In&OutJazz: Enhorabuena por los 25 años. Vamos a hacer siete preguntas.

Xacobe: Una por disco.

Una por disco, eso es. O sea, la primera es… A ver, ¿cómo surge el trío y cómo se mantiene durante 25 años?

Manuel: Surgió tocando juntos en unas jam sessions que había alrededor del año 2000. No sé muy exactamente la época y tal, pero bueno, alrededor de ese año. Y en un club de aquí de Santiago que se llamaba Dado Dadá, porque ya no existe. Entonces, bueno, entre otros, Xacobe organizaba allí unas jam sessions. Y bueno, cuando tocábamos los tres juntos parecía que sonaba de una forma un poco especial, entonces poco a poco se fue cuajando. Y bueno, un día Xacobe propuso que quedáramos. Yo creo recordar que propuse que, si quedábamos, tenía que ser para algo y no solo para tocar y tal, y por ahí fue empezando la cosa.

Xacobe: Sí. Eso es cómo empezamos. En cuanto a cómo nos 25 mantenemos años. Dale tú.

L.A.R.: No sé, pues…

Manuel: Bueno, nos mantenemos jóvenes por lo menos.

L.A.R.: Bueno, no sé. Supongo que entre los tres hay algo que hace que nos respetemos un poco entre los tres. Bueno, la verdad es que no lo sé. Porque es muy difícil, sí.

Manuel: No, pero puede que tengas razón con lo del respeto, ¿no?

Xacobe: Sí. El respeto está. Yo creo que hay respeto. También hay muchísima actividad. En los últimos años Sumrrá ha cogido un acelerón de importancia en cuanto a volumen de conciertos, en cuanto a foco, o sea que hemos estado presentes. Entonces, bueno, es intenso. O sea, como todas las relaciones, pues, oye, no es fácil, pues, porque todos tenemos mil cosas y todos tenemos un nivel de energía que es finito. Pero, sin duda, yo creo que hay respeto desde el principio. Y, bueno, y hay admiración. Yo creo que los tres nos reconocemos como individuos musicales con un carácter y con un discurso digno de escuchar, de respetar y de intentar, por lo menos en mi caso, intentar estar a la altura. Yo creo que eso es…, el respeto sí está presente, sí.

Luego, claro, son tres personalidades completamente diferentes. ¿Qué rol tiene cada uno individualmente? ¿Cómo interaccionáis los tres para formar un grupo tan sólido como es Sumrrá?

Xacobe: ¡Wow! Es la primera vez que nos hacen esa pregunta, ¿no? ¿Qué opináis? ¿Qué pensáis?

Manuel: Yo creo que los roles van cambiando, pero… no sé, bueno, hay algunos que no. Hay algunas cosas…, por ejemplo, Xacobe hace mucho más trabajo que yo en algunos aspectos.

Xacobe: Bueno, y ellos hacen otro tipo de trabajo que yo no hago, claro.

Manuel: Y bueno, hay algunas cosas… Pero después, en cuanto a la música, los roles cambian constantemente. O sea, depende de lo que estés tocando en cada momento. Una de las cosas que pasa es que no hay un líder que dicte cómo se tiene que tocar, sino que cada uno aporta lo suyo y según lo que se va tocando, van surgiendo las cosas, ¿no? Puede que haya días que nos entendamos mejor o peor, pero siempre hay esa actitud de que todo lo que va saliendo, pues, eso es lo que trabajamos. No sobre una idea prefijada o alguien que diga, “pues, esto lo vamos a hacer así o de aquella otra forma”.

L.A.R.: Sí. Luego también, bueno, no sé, yo personalmente como que tocar con Sumrrá, no es que solamente sea importante, sino que es algo así como valioso. Porque va a ocurrir algo que precisamente porque hay tres personalidades muy distintas, es posible que ocurran viajes o situaciones sonoras y musicales que de otra manera, pues, a lo mejor no te las esperarías así. Y con un aplomo y con una constancia y con un derecho y con una objetividad y con una musicalidad que hace, supongo, que sigamos creyendo en todo esto.

Xacobe: Sí, lo de los roles cambiantes yo estoy de acuerdo. Hay momentos en que musicalmente cada uno adquiere diferentes funciones, y eso permite una transmutación interna súper interesante, ¿no? Eso es una de las cosas más que abre, digamos, la paleta de colores. Yo también con Sumrrá me gusta y es una idea recurrente que tengo, que es que realmente nosotros tres es como si aviváramos un fuego que está fuera de nosotros. Es decir, Sumrrá realmente sucede fuera. Es algo difícil de explicar, pero la analogía sería esa. Es decir, la música, nosotros como que convocamos algo que sucede y estamos atentos de darle lo que necesite. Avivarlo, pero no demasiado, echarle un tipo de madera y que sea la acertada. Y entonces estamos como alimentando algo que vive durante un rato y que de repente desaparece. Y los tres, digamos, que presenciamos ese ritual y esa historia. A mí eso me parece de lo más fascinante. O sea, que no va de nosotros, ¿sabes? Nosotros somos unos espectadores más de lo que sucede desde la humildad y desde la fascinación de lo que si dejas que la música suceda, ¿no?… Nosotros sí que tenemos además la suerte de poder organizar la música, es decir, componer, ¿no? Cuando componemos, que Manolo compone y yo compongo, y traemos, digamos, los esqueletos o las piezas de cada uno de los juegos a Sumrrá y entonces como que los tres aportamos ahí, es como que puedes incidir en qué tipo de juego va a ser cada tema, ¿no? Pero esta sensación de que es algo externo a nosotros, yo creo que para mí es una certeza total. Y no sucede en todos los contextos musicales. Y yo creo que en Sumrrá ha sucedido desde el primer minuto en que los tres estábamos tocando juntos. Había algo que se desprendía y que nos inundaba y hemos gozado y entonces eso es el enganche y la fortuna que tenemos desde hace 25 años de trabajar con eso. Y es infinito, claro, o sea, la música es infinita, no se acaba jamás, ¿no? Y con esta historia de tocar tanto, tanto, tanto nuestro repertorio, o sea, hay músicas que llevamos tocando más de 20 años, y que siga habiendo recovecos y siga habiendo esquinas a las que no habías visto nunca y siga habiendo libertad y novedad, joder, es realmente una fortuna. La verdad es que es una pasada.

