Todo funciona a la perfección en cada una de estas relecturas; la solidez de François Moutin permite un anclaje a tierra gracias al cual los desarrollos de Vistel al saxofón y el despliegue de recursos y sonidos de Arbenz a la batería no suenan en ningún momento excesivamente abstractos ni innecesariamente virtuosos; Conversations #4 suena en todo momento a tres músicos respetándose mutuamente, escuchándose los unos a los otros y, sobre todo, divirtiéndose al tocar juntos. A pesar de la calidad de las versiones mencionadas, los momentos más interesantes del disco llegan con las composiciones propias, especialmente las enrevesadas estructuras melódicas y las métricas caprichosas de “Pandemia”; y “A Shooting Thrill”, una preciosa balada intimista y frágil que supone el momento más calmado del disco y uno de sus mayores aciertos.  Para despedir un trabajo más que notable, Arbenz y compañía nos sumergen en la belleza cinemática y sentimental que nos transporta a otra época de la indiscutible “Waltz for Debby” de Bill Evans. Visto el nivel alcanzado con las primeras cuatro entregas, no cabe esperar más que cosas buenas de los próximos volúmenes de esta maravillosa serie de grabaciones.

Pero no sólo las composiciones y la producción funcionan a la perfección en Pacemaker; en este disco todo el mundo toca MUY bien. Podría sonar innecesario destacar algo así, pero en los tiempos que corren no es baladí remarcarlo; el personal que rodea a Marta Mansilla funciona como un mecanismo de relojería en el que todo suma, dando como resultado una banda sólida, creativa y brillante. Brilla por derecho propio un David Sancho transmutado en Robert Glasper por momentos; brilla (como siempre) un Alberto Brenes expansivo en la batería; y brillan los bajos negroides de Jesús Caparrós. El trabajo vocal de Virginia Alves y At One es simplemente impecable, y ejerciendo de catalizador que unifica al resto de elementos está una Marta Mansilla capaz de transitar del clasicismo a la modernidad con inteligencia, buen gusto y solvencia instrumental de sobras. Resumiendo: este disco está muy bien hecho, y en mi humilde opinión no deberían ustedes dejarlo pasar, créanme que lo van a disfrutar si le prestan la atención debida.

También están los homenajes: Laura y Every Time We Say Goodbye, dos momentos en los que quizá la identidad del trabajo queda suspendida, o salvada por los solos cuya ruptura se muestra más innovadora, ya que son contenidos a veces por melodías repetitivas, minimalistas, que los fraseos llevan al Hard Bop o al Free Jazz (ocurre en la versión de Laura, pero también en The Landing, en Hidden Light…).

Reminiscing the Unknown Masters es jazz de alto nivel fabricado por especialistas de una larga trayectoria. En las diez composiciones -cinco de Chames, una de Steve Nelson, una de Greg Tardy y otra de Curtis Lundy, más los dos standars arreglados- hay una conexión creativa y virtuosa, un diálogo compacto que, lejos de ser más de lo mismo, es puro deslumbramiento.

Un aspecto interesante de la historia del grupo es la introducción de instrumentos históricos en su diálogo musical y su entramado compositivo, incluyendo libremente sonoridades que evocan diferentes épocas y culturas. Mundos lejanos y a la vez próximos a nuestra tradición.

La grabación del álbum recrea la sonoridad de un directo y genera en el oyente la sensación de estar sumergido en el espacio resonante de la iglesia desconsagrada donde se grabó, rodeado de órganos y cercano a un misticismo poético que pretende “ensachar los corazones y generar espacio en nuestra escucha”, según palabras del propio Rembrandt. Un ejemplo de esta inclusión de ampliación instrumental en el formato a trío sería el uso de órganos, fortepianos como el que en 2014 la Fundación Nacional Holandesa de Instrumentos Musicales construyó para el propio Rembrandt Frerichs, réplica de un Walter de 1790 (el piano de Mozart), violones (por parte de Tony Overwater) y Whisper Kits (de la mano de Vinsent Planjer) consolidando una colección de instrumentos históricos y de distintas culturas. 

