CAMILA NEBBIA, LEO GENOVESE & ALFRED VOGEL

Eyes to the Sun (Boomslang Records, 2024)

25

Noviembre, 2024

 Texto: Ricky Lavado

Fotos: Concesión de los artistas

Alfred Vogel no para quieto. El austríaco lleva décadas dinamitando los cimientos del jazz vanguardista más heterodoxo, como batería excepcional y como motor y cerebro de Boomslang Records, sello inclasificable donde los haya y refugio de artistas poco dados a transitar caminos artísticos convencionales. En esta ocasión, su constante actividad colaborativa le ha llevado a sumar fuerzas con la brillante saxofonista, compositora y artista visual bonaerense Camila Nebbia. Los caminos de ambos ya se habían cruzado previamente compartiendo escenario, pero en esta ocasión su más que evidente compenetración artística queda plasmada en una sesión de grabación, completando la aventura con la incorporación de Leo Genovese. El pianista (y en esta ocasión también saxofonista) argentino es un veterano de sobra conocido en el universo del jazz contemporáneo, principalmente por sus colaboraciones con gente como Wayne Shorter, Joe Lovano, Jack DeJohnette o Esperanza Spalding; e incluso ha llegado a grabar, fuera del terreno del jazz, con los mismísimos The Mars Volta.

Si hubiera que establecer algún mínimo común denominador entre Leo Genovese, Camila Nebbia y Alfred Vogel sería quizás el del carácter escurridizo e inclasificable de su concepción de la música improvisada y libre, y Eyes to the Sun da buena cuenta de ello: un disco grabado, mezclado y masterizado en un sólo día en Buenos Aires; sin ensayos previos, sin rumbos trazados ni intenciones claras. El único plan: capturar una sesión de pura improvisación entre tres figuras difíciles de clasificar. El resultado, evidentemente, está a años luz del convencionalismo. Eyes to the sun es una tormenta de música desestructurada, ruidista y fragmentada, con el único objetivo de buscar en todo momento las posibilidades expresivas más extremas de la interacción entre pocos elementos. No hay respiro ni momentos para la calma, los más de cuarenta minutos (divididos en cuatro piezas, la más corta de las cuales supera los ocho minutos) que dura este disco dan forma a una neblina de notas inquietantes, ráfagas percusivas angulosas y furiosas, asonancias constantes y un caos general que roza la cacofonía. Salvo brevísimos momentos en los que la sutileza y el minimalismo le dan un tono más atmosférico o ambiental a la grabación (como en la misteriosa introducción de “Gint”), cada instrumento sigue su propio camino de desorden y estridencia, formando un collage sonoro caótico, arisco, cortante como una cuchilla de afeitar y, en muchos momentos y según esté de ánimo el oyente, exigente hasta el extremo. Conceptualmente, Eyes to the sun podría emparentarse con según qué experimentos de Merzbow, o con las vertientes más rudas de la Música Concreta, mientras que su sonido orgánico y acústico nos remite inevitablemente al free jazz más extremo.

Pese a que que han pasado ya muchas décadas desde que la Música Aleatoria de John Cage o, yendo aún más atrás en el tiempo, el propio Stockhausen, resultara rompedora (lo mismo ocurre con los viajes espaciales de Sun Ra o con las grabaciones seminales de Ornette Coleman o Albert Ayler),  Eyes to the sun no se limita al ejercicio de estilo únicamente; pese a ser un disco en el que prima principalmente la estética, se trata de un trabajo que busca alcanzar una sonoridad concreta y explotarla hasta el extremo, y eso en sí mismo es interesante aunque sólo sea por desubrir cómo de lejos pueden llegar tres mentes tan heterodoxas como las de Nebbia, Genovese y Vogel cuando se ponen a trabajar juntas. Como ejercicio de tensión (y resistencia por parte del oyente), Eyes to the Sun funciona a la perfección.