Y en primera persona, ¿cuál diríais que es lo diferenciador de Zunra? O sea, ¿qué diferencia Sumrrá de otras formaciones?

L.A.R.: Bueno, lo primero que es un grupo. Eso es una cosa que es increíble. Es muy difícil tener un grupo. Es muy complicado. Normalmente siempre, estamos acostumbrados a trabajar con un líder que marca cómo tienen que ser las cosas o a qué tienen que sonar, ¿no? Y aquí lo que sucede es que los tres, no sé si por la personalidad que tenemos, no sé lo que ocurre, pero ocurre algo que es que es un grupo. Y eso es muy difícil, muy difícil. Tener un grupo es muy difícil.

Manuel: Sí, claro, que no hay nadie que pueda hacer mejor lo que hace cada uno en un grupo, ¿no?

Xacobe: Claro.

Manuel: Si sacas a cualquiera, se jodió el grupo.

L.A.R.: Claro, sí.

Xacobe: Sí. Eso es, desde luego es un elemento diferenciador. Y creo que es una de las cosas que más echan en falta, en general, en la música y en el jazz. Es decir, de los referentes de, pues eso, de las grandes bandas, o sea, el cuarteto de Coltrane, o yo qué sé, el quinteto primero, o el sexteto de Miles, o tal, o sea, esos grupos.

L.A.R.: No, pero bueno, ahí estaba Miles mandando y ahí estaba Coltrane mandando. Sí. O sea, yo, pues no sé, Pink Floyd.

Xacobe: Sí. Pero bueno, el cuarteto de Coltrane, claro, Coltrane, digamos, tenía la responsabilidad, pero, hostia, realmente funcionaron como grupo, en el sentido de que cada uno conformó su forma de tocar y desarrolló su forma de tocar. Para mí, mi idea de banda, y tal, eso podría ser. Independientemente de quién ponga el nombre o tal. Pero esa idea de decir, pues eso, como entiendo que debería ser. Nos juntamos con una intuición o una motivación y creamos un espacio seguro donde cada uno pueda aportar lo que necesite aportar en ese momento. Eso, es una forma de trabajar que da una alquimia. Es lo que decía Manolo, si quitas a uno, transmuta todo, ¿no? Entonces eso, hombre, eso es un elemento diferencial.

L.A.R.: Claro, y es que también son 25 años y en otras ocasiones, en otras historias que yo veo fuera, de repente hay el nombre de un grupo, muere uno o se va y de repente llaman a otro y el nombre del grupo sigue…

Manuel: Bueno, si sucede eso no se sabe lo que pasará.

L.A.R.: No lo sabemos, pero vamos. Llevamos 25 años, de momento la cosa…

Manuel: Aquí no se muere nadie!! [risas de todos]

Xacobe: No, aquí tenemos el pacto de que cuando uno muera, el resto se lo funden todo. [risas de todos] Desde luego eso es un elemento diferenciador, sin duda, tío. Vamos, formar parte de una experiencia de grupo es la hostia, es una maravilla, es enriquecedor. Porque por mucho talento que tengas, lo que tengas es finito, ¿sabes? Es limitado. Siempre lo que tú vas a aportar en función del contexto y del marco que te dé el resto del grupo, es, ¿sabes? Es absolutamente la hostia, es grandioso, es muy grande. Y sobre todo si hay una intención común de atender el mismo fuego, ¿no? De, hostia, es realmente súper divertido. Es muy divertido y es adictivo. Y a lo mejor otro elemento más de…

L.A.R.: ¿Otro? El sonido, el sonido, ¿sabes? O sea, yo no encuentro en el planeta a un pianista que suene como Manuel. Igualmente con Xacobe e igualmente conmigo. O sea, yo no encuentro a un batería, ¿sabes? Porque normalmente somos, venimos así de escuchar un montón de gente muy buena y todo eso, ¿no? Y realmente llega un momento en el que tocante con Sumrrá es como que ya las comparaciones, o sea, no entran porque es natural. Es, o sea, es así, ¿no?