A su vez, los temas que se incluyen en el álbum están inspirados en los poemas de Rumi y provienen y toman raíces de lugares como los bosques de Bohemia, paisajes centroeuropeos o melodías armenias escuchadas por Rembrandt en alguno de sus viajes. También hay una composición dedicada a su hija, que trata de captar la vitalidad y sensibilidad musical de la pequeña. El álbum cuenta además con temas adaptados de antiguas composiciones como el concierto para piano y orquestra de Rembrandt Frerichs, ahora arreglado para la formación de trío de jazz. 

La larga trayectoria y el gran recorrido del trío holandés les ha permitido actuar con grandes músicos como Paolo Fresu, Vincent Peirani, Norma Winstone, Verneri Pohjola, Sylvain Rifflet y nacionales como el saxofonista Perico Sambeat, tocando en los Países Bajos, en el Madrid Jazz Festival o en el Círculo de Bellas Artes, culminando con actuaciones fuera de su país de origen como el concierto doble con el trío de Chick Corea en el legendario club de jazz Ronnie Scott en Londres, así como el concierto inaugural del Taichung Jazz Festival en Taiwan para 25.000 entusiastas del jazz. Según la aclamada revista Jazz Magazine fueron “Uno de los puntos álgidos del North Sea Jazz Festival”. 

Recientemente, el trío se ha concentrado en colaboraciones con músicos iraníes, generando proyectos con músicos afamados de la tradición persa como Kayhan Kalhor, Hossein Alizadeh, Mohammad Motamedi… y en el futuro inmediato tienen prevista una gira presentando el álbum en diferentes localizaciones de Alemania (Bremen Musiktagen), Países Bajos (Bimhuis, Projazz Den Hagg), Francia (Jazz Sous Les Pommiers), España (Escaparate de Madrid o Café Berlín) y muchas otras localizaciones que se pueden encontrar en: rembrandtfrerichs.nl/concerts/.

En palabras de la propia Adele Sauros, I Paint You es “la historia de las experiencias hermosas y dolorosas que a menudo acompañan a un viajero”. Compuesto a modo de diario durante 2018 y 2019, I Paint You narra el tiempo que Sauros pasó viviendo en Londres. Una luminosidad reconfortante atraviesa el álbum de forma transversal, otorgando a cada tema un poso de serenidad y reposo, de melancolía incluso, que convierte la escucha en un ejercicio de calma e introspección altamente disfrutable. Música sosegada y elegante en tiempos frenéticos, algo que se agradece en los días que corren. No hay experimentación ni ánimos rupturistas aquí: Adele Sauros se ciñe al sonido y la concepción tradicional del jazz, y dota a sus composiciones de una intención melódica de poso postbop y majestuosidad añeja que permite a cada elemento brillar en un juego continuo donde la libertad expresiva está siempre al servicio del tema, lejos del artificio o el virtuosismo gratuito. No hay fuegos artificiales en este disco; hay clase, buen gusto, respeto por la tradición y la voz propia de una creadora a la que vale mucho la pena conocer.

Volviendo a la idea de los cambios, a medida que el disco avanza, cada parte de una canción parece otra “microcomposición” dentro de la mayor, que sería una suma de varias. 

Ese ejercicio de melodías cambiantes, de fusión en una misma línea melódica -como la introducción del contrabajo en Changes– se va enriqueciendo y hace que la libertad tenga su punto de inflexión en los solos.

Interlude, comandado por el soprano y el vibráfono, abre la puerta a una segunda extrañeza, refinada, que se mantiene en Third Waltz y en Poema de Invierno. Por momentos, las improvisaciones nítidas son espejos o extensiones que completan la figura, la propuesta del solista anterior y proponen un molde para el siguiente. 

Otra vez la idea de las partes como un montaje móvil, pero que va dotando de forma a la totalidad.

Coming Back e Indigo Dreams cierran un trabajo de nueve composiciones propias. Como en las anteriores, las melodías se ensamblan con las improvisaciones y develan un nuevo aspecto en ese hilo conductor que son los cambios: la metamorfosis de los instrumentos. Por ejemplo, el acompañamiento pianístico de las cuerdas en Coming Back o el solo del soprano en Indigo Dreams, emulando un fraseo de guitarra. 

En este recorrido laberíntico y versátil que propone Changes, todo se transforma, muta, renace. Por eso el disco, cuando empieza de nuevo, nunca es el mismo que hemos escuchado.