TRESPASS TRIO feat. SUSANA SANTOS SILVA

Live in Oslo (Clean Feed Records, 2023)

22

Octubre, 2024

Trespass Trio feat. Susana Santos Silva. Live in Oslo (Clean Feed Records, 2023). Martin Küchen, saxofón. Per Zanussi, contrabajo. Raymond Strid, batería. Susana Santos Silva, trompeta.

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Concesión del artista

Bajo la dirección del saxofonista sueco Martin Küchen, Trespass Trio es una formación con largo recorrido que desde hace muchos años ya se ha ganado por derecho propio ser una de las piezas claves del jazz nórdico de las últimas décadas. Junto a Küchen, el trío está completado por el batería sueco Raymond Strid y el contrabajista noruego Per Zanussi. Abanderados de la sobriedad, la frialdad y la elegancia; y habituales en el catálogo de Clean Feed Records (tanto Trespass Trio como otros diversos proyectos de sus miembros); resulta interesante la decisión del trío de colaborar con la trompetista portuguesa Susana Santos Silva, una de las voces más personales, interesantes y en continua metamorfosis creativa que ha ofrecido la vanguardia del jazz europeo y la música experimental en los últimos años.

Grabado en directo en la edición de 2018 del festival Noruego Blow Out Festival, Live In Oslo recoge cinco composiciones pertenecientes a anteriores lanzamientos de Trespass Trio, con la suma de Susana Santos Silva como aporte de sonido moderno al enfoque old school habitual del trío sueco/noruego. Una vez escuchado el disco, resulta imposible no envidiar a los afortunados que asistieron a dicha actuación, porque el resultado es sencillamente brillante.

Live In Oslo es un disco asentado en la tradición, que suena clásico y atemporal a la vez. No hay disrupciones modernas ni aventuras experimentales a lo largo de esta grabación; la combinación de Trespass Trio con Susana Santos Silva suena a cuarteto tradicional, como si fuera una formación con décadas de interacción a sus espaldas. En este Live In Oslo encontramos elementos de swing e incluso aromas de blues por momentos (como en la maravillosa “Sounds & Ruins”), así como melodías bellísimas e improvisaciones explosivas (“In Tears”). Hay ambientaciones sombrías y melancólicas, cercanas a un lamento, como en la inicial “A desert on fire, a forest”; una pieza apasionante en la que trompeta y saxofón se unen en una especie de canto fúnebre sobre las cuerdas del contrabajo de Per Zanussi. La compenetración entre Zanussi (esta vez tocando con arco) y el tremendo trabajo rítmico de un Raymond Strid en estado de gracia tras la batería, brilla especialmente en la cinemática y espiritual “The spirit of Pitesti”; mientras que el cuarteto derrocha clase, sinergia y compenetración perfecta al entregarse al frenetismo bebop de “A different Koko”, una relectura libre y expansiva de Charlie Parker.

Juegos veloces e inventivos de llamada y respuesta entre la sección de vientos (tanto Martin Küchen al saxo como Susana Santos Silva a la trompeta están espectaculares en todo momento), cambios constantes de tempo y ritmo en la base rítmica, subidas y bajadas de intensidad, concreción cuando toca y libertad improvisada cuando es requerida… Live in Oslo parece documentar, más que un simple concierto, una celebración de los códigos clásicos del jazz por parte de cuatro talentos que dejan sin aliento y que funcionan a la perfección uniendo esfuerzos. Ojalá esta formación no se quede en lo anecdótico y podamos disfrutar de más música maravillosa en el futuro como la recogida en este excelente disco.

BALDO MARTÍNEZ SEXTET

Música Imaginaria (Karonte, 2024)

21

Octubre, 2024

Baldo Martínez Sextet. Música Imaginaria (Karonte, 2024). Baldo Martínez, contrabajo. Lucía Martínez, batería. Juan Sáiz, flauta, saxofón. Andrés Coll, vibráfono. Joao Barradas, acordeón. Julián Sánchez, tromepta.

