabones débiles en este sexteto (es apabullante lo bien que suenan estas seis personalidades), es de justicia destacar el trabajo de Lucía Martinez a la batería: el despliegue de recursos, versatilidad, clase e inventiva de Díaz en este álbum es de otro planeta. La brillantez y compenetración rítmica entre la batería y el contrabajo es fascinante a lo largo de Música imaginaria, ofreciendo a cada composición unos cimientos con una solidez, seguridad e inventiva que quitan el aliento y se convierten en colchones perfectos sobre los que el resto de elementos vuelan libres hasta alcanzar cotas de calidad realmente altas.

Escuchen este disco con atención, y cuando termine, escúchenlo una y otra vez; cada vez que se acerquen a él van a descubrir nuevos recodos de genialidad, talento y luz. Música que ensancha el alma.

Giuseppe Doronzo | Andy Moor | Frank Rosaly

Futuro Ancestrale (Clean Feed, 2024)

08

Octubre, 2024

Futuro Ancestrale. Clean Feed, 2024. Giuseppe Doronzo (baritone saxophone, Iranian bagpipes) | Andy Moor. (electric guitar) | Frank Rosaly (drums, percussion)

By Ricardo Vicente Paredes

Photos: Eric Van Nieuwland

In a title full of intention, the reed player Giuseppe Doronzo (baritone saxophone, Iranian bagpipes) together with Andy Moor (electric guitar) and Frank Rosaly (drums, percussion) present a diaphanous arc to reflect through their music, in the present, a future made of ancestors. A record composed of four guiding lines of thought – made up of themes from previous and current compositions. The album is a recording of the concert at the BIMHUIS hall in Amsterdam in June 2022, in the space of the complex dedicated to free jazz and improvised music.

This trio defies ready-made conventions and plunges us into primordial sound elements, whether through the use of Rosaly’s minimalist percussion, which draws subtle spectra from the cymbals, or through the use of distant voices coming from muezzins in imaginary minarets, or through the inebriated registers of the Iranian double-voiced bagpipe – the ney-anbān – operated by Doronzo. These concrete elements put into practice by Doronzo, Moor and Rosaly bring an ancestry that becomes organic and functional when intertwined with the other instruments, such as the baritone saxophone, the electric guitar and the snare drum and related percussion elements.

With ‘Neptuno’ the matrix of the discourse is inscribed, a brief entrance in which an idea of distant time is imposed, largely due to the sparse and torn timbres of the percussion brass and a languid tubular voice of breath coming from afar. In addition to the distant time orientation, they dare to play on the floor, organised by Doronzo’s previous writing in ‘Hopscotch’. An exploration between stimulus and response, coming from the release of the marker, either by the baritone or by the guitar, in a permanent rhythmic stimulus by Rosaly’s drumsticks. In a framework defined by the trio’s entertainment, it’s clear that they enjoy a broad, playful gift for understanding. A theme in which the electric strings of Moor’s guitar explore possibilities that a Derek Bailey once inscribed in the panorama of free music atonality. In another constructive revelation in real time between the three, there is the notion of sudden time, very much due to an exuberant sound manifestation. The rise of material as if it were lava through the sound of strings and drums. This is evident in ‘Magma’, where the expression of Rosaly’s dry, bubbling snare drum illustrates the matter that expels air before becoming rock. This emanation is heard in a wondrous bagpipe that leaves us in a state of sonic enchantment. The temporal idea explored so far is projected diachronically in ‘Digging the Sand’, with which they make a deep cyclical excavation of the bordered strings, a passage into the future, supported by a journey whose lulling by the sound of the muezzin’s call from on high transports this summoned ancestry. The ritualised tempo of the march is the warm, whistling phrasing that leads along an endless path that opens up to a final non-closure of the narrative, towards the future.

Since the future is only an imaginary construction, lived in the present, it is essential that it can be wished for with an idea of salvation. In this sense, and still in this time, this recording by Doronzo, Moor and Rosaly is linked to the philosophical reflections collected by the Indigenous thinker Krenak in ‘Ancestral Future’. This is the future we can start to live now, in a dance of wonder and celebration. We will have to listen with hope to the time to come, knowing how to wait for the moment when the ‘Graduate of Witchcraft’ is revealed, as a magical step that the very near future holds in the record.

TIME TO STAY – SERGIO PAMIES

Dave Liebman & Paquito D’Rivera

28

Septiembre, 2024

Texto: Pedro Martínez Maestre

New trad Records 007.  Sergio Pamies piano, composición y arreglos/ Alex Norris trompeta y flugelhorn/ Michael Thomas saxopfón alto y soprano/ Marshall Gilkes trombón/ Samuel Torres percusión/ Jimmy Macbride bateria/ Ricky Rodríguez contrabajo. Artistas Invitados: Dave Liebman al saxofón alto en “Time to Say”/ Paquito D’Rivera en el clarinete en “Nana para Sergito”. Colaboraciones: Daniel Pardo flauta en “Miold Man”/ Miguel Fernández “El Cheyenne” percusión y palmas en “Time to Say”.