Xacobe: Sí. Yo el otro día pensaba precisamente en un momento en el domingo pasado, creo que fue el domingo pasado, tocando que dije, “hostia, o sea, en Sumrrá caben todas las músicas posibles, tío”. Y es verdad, tío, o sea, es una pasada. O sea, es tan demandante a nivel de recursos, que yo todos mis límites técnicos, conceptuales, de instrumento, todo lo he traspasado en directo porque Sumrrá me ha…, ¿sabes? Y yo creo que pasa un poco, o sea, hay días muchos en los que digo “hostia, o sea, ¿cómo es posible que Manolo esté haciendo lo que está haciendo? O sea, hoy, aquí, ahora, después de tal”. Y con Legido igual, ¿no? O sea, tenemos este… Entonces, claro, esa sensación de que ahora mismo, ya hace tiempo que la sensación de que con Sumrrá no hay nada malo que pueda pasar. Es decir, musicalmente cualquier cosa que suceda es gloria, ¿sabes? Esto es la hostia, es una especie de invulnerabilidad. Es como que siempre va a caer en un contexto que le va a dar un sentido de solemnidad, de rotundidad, de seriedad, aunque sea desde lo ridículo. Eso es lo que tiene que ser en ese momento, ¿no? Y la sensación de que estilísticamente ahora mismo Sumrrá es, o sea, cabe en todas las músicas. Se ha generado un universo sonoro en el que absolutamente, en el que absolutamente todo está presente y de repente puedes pasar de algo que suena a Schubert, a algo que suena a Cannibal Corpse, pasando por algo que suena a hip-hop y pasando por… O sea, por poner etiquetas y por, ¿sabes? Por ramalazos que pueden parecer de, “hostia, si necesito etiquetar, ¿cuántas cosas podría etiquetar en 30 segundos de Sumrrá, no?”. Joder, esa sensación de como haber creado como una especie de universo sonoro en el que todo puede suceder, ¿no? Esta obsesión también que tenemos desde el principio del trío de piano clásico de jazz, ¿qué podemos hacer con esto, no? Es decir, nosotros empezamos flipando con, bueno, con Bill Evans, con Keith Jarrett, con Brad Mehldau, con Ahmad Jamal, con todos los tríos maravillosos de piano, ¿no? Y sus contrabajistas, sus bateristas, tal. Y hacemos un disco, y hacemos otro. Y siempre buscando qué cosas quedan por hacer con el trío. Y siguen apareciendo cosas, tío, ahora mismo. Ahora mismo ya… Bueno, hablábamos antes del disco nuevo y estamos en un nivel de música-ficción, por decirlo de alguna manera. De imaginarnos conceptos y organizaciones mentales musicales que es algo muy avanzado en el sentido de nuestro propio recorrido musical. O sea, hemos llegado después de 25 años y de haber currado mucho a un nivel de abstracción musical y de juego con los conceptos que es muy demandante como músico. Pero es muy natural, es muy interesante y es algo con lo que no sé cómo curra otra gente o cómo curran otros grupos que lleven mucho recorrido hecho, pero realmente es muy natural y da la sensación de que todas las músicas están en Sumrrá.

¡Qué interesante, qué interesante! La siguiente pregunta tiene que ver con eso. La siguiente y última es ¿qué no habéis hecho?

Manuel: Pues mira, copiar.

¿Qué no habéis hecho y qué queréis hacer?

Manuel: Lo que no hicimos fue copiar, de momento.

Muy bien.

Manuel: ¿No?

Xacobe: Sí. Evidentemente no, no hemos copiado.

Manuel: Hay una cosa que yo creo que es interesante y no solo en Sumrrá o en los grupos de jazz o en lo que sea, que es una cosa de mentalidad. Que es que cuando te juntas a tocar con otros músicos en muchas ocasiones hay como una especie de intencionalidad de sonar como “lo que sea”. Creo que eso es terrible. Es lo peor que puedes hacer porque vas a acabar sonando como eso que querías si eres suficientemente hábil y vas a acabar siendo uno más de esa corriente que ya está hecha. O sea, no puedes tener esa idea de “voy a hacer un grupo para sonar como”, porque si eres malo no lo vas a conseguir y si eres muy bueno vas a conseguir sonar exactamente igual y no va a servir de nada.

Xacobe: Amén.

L.A.R.: Ya están las siete.

Ya está, perfecto. Gracias.

In&OutJazz: ¡Francisco!

Francisco Mela: ¿Quién habla ahí?

¡Hombre, qué alegría! ¡Mírale! Con la batería y todo detrás, ¡ole, ole!

¿Cómo estamos?

Nos saludamos en español y ahora le damos al inglés para que la gente lo agradezca. ¿Estás todo bien? ¿Estás en Boston, no?

Estoy aquí en Boston, sí.

¡Qué bueno!

Dime tu nombre otra vez, caballero, ¿qué es el nombre?

José. Ahí lo tienes que ver también en la ventanita.

Ah, ok, José, José. Pues, José, mucho gusto y gracias por la oportunidad.

Gracias a ti, gracias a ti. Vamos a darle ya al inglés. Let’s go, let’s go ahead. Man, it’s a real pleasure as always. We’ve had contact with you since a long time ago. I remember a nice interview with Begoña during COVID, right? In quarantine, in those times back then. And anyways, you know us already. We are an independent journal from Madrid, based in Madrid, with a lot of collaborators working to focus on the avant-garde musicians and music that is going on in this era. And Francisco Mela is such a big name, such a name, such a name for a lot of people. And of course, we do also recognize it as a big name in the music realm. And therefore, in a holistic perspective, as a human being too. Because of your artistry, because of your musicianship, and a long list that goes on. Also, you’ve done a lot of collaborations, a lot of records, a lot of music throughout your whole career. You’ve had a long career and I hope it still goes on for a long time. Anyways, thank you for being with us, it’s such an honor. We’re going to head straight to the interview. I’m going to throw you the first question. Really easy one. How are you doing? You’re at the moment in Boston. What are you up to these days? How are you feeling?

Well, well, Jose, first of all, thank you so much for the invitation. And thank you so much for all those words that you proclaimed. I didn’t know that you guys had that estimation, and that concept about me, but thank you so much. Well, to answer your question, yeah, I’m in Boston. Boston is my home base. It’s a home base because now I’m super happy to be here after moving from New York. During the COVID, you know, that was very… let’s say it was terrible. And so, I’ve been always teaching at Berklee and the commute is four hours, Boston-New York. And so, with my wife, we decided that I shouldn’t do this trip every week because I was going every week, Boston-New York.

Right.