Texto: Ricky Lavado

Fotos: Juan Fran Ese, Elvira Megías, Erre de Hierro, Antonio Torres

Dicen de Baldo Martínez que “en su contrabajo habitan todas las escuelas”, y por muy desorbitada que parezca la frase, resulta bastante más ajustada a la realidad de lo que parece. La entrega más reciente del incombustible compositor ferrolano nos llega de la mano de Karonte Records y lleva por título Música imaginaria. Se trata de un disco concebido al amparo del Festival de Jazz de Vitoria, creado gracias a una residencia artística auspiciada por el festival, y muestra del envidiable estado de gracia creativa en el que se encuentra el contrabajista, por un lado, y del importantísimo papel que los festivales juegan cuando no se limitan a programar conciertos, sino también a ofrecer infraestructuras para generar sinergias colaborativas entre artistas. En este caso, la sinergia que da forma a Música imaginaria representa un viaje casi perfecto por la geografía ibérica: a los gallegos Baldo Martínez y Lucía Martínez (batería) se unen el saxofonista y flautista cántabro Juan Sáiz, el vibrafonista ibicenco Andrés Coll, el acordeonista portugués Joâo Barradas y el trompetista granadino Julián Sánchez.

Cualquier persona familiarizada con la discografía de Baldo Martínez sabe que siempre es interesante y enriquecedor asomarse a cada nuevo capítulo de una carrera caracterizada por la excelencia (sí, así de bueno es), y en este caso la formación de sexteto elegida por el gallego viene a ser un all stars de la escena del jazz contemporáneo europeo actual. Viendo a los responsables de Música imaginaria, uno ya da por hecho que el material va a ser de calidad, pero en esta ocasión no se trata simplemente de un muy buen disco hecho por grandes músicos: este álbum es una de las obras más completas e indiscutibles que han surgido en este país en muchos, muchos años.

El sexteto excepcional comandado por Baldo Martínez nos ofrece una hora de música maravillosa, repleta de desarrollos sorprendentes y emocionantes, en forma de composiciones que vuelan libres y se van desplegando hacia caminos de una belleza arrebatadora. Todo es elegante aquí, todo suena emocional y cuidado hasta el extremo, todo encaja de una manera extraña y casi mágica en un collage improbable de jazz contemporáneo, improvisación libre y sonoridades deudoras del folklore. Todo es orgánico, natural y armonioso: hay luz en todo momento. Música imaginaria es un trabajo completísimo en el que vibráfonos, acordeones, fiscornios, marimbas y flautas se entrelazan de forma festiva, bella e imaginativa en torno a elementos más convencionales de la tradición del jazz como el saxo, la batería, la trompeta o el contrabajo para crear una obra fascinante, original, adictiva desde la primera nota y totalmente escurridiza a la hora de buscar etiquetas para intentar definirla.

Cada momento de este disco es un derroche de talento y creatividad que quita el hipo: el pulso juguetón y saltarín de “A través del muro”, en el que la banda se muestra exuberante en arreglos y explosividad tímbrica, o la solemnidad y dramatismo de “Gaia” (uno de los momentos en los que Baldo Martínez, generoso en todo momento a lo largo del disco, se pone al frente y nos regala una clase magistral de expresividad y emoción convirtiendo su contrabajo en un quejido misterioso antes de que la flauta de Juan Saiz haga despegar la pieza hacia la estratosfera); el ambiente mágico y soñador de las marimbas y vibráfonos de Andrés Coll en “Ruliña y su mundo”, con el acordeón de Joâo Barradas entregado al intimismo y a la melancolía; la belleza casi desarmante de “Luz de marzo” y sus fraseos de saxo desbordantes de clasicismo y elegancia; la abstracción desestructurada que poco a poco deriva en groove de “Todos fuera”; el misterio ambiental y brumoso de “Live in Oviedo” como cierre de disco, con la voz de Lucía Martínez resonando de fondo como lamento ancestral… El nivel creativo e interpretativo es altísimo en todo momento en este disco, y aunque no hay eslabones débiles en este sexteto (es apabullante lo bien que suenan estas seis personalidades), es de justicia destacar el trabajo de Lucía Martinez a la batería: el despliegue de recursos, versatilidad, clase e inventiva de Díaz en este álbum es de otro planeta. La brillantez y compenetración rítmica entre la batería y el contrabajo es fascinante a lo largo de Música imaginaria, ofreciendo a cada composición unos cimientos con una solidez, seguridad e inventiva que quitan el aliento y se convierten en colchones perfectos sobre los que el resto de elementos vuelan libres hasta alcanzar cotas de calidad realmente altas.