Eight hours.

And were you catching the bus or were you doing the flight?

No, no, never fly, because fly makes me crazy.

I see.

Bus and train. And so, I’ve been here teaching. What I am up to is to create a scene here with the people that’s around me and playing music and sharing music.

Would you state that you’re a followed musician in the music scene in the States, in Boston?

The question is if people follow me or if I follow people?

Right, right. I mean, I guess the right answer to that question is yes, totally. But how do you deal with that? With the fact that you are a followed musician, a musician that actually influences the scene in which he’s living at the moment?

Well, I gotta tell you, it’s been great. I don’t know if they follow me or I follow them. But what I really know for real is that we all inspire each other. And so, we have great musicians here in Boston too. But to talk about the followers, well, I have the avant-garde community at Berklee College Music of Boston that is really growing. And somehow, Jose, I think that I’ve been pushing, because now I have two masterclass ensembles that I teach avant-garde.

Nice.

And it’s a lot of people, a lot of people that are great, and people playing differently now. They used to play one way [rigid, stiff and closed], but they now play like these multiple ways [circular-motioned, opened, free]. And so, I think that I’m inspiring some people. I mean, I’m 57 years old now, I’m not a kid no more. And so, I think that they listen to me a little bit.

Yeah, it’s natural. It’s a natural evolution. But we are thankful for that fact. Tell us a little bit about your coming shows at the Vision Festival. Are you excited for that?

That is amazing, Jose.

That’s taking place very soon, right?

Yeah! June 6^th! We want to be at the Vision Festival. And when I say we, it’s because when they asked me to present something, the first thing that I talked about was The Fringe. The Fringe is the band with George Garzone, the legendary George Garzone and John Lockwood, and the drummer who passed away three years ago, Bob Gullotti, he’s a legend there. They had this band for like 50 years, not 40, not 30… 50 years!!!

Look at that.

And so I got super lucky, Jose, because right when I moved to Boston, they asked if I wanted to join them. And I was like “my gosh, are you crazy?” And so, when Vision Festival asked me to do something on my own, I said “I can’t do this without the people that I play every Monday with!” Cause I’ve been playing for three years that I’m here now, every single Monday. And so, this is an opportunity for me, for the band, and also for George Garzone, that is a well-known, super amazing master. And I know it’s on the rate, people don’t really recognize him as the greatest that he is. And when they heard about it, they were very happy and the Vision Festival is super happy. And so, we’re going to have a minute over there, a presentation. We play every Monday, so by playing every Monday, you know how much we have to rehearsed!!? We are totally ready to go and knock out that stage.

It sounds amazing, man. I’m really looking forward to hear about your shows at the Vision Festival. It sounds exciting. Tell us a little bit more about, yeah, your trio projects and and the music you’re working on at the moment. What is the engine that draws you to make up that kind of music you make? Tell us a little bit about that music.

This is amazing. And thank you for asking me this question, Jose. I played with McCoy Tyner for 10 years, right? In 10 years, a lot of things happen, right? And so, we used to play every month, the fourth Monday. Playing with McCoy every month, the fourth Monday. It’s amazing because, McCoy wouldn’t travel that much. And so, a lot of people came. And I just want to mention two people that came. I mean, besides the big amount of people and great musicians that came. Well, you’re a drummer, let me tell you this. Imagine I’m ready to play at the Blue Note in New York. McCoy Tyner over there on the stage ready to hit. And you see a family coming and just going back and sitting down the table behind me. The grandpa, the sons, the three kids, the grandons, and all them are musicians, singers… And I started panicking like this. Can you tell me who they were? 99 years old, the drummer and his family.

I mean, if he was not the master, Roy Haynes…

Yes! Can you believe that, Jose?

Marcus and so on…

Marcus and his two songs, Craig and Graham, the trumpet player, and Leslie, the daughter, they walk like…

All the masters.

They just came to celebrate Roy Haynes’ birthday, which was that same day.

Yeah.

Oh my gosh, amazing. So, that’s one thing. Why did I get this direction? Now, well, being with McCoy, I remember that after the show, we finished, we went upstairs for the dinner and someone knocks the door… I always liked to stay with McCoy. The other musicians were in the other room, I’m wanting to be with the master. Taking care of him, “oh, do you need something? If you need anything, let me know”

That’s how you learn, man.

Someone knocks the door. “Come on in”, says McCoy. I open the door, okay. “Hey, McCoy”, says this other great piano player, amazing, another master. When I saw that guy, I was like, “Jesus!”. He looked like a baby, “McCoy, amazing seeing you, blah, blah, blah, blah, always great, you’re such an inspiration, blah, blah, blah, blah, blah, blah”. And McCoy’s sits like this, all calmed and serious, “thank you, thank you”. “Well, McCoy, I’m going to leave you alone, I gotta go, but I hope to see you soon, keep inspiring people, bye!”. He left, I closed the door and I said “McCoy didn’t you recognize that person?” McCoy said to me, all serious “I remember seeing the three of them in the front row listening to the quartet”.

Nice!

But this is only one person, who were the other two? Keith Jarret, Herbie Hancock and that guy, Chick Corea.

Look at that! I mean the three big masters, man.

The three big men. But Chick was there, and I haven’t finished. He came as I told you, looking excited like a little kid…

Right!

And I kept telling McCoy how great Chick is, all the contributions he has made… But McCoy stayed cool. And there’s another Monday, one of those months. I’m with McCoy again, and someone knocks the door. “Come on in”, says McCoy. W

Who knocked the door?

Yeah, I opened the door. There’s a little and short black guy, even shorter than me. With dreadlocks, sunglasses and a little hat, a little boina. Now, McCoy grabs the man, jumps to him, “my gosh, you’re welcomed, what an honor to have you here, blah blah blah”.

Yeah, all excited.

And I still didn’t know who the guy was. They greet each other and say bye, I close the door and I asked McCoy “who’s that person?”. And he answered “I wish I was that free… Cecil Taylor”

Oh, wow…

“Cecil Taylor, that’s the guy, Cecil Taylor!!!!” Because I never saw him before.

Okay.

Oh my gosh. And so, after that McCoy started showing me signals that he wanted to be free.

I get it.

But he wasn’t free like Cecil Taylor, but he really admired those avant-garde people. And so, just to answer the question of why I got this direction in music… When we went to Japan with McCoy, and I played very bad because Lewis Nash was in the audience with his girlfriend, and I got panicked cause I have big respect for Lewis Nash. And I was “oh my god!!”…, I couldn’t play, I couldn’t swing, I couldn’t do anything. And McCoy is like, “what’s wrong?” I said, “McCoy, send me back to New York”. He asked, “Why? What happened?”. I told him “You have Lewis Nash there, I don’t need to be here, man, you got him, like a real afro-american drummer”. He said “No!!! I need you, I need you to grow with me”

Wow!

“I have nothing to teach Lewis Nash. If I wanted him, he would be here with me, but I need you, because you are gonna pass this to the next generation.

Right!

I’ll never forget this. He said, “Mela, you play with McCoy Tyner!!! Free yourself!! We play music to free our souls!” So, when McCoy died, I became a free musician.

Look at that!!!

I went to look for William Parker, Patricia Parker, Cooper Moore…

Yeah, all the fathers of the Free.

All those guys. And I became part of the community. And now I haven’t grown so much in that community because once I started being part of them I left and came to Boston. But can you see that? They still remember me, they still like me, they still love me and they call me “Mela, you want to do something?” And that’s why I became a free musician. And I’m not even focused on the Cuban or the Jazz no more. Because the Cuban and the Jazz is all there, it’s all there.

I get it, yeah.

I don’t need to know the “chinkling chinkling”, or the “tumpa cutika cutukumba”,  no, no.  Let’s play free and in the free you get all that. And that video that Begoña posted reflects everything. Reflects the timba, the jazz, the freedom, you know what I mean?

I know, it’s beautiful. If listened to that video many times, yeah.

That video…, that is who I am, all ingredients right there.

In&OutJazz: I’m so glad to have you, thank you so much for tuning in. Thank you so much. It’s gonna be a quick and fast interview but I have to be thankful that you’re with us. We’re from In&OutJazz journal. We are a bunch of collaborators working to give a shout out to all the artists out there that are pushing the edge, you know. And, I mean, your name, Esperanza Spalding is a huge name already for you carry on your back a huge career and we are mostly honored to have you with us, thank you so much, Esperanza.

Esperanza Spalding: Thank you.

Real quick questions, don’t worry about it, we’ll set you free in a minute. We’d like to know how you’re doing and how the tour is going. You just started. How’s Europe treating you so far? Are you excited to play in Madrid tonight?

Yeah, yeah. So far it’s been really full. We were in Bratislava, and had such a generous reception and a generous welcome with artists there, getting to reconnect with friends and musicians from, you know, 20 years ago that I hadn’t seen in almost 20 years.

How great!

And then we played Paris, two nights ago and also was like a reconvening of so many beautiful artists and musicians and thinkers that I know there who came out. And I felt that love in that. You know, it feels really good to play for people that you love and know, personally.

Amen.

Their love and their knowing pulling out your best. And I know a lot of people in Madrid as well, but I lost contact with so, I’m sort of, expecting some surprises of some I’ve known through the years here. But yeah, this duo with Morgan Guerin that we’re on tour with right now, Paris was the first night that we have performed this publicly so it’s also for us very exciting. Every song, every moment is like ooooh, because it’s so new for us. So, we’re sharing in the anticipation and curiosity as we play.

Wow, sounds super interesting. We’re really looking forward to see your show tonight. So, be sure about that. We’ll be supporting you for sure.

Thank you.

It all sounds so cool. I’m curious to know about your compositional and writing process lately. Do you write on the piano? Do you write on the bass? Do you just sing melodies and then try to work on them? I guess you’ve had an evolution throughout your whole career but let us know how it is nowadays.

Yeah that process… that’s kind of always been my process, a combination of all three things that you mentioned. Mostly I would say writing at the piano. Sometimes writing at the bass and then often yeah, you know, hearing something or having an idea and it starts in the voice and the melody and the voice imply the other parts.

Right.

So then, it’s a process of on bass or on piano, you know, building a body around the DNA and the bones of the idea. And yeah, these days I’m mostly composing things that are for a specific function, like to support a friend or a relative or to help raise funds. And what I mean by help raise funds is like, leaning into the ways that music is a very powerful mover of energy, mover of material reality. So, practicing more and more, recognizing what the need really is, you know. What is the struggle? What is the challenge? What is the thing we’re trying to do? And inviting music in as an action step, as a as a part of the process of organizing ourselves or moving our efforts towards this outcome or towards this point. So a lot of the music has really been that. Very, very practical, very functional like.

I love it.

Silly examples like the city of Portland was going to decide whether or not to let an organization called Albina One purchase…, take over an old school that’s not being used.

Okay.

So, I wrote a song for that organization, Albina One, to take to their session with the city, to have it as like a…, hopefully you know, encouraging the city to move forward with this, you know.

It is beautiful.

There’s like…, it’s very infinite and endless the applications.

In&OutJazz: Según Spotify, desde el año 2020 Alain Pérez está en 93 grabaciones, 93 diferentes discos, no temas! ¿De dónde has sacado tanta música en estos últimos años?

Alain Pérez: (Sorprendido) Noventa y tres? Bueno, no son 93 producciones personales, muchas son colaboraciones y discos de diferentes géneros porque es imposible escribir tantos libros, tantas canciones. Sería el Quijote de las canciones. La verdad que sí me sorprende que esté en tantos discos, ¿porque son discos, no?

Lo son.

Es la música la que hace todo ya que a veces uno está agotado y no tiene la magia o la inspiración. Pero aun así, trato de hacer las colaboraciones con gente que me gusta, con gente que me motiva. La música es la que me levanta. Una vez que estoy en el escenario, ahí aparece el duende, el espíritu, el del más allá y también el del más aquí.

¿Tu liderazgo dentro de la música cubana actual viene acompañado de mucha responsabilidad?

La responsabilidad es con mantener el respeto hacia la música, tener una mirada honesta, una mirada sincera y evolucionar, por supuesto, pero con respeto al legado que he recibido de mis ancestros y sin olvidar a las nuevas generaciones. Ahora mismo soy un espejo para ellos. No dedico a la educación un tiempo fijo pero sí que doy muchas clases en escuelas y en conservatorios en todo el mundo sin olvidar que tengo una orquesta con músicos muy jóvenes a los que también enseño cada día.

Tu música es muy detallista y elaborada. Cada elemento tiene un sentido. Supongo que transmitir ese concepto a los jóvenes de tu banda ¿será también un esfuerzo didáctico importante, no?

Gracias por decirlo, porque a veces en estos tiempos tan superficiales encontrarse a gente que valore eso es muy gratificante. La música es cada vez más exigente. La dinámica de las canciones las tengo yo súper conceptualizada, de una forma casi exacta como un director de música clásica.

Estudiaste guitarra en la ENA, cantas, eres percusionista, bailas pero tu instrumento de cabecera es el bajo eléctrico. ¿Por qué el bajo es un instrumento tan especial?

Yo muchas veces voy al estudio y hago la canción a partir del bajo. Sí, como los funqueros, como los negros que de un groove hacían una canción. El bajo, indiscutiblemente, es el alma, el corazón de cualquier música. El bajo se apodera incondicionalmente del liderazgo, de la voz, del ritmo, de la energía. Es increíble eso.

Has dicho muchas veces que España es tu segunda casa y los que llevamos tiempo por aquí te hemos visto tocando en mil lugares. ¿Qué impacto ha tenido España en tu música?

Yo llegué aquí muy joven, con 20, 21 años (hoy tiene 48), haciéndome hombre y la sociedad española ha cambiado mucho desde entonces para bien. El mestizaje está ahora más acentuado y se manifiesta también en la cultura y en el crecimiento de los músicos. Los músicos españoles han crecido increíblemente, y me considero un poco parte de ese movimiento, al lado de Jerry González, de Enrique Morente, de las noches del Café Berlín. Pero el mayor impacto que yo he sentido, y que cambió mi vida para siempre, fue el flamenco. Pude conocerlo de frente. Empezar a vivir con los flamencos y con los gitanos fue algo increíble. Mi primer mentor fue Enrique Morente y así crecí, de la mano de Niño Josele, de Javier Limón, de El Piraña, de El Paquete, que son, tú sabes, referentes muy grandes de esta música. Ellos a su vez, también se iban alimentando de lo que traíamos nosotros, de la mano de Jerry, de Caramelo, de la rumba cubana, y eso fue tan bonito que yo creo que ha cambiado el sonido de la música de España para siempre. Todo el mundo está influenciado ahora mismo por la música cubana, más que nunca. Si hasta tuve la bendición de tocar con Paco de Lucía….

¿Cómo era hacer música con el genio?

¡Diez años trabajé con él! Paco era un gran virtuoso, pero era sobre todo un profundo. Era capaz de tocar tres notas de una manera que nadie ha tocado con ese alma. Paco para mí era como un maestro, un sabio, del que yo estaba siempre pendiente para ver qué decía. Me tenía enganchado y me gustaba como él escapaba siempre del personaje famoso de Paco de Lucía. Nunca iba de famoso ni de estrella sino que era más humilde que nosotros y tenía como un peso animal, como si fuera un toro. Venía con una energía que pesaba.

Un poco como tú, ¿no?

Otro personaje fundamental del latín jazz en España con el que tocaste tantas veces era Jerry González. ¿Qué te dejó haber hecho música con él?

Jerry era entrañable. Lo único que quería era música. Era increíble, altruista, muy talentoso y no tenía ambición material alguna. Todo era vivir para la música. Era un tipo súper honesto en todos los sentidos que vivía para su trompeta y sus congas. Tenía ese desenfado, de decir, mira, yo soy así, lo tomas o lo dejas. Todo esto fue una enseñanza muy importante para mí.

Alain Pérez nació en el pueblo azucarero de Manaca Iznaga, cerca de Trinidad y a los 9 añitos ya se fue a vivir a Cienfuegos a casa del director de un grupo llamado Cielito Lindo donde, siendo tan pequeño, inició su carrera. Luego vino la ENA, la famosa escuela de musica de La Habana donde se graduó en guitarra al tiempo que empezaron a llegar las palabras mayores de la mano del eterno Chucho Valdés en Irakere y del fantástico músico Isaac Delgado. Su primer álbum El Desafío ya lo grabó en España en 2001 y aquí se quedó hasta que en 2017 decidió volver a su tierra donde ahora es uno de los mayores referentes de la musica popular, sobre todo como cantante. Ya Paco de Lucía me decía, tu terminarás cantando…, recuerda.

Pocos músicos que emprenden el camino de vuelta a Cuba en un momento en que el país está pasando por momentos tan difíciles. ¿Cómo fue que decidiste volver y cómo estás allí?

Yo regresé a Cuba por la música pero si no hubiera encontrado una buena escuela para mis 2 hijas no regreso (estudian en la escuela española de La Habana). Curiosamente, cuando me vine a España me traje a mi familia y ahora yo me volví y ellos se quedaron aquí. Es increíble, ¿no? Luego, cuando empiezo a presentar mi musica en Cuba, el cariño y la energía de la gente me envuelve, me atrapa de una manera que no puedo evitar. Vuelves al patio de tu casa, te quitas los zapatos y dices, yo estoy jodido pero estoy en el patio de mi casa, ¿tú me entiendes? Esa conexión, ese compartir con los tuyos es lo que me inspira y me mantiene allí. Un poco como ocurre en el mundo del flamenco. Sin embargo la situación allí es terrible y aunque siempre hay que tener esperanza, yo me miro en el prójimo. No puedo ser indiferente a eso y yo canto también para ese pueblo que está jodido, para ser un instrumento de alegría para ellos.

Y en Cuba tu música explota…

Yo ya venía creciendo y era como un volcán a punto de estallar. Digamos que después de toda mi experiencia anterior, imagina que hasta hice arreglos para Celia Cruz, ya estaba formado. El vino ya estaba bueno para empezarlo a tomar.

Además de tu trabajo con La Orquesta mantienes un quinteto de latín jazz y un trio más flamenco. ¿Qué papel juegan para ti estos otros palos?

Es parte del abanico de Alain. Siempre me fui moviendo en diferentes estilos manejando la musica con libertad. Poder tocar un poco de jazz me mantiene exigido. La musica popular tiene limites y el jazz es una musica que me aporta mucha libertad.

Casi se puede decir que vas a acabar la producción de tu nuevo álbum justo después de esta charla. Háblanos un poco de él.

El disco lleva como nombre Bingo. ¡Sonó la campana, pum! Desde que Dios me escogió para este camino, sonó la campana en mi vida. Creo que Bingo es mi mejor disco. Llega en un momento de madurez, de acercarme más a la música para repartir alegría, de abrazar. Llega para decirle a la gente joven que sí se puede. Hoy es todo cada vez más crudo, más metálico, con la gente mirando números. Pero la música no es así. La música es muy barata, va por otro lado.

En cuanto al sonido, Bingo viene reafirmando el de los últimos álbumes que estoy haciendo en Cuba. Está basado en el color de ADN y en el Cuento de la Buena Pipa. Tiene composiciones de mi padre Gradelio, otras que hicimos con mi hermano Rainer y también Antonio Gómez Gil. Con estos compositores es como si jugáramos al dominó. Ya hemos jugado otras veces y siempre la hemos pasado muy bien.

Junto a su coleta, Alain Pérez es también conocido por otro fetiche, su bastón, un homenaje a Beni More, a esa elegancia, a mantener los pies en la tierra, a estar firme también con el pasado.

Le dejo recostado en el sofá antes de que se ponga los cascos para conectarse con el estudio de Miami y terminar de cantar Bingo, su nuevo paquete concentrado de energía y pasión por la música. Ojalá que nunca se corte la coleta.

In&OutJazz: Bueno, David, tío, grande. ¿Estás nervioso o qué?

David Sancho: Sí, estoy nerviosillo, sí.

Pero suena increíble, tío.

Bueno, me alegro.

Suena increíble.

Dentro yo estoy cómodo.

¿Tienes ganas del bolo?

Tengo muchas ganas, tío. Estoy ahí bastante ilusionado.

Venía escuchando el disco en el coche, diciendo “estos tíos son unos maestros, tío”. Hagáis lo que hagáis hoy, va a ser para todos nosotros un gozo.

Me alegro mucho, tío. A ver qué tal. Estás ahí, te tiras ahí una temporada larga, primero en la escritura de los temas, luego que si los grabas, luego que si los mezclas, luego que si haces el disco… Es un proceso muy largo y parece que en hora y media de música o de directo se te van dos años casi de vida y trabajo.

No, no. Es como parir un hijo, tío, en vivo y en directo y perderlo a la vez, ¿no? Es parirlo y perderlo.

Sí, joder, es un proceso bonito. Pero bueno, da nervios también, claro.

¡Qué guapo, tío!

Lo primero de todo, gracias.

A ti. Por estar con In&OutJazz, por estar con nosotros y poder concedernos tu música, tu arte y tu sabiduría, tío. Colaboramos juntos varios compañeros en la revista para empujar a tope la música que proponéis algunos, que es realmente fresca y nos ayuda a todos.

Te lo agradezco mucho.

Y la tuya mínimo es eso, ¿sabes? Y nada, sí que me gustaría saber dos cosillas rápidas.

Sí, cuéntame.

Vamos a empezar en nada y nos lo vas a contar todo con la música. Pero cuéntanos un poco de la tremenda formación, tío. O sea, desde Barrueta hasta Amara, ¿sabes? O sea, todos, tío, Jesús, Marta, o sea.

Sí, mira, yo en un principio llevo desde 2022 con el trío, la sección rítmica, que es siempre es con Jesús Caparros y con Borja. Y bueno, hay veces que cuando Borja no puede, pues viene Rodrigo Ballesteros, ¿no? Para este disco, como tenía algún pasaje más orquestal, que quería hacer alguna estructura un poco más larga, dije, “mira, pues voy a aprovechar con instrumentos que a mí me gustan mucho como empastan”. Que suelen ser el violín, viento madera y así. Contactar con Marta no fue difícil, pero bueno, quise llamar a Amara y la verdad es que en el disco tocan mucho menos de lo que van a tocar en directo.

¡Qué guapo!

Porque tuve un muy buen feedback y muy buena experiencia en los temas con ellas en directo y decidí básicamente hacer arreglos para casi todo el concierto para que ellas puedan tocar todo el bolo.

¡Qué guapo!

Y luego, joder, me hace ilusión poder invitar a Rodri que, cuando no puede Borja, él es quien toca. Igual con Fran, con quien también toco con mucha frecuencia. Y con Kike también estoy tocando mucho.

¡Qué grande Kike!

Y para el último tema, en Déjalos Entrar, que sí conté también con diferentes baterías como Pete que está ahora lesionado y entonces no puede tocar, pero bueno, se recuperará.

¡Grande Pete!

Y quería de repente montar ahí un buen lío ahí.

Una buena sarandonga.

Una buena sandunga.

Claro, tío. ¡Qué grande!

Y por último Toni, el cantante, que también es el cantante del Eme Eme Project. Y, joder, pues me ha ayudado en el tema de Mind in Progress a cantar el estribillo.

Qué guapo. A nivel compositivo, ¿Tú cómo compones a día de hoy? ¿Cómo has enfocado este proyecto? Que suena increíble, tío, hay de todo. Se escucha hip hop, se escucha jazz, se escuchan amalgamas.

Sí.

Se escuchan todo tipo de influencias, tío.

Sí.

Entonces, ¿qué y cómo haces para componer? ¿Cómo compones tú? ¿De dónde nacen las ideas? ¿Qué haces? ¿Qué te fumas? ¿Si es que fumas algo?

No, no, no.

Grande, David.

Pues mira, depende un poco de lo que esté buscando. Hay algunas cosas que han salido a nivel de miniatura, de samplers, algo mucho más cercano al hip hop. Hay otras estructuras que han salido más de mi formación en música clásica, más sinfónica, o bien del Pat Metheny Group, que hacen temas con desarrollos muy largos. También he bebido mucho de ahí y eso me ha supuesto mucho esfuerzo a la hora de componer. Horas de estudio, de ensayo, de prueba y error. Y luego también, pues hay música clásica, hay ECM…

Qué bonito, tío.

Ese tipo de sonoridades, de sonidos también un poco más etéreos, más aéreos. Pues un poquito de jazz también tradicional, un poquito de electrónica y mucho de rock progresivo también, claro.

Amén.

Y ahí hago yo mucho de guitarrista con los pedales, ahí, las distorsiones…

Mola mucho, de hecho no hay guitarristas, tío, en la formación.

No hay guitarristas, y los siento por ellos. Me gustaría poder llamarles.

El espacio que dejas aparentemente abierto cuando en la mitad de la composición visual y gráfica está solo Jesús, tú estás a un lado, Borja al otro, y luego toda la composición de, que si flauta, violín, percusión, ¿no?

Sí.

Pero de repente, a nivel de instrumento categórico, dices “ostras, está David cubriendo muchas facetas”. ¿Cómo lo vives eso? Hombre, estás a cuatro manos, tío, o a cinco.

Estoy, bueno, a las que se puede. Bueno, pues como Gallagher, o como Marcos Llorente.

¡Qué grande!

Cubriendo mucho campo. Sí, hay veces que pienso que quizás a veces me paso, porque claro, está claro que en los discos acabo cubriendo muchas capas. Y esas capas, en directo, son muy difíciles de generar, y más con una música que está viva, donde no hay claqueta cuando tocas en directo, tocando jazz.

Sí, sí.

Pero bueno, mira, a mí el sonido del Fender Roads siempre me gusta mucho. Yo soy guitarrista frustrado, bajista frustrado y baterista frustrado.

¡Qué cabrón!

Y esas sonoridades me gustan. Y de repente con síntesis también, con el OP-1, con samplers puedo de repente…

Generar esos colchones, esos ambientes sonoros.

Sí, sí, o de repente soltar a McCartney diciendo alguna cosa, o a Espineta o alguna cosa así.

Mola mucho, tío.

Y eso me gusta porque hace que la música pueda ser un poco más holística, ¿no? O sea…, para mí es difícil… O sea, a mí no me gusta… A mí me gusta decir que soy músico, y sí, probablemente sea músico de jazz, pero en mi música hay muchas influencias. Y me parece que todas son válidas y lo que intento es que todas sean orgánicas.

Y mola mucho.

Y no pienso en que este tema tiene que ir por un lado o por otro.

Eso.

Pienso que tiene que ir por donde a mí me guste y…

Que sea puro David Sancho, tío. Y con todos los que estáis, que por eso te preguntaba lo primero de todo, porque lo que más mola de tu música, tío, es que cada uno de los que estáis ahí, escribís el significado de esa música, ¿sabes? O sea, que por mucho que sean composiciones de David, que se escucha a Barrueta, que se escucha a Marta, que se escucha a Jesús, que se escucha a Fran, que se escucha a Kike, que se escucha a Toni, que se escucha a Amara, ¿sabes?

Es que si no, no tiene tanto sentido. O sea, por supuesto que hay muchas composiciones que las he hecho cerradas, pero si cuento con los músicos que cuento es porque ellos tienen una historia que contar por ellos mismos. Y si no consigo que ellos puedan ser ellos mismos… O sea, por supuesto que hay que hacer ciertas directrices pero imponer cómo se tiene que tocar…, cuando son tan buenos músicos hay que imponer muy poco.

Amén, tío.

Y ellos hacen lo mejor para tu música y a la vez ellos sacan lo mejor de ellos mismos.