Escuchen este disco con atención, y cuando termine, escúchenlo una y otra vez; cada vez que se acerquen a él van a descubrir nuevos recodos de genialidad, talento y luz. Música que ensancha el alma.

Giuseppe Doronzo | Andy Moor | Frank Rosaly

Futuro Ancestrale (Clean Feed, 2024)

08

Octubre, 2024

Futuro Ancestrale. Clean Feed, 2024. Giuseppe Doronzo (baritone saxophone, Iranian bagpipes) | Andy Moor. (electric guitar) | Frank Rosaly (drums, percussion)

By Ricardo Vicente Paredes

Photos: Eric Van Nieuwland

In a title full of intention, the reed player Giuseppe Doronzo (baritone saxophone, Iranian bagpipes) together with Andy Moor (electric guitar) and Frank Rosaly (drums, percussion) present a diaphanous arc to reflect through their music, in the present, a future made of ancestors. A record composed of four guiding lines of thought – made up of themes from previous and current compositions. The album is a recording of the concert at the BIMHUIS hall in Amsterdam in June 2022, in the space of the complex dedicated to free jazz and improvised music.

This trio defies ready-made conventions and plunges us into primordial sound elements, whether through the use of Rosaly’s minimalist percussion, which draws subtle spectra from the cymbals, or through the use of distant voices coming from muezzins in imaginary minarets, or through the inebriated registers of the Iranian double-voiced bagpipe – the ney-anbān – operated by Doronzo. These concrete elements put into practice by Doronzo, Moor and Rosaly bring an ancestry that becomes organic and functional when intertwined with the other instruments, such as the baritone saxophone, the electric guitar and the snare drum and related percussion elements.

With ‘Neptuno’ the matrix of the discourse is inscribed, a brief entrance in which an idea of distant time is imposed, largely due to the sparse and torn timbres of the percussion brass and a languid tubular voice of breath coming from afar. In addition to the distant time orientation, they dare to play on the floor, organised by Doronzo’s previous writing in ‘Hopscotch’. An exploration between stimulus and response, coming from the release of the marker, either by the baritone or by the guitar, in a permanent rhythmic stimulus by Rosaly’s drumsticks. In a framework defined by the trio’s entertainment, it’s clear that they enjoy a broad, playful gift for understanding. A theme in which the electric strings of Moor’s guitar explore possibilities that a Derek Bailey once inscribed in the panorama of free music atonality. In another constructive revelation in real time between the three, there is the notion of sudden time, very much due to an exuberant sound manifestation. The rise of material as if it were lava through the sound of strings and drums. This is evident in ‘Magma’, where the expression of Rosaly’s dry, bubbling snare drum illustrates the matter that expels air before becoming rock. This emanation is heard in a wondrous bagpipe that leaves us in a state of sonic enchantment. The temporal idea explored so far is projected diachronically in ‘Digging the Sand’, with which they make a deep cyclical excavation of the bordered strings, a passage into the future, supported by a journey whose lulling by the sound of the muezzin’s call from on high transports this summoned ancestry. The ritualised tempo of the march is the warm, whistling phrasing that leads along an endless path that opens up to a final non-closure of the narrative, towards the future.

Since the future is only an imaginary construction, lived in the present, it is essential that it can be wished for with an idea of salvation. In this sense, and still in this time, this recording by Doronzo, Moor and Rosaly is linked to the philosophical reflections collected by the Indigenous thinker Krenak in ‘Ancestral Future’. This is the future we can start to live now, in a dance of wonder and celebration. We will have to listen with hope to the time to come, knowing how to wait for the moment when the ‘Graduate of Witchcraft’ is revealed, as a magical step that the very near future holds in